Paco se especializó sobre todo en la zarzuela. https://es.wikipedia.org/wiki/Francisco_Kraus_Trujillo

Uno de esos ejemplos perfectos que se pueden mencionar cuando hablamos de los nuevos argumentos de la ópera contemporánea.

Se dice que la primera vez con una obra marca y no se olvida. Esta fue mi primera Traviata, que escuché en disco a la edad de 12 años, cuando recién empezaba a disfrutar del género. Aún me recuerdo grabándola de CD (prestado) a casette en mi equipo de música y anotando los nombres de las pistas con mi letra infantil. Hoy ya cada vez más cerca de los cuarenta, he querido acercarme a su versión en vídeo, ahora que el Real la va a representar estas semanas.

Esta Traviata scaligera tiene dos razones: Riccardo Muti y Roberto Alagna. La grabación es de ellos pese a que les acompañan una estupenda Tiziana Fabbricini, conocida solo por este registro, como Violetta y Paolo Coni como Germont Padre. Habría, sin embargo, una tercera: la clásica producción de Liliana Cavani, que lleva 35 años en cartel en la Scala.

La producción de Cavani es clásica y lujosa, un regalo para la vista, aunque como en las producciones de su inspirador, Zeffirelli, cae en las escenas más populosas, en el horror vacui. Además la filmación tampoco se ahorra detalles, y así podemos deleitarnos con la rica ornamentación de la protagonista en el primer acto. El lujosísimo salón de este acto está ocupado por una mesa central, y al fondo unas enormes puertas que muestran otro salón. El segundo acto es una igualmente lujosa y espaciosa casa de campo, presidida por una mesa de billar donde juega Alfredo, a la izquierda un secreter y una cama. Una enorme ventana muestra la luz del día que a lo largo de la escena se convierte en apacible atardecer. La segunda escena de ese acto es un lujosísimo salón rojo, en el que Violetta lleva un vestido a juego con la decoración. El tercer acto es una habitación enorme, oscura, iluminada un poco cuando Annina abre las cortinas. Pese a esta intoxicación por lujo, la producción trabaja la dirección de actores. De este modo vemos a Violetta taparse ansiosa los oídos al oír detrás de escena los cánticos amorosos de Alfredo, la inmadurez de éste al humillar a Violetta y luego poner cara de lamento, tras la bofetada que le da su padre; o el sufrimiento de Violetta en el tercer acto, algo que la soprano transmite muy bien.

El maestro Muti dirige a una Orquesta de la Scala con la que se entiende muy bien, y así su interpretación es intensa, ágil, con tensión dramática, de este modo el preludio, con un sonido brillantísimo, parece venir desde lo más profundo del alma, con un arranque inicial de las cuerdas con un toque casi místico, para luego agilizarse. Del mismo modo, el preludio del tercero es de una arrebatadora tristeza. El Coro, con toda su experiencia, actúa y canta enérgicamente.

Fabbricini era bastante joven, tan solo 31 años, cuando se dio a conocer en esta Traviata, pero tuvo una carrera corta, y se dedicó al repertorio contemporáneo y a la enseñanza. Tal y como la recordaba, es una voz que suena fresca, juvenil, y que se entrega por completo a la representación, siendo además buena actriz. Diría que su voz tiene un peculiar timbre, que transmite la fragilidad y la tristeza del personaje.

Alagna empezaba aquí su brillante carrera. Y desde luego su Alfredo es vigoroso, juvenil, impulsivo, un muchacho en definitiva. Su voz suena brillante, enérgica, en plena forma (aunque el O mio rimorso le cuesta un poco), y eso que esa voz maduraría todavía, hasta cimentar su fama actual. Como actor está mejor en los momentos más juguetones del personaje que en los dramáticos como en el tercer acto.

Coni es un notable barítono. No tiene la garra escénica de un Nucci o la apabullante fuerza de un Bruson, por mencionar a sus famosos colegas de entonces, y de hecho su juventud le juega una mala pasada a la hora de hacerlo creíble, pues cuando se sabe su edad (33 años) uno lo ve ya como el hermano mayor más que como el padre de Alfredo. Vocalmente es agradable de escuchar, y comparado con lo que hay hoy en día, su canto es aseado. Hoy sería una estrella mundial.

Poco más que añadir, que los comprimarios son excelentes, y que el exigente público de La Scala no aplaude con tanto entusiasmo los grandes números. Hacía 26 años que no se programaba el título en la Scala, y lo más probable es que hubiera aún muchos viudos de Maria Callas (a quien Fabbricini se parece físicamente), aún vivos y entre el público. Los mismos que metieron tanto miedo al teatro que se pasó la friolera de esas tres décadas privando al público milanés de esta joya.

Quería cerrar esta reseña diciendo que, al hacer este ejercicio de memoria, y en parte a la calidad de la representación, que me he emocionado con esta obra como no lo hacía en mucho tiempo. Hasta me ha devuelto un poco de fe en esta obra que había perdido, y eso es maravilloso. He vuelto a amarla.

Dos obras breves y deliciosas (no llegan a la hora y media en total) de Maurice Ravel, un compositor que en mi opinión está creciendo en el aprecio de teatros y público, y que nos cuentan sendashistorias, amables y llenas de un sentido del humor inteligente y cercano a la vez. En este CD, Lorin Maazel dirige con su acostumbrada solvencia a la Orquesta Nacional de la Radio Televisión Frabcesa.

Mi historia personal con el Merlin de Albéniz tiene largo tiempo. Allá por el 2002, cuando yo era adolescente, un amigo (que no conservo) me dijo que la escuchara, que era muy wagneriana. Al hacerlo, tuve un flechazo con esta ópera de bellísima música. Por suerte para mí, un año más tarde pude verla escenificada en el Teatro Real. En ese entonces, cantaba Eva Marton el rol de Morgan le Fay. Sin embargo, no pude verla, porque tuve que coincidir con otra amistad (que tampoco conservo), el día que iba, por que tenía que asegurarme que me devolviera un disco que le presté, el Evangelimann de Wilhelm Kienzl, por lo que fui al segundo reparto, del que poco recuerdo salvo que la Nivian, Kathleen Broderick, tenía una voz poderosa. Dos repartos tuvo esta ópera en su presentación de lujo. Pese al éxito de la grabación en disco, ya un clásico, las funciones en vivo no despertaron el entusiasmo del público. De hecho, muchos testimonios que recuerdo de gente que fue, incluido ese amigo con el que coincidí, eran de tedio e indiferencia. Aquellas funciones fueron preservadas en un vídeo con el primer reparto, una transmisión por televisión y luego un DVD, pero esta ópera desapareció de la circulación, salvo por una exhumación en Alemania en 2011.

Como es sabido, esta ópera surgió de la colaboración fructífera de Albéniz con Francis Money-Coutts, un rico banquero inglés que quiso crear una ópera nacional inglesa, con un ciclo artúrico, así como el alemán Wagner hizo con su tetralogía, el último grito por entonces. Antes de este proyecto, el dúo creó una ópera sobre un personaje de la Inglaterra medieval, Henry Clifford, y Pepita Jiménez. Cuando llegó el turno de la prevista trilogía artúrica, Albéniz solo completó Merlín, y un poco de la segunda ópera, Launcelot. Reescuchándola de adulto, no sé qué pensar: es una ópera bellísima, y con un importante potencial musical: requiere una gran orquesta, la música tiene envergadura wagneriana, y resulta bastante moderna muchas veces, influido Albéniz por toda la vanguardia de su época. Sin embargo, la pretenciosidad es su perdición: pese a su belleza, la música no siempre va de la mano con la trama, por momentos es apoteósica, parece querer crear un estilo nuevo, pero también se pierde en el estereotipo: así el primer acto es bastante irregular en su fuerza dramática, aunque el final es espléndido. La primera mitad del segundo acto también adolece de este problema, pese a que mejora: la entrada de los nobles es un interludio precioso, quizá inspirada por la de Tannhäuser, que a veces me evoca que podría poner música a un desfile de modas. Posiblemente la "tibieza" de la música en esta primera mitad de la obra pudiera tener un motivo: la juventud, la bondad y la generosidad de Arturo. Sin embargo, todo cambia cuando todos se han retirado, Morgana se queda sola y entra Nivian, la esclava de Merlín, quien le pide ayuda para liberarla del yugo al que el mago la tiene sometida, así como a sus hermanas. Tiene su ironía que el mejor momento lírico de una obra de grandes pretensiones sea el intimista dúo de dos mujeres, una tierna melodía de cuerdas que suena como una caricia, cierra ese gran dúo, cuando Nivian acude al llamado del mago. El tercer acto es el más peculiar, empieza bucólico, continúa con la frenética danza de las hermanas de Nivian y los gnomos, y termina con la apoteosis de Morgana al ver a Merlín encerrado por su esclava. Además, la partitura suena muy española, especialmente en el lirismo del preludio y de las danzas.

En lo que a este DVD concierne, la puesta en escena de John Dew es bastante notable. La producción es clásica, con un excelente vestuario, y una estética "artúrica", pero también evocadora de lo sobrenatural y mitológico. Parece como si hubiera una división entre el mundo de Merlín, representado en la parte delantera del escenario, con unas paredes rocosas y una enorme lanza (guiño wagneriano a Wotan) que es la varita mágica; y al fondo el mundo de Arturo. En el lado izquierdo del escenario, desde el punto de vista del público hay una enorme piedra con la espada Excalibur en ella. Durante el preludio, se ve a Merlin en solitario invocando sus conjuros. El primer acto revela un impresionante retablo de estatuillas humanas con una aureola. En el segundo acto, el retablo desaparece y revela un bosque de varas, en las que hay cadáveres de soldados caídos en batalla, para luego volver, ahora con las estatuillas en posición de ahorcado. Una curiosidad, no siempre exitosa, es que aquí ya hace aparecer a Ginebra, ya como pareja de Arturo, como una bella mujer desafiante con Merlín y muy coqueta con los nobles. Algo que choca porque el libreto hablan de ella como si aún no fuera la reina. Al final del acto, una vez desaparecido el retablo, aparece Merlín en un halo rosa, llamando a Nivian a acudir con él. En el tercer acto, en la primera escena se ven de nuevo esas varas, pero ahora ya no acogen cadáveres, sino representan el bosque y a su alrededor el cuerpo de baile representa a parejas de amantes, lideradas por Ginebra. En otro giro argumental del director, ahora se ve a Lanzarote, el futuro amante de Ginebra, presentado por Morgana, y quien se une a la danza. Pese a que la música lo indica, cuando no lo sugiere, el exceso de danza puede resultar cargante. El baile de los amantes del primer cuadro da paso al lúgubre y frenético de Nivian, sus hermanas y los gnomos, estos vestidos de modernos mineros, y el bosque da paso a una cueva representada por troncos de árboles, en la que Merlín queda atrapado al final. La obra se cierra con el monólogo final de Morgana mientras Ginebra y Lanzarote retozan.

Nadie mejor que José de Eusebio, artífice de la recuperación de la obra, y director de la grabación discográfica que ganó un Grammy, para dirigirla. Y su espléndida dirección al frente de la Orquesta del Real no es muy distinta de la del álbum, si acaso un poco más rápido. Lo mismo aplica al coro.

El principal reclamo es la Morgana de Eva Marton, quien a sus entonces 60 años, ya estaba con la voz muy rota y gritada. Sin embargo, su presencia escénica es aplastante y su figura matronil y su mirada congelante la hacen idónea para el rol. Pese a que musicalmente es difícil oír su ya gritado canto, aún es capaz de momentos tiernos como en el dúo con Nivian en la frase "win it by womanly wile", bellamente cantado.

Carol Vaness, también con la voz ya madura y a veces también gritada, es Nivian, pero sin duda la suya es una interpretación igualmente magnética: la sensualidad con la que aborda el rol, dentro de lo que le permite su estado vocal, transmite lo erótico, así como lo vengativo y resentido de su personaje. Esta Nivian madura es una mujer frágil y maltratada que usa el sexo para sobrevivir y finalmente librarse del malvado mago.

Un aún desconocido Stuart Skelton interpreta al Rey Arturo, con una voz fresca, heroica, en contraste con el lirismo de un maduro Plácido Domingo en el disco, si bien el aria del tercer acto "In maytime" le cuesta un poco en el agudo.

Notable y cumplidor David Wilson-Johnson como Merlín, pero sin llegar a la nobleza y autoridad de Carlos Álvarez en el disco. Su Merlín es más bien intrigante y grotesco, especialmente en el tercer acto.

El resto del reparto está formado por artistas españoles, como el gran Ángel Ódena como Mordred, hijo de Morgana, o Stephen Morsheck como el Arzobispo de Canterbury y Ángel Rodríguez como Gawain, que repiten sus mismos roles que en el disco.

Al final del vídeo se ven aplausos corteses y poco entusiastas, salvo para Carol Vaness que sí se lleva alguna ovación.

¿Merecía más esta ópera? Mi corazón dice que sí, mi experiencia no lo tiene claro. Sorprende que el Albéniz lírico, prácticamente olvidado, pudo llegar a estas cotas de creatividad y riqueza orquestal, aunque no pudieran competir con Bizet, Strauss o Puccini. Una pena que esta ópera no se asentara en el repertorio ni en Inglaterra, ya que es una obra original y allí entonces no había tradición operística consolidada, ni en España, donde el idioma es la principal barrera, junto a la complejidad de la partitura. Una pena, porque su bella y espectacular música merecían mejor trayectoria y presencia, sin ser tampoco Salomé o los Gurrelieder. Sin embargo, seguiremos celebrando al Albéniz de Iberia, y la zarzuela como la cima de la lírica en español. Así sea, pues.

George Benjamin es uno de los compositores vivos más prolíficos y reconocidos del universo operístico, y algunos dicen que esta es su mejor obra. Lo cierto es que es muy interesante y, además, la realización del DVD es notable.

Cuatro micro óperas que componen una de cámara muy original y de estética vanguardista. Se utilizan los dos de los idiomas más habituales en Norteamérica y la percusión juega un papel determinante.

Termino este operístico recorrido por mi adolescencia con este DVD de La Dolores de Bretón que compré el año pasado en un mercadillo religioso, como un recuerdo de aquella función a la que asistí el 2 de octubre de 2004, cuando tenía 16 años.

El mismo examigo que me recomendó el Merlín de Albéniz por ser wagneriana, también me recomendó La Dolores de Bretón por el mismo motivo. Cuántas cosas debo agradecerle a aquél muchacho. Siguiendo su consejo la escuché, en el famoso CD con Plácido Domingo, y recuerdo el preludio del tercer acto me cautivó por su densidad y su belleza. Realmente era una página wagneriana en su estilo. Por ello, cuando la programaron en la mítica temporada 2004-2005 del Real (que contó con la Cleopatra de Massenet con Caballé, el Barbero con el joven Flórez, el Lohengrin de mi vida con Meier y Seiffert, la Traviata con Amsellem, Bros y Bruson o la escandalosa Flauta Mágica de La Fura dels Baus), no dudé en ir a verlo. Recuerdo además que ese día se ponía en pantalla gigante para miles de personas en la Plaza de Oriente. Incluso al salir del teatro me animé a cambiar impresiones con un joven argentino que la había visto fuera, sentado en el suelo de la enorme plaza.

Siempre me pareció una ópera amena, o al menos no me costaba tanto esfuerzo como la zarzuela. Revisitándola ahora, he de decir que me gusta menos que Merlín, pero me sigue pareciendo una ópera amena y con una interesante orquestación. Por supuesto, los potentes preludios del primer y tercer actos, además de esa famosísima jota que nada más oirla pone los pelos de punta (sobre todo en ese famoso vídeo de Plácido Domingo en el Madison Square Garden), siguen siendo mis momentos favoritos, así como los versos de la famosa copla que Lázaro y el jotero cantan en determinados momentos de la obra. Pero hay más: el acto segundo también tiene una deliciosa introducción orquestal, y las arias de Lázaro en dicho acto y de Dolores en el tercero son deliciosas.

En lo que al DVD concierne, recuerdo que en vivo la producción de José Carlos Plaza era bastante oscura, con diapositivas proyectadas sobre el escenario que dificultaban la visión de la acción. Recuerdo haber leído que estaba ambientada en la posguerra, lo que se refuerza tras ver el DVD ya que la ambientación es en un Calatayud miserable, con proyecciones de casas pobres y degradadas, con la gente con vestuario de colores de tonos oscuros, salvo Dolores que lleva un vestido rojo. El preludio tiene lugar, según Plaza, en una estación de tren, donde varios emigrantes llegan desde el campo, y una acongojada Dolores deambula, mientras la gente parece estar rumoreando sobre ella. Entonces tiene lugar la acción. Plaza huye de un costumbrismo de estampa, para mostrarnos la España negra, aquella que oprime al que tiene la culpa de salirse de lo establecido, en este caso una Dolores deshonrada por Melchor, en la que no falta el rico, el militar, el tonto, el seminarista inseguro y el chulo semental, todos quieren a esa mujer sola que es señalada por ser bella y haberse enamorado dos veces del hombre equivocado. Claro que la filmación del vídeo refuerza ese enfoque con una imagen un tanto difuminada, iluminada en el centro con una luz más intensa.

Antoni Ros Marbá dirige a la Orquesta del Teatro Real, con Ara Malikian como primer violín, en una interpretación colorida, y sacando dentro de sus posibilidades la riqueza orquestal, aunque la orquesta aún era inexperta. Destacables el coro y el cuerpo de baile de Miguel Ángel Berna.

El reparto está formidable, especialmente Elisabete Matos con un timbre dramático, que convierte a su Dolores en una mujer de carácter, pero aún así a merced del patriarcado de la sociedad rural. Deliciosa su interpretación de la romanza de Dolores en el tercer acto; un formidable Ángel Ódena como el malvado Melchor y Darío Schmunck como un Celemín de bellísimo timbre lírico y muy bien cantado.

Alfredo Portilla como Lázaro tiene una voz agradable, pero le es problemático el agudo. Muy bien cantados Enrique Baquerizo como Patricio y el veterano Stefano Palatchi como un divertido y bien cantado Rojas.

Afortunadamente se ha preservado este DVD como testimonio videográfico de una de las más exitosas óperas españolas, que hoy en día es recordada solo por su emocionante jota, pero que es toda una rareza. En Madrid solo se ha visto dos veces en veinte años, y he tenido la suerte de estar en ellas. Bretón intentó acercarse al wagnerismo y le salió una amena obra.

Mauricio Sotelo no puede, ni supongo que quiere, evitar que el flamenco entre, atraviese, su obra clásica y en esta ópera, que no fue muy bien recibida, es la columna vertebral sobre la que se apoya. A mí tal mundo me queda bastante lejano, lo reconozco, pero es inevitable que el encuentro se produzca.

Estamos ante una ópera muy moderna, estrenada en 2015 y ante la que muchos huirían como de la peste, víctimas de sus prejuicios. Y, sin embargo, harían los adictos al bel canto muy bien en escucharla porque es una historia operística sobre la ópera, con continuas alusiones al pasado musical. Además, la grabación es en directo y difícil se les hará encontrar otra grabación en la que haya más risas. El buen ambiente que se desprende de la grabación es contagioso.

Ya se sabe que la definición de ópera se ha ido -como es lógico, por otra parte- modificando a lo largo del tiempo, hasta el punto de que hoy podemos vivir espectáculos que son definidos como ópera aunque a veces pueda chirriar tal decisión. Angel's Bone es una performance de una mujer china, Du Yun -por cierto, ¿existe alguna manera de saber el género de los nombres chinos?- en la que la libertad de la compositora, sustancialmente más joven que un servidor, le lleva a introducir aspectos musicales mucho más cercanos al rock o al teatro mismo que a la ópera convencional. Y, sin embargo, me encantaría poder vivirla en directo. Por cierto, esta ópera fue Premio Pulitzer.

Otra obra contemporánea compuesta por una mujer; estos días me estoy dando cuenta que tengo más obras de mujeres compositoras de las que pensaba. Este es otro ejemplo de ópera cercana al lenguaje propio del rock y otras musicales actuales cuya definición desconozco.

He tenido la oportunidad de escuchar en directo este radiodrama tres veces en escenarios bien distintos y lo cierto es que no deja de ser un experimento interesante. De hecho, es la única grabación de las miles que dispongo que la guardo en formato digital.

Hace pocos meses tuve la oportunidad de escuchar dentro de la temporada de abono de la Sinfónica de Euskadi el Concierto para percusión y orquesta de este compositor, Detlev Glanert, que fue un espectáculo digno de ser visto y oído. Hoy esta ópera de un compositor que acabo de ller en Wikipedia, tiene compuestas un total de catorce, lo que no está nada mla. Es muy interesante.