Tenida siempre como una versión de todo respeto dentro de la (afortunada) discografía de la obra, considero que o bien la lectura de Erich Leinsdorf siempre arrastró una cierta sobrevaloración, o bien la evolución de la interpretación de Verdi y del gusto del aficionado la ha envejecido de forma inmisericorde.

De todo lo cual, el principal responsable es, sin duda, el propio Leinsdorf, quien, con perdón, no entiende el Ballo in maschera: no se trata solo de rutina, ejecución instrumental no más que mediana, ataques bruscos (qué cosa el cierre del acto II), prisas y falta de pulcritud, sino de verdadera carencia de un discurso narrativo, de misterio, de poesía, de un criterio (¡o al menos, una opinión!) sobre qué nos quiere contar con esta historia. Una de las peores labores de un director, por otro lado, no especialmente congenial a este repertorio. Así, el reparto se ve en la necesidad de crear la teatralidad y el dramatismo de la obra en absoluta soledad, algo que solo logra en parte.

Carlo Bergonzi fue el Riccardo de su generación y de las demás. De sus múltiples acercamientos al papel que se conservan (dos en estudio y varias en vivo, alguna preservada en imágenes), sigo teniendo predilección por su primera lectura de estudio, en DECCA, donde la elegancia del canto alcanzaba, en mi opinión, su cénit. Aquí, menos brillante, está como siempre aristocrático, divertido, sensible, noble, y por supuesto, bien voz y completamente en estilo.

También coadyuvan al rescate parcial del disco Shirley Verrett (siempre una grandísima cantante, aunque su instrumento Falcon, en plena juventud, no se adecúe muy bien a la tesitura tan grave de Ulrica) y Reri Grist, peleando con enorme profesionalidad contra la doble antipatía que genera entre los aficionados el papel de Oscar y las voces de soubrette (algún día nos tendremos que poner a hacer el recuento de cuántas sopranos ligeras, músicos de lo más respetable y en ocasiones verdaderas artistazas, fueron desterradas de la memoria de los hombres por mera estética instrumental).

Pero en esa ingrata labor cooperan mucho menos Robert Merrill, que tiene la preciosa voz de siempre y canta tan aburrido como siempre, un equipo de secundarios de perfil bastante romo (Piero de Palma aparte, y a lo sumo, Ezio Flagello), y sobre todo, la Amelia errática de Leontyne Price, que pese a su fantástica voz, no llega a estar arrebatadora casi en ningún pasaje (Amelia es un papel mucho más exigente en el registro centro-grave de lo que aparenta a primera vista, y esa zona fue siempre problemática en la voz de Leontyne), aparte de que traducir continuamente la feminidad de Amelia (que debería ser intensa, enamorada, íntima, asustada y conmovedora) bien en frases abstractas o bien en arranques de énfasis vacuo (y normalmente, sobre su vacío registro grave) superficializa toda la actuación. Frases bonitas, muy bonitas incluso, claro que hay, pero el drama de la esposa atrapada en una pasión prohibida por el mandatario tiene que imaginársela el oyente muy mucho.

En suma, un Ballo sin batuta, con muchas grandes voces y con algunos grandes artistas, donde los que se enteran de lo que va la obra tratan de compensar, con irregular fortuna, a los que no se enteran.

Y de acuerdo en el análisis de la grabación

La producción, como es habitual en esta colección, es de la compañía Damunt y está realizada en Las Palmás de Gran Canaria. Los principales cantantes son Elisa Velez, Vicente Lacarcel, Elu Arroyo,... Es de una modestia sin par aunque mi madre es muy feliz viendo este y otros DVDs de zarzuela.

Ópera que pudo verse en la anterior temporada en los teatros de Toulouse y Bordeaux, al menos.

Ayer, “La Vestale”. Función de La Scala (1993). Grabación casera en cassette de Radio Clásica. Versión francesa. Dirige Muti, que se erige en protagonista, haciendo sonar gloriosamente a la orquesta. Julia es Karen Huffstodt, una soprano de la que nunca más se supo. Da la impresión de que imita a la Callas. Su francés es ininteligible. Licinius es Anthony Michaels-Moore, un barítono, supongo que a causa de la “fidelidad a los orígenes” típica de Muti. Quizá su primer intérprete fue un “Martin”, típica vocalidad francesa que, como se sabe, es al tenor lo que la “Falcon” a la soprano. Patrick Raftery es Cinna y Denice Graves la Gran Vestal. Todos ellos, en la áurea discreción de las versiones “de director".

En la década de los 50 mientras en Gran Bretaña emergían algunos compositores renovadores y más jóvenes, caso de Benjamin Britten, William Walton suponía el estilo viejo. esta ópera, para la que necesito siete años, sin ser una maravilla se deja oír con gusto, especialmente el acto II.

llevo una semana sumido en esta grabación, aunque quizá sea más adecuado decir que, en realidad, hace un mes que no salgo de "I Puritani" y encallé especialmente en esta edición. probablemente sea mi versión favorita de esta ópera, que cada día se configura como mi preferida de Bellini. sí, "Norma" es una catedral como pocas, pero "I Puritani" tiene ese algo que la hace una obra colectiva, y no soprano-dependiente como el título de la sacerdotisa.
la otra gran versión, aquí sospecho que coincidiremos, es la de Bonynge para la Decca. la dirección del "maridísimo" puede que tenga más color, más pausa en el acompañamiento a la Stupenda, pero Muti, este Muti primigenio, sacude la partitura con ese brío tan necesario para no caer en el aburrimiento. ¿que falta algún sobreagudo añadido? sí, ¿y? ¿desluce eso la grabación? creo que en absoluto.
es cierto que a Caballé esta Elvira le habría venido mejor cinco (o diez) años antes. pero saca el papel adelante con una lección de clase. en algún momento alguna nota por arriba puede sonar fija, y su personaje tiene momentos muy señorones, de poco espíritu pizpireto y mucho abrigo de visón. ay amigos, no contaban con esas notas flotadas, esos pianísimos marca Caballé, que fijan y dan esplendor.
Agostino Ferrin no es Nicolai Ghiaurov. poco que puntualizar ahí. Mateo Manuguerra, por el contrario, creo que aguanta la comparación con Piero Cappuccilli, por más que sus medios no tengan el lujo del triestino.

dejo para el final la comparación Pavarotti-Kraus. es un duelo desigual, porque nos encontramos ante el Pavarotti de voz argéntea por excelencia, en plenitud de facultades a sus 38 años, que canta un Arturo de una belleza extrema. el registro agudo es puro brillo, la frescura del canto apabulla. sí, todo esto es cierto.
pero por algún motivo que no acierto a explicar, el que me subyuga es el Arturo de un Kraus ya maduro. 52 años contemplaban al maestro canario. y ahí tienen al tipo. vale, el color no tiene ese brillo, pero ¿y cómo dice las frases? ¿y cómo acentúa? oigan, eso vale un potosí tan squillante como el timbre de Pavarotti. súmenle a que, por ejemplo, en el tercer acto lo tienen aligerando la emisión en la canzone sin que el sonido suene afalsetado. en su caso, la edad no es excusa para esconderse en los ascensos al agudo. no se deja uno atrás, y suenan plenos, poderosos, si bien un pelín faltos de fulgor. hay algo de emocional en la interpretación de Kraus, probablemente de admiración al artista que se enfrenta al Arturo y lo saca con esta alta nota.

(he aparcado conscientemente incluir en esta comparación la conclusión del Credeasi, misera; limitar el personaje a dos notas dos es ridículo).

Con esa grabación se despedía del personaje. Nunca lo volvió a cantar.

Hoy, “Elektra”. Versión del Real (1998). Grabación casera de TVE. Dirige García Navarro. Cantan muchos y muchas. En los papeles principales, Kenett Riegel (Egisto, bien), Hans Tchammer (Orest, bien), Anne Gevang (Clitemnestra, regular), Ana María Sánchez (Chrisotemis, muy bien), y Eva Marton (Elektra, espléndida). He rememorado una gran versión de concierto que se dio, con las dos últimas intérpretes, James King y una fabulosa Rysanek, en el Palau de la Música de Valencia algún año antes. Aquella fue la ocasión en que más cerca estuve de hacerme straussiano.

Coincido en que es una buenísima versión en conjunto (aunque, en mi opinión, la Caballé es el punto débil del reparto, con diferencia), pero sobre todo destaca la labor de Muti, quien da una lección magistral de lo que significa dirigir belcanto: el color, la atmósfera y el contorno es de un romanticismo auténtico, y la manera de cantar la melodía belliniana es único. Y que conste que la versión de Bonynge en ese aspecto es también muy buena, pero Muti es Muti, es italiano, y además es de Nápoles .

Esos Puritani forman parte de mi discografía desde hace más de dos décadas y la tengo firmada por Caballé, Kraus y Muti

Una lección del Maestro Kraus y del Titán Muti.

Hay frases de Kraus en esos Puritani que parece increíble que pueda cerrarlas en un solo fiato, sin forzar un ápice, con un legato tan perfecto y un fraseo belcantista de tal altura. Y ese aura señorial se ajusta como un guante al personaje.

Un servidor también la daría una oportunidad a una grabación precedente a ambas, donde los dos protagonistas están superlativos: Beverly Sills y Nicolai Gedda.

La dirección siempre competente de Julius Rudel tampoco desmerece.

Quizás se puedan poner como lunares a Louis Quilico y Paul Plishka (este último quizás no tanto), pero supongo que el presupuesto no alcanzaba para tanto.

Digan lo que digan, pero ese Vieni fra queste braccia de la grabación Caballé/Kraus, que es un momento culminante de la ópera, sin los elementos de tradición, queda siempre con un sinsabor. Hasta el maestro Kraus se percibe como incómodo.

Además recordemos que son dos versiones si se quiere internamente no comparables, pues en la Decca se canta el Dal que dí y el Ah! sento mio bel angelo, que no están en la versión EMI.

Por otra parte, la versión ABC/MILENIUMM CLASSICS/Westminster The Legacy, no tiene el Dal que di , pero sí el Ah! sento mil bel angelo.

A mí me gusta más la Decca. Cappuccilli y Ghiaurov son muy superiores a Manuguerra y Ferrin. La Sutherland, en Elvira, estaba mucho más "a suo agio" que la Caballé, y entre Pavarotti y Kraus, siendo dos grandísimos Arturos, me quedo con Luciano.

Cappuccilli está muy mal, Manuguerra tampoco está bien, pero mejor que el italiano.