Bueno, en realidad sólo fue "media reposición", porque falta casi la mitad de la partitura . Eso sí, la Bolena de la Callas, gigantesca.

Y todo en apenas 70 minutos. Sin embargo, no le veo relación con el mundo de Ligeti. Las óperas de Tippett en mi opinión envejecen mal porque responden en su libretto a un momento histórico y una estética excesivamente concretos y que hoy está casi desaparecido. Esta fue una de mis primerísimas óperas modernas y la escucho con agrado siempre.

Ayer mismo estuve escuchando fragmentos del podcast y saqué parecidas impresiones: esperaba menos de Opolais y más de Kaufmann. A ver qué comenta Le Gou cuando se acerque.

Martín y Soler, Una cosa rara

Es mi primera ópera de este tipo, la única anterior al siglo XIX que había escuchado es La flauta mágica. De las pocas óperas que llevo escuchadas es la que menos memorable me ha parecido (aunque está curiosa por esa mentalidad tan del Antiguo Régimen) pero me lo he pasado bien, aunque para mí le sobra media hora como mínimo. El enredo me ha parecido bastante redundante en el 2º acto.


No tienen nada que ver en motivaciones y estilo, La ruptura del hielo es más pretenciosa y no sé hasta qué punto el humor es voluntario, pero lo que está claro es que las dos son una bizarrada Para mí esas temáticas avejentadas de los 60-70 le dan encanto, igual que lo de ser un cuento medieval anacrónico se lo da a El gran macabro.

Primera audición de esta obra que, en realidad reune tres obras que tienen en común el tema del holocausto de la II Guerra Mundial. La primera parte es un monodrama para soprano y piano titulado Another sunrise; la segunda, para soprano, mezzosoprano y barítono tiene como título Farewell Auschwitz y trata sobre la existencia de la música misma en tal situación, con citas expresas de Paganini o Chopin; mientras que la tercera y última es For a Look for a Touch, que trata sobre la represión sufrida específicamente por la comunidad homosexual.

Apta para oídos sensibles aquí podeis escuchar un fragmento de la segunda parte, en la que se cita música de Chopin : http://youtu.be/ai1bqSWvz-U

Popov, en un foro como este, y con dos óperas tan populares como Trovatore y Tosca no hace falta que ponga usted spoliers (aunque se ve su sensibilidad, que no es poca cosa). Yo no veo la muerte de Leonora como un número cerrado; de hecho, la acción transcurre tan rápidamente que no hay solución de continuidad entre el final del terceto y la intervención del barítono "Sia tratto al ceppo!". En cuanto a Tosca, uno de los puntos más débiles y criticados es que la protagonista no se dé cuenta de que a su amado se lo cargan sí o sí.

Un Ernani en vídeo, del pasado mes de abril en Montecarlo, con Vassileva, Vargas, Tezier y Vinogradov.

Es una pena que Ramón Vargas no hubiera afrontado este repertorio con una edad más juvenil. Con un contexto adecuado y un director que conociera de verdad el estilo, hubiera sido ideal para el Verdi de galeras. Por desgracia, la voz ahora ya está cansada y con algún exceso de vibrato, y tampoco Vargas parece demostrar mucho entusiasmo en lo que hace. Empieza incómodo y con la voz desencajada, si bien poco a poco va recomponiendo la figura hasta conseguir alguna frase de altura en el último acto. De todas formas, y en general, transmite una sensación como de poco interés y de poca implicación en el asunto.

Svetla Vassileva es una cantante interesante y con personalidad, aunque esta Elvira no es lo mejor que le he escuchado. La voz está oscurecida y ensanchada de manera artificial, con lo cual se resiente toda la estructura vocal: vibrato desmedido, graves áfonos, acidez en la zona alta, legato intermitente y muchas complicaciones con las agilidades. Es verdad que el papel es tremendo (siempre digo que si no es el más difícil del período juvenil verdiano, debe estar entre los dos o tres más endiablados) y casi ninguna de las intérpretes que lo han abordado consigue salir del todo indemne, pero para la voz de Vassileva es a todas luces excesivo. En cualquier caso, no le pierde la cara al personaje en ningún momento y se desenvuelve como una jabata en medio de la tormenta.

Ludovic Tezier consigue con el Emperador una de las mejores interpretaciones que le recuerdo. Se le nota que está aquí mucho más cómodo que cuando se mete en otras camisas verdianas de once varas. La emisión es la que es (nada ejemplar ni ortodoxa), pero aún así hay un intento claro por la expresión doliente, galante o reflexiva (según el caso) que otorga variedad y morbidez a su canto. Lógicamente en los momentos de bravura y de canto perentorio, las cosas no funcionan tan bien, porque su voz no da la talla. El aria del tercer acto es un resumen de virtudes y defectos: el recitativo está muy bien dicho, al igual que el cantabile, bien delineado, sin embargo en las frases finales (que Verdi pide grandioso) tiene que empujar la voz porque ni por natura ni por proyección, los sonidos tienen la expansión ni la contundencia suficiente para hacer honor al momento, pero en conjunto se trata de una interpretación muy digna.

Vulgarísimo y sosísimo el Silva de Vinogradov (con una voz de bajo de chichinabo, por cierto), y animada la dirección de Callegari, también en una buena noche. Tiene brío en los momentos más “bailables” (aunque con alguna querencia a lo bandístico) e incluso también consigue algún momento climático y reconcentrado, como buena parte del tercer acto.

La puesta en escena es de las “bonitas”. Bueno, en realidad, el calificativo es más que nada para entendernos, porque bonita, lo que se dice bonita, no es, la verdad. Tiene más bien un toque entre “kitsch”, infantil y rancio. Inenarrable en ese sentido el último acto, que parece desarrollarse en la pista del Circo Price. Pero al menos es de ésas que, después de verlas, te puedes ir a dormir tranquilo sabiendo que no vas a tener pesadillas.

Para quien quiera verla, aquí dejo el enlace:

https://www.youtube.com/watch?v=BUVX80vlYyc

Plácido Domingo está deslumbrante, juvenil y aunque algunos agudos suenan forzados describe el personaje de forma perfecta; la ampulosidad vocal de Elena Obratszova es apabullante, excesiva; Milnes es siempre Milnes y Scotto,... ¡ay! ¿Puedo decir que ese timbre metálico y esos agudos estridentes me ponen pelín nervioso? james Levine, extraordinario.

Gracias por la bienvenida, Dilettante. Sobre los spoilers lo hago por si entra alguien que también esté empezando, yo mismo os leía a veces antes de interesarme realmente en la ópera y empezar a participar.

Siguiendo la recomendación de Drake Verne en la encuesta sobre la trilogía popular de Verdi, mi primera ópera de Strauss:

La mujer sin sombra

Personalmente me ha parecido más confusa que El gran macabro o La ruptura del hielo, he tenido que leer la sinopsis para atar cabos. Pero aunque habría conectado más con otro enfoque el rollo simbolista del libreto está muy curioso, y sobre todo la música de Strauss es mágica y envolvente; sumada a que la ambientación me encanta, me ha mantenido conectado en todo momento aunque el argumento no fuera lo que me esperara. Curiosamente el climax, que es lo que más me ha gustado de la historia, me ha parecido bastante disneyano.

Popov, usted va, por lo visto, a contracorriente: el recorrido normal en Strauss es primero Salome y luego Elektra; si las sobrevive, puede intentar el Caballero de la Rosa, Ariadne en Naxos o las subsiguientes. Empezar con la Mujer sin sombra, se lo digo con sinceridad, me asombra. Posterga usted la inmortal obra de Wilde y la imperecedera tragedia de Sófocles por una trama interesante y peculiar, sí, pero sin la fuerza, la originalidad y el carisma de las dos primeras.

Ayer el "Don Sebastián" donizettiano. Versión del Comunale de Bologna (1998). Youtube sigue siendo una mina.

No descubro nada nuevo si digo que es un operón. Debe ser cara de montar, pues necesita una mezo, un tenor ¡dos barítonos! (Sí, sí, dos, no uno principal y otro secundario, sino dos principales), un bajo y unos cuantos comprimarios surtidos y variados. Es una "grand opera", y como tal necesita una producción que dé la talla. La que aquí se presenta no la da en absoluto. No hay chorradas konzeptuales, los portugueses y africanos del siglo XVI salen vestidos como toca, y no con gabardinas. Pero ¡Ay! Al genio parece que le dio por ahorrar electricidad y nos presentó un ambiente permanentemente nocturno y tenebrista, con todos los personajes vestidos de negro (excepto la mezzo en uno de los actos), con la única "iluminación" de la consabida luz azulada que le pone a todos cara de muertos. Y este ciudadano cobraría y se iría a su casa tan satisfecho.

El papel protagonista recuerda a un rey (tenor) cuya historia real no conozco, pero que en la ópera tiene una mala suerte acongojante: En efecto, le da por irse a conquistar tierras a África, pero resulta que los africanos no están por la labor de dejarse conquistar, y lo reenvían para Portugal. Cuando llega, resulta que le han usurpado el trono, e incluso para disimular le organizan un entierro. El hombre protesta y lo meten en la cárcel. Con la ayuda de la mezzo (una princesa africana) consigue descolgarse para escapar de la prisión, pero cuando está a punto de conseguirlo le disparan un tiro a él y otro a ella. Lo canta Sabbatini, que está francamente bien. A destacar un sobragudo ¿re? atacado en "forte" y después filado. Zaira, la mezzo, es Sonia Ganassi, que triunfó rotundamente en este papelón gracias a una voz espectacular empleada generosamente. Los barítonos fueron Corrado Caruso (que interpreta a Camoens) y otro cuyo nombre no recuerdo. El bajo era Surjan. Todos ellos bien.

Alfredo Catallani - La Wally.

La obra me resultó atractiva cuando me la descubrió Loge en el hilo de las abyecciones gracias a las atmósferas creadas por una instrumentación que anticipa en algunos momentos los mejores pasajes de la Fanciulla. Sin embargo, en sucesivas escuchas pesan demasiado el disparatado argumento –solo apto para viciosos como los creadores del mencionado hilo- y una partitura vocal con evidentes caídas de tensión. Aun así, las funciones de Ginebra me han hecho caer en la tentación por partida doble:
La versión de 2014, puesta en escena por Cesari Lievi: Wally: Ainhoa Arteta; Stromminger: Bálint Szabó; Gellner: Vitaliy Bilyy; Hagenbach: Yonghoon Lee; Walter: Ivanna Lesyk-Sadivska; Afra: Ahlima Mhamdi; Il Pedone: Bruno Balmelli. Con dirección de Evelino Pidò al frente de la Orquesta de la Suisse Romande y coros del Gran Teatro de Ginebra.
Y la versión de 1990, puesta en escena por Tim Albery: Wally: Mara Zampieri; Hagenbach: Michael Syilvester; Gellner: David Malis; Walter: Ildiko Raimondi; Stromminger: Norman Bailey; Afra: Liliana Nikiteanu; Il Pedone: Kolos Kováts. Con dirección de Pinchas Steinberg al frente de la Sinfónica de Viena y los coros de la Volksoper y el Festival de Bregenz.

Ya se pronunciarán los que saben de esto, pero a mí me parece que ambas opciones ponen más en evidencia las flaquezas de la obra que sus puntos fuertes. Quizás lo más logrado sea el trabajo de Steinberg al frente de los sinfónicos vieneses, tan convincente en los momentos de protagonismo instrumental como cuando ambienta los pasajes vocales. No creo que el maestro Pidò haya conseguido el mismo resultado en Ginebra, algo pesante en los dos primeros actos y falto de color en la telúrica segunda mitad. Sorprendentemente, tampoco destaca por su empaste con las voces. En la parte vocal, Ainhoa Arteta parece la Callas al lado de una Mara Zamperi que, mucha fuerza dramática y lo que ustedes quieran, pero nos regala una lectura del Ebben? Ne andro lontano que podría disputar el concurso de jotas del Pilar. La tolosarra exhibe un chorro de voz bien manejado, tocando todos los registros del personaje. Sin embargo, no ofrece seguridad en toda la tesitura y su vibrato (me) resulta excesivo. En el resto de los papeles, la función de Ginebra resulta discreta: el coreano Lee consigue efectos impactantes, pero –aparte de ser un marmolillo en escena- su emisión y su italiano serían perseguibles por la vía penal en otro tipo de repertorio, mientras que el leñoso Vitaly Bilyy salva su parte sin más; lo más interesante parece el Walter de la para mí desconocida Ivanna Lesyk-Sadivska. Entre los compañeros de la Zamperi, Sylvester apuntaba expectativas que su carrera posterior no ha confirmado, David Malis lucía un timbre interesante pero poco más y Norman Bailey… bueno, no hay palabras para definir lo que hace Norman Bailey; cantar, desde luego, no.

Ninguna de las puestas pasará a la historia, pero al menos la de Albery arriesga, va de menos a más y si las escenas folclórico-costumbristas resultan pobretonas, al menos nos mete en ambiente y nos hace pasar frío al final. El trabajo de Cesare Lievi, en cambio, es tan minimal que recuerda a una función parroquial y en escenas como el “asesinato” de Hagenbach o el final en el Murzol bordea lo risible.

Pues una rareza que, pese a la malísima calidad de sonido y a las enormes libertades en la versión (por ejemplo en "Sola, perduta, abbandonata"), nos permite apreciar dos pedazo de voces para tomar en consideración. Es cierto que la grabación está un poco saturada, pero parece evidente que nos hallamos ante dos instrumentos de mucha calidad (tanto el del tenor, como el de la soprano), de enorme proyección y buena pasta. ¡Vaya cositas que se guardaban los soviéticos tras el Telón de Acero!