Hacía tiempo que tenía ganas de ver esta Lulu, con nombres verdaderamente históricos. Se trata del estreno en Austria de esta obra, si bien ya en 1949 se había grabado una versión para radio en el país. Si bien la Lulu de Deutsche Grammophon que se edita junto al Wozzeck es una de las cimas de la discografía de esta obra, esta versión quizá por ser la primera en Austria es más modesta, pero tiene la autenticidad de la función en vivo.

En los años 60, dos nombres estaban ligados a esta obra: Evelyn Lear como Lulu y Karl Böhm dirigiendo la orquesta.

Si bien Evelyn Lear no es tan juvenil como Anneliese Rotheberger (vocalmente superior) o Anja Silja (un torrente dramático y de grandes agudos en sus inicios), es indudable que el dramatismo y el atractivo físico de la soprano estadounidense la convirtieron en referencia. Su voz es más oscura, más parecida a una soprano dramática, que la soprano de coloratura para la que se pensó el rol. Y sin embargo, funciona y resulta bella. Su Lulu es descarada, burlona, pero irresistible. Los agudos son impresionantes, y ese tono oscuro conviene dramáticamente en el segundo acto, con una apreciable versión del aria del segundo acto.

Paul Schöffler es un Doctor Schön histriónico, cuyas tablas retratan lo cansado y patético del personaje. Vocalmente gastado, pero solvente. Rudolf Schock es Alwa, si bien con un tono más propio de un spieltenor en el primer acto, pero su registro de heldentenor aparece en el final del segundo acto, en todo su esplendor, cuando su personaje se entrega a la mujer fatal. Gisela Litz es una Geschwitz muy atractiva, con una voz acontraltada pero firme, dramáticamente convincente en su breve intervención final. Josef Knapp es un Schigolch solvente, en una época en la que se cantaba por bajos de carácter y no por leyendas en declive, tradición que empezaría con Josef Greindl y sobretodo Hans Hotter unos pocos años más tarde. Kurt Equiluz es un estupendo tenor, con una voz bella y potente en el rol del trágico pintor. Por otro lado, es un placer ver a veteranos como Alois Pernestorfer como el domador yAnni Konetzni como la encargada del vestuario.

Karl Böhm es uno de los grandes referentes de esta obra, aunque le tocó una época donde se representaba la versión en dos actos al no estar disponible la tercera debido a la negativa de la viuda de Berg, si bien en este mismo año en que se filma esta representación (1962), Friedrich Cerha había recibido clandestinamente el material del autor que llevaría a la feliz conclusión en 1979. Böhm dirige una versión romántica, opulenta, centrada en cada detalle de la obra, frente a la rapidez y visceralidad de un Boulez: parece dirigir Berg como si estuviera dirigiendo a Schubert o Mozart, y el resultado es bastante bueno. La Wiener Symphoniker no parece estar muy puesta en la obra todavía, de hecho al principio el viento metal anda perdido, pero a partir del intenso segundo interludio la orquesta alcanza el nivel deseado.

La puesta en escena, poco favorecida por el blanco y negro y la calidad de la época, corre a cargo de Otto Schenk. Realmente es bastante funcional y conservadora, con lo que poco puede comentarse. En el prólogo se ve un telón con imágenes de animales del que el ayudante del domador saca a Lulu, siempre sonriente, en brazos. La protagonista lleva el característico Pierrot, aunque en un modelo que deja ver las estéticas piernas de la señora Lear. Dado que estamos ante la versión en dos actos mas las dos piezas sinfónicas finales, la última escena es una barraca de madera, y la Geschwitz recita, no canta, su trágico soliloquio frente al retrato de Lulu, completamente desgastado, y que solo deja a la vista el rostro, mientras que en los dos actos se veía claramente el cuadro entero con su seductor cuerpo. Esta versión se nos queda ya bastante conservadora, pareciendo más un viejo thriller negro ya bastante visto.

Una versión de alto valor histórico con dos referentes en la discografía de esta obra, imprescindible para los amantes de esta obra.

Hoy, "Aroldo", la única ópera de Verdi que no había visto ni siquiera en video, aunque sí la conocía, y mucho, en audio. Youtube es una mina. Función de Piacenza (2003). La obra nunca fue muy difundida, y cayó totalmente en el ostracismo, lo cual me parece injusto, a partir del descubrimiento en 1968 de su antecesora "Stiffelio" supuestamente perdida . Dirige Pier Giorgio Morandi. Cantan Gustavo Porta (Aroldo), Adriana Damato (Mina), Franco Vassallo (Egberto), Enrico Giuseppe Iori (Briano) y Valter Borin (Godvino). El nivel general, sin ser memorable, es totalmente satisfactorio, detacando Vassallo. La producción, con un cambio de época que no chirría demasiado (dentro de lo que cabe, claro) es aceptable. En conjunto, una buena función.

Durante el largo confinamiento en la primavera pasada, cuando el mundo estaba encerrado en casa y algunos países tímidamente retomaban su vida cultural, en la ciudad de Wuppertal, el tándem artístico -matrimonio en la vida real- formado por las cantantes Lucia y Ariana Lucas filmaron un cortometraje con una adaptación del dúo del Viandante (en realidad el dios Wotan) y Erda de la ópera Siegfried, de Richard Wagner. El proyecto se llama Coffee, Gin, and Murder: A guide to quarantine in 24 m2, que en español significa "Café, ginebra y asesinato: una guía de cuarentena en 24 m2". El rodaje tuvo lugar en la casa de las artistas, y para este montaje se han creado referencias como un dibujo de las tres nornas, por Ariana Lucas, así como una botella de ginebra con el nombre de "Siegfried", entre otras cosas. El acompañamiento de piano corre a cargo de Rainer Armbrust.

Esta versión transcurre en una ciudad moderna. Wotan llega apresurado al domicilio de Erda, edificio donde al parecer viven todos los personajes del Anillo. Al llegar a su casa, se quita la mascarilla, los guantes y se lava las manos, que es el nuevo rito de limpieza para prevenir el virus. Levanta la sábana de la cama donde duerme, y mientras él prepara un café. El dúo de conjuro a la diosa de la sabiduría aquí se convierte en una discusión; y ante las evasivas de Erda, el dios termina asesinándola. Tras reflexionar y mostrarse optimista por el futuro, es decir el encuentro entre Sigfrido y Brunilda, Wotan cierra la casa y deja cuidadosamente el cuerpo de Erda en la cama, tras lo cual deja el lugar.

Lucia Lucas es una cantante transgénero estadounidense, quien tras su transición a una identidad femenina, ha podido mantener su voz masculina de barítono; con la que ha hecho una importante carrera. Ha sido la primera artista trans que ha protagonizado un montaje en su país, y ha interpretado varios roles wagnerianos y verdianos en Alemania, donde vive actualmente. Además, ha sido también la primera cantante transgénero en ser contratada por el Met de Nueva York, un pequeño rol en la ópera Billy Budd, cancelado por la pandemia. En esta ocasión interpreta a Wotan, con su estupenda voz, y momentos de un gran nivel y con algunos sonidos que recuerdan a John Tomlinson o Alan Titus, capaz de unos graves bellos, dando al personaje una capa de experiencia, autoridad propias del jefe de los dioses.

Ariana Lucas, su esposa, es una contralto apreciable, un tono oscuro y graves aterciopelados, y una dicción exquisita, con un "Stark ruft das lied" para el recuerdo.

En aquellos días, cuando la vuelta a los teatros se aún antojaba lejana, y el mundo se detuvo, muchos artistas tuvieron a bien alegrarnos la vida con estos entremeses musicales desde la intimidad y acogida de sus domicilios. Y fue de agradecer, en esos difíciles momentos.

Siempre tendré dudas sobre cuál es la versión DE ESTUDIO número 1..¿Ésta, la de Nilsson -Scotto o Metha?

Nilsson I frente a Nilsson II Warner. Más elaborado en la segunda grabación y con un legato a años luz de mostrado por Caballé y Callas en sus grabaciones EMI-WARNER. Nada que ver...pero nada en absoluto. Deslumbra la sueca en el Acto II, pero en el III es más rutinario, más elemental su canto...menos fino.

Corelli siempre lo he considerado como una gran voz.... grandísima pero de muy difícil manejo, esa forma de cantar en algunos pasajes movidos...sobre todo en el Acto III....no sé...prefiero el manejo de la fase de Bjorling, aunque en este punto es cierto que puedo ser subjetivo. Desde luego, la belleza del sueco esta presente.. y sí veo una entrega, un esfuerzo interpretativo que sin ser excelente es importante.

En fin.. tres grandes voces...y una dirección más vibrante que la de Molinari Pradelli

Resumen: no las tiene todas consigo Nilsson en Turandot...en mi modesta opinión.

En relación con el argumento, he leído en este foro comentarios de diversa índole sobre Calaf, Turandot ...sobre su realidad como personajes...me han causado sonrisa algunos. No dan con el quid del asunto.

Aquí hay dos modos de enfrentarse al libreto:

1 analizarlo desde el punto de vista realista, surgiendo problemas serios
2 encuadrarlo en la leyenda.

Si cogemos la opción 1, Calaf es un hijo de ... o poco menos y Turandot un personaje "por hacer". Tendría que haber hecho Puccini una trilogía: Los Enigmas; la toma de conciencia de Turandot; La decisión final sobre su destino -suicidio o vida de arrepentimiento y dolor- Desde luego, desde una óptica realista, no cabe "Happy End"

Si lo encuadramos en la leyenda, la cosa cambia. Pasa algo parecido con las sagas patriarcales del Génesis: tradiciones orales que se transmiten de padres a hijos y que poco a poco van perdiendo en detalles y se centran en el núcleo, puesto que la memoria humana es limitada. Junto con eso, paulatinamente deforman un hecho, lo exageran y lo nacionalizan.

Aquí pasa lo mismo: Puccini copia ese mecanismo de transmisión y da como resultado la puesta en escena de una supuesta leyenda de la legendaria China transmitida oralmente, resultando una historia comprimida, esquemática y de final feliz, como seguro que supuestamente contaría ese imaginario abuelo a su nieto. Una mujer vencida por el amor, sirviendo de enseñanza a su nieto imaginario.

Si nos vamos a esta opción, se diluyen todos los peros que se le ponen.

Hoy, "Adriana Lecouvreur". Grabación de la RAI (1951). Cantan Carla Gavazzi (Adriana), muy metida en su labor, con un adecuado estilo verista, si bien excesivamente enfática en los dos "parlati". La voz no es mala, pero tiene bastante vibrato. Giacinto Prandelli (Maurizio), bien de voz y componiendo convincentemente su cometido. Saturno Meletti (Michonnet), dando una adecuada versión del bondadoso personaje. Muy bien en su aria. Miti Trucato Pace (Pincesa de Bouillon), con medios vocales modestos, saca adelante el papel. Plinio Clabassi (Principe de Bouillon), bien en general. Dirige vigoriosamente Alfredo Simonetto. En conjunto, una versión que, a pesar de los años transcurridos, es totalmente asumible, aun estando lejos de lo memorable.

Durante el otoño pasado, en la ópera de Hamburgo tuvieron lugar representaciones de un programa doble: el Pierrot Lunaire de Arnold Schönberg y La voz Humana de Francis Poulenc. El teatro ha lanzado en streaming la primera parte del mismo, con la banda sonora de las representaciones y una película animada en 3D (que sirvió de acompañamiento en las mismas) a cargo de Louis-August Krawen.

La película de Krawen muestra la interacción de la obra con la naturaleza, en la que la luna tiene un enorme protagonismo, así como la de Pierrot, representado aquí como el hombre moderno, con el entorno que le rodea, en este viaje espiritual a través de las pasiones, la blasfemia y la introspección, que Schönberg sacó de poemas de Albert Giraud. En la primera parte se ve la naturaleza, la luna, minerales, y tres personajes que actuarán en las dos restantes. En la segunda y tercera parte vemos una imponente infraestructura de una ciudad moderna, propia de una película de ciencia ficción, así como imágenes de ese edificio, con un impresionante concierto de DJ con luces estroboscópicas. Al final, cuando Pierrot regresa a Bérgamo, aquí un islote en medio del inmenso mar, este se aleja pasando de la oscuridad de la noche, a un rosa liláceo amanecer que da un color pálido al mar. Una recreación brillante, que teletransporta las emociones de la obra a una época moderna, haciéndola muy entretenida.

Kent Nagano dirige brillantemente el conjunto orquestal, acompañado de tres voces femeninas, una para cada parte. La primera es cantada por la mítica Anja Silja, de 80 años, y referencia absoluta en esta obra y este repertorio. Silja declama la obra con un dramatismo visceral, y su voz ya avejentada (que inevitablemente refuerza este histrionismo) aún presenta sonidos del que fue su tan característico timbre, del mismo modo que su abierto pero impactante agudo aún parece asomarse en algunos momentos. La segunda parte fue recitada por la soprano Nicole Chevalier, con una voz desgarrada, y la tercera por Marie-Dominique Ryckmanns, con una agradable voz de soprano de coloratura, algo tan paradójico para la tormentosa y poco agradable tercera parte.

Es de agradecer que este streaming nos permita ver la obra maestra de Schönberg como nunca antes la habíamos visto, y volver a escuchar, aún en su vejez, a una de las divas más grandes de la segunda mitad del siglo XX, en una música en la que es una total autoridad.

Finlandia es un auténtico vivero de interesantes compositores que han escrito mucha ópera y de gran interés. Punainen viiva (La línea roja) es otro ejemplo; es un título que tiene ya casi medio siglo -Sallinen lo estrenó en 1978 en Helsinki- y de cierta popularidad en su país natal. La línea roja es referencia doble: por un lado a la marca a realizar en las elecciones finlandesas de principios del siglo XX. Por otro, la marca de la sangre del protagonista, Topi, un hombre pobre que sufrirá hasta su fallecimiento de lamentables condiciones de vida y que se verá atraído por las ideas de la socialdemocracia marxista de la época, aunque todo le llegará demasiado tarde.

Ha sido la primera vez y habrá nuevas oportunidades, sí. Una obra recomendable.

Recien se ha publicado el CD del concierto que recoge el cartel arriba expuesto. Mejor esta imagen que la inadecuada carátula del CD, ocupada con una fotografía de Andeka Gorrotxategi y relegando a Ana Otxoa a la invisibilidad y el tema, arias de óperas vascas y en euskera a lo mismo. Muy desafortunada.

Por lo demás, el CD recoge lo mejor del concierto del 30 de diciembre de 2019 al que pude asistir y que significó la recuperación agradecible de diecisiete arias, duos y piezas orquestales de diez óperas vascas, algunas de ellas bien conocidas (Amaya, Mendi mendiyan, Mirentxu), otras recordadas aunque ignoradas enlos teatros (Oleskari zarra, Txanton Piperri, Iziar) y otras solo encontrables en menciones musicológicas (Maitena, Erramuntxo, Bide onera, Anboto). De estas diez óperas he podido ver en directo tres y tengo grabación de otras dos; de hecho, creo tener en casa todas las grabaciones hoye xistentes de óperas vascas en euskera y apenas llegan a las diez, lo que dice muy poco de la labor realizada por las instituciones públicas en los últimos cuarenta años.

Recientemente se ha grabado -el pasado septiembre- Maitena, de Charles Colin y espero poder disfrutarla pronto en formato CD, única forma de dejar a las próximas generaciones algún vestigio sonoro de nuestra música. Parece que el proyecto es grabar al menos otras dos obras asñi que habrá que felicitarse.

La mejor version en estudio es la de Franco Ghione con Gina Cigna, Francesco Merli y Magda Olivero. Con muy buen sonido en la edición de Naxos.Grabación de 1938.

La tengo firmada por la Olivero

Usted cree?

Lo digo honestamente, sin segundas.

La escucharé de nuevo. Lo hice hace tiempo y si bien es cierto que el legato de Gina es superior a Nilsson...no sé...había algo que no me agradaba....la escucharé.

Nilsson nunca me convenció en el Acto III...prefiero a Callas/Sutherland o Caballé de EMI -donde canta su mejor acto III-

Gracias a los dos. Impresionante el detalle de Carl Tunner.

Que sí...que Corelli no es Fausto ni Sutherland Margarita...pero tiene algo que engancha. Decía crítica Scherzo: "Sutherland deslumbra en Lakme y atormenta en Fausto" frase lapidaria...yo creo que exagerada.

Pues acabo de escuchar los fragmentos más importantes. Nunca le presté mucha atención. Siento decir ésto, porque Gigna Gigna compone la mejor Turandot que he escuchado por fraseo, por interpretación. Es tal el "bel canto" , el canto bello que aplica a su personaje que me he rendido a sus pies. Lamento que tan tarde en mi vida diga eso. La única con una potencia en el sector agudo parangonable a la Nilsson pero además muuucho más idiomática, con un legato tan bello como irresistible: filados y medias voces y una forma de ligar las frases ausente en Nilsson I. Un centro carnoso, bellísimo...mediterráneo y una interpretación estupenda. Es una pena el ERROR que comete el que hizo la grabación al saltarse "nel primo pianto", puesto que ese aria te explica un poco lo que pasa y pasó por la cabeza de ese personaje "sin hacer, abstracto" que es Turandot.

La intervención de Olivero en la escena de la muerte es la mas emocionante que he escuchado de toda la discografía que hay. Eso es claro. Un control del fiato insuperable y un trabajo de la palabra y la expresión de una grande. Es cierto que hace años escuché su "signore ascolta" y no me gusto - aún hoy - prefiriendo a una Tebaldi, L. Price o Caballé...pero en el acto III....insuperable.

Creo que sí ...que estamos ante la mejor Turandot - personaje - registrada y ante la más emocionante muerte de Liu.

Escuharé más a la Gigna - cierto que salí "espantado" de su Norma ( Milanov creo que es de las precallasianas la más atendible) pero su Aida del 37 la tengo pendiente. Al escuchar su "Qui Radamés verra...." he pensado: ésta es una Aida como debe de ser. Centro precioso, el do del aria anterior seguro y firme. En Aida el centro - yo no sé que piensan ustedes - es fundamental , junto con un fraseo fantasioso y maleable, con flexibilidad vocal, con regulaciones. (Una Aida sin piano o sin capacidad de apinanar...ufff...malo)

No olvide algunas palabras para don Francesco Merli, que es el segundo en la lista de reparto de esa portada de la Naxos.

Por no olvidar el bajo verdadero de Luciano Neroni.