Dido and Aeneas

Cantantes… Voy a hablar primero de otros aspectos, y dejo las voces para el final.

Función de alumnos de conservatorio, con sus virtudes y defectos, y como tal hay que enjuiciarla. Es muy loable el esfuerzo de conjuntar dos jóvenes orquestas, que en general sonaron bastante limpias y afinadas, aunque sin el swing que debe tener el Barroco, y más en una ópera donde hay tanta danza. La clavecinista fue una excelente continuista a lo largo de toda la ópera, tanto en escenas de conjunto como en recitativos y arias, con un conocimiento de la ornamentación y el estilo que sólo cabe aplaudir.
Los coros también sonaron bien, muy especialmente "A Cappella", situado en el foso.
El ballet hizo lo que pudo, con grandes desigualdades de nivel y de técnica entre sus componentes, en una coreografía no historicista, medio clásica, medio contemporánea, medio no se sabe…

Siento decir que ni canto, ni voz, ni nada.
La gran protagonista de la función, profesora además de estos solistas , fue ¡una cantante!, que nos administró una Dido sobreactuada, azucarada y, sobre todo, muy mal cantada.
Sus alumnos, de los que no voy a dar nombres, lo hacen aún peor: voces desimpostadas, todo en la garganta, tenso, apretado. Las sopranos eran especialmente gatunas, y el supuesto barítono que hacía Eneas, fusilable.
Si alguien no ha visto esto, no puede criticar a cantantes profesionales de Barroco, porque de verdad desconoce lo que es no tener voz, no saber utilizarla y cantar mal.
Toda una experiencia.

Requiem verdiano en Oviedo con todo vendido. Destacó Angela Meade. Bien la que dicen que es mezzo, Cornetti y el bajo Malinverno. Grigolo en su papel de tenor estentoreo. Éxito de público; de crítica se da por supuesto.

no mente a la bicha, que luego nos toca a los moderadores lidiar con ella...

Así que en Santander, eh?... Bueno, bueno, tanta gloria lleves... xD

Aida. Teatro dell'Opera di Roma, jueves 23 de abril.

A día de hoy no me desplazaría para ver una Aida, ni tan siquiera a 50 kms de casa. Pero me han traído a Roma otras causas extramusicales y aprovechando que el Tiber cruza la ciudad de un extremo al otro me decidí por comprar una entrada para el dia del estreno, el pasado 23 de abril.

Tratándose de un titulo bastante habitual la ultima vez que lo vi sobre un escenario fue en la segunda temporada del Real, en 1998, que fue el titulo elegido para inaugurar la estación lírica, con un reparto bastante aceptable con Norma Fantini, Luciana d’Intino como Aida y Amneris y con el inenarrable Walter Fraccaro como Radames, . En esta ocasión he tenido más suerte que en aquella, encarnando Fabio Sartori al caudillo egipcio y destacando por su arrojo y sus caudalosos medios y pegada en el agudo, aunque mediocre fraseo y técnica poco aseada. No creo que el papel de Radames sea el más acertado para su voz. Csilla Boross, nombre totalmente desconocido para mi (en el segundo reparto figuraba Maria Pia Piscitelli, que fue la soprano que sustituyo a Mariella Devia en las Anna Bolena del Liceo de hace varios años), daba vida a Aida; algo nerviosa quizás por que se tratara de la noche del estreno, pero en su haber frases bien delineadas, canto matizado y sugerente en “Ritorna vincitor” y sobre todo en “Qui Radames verrá. O patria mia”, y en su contra un agudo percutiente y en forte en todo momento. Algo mejor la Amneris de Anita Rachvelishvili, vaya tela de apellido, rutilante en el cuarto acto; voz grave natural sin recurrir al entubamiento de la voz. Apreciable Giovanni Meoni como Amonasro y estimable Roberto Tagliavini como Ramfis. La dirección orquestal de Jader Bignamini embarullada y desdeñable, rutinaria y poco detallista. Un Muti hubiera logrado el clímax mas intimista que la dirección escénica de M. van Hoecke se empeñaba en recalcar, donde lo mas considerable fue la iluminación pero un deficiente resultado escénico. En suma una función para nada meritoria en ningún aspecto.

Benvenuto Cellini, Berlioz. Nationale Opera Amsterdam.


De espectaculo redondo se podria considerar lo que he vivido este pasado sabado dia 9 en la funcion de estreno de Benvenuto Cellini en la opera de Amsterdam. Bonito teatro que me era tan desconocido como la opera que presencie, titulo poco o nada representado y al que auguro un gran avance gracias esta coproduccion junto con la English National Opera de Londres, estrenada alli en junio de 2014 con una critica muy elogiosa, y que se podra ver en el Liceu de Barcelona en noviembre de este año.

Musicalmente funciona a la perfeccion por la inspiradisima lectura que ejecuta Mark Elder al frente de la Filarmonica de Rotterdam. No deja cabo suelto, se le ve a gusto y disfrutando nota a nota desde los primeros acordes de la maravillosa obertura. Una interpretacion variada en los bruscos cambios de escena durante toda la representación. El elenco vocal no podria ser mas idoneo: John Osborn como el orfebre Cellini resulta idoneo para este complejisimo rol y con tan comprometidos ascensos al agudo y lucimiento vocal. Maurizio Muraro, un bajo bufo al uso, quizas fuera quien menos me satisfizo aunque no le resto la implicacion y su buena labor como Balducci. Convincente Orlin Anastassov como el Papa Clemente VII. Mariangela Sicilia acomete con valor el tampoco simple rol de Teresa, la protagonista femenina, y la muy ovacionada, y con justa razon, Michele Losier como el aprendiz Ascanio estuvo ejemplar. Y dejo para el final al grandisimo Laurent Naouri quien no solo borda su trabajo canoro en el estupendo rol de Fieramosca, si no que su labor escenica es de reclinatorio; supongo que estar casado con quien esta casado inspira y asemeja para emular el histrionismo de su conyuge.

Pero sin duda alguna el gran exito de esta produccion se debe al trabajo que ha desarrollado Terry Gilliam. Pocas veces he disfrutado tanto con una direccion escenica de dejar epatado en la butaca desde la misma obertura. No voy a desvelar absolutamente nada por que podremos disfrutar de esta msima produccion en Barcelona en noviembre de este año, pero en conjunto si esta opera funciona, pese a no ser un gran hallazgo musical como Les Troyens o La dammation de Faust es merced a la labor de Gilliam: eficaz, hilarante, deslumbrante, viva, colorista, con tensión, chispa y un resultado teatral que obligo a que el teatro en pleno se levantara y brindara con una ovacion cerrada y larga a Terry Gilliam y su equipo cuando salieron a saludar.

El Elixir de Amor. Teatro Colón. 12/5.

Interesante la régie de Sergio Renán, ambientada en la Italia de 1950 y con una Adina dueña de una plantación de naranjos más fábrica anexa (!). Sobresaliente el desempeño vocal y actoral del español Simón Orfila en la piel de Dulcamara. El coro sonó muy ajustado. La orquesta cumplió y el director italiano Francesco Ivan Ciampa fue un pasable concertatore. Ahora lo menos bueno... la soprano Adriana Kucerová mostró una voz bonita pero pequeña. El tenor Iván Magrí estuvo decididamente mal en el primer acto. También evidenció un timbre leñoso, nada definido, que afeó la Furtiva Lagrima (aún no me explico tanto aplauso y braveo). El Belcore de Giorgio Caoduro aburrió. En realidad, la actuación de la pareja (o trío) protagonista resultó anodina y los percibí "antiempáticos". Sigo buscando la parte buffa de la representación, con la salvedad hecha de las logradas intervenciones de Dulcamara. Lamentablemente estos tiempos de ajuste y desencuentros nos han acostumbrado a presenciar espectáculos apenas logrados en el Colón, lo que igualmente no es excusa porque la compañía privada Buenos Aires Lírica, seguramente con muchos menos recursos, acaba de montar una genial Tosca en el Teatro Avenida.

Anna Bolena en Tenerife, versión concertante.

Lo que iba a ser una gala belcantista de altura con Devia y Albelo se descuadró pronto. La señora canceló por una reacción alérgica aguda y la organización suficiente tuvo con encontrar a Marta Torbidoni como sustituta in extremis. El espectáculo, en líneas generales, estuvo bien, con luces muy luminosas y sombras más bien oscuras.
Las primeras, Albelo y la mezzo Volpe. El tenor, visiblemente acatarrado, puso el estilo en el escenario. Medias voces, juegos de intensidades, fraseo con intención y dos escenas cantadas con poderío. La voz corrió sin problema y dejó algunos sobreagudos marca de la casa. El mejor, de largo.
Apenas un paso por atrás, Alessandra Volpe. Una señora Seymour, cantada con arrojo y personalidad, de medios poderosos y garra escénica. Notabilísima.
Sería injusto valorar a Torbidoni en comparación con la diva que venía a sustituir. Es una chica joven, de timbre grato y suficiente mérito tiene con cantarse la parte sin desfondarse. El material está todavía por formarse del todo. Pero tampoco nos engañemos, es una lírica muy justita cantando un rol de dramática de agilidad, y que si en los últimos años han abordado lírico-ligeras como Devia y Gruberova es, sencillamente, por ser divas belcantistas y capaces de construir su personaje. Torbidoni no tiene personaje, su canto fue más bien monótono y por arriba hay alguna nota que suena más fija de lo que debe. Ni pizca de fantasía en Al dolde guidami, ni de nobleza en el dúo con Enrico, ni de furia en el dúo con Seymour. Acabó, sí, y es un mérito. Pero tiene mucho por delante.
Felipe Bou leyó las páginas amarillas. Fin. La Smeton de Nozomi Kato cumplió sin demasiado problema.
La orquesta, bastante regular. Algunas desafinaciones notorias en cuerdas y vientos. La labor de Sebastiano Rolli tampoco me entusiasmó. Concertó con corrección pero me faltó algo más de vida, de brío, de viveza en su dirección. Algunas partes sonaron bastante plúmbeas, aunque podrían ser achacables a que apenas pudo ensayar con los cantantes. Lo que sí que no perdono es la puñetera manía filológica, que supuso la mutilación de la obertura inicial, por poner el ejemplo más evidente.

En fin, una escapada interesante y exprés a Tenerife. Bonito auditorio, sobresaliente acústica y escasa asistencia (apenas un 65%). Y qué ricas siguen estando las papas arrugás con mojo, leñe.

LA DOGARESA (Teatro de la Zarzuela)

El otro día (y estamos a finales de mayo) casi se puede decir que empezó la temporada de zarzuela del Teatro de la Zarzuela. Hasta ahora había habido casi de todo, menos zarzuela. Y en una semana, con dos versiones en concierto, se liquida el género. El título elegido ha sido La Dogaresa, de Rafael Millán, un compositor dotadísimo pero que por desgracia vio truncada su carrera con poco más de treinta años, debido a una enfermedad cerebral degenerativa. Yo reconozco que soy más entusiasta de su otro gran título, El Pájaro azul, pero La Dogaresa es una obra con mucho encanto, llena de melodías inspiradísimas y con un estilo muy cercano a la opereta. Por los comentarios escuchados, quedó claro que para la mayoría del público la obra supuso un descubrimiento, y de lo más agradable.

El reparto estuvo conformado por cantantes jóvenes, ganadores en su mayoría de los últimos concursos de canto de la Fundación Guerrero. Lo mejor vino de parte de la soprano (chilena o peruana, no recuerdo ahora) Ximena Agurto, en el papel protagonista. De canto agradable y bien compuesto, quizás con algo de tendencia a lo almibarado, pero que pierde esmalte y templanza en torno al Sol/La agudo, donde también aparece un vibrato que si no controla puede volverse un peligroso inconveniente. María José Martos hacía el papel cómico de Rosina donde no estuvo cómoda por falta de fuelle en centro y graves. El resto, muy flojo. El tenor Sergio Escobar, sabedor del brillo de su zona aguda, sólo se limita a lanzar pepinazos sin reparar en nada más. Y las voces graves, un barítono coreano y un bajo búlgaro, inaudibles, en sentido literal y metafórico.

La orquesta fue la Sinfónica de Navarra, y no la titular del teatro (la de la Comunidad de Madrid) a las órdenes de Cristóbal Soler, quien estuvo más inspirado que en otras ocasiones, aunque sin poder evitar su habitual falta de pulso cuando intenta "hacerlo bonito", y así el momento menos logrado de toda la noche fue el dúo barítono-bajo del primer acto, porque entre el maestro y los dos cantantes, aquello quedó francamente desgarbado .

Esta semana se pone fin a la temporada zarzuelística con La Marchenera, una de las grandes partituras de Moreno Torroba, muy superior en mi opinión a la popularísima Luisa Fernanda. Quien no la conozca, que no se la pierda.

Una fantástica zarzuela, sin duda, La Marchenera, con una música inspiradísima. ¡Cómo son esas frases del barítono!: El pueblo tiene un cantar de celos y de tristeza, diciendo que cuando empieza el querer viene el llorar. Y dice bien la canción, pues cuando el cariño es fuerte el tránsito de la muerte no tiene comparación.

Eso sí, que sea superior a Luisa Fernanda, no lo veo claro. La Luisa es una obra maestra indiscutible del género.

En cuanto a La Dogaresa, otro obrón de mi particular predilección, asistí el Viernes a la función concertística y coincido parcialmente con la valoración del Sr. Hentzau. Totalmente de acuerdo con lo expresado respecto a barítono y bajo, el coreano y el búlgaro. Sus intervenciones se quedaron en el escenario. Realmente lamentable que un papelón como el Miccone con cuatro intervenciones memorables para un barítono de fuste, fuese despachado por unavoz fantasma, sin centro, ni graves ni agudos. No soy tan entusiasta con la soprano ni tan crítico con el tenor. La primera comenzó muy nerviosa con la voz desimpostada y oscilante y todos los agudos gritados. Fue asentándose, logrando sus mejores momentos, en mi opinión, en su bellísima intervención del concertante "Las flores de mil colores que son la vida mía, emblema son de mis amores y al aspirarlas me da alegría" en las que pudo escucharse apreciables legato y morbidez. Falta de fuste y de carne para el sublime dúo con Miccone, una pieza a la altura de cualquiera de los mejores dúos de ópera de la historia y en la que hubo poca soprano y nada de barítono. El tenor Escobar es bastorro, pero tiene una señora voz y sonidos con squillo y pegada en teatro. Y no hay muchos tenores de estos, oigan. Soler me pareció tan agitapalos como siempre. Todo caído, mortecino, sin contrastes, deshilvanado y con momentos pachangueros y vulgares marca de la casa.

Oh, lástima... Qué poco han disfrutado ustedes con su inicio de temporada de zarzuela en La Zarzuela. Lo lamento.
Yo sí me lo pasé muy bien, antes.
Y desde luego, con "La Marchenera".

Este fin de semana otro garbeo por la provincia tedesca . El Sábado en el Pfalz Theater de Kaiserlautern, asistí a una representación de la ópera Halka de Stanislaw Moniuszko. Considerada la ópera Nacional polaca por excelencia es una más que estimable partitura llena de bellezas como la romanza de la protagonista del acto segundo y el dúo posterior con el tenor, así como la fascinante aria de éste en el último acto y la gran escena final de Halka, fabulosa en el aspecto musical y dramático. Un papelón para una diva que afrontó la soprano de la casa Arlette Meissner con honradez y compromiso. Todos los cantantes del ensemble de la casa, muy alemanotes, engoladitos, guturales, con voces grises y feotas y problemas técnicos por doquier, pero con esa entrega, motivación y trabajo en equipo que ofrece una compañía habitual de un teatro. Musical y bien organizada labor del sevillano Rodrigo Tomillo, Kapellmeister de la casa. Ojalá surja una gran diva polaca que imponga esta obra en los repertorios de los grandes teatros. Parece que Beczala no está muy por la labor, aunque siendo tan lechuguino y con tan poco carisma, no parece indicado para imponer nada.

Al día siguiente, una ciudad muy distinta, la bella y señorial Wiesbaden. Con un casco histórico lleno de encanto y un buen número de edificios destacables, incluidos el casino en el que Wagner y Dostojevsky se dejaban los cuartos y el Hessische Staatstheater donde la Sra. Edita Gruberova dictó una nueva lección en un papel tan terrible como Norma. No es Norma ni por voz ni por temperamento, ya lo sabemos y a estas alturas de carrera tarda en calentar lo que se nota en una salida tan tremenda como "Sediziosi voci... Casta diva", pero es absolutamente asombroso lo que aún es capaz de realizar esta señora con 68 años y 46 de carrera. Impresionante todo el final desde "In mia man alfin tu sei" en la que como buena diva de las que ya no hay, se plantó en el centro del escenario imponiéndo su personalidad y su arte. La explosión de sonido de la Grube apabulló en un teatro a la italiana pequeño y coqueto. 20 minutos de ovaciones sellaron un nuevo triunfo de la Maestra. Una mención para la buena Adalgisa de Annalisa Stroppa, siempre atractiva y carina, además de buena cantante y encarnar adecuadamente la siempre agradecida presencia italiana.

Con Halka, la lista Tunneriana de títulos operísticos distintos vistos en vivo asciende a 260

Estupenda ópera "Halka" ("La vida breve" en polaco).
Y también "La mansión encantada".
Grande Moniuszko.
Estas óperas, como las húngaras de Erkel o las checas de Fibich, deberían ser más conocidas.
El problema es la "idiomaticidad" (que, claro, viene de "idioma").
Pero podría resolverse por la vía de la traducción si no fuéramos tan inflexibles con las versiones originales.

Claro, en Kaiserlautern la dieron en alemán. La inflexibilidad, nada buena en cualquier ámbito de la vida, resulta especialmente nociva en el mundo de la música. Conlleva perderse grandes interpretaciones de cantantes excelsos porque cantan en idioma distinto del original, así como obras apreciables, por la rígida exigencia de cantarlas en el idioma original, caiga quien caiga, lo cual cercena su propagación.

Hombre, no lo creo esto así. Creo que lo vemos lógico cuando nosotros escuchamos una ópera en ruso, en checo o en alemán porque (al menos yo) no entendemos ni papa, y si hay un canto como mandan los cánones, nos va a dejar más bien fríos escuchar a la "Jenufa" en alemán o la "Kovatshina" o en italiano. Ya si el título nos es más conocido y el idioma al que mude no sea nuestra lengua materna, nos irá chocando más, como puede ser el caso de una "Norma" en alemán. Pero en todo caso, siendo títulos con el original en un idioma y traducidos a otro, y distintos ambos al nuestro, lo vamos a digerir bien, si está, como digo bien ejecutado, o magistralmente ejecutado, como no me cabe duda alguna habrá sido el caso de Gruberova.

Pongamos el caso contrario. Una zarzuela nuestra, de toda la vida, que la ponen en Cambridge y dicen "where do you go with a Spanish shawl?" (es decir, "¿Dónde vas con mantón de manila?") (ni que decir tiene que la traducción de mantón de manila la he buscado en el oráculo googleliano), u otra que la representen en Hamburgo y donde dice "yo, Cagancho" dice el tío "ich, Cagancho"... nos resultaría ridículo y motivo de risas varias aunque lo cante Fritz Wunderlich, por favor!!

No es cuestión de capricho lo del idioma original, ni tampoco de una imposición basada en el artículo 33 del más rancio de los puristas. Odio ese tipo de argumentos basados en "porque es lo escrito" y encallados en tales dictámenes; nunca iré por ahí para defender estas cosas. El propio calor, expresividad, tacto del idioma en un texto original forma parte de su encanto, idea y por qué; lo detectamos a la primera cuando lo vivimos en nuestras carnes y nos lo hacen con nuestra lengua y en obras que forman parte del patrimonio literario o musical que mana del idioma nuestro, y ahí sí que se nos va a indigestar. Que no nos suceda cuando el juego va de cambiar cromos entre idiomas y obras checas, polacas, italianas, inglesas o en un dialecto de Tanzania, es una sensación más fruto de nuestro desconocimiento sobre esos idiomas que otra cosa.
De hecho, también nos suena raro, y no nos gusta, cuando el idioma traducido es hacia el nuestro. Me salen granos solo de pensar qué sería un concierto con el Requiem Alemna de Brahms en castellano aun cuando lo dirija Thieleman a los equipos de Dresde... yo creo que las obras están en su idioma, y no son buenas las traducciones; sí lo son los sobretitulados que deben estar en todos los teatros, eso perfecto, pero no cambiar originales, please.
Qué diferencia es ver un film inglés en VO (con subtiotulos) que verlo en español; qué poco me gusta ver "Los Miserables" traducido al español, aun fenomenal cantado, una mala version inglesa, le da vueltas. Esto... es así.