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Por eso, que me den la producción de Idomeneo de Ponnelle en el MET (la de Pavarotti) y no las rayadas mentales que vemos habitualmente. De todos modos, en Mozart vale esa tradición, en el melodrama romántico italiano, no.

Saludos cordiales y bien regresado Sr. Ulysses.

Bueno, es que el equivalente del Idomeneo de Mozart hoy sería no un Idomeneo con pelucones, sino un Idomeneo en tejanos.
El propio Ponnelle deseó utópicamente hacer un Così fan tutte con los cantantes en bolas, eso está por aquí sepultado en algún hilo.

Bienvenido de nuevo, Ulysses!

Año Verdi. Hoy "I Vespri Siciliani". Versión de la R.A.I. Dirige Mario Rossi, vibrante en los conjuntos. Algo cansino en las arias.
Cantan Anita Cerquetti (espléndida), Mario Ortica (muy flojo, el "garbanzo negro" de la versión), Carlo Tagliabue (muy bien) y Boris Christoff (inmenso).

¡Caramba, eso sería interesante!... ¡Cómo no se le habrá ocurrido a ningún enfant terrible de éstos, con lo que gusta el despelote!...

Y yo también me sumo al júbilo por el retorno del señor Ulysses. Espero que haya vuelto para quedarse .

Tampoco tiene mucho sentido meter en un teatro caballos, osos y tal. Wagner al respecto era brutote.



Parafraseando al Cicuta, cuando me pongo un Giulio Cesare no quiero que me lo cuenten en clave de Física y Química. Quiero, precisamente, todo lo contrario.

Si una ópera es atemporal bien por ella. Si no lo es saborearé con gusto el anacronismo ¿Qué problema hay?

Es que me toca un poco las narices esa moda (causada por la incapacidad para contextualizar) de intentar verlo todo con los ojos actuales. Tintín un racista, los payasos de la tele unos machistas ¡Váyanse al peo, hombreya!

No es que haga ascos per se a toda producción moelna. Pero que se me dejen ver y no me parezcan mamarrachadas son, sinceramente, pocas y creo que en el panorama hay menos calidad de la que se nos intenta hacer ver.

De todas formas no me creo muy representativo de nada, mi "proporción ideal" de registas sería un 10% de konzeptuales, un 10% de clasicotes y un 80% de tipos como Lazar. Los tiros van por otro lado.



¡Qué sea la última vez que desaparece vd. de esa manera!

No hay nada atemporal, Khayman. El anacronismo, muy válido como principio estético, juega precisamente con el desfase temporal. No es tan fácil, además, trasladarse a otra época para entender por completo en su contexto una obra de arte. A Pierre Menard le costó años convertir su mente en la de un hombre de 1600 para leer (escribir) el Quijote. Ustedes pretenden hacerlo con cualquier época y lugar en un abrir y cerrar de ojos!



Precisamente eso es lo que ha dicho Wanderer. En su momento fue un escándalo enorme y hoy lo consideramos incluso convencional. Vista la reciente Elektra de Aix-en-Provence (por cierto, corran a verla!), Chéreau se puede considerar un director realista, fidelísimo al libreto (a cada indicación de lugar), muy cinematográfico, que se permite en algunos momentos algunos vuelos simbólicos muy sutiles. Consigue introducir una dramaturgia paralela sin abandonar el código realista y sin perder el hilo del argumento explícito. Brillante.

No creo que sea un Oráculo, pero sí un hombre importantísimo en la historia de la revolución escénica en la ópera. Muchos directores como Sellars o Wilson ya estaban entonces dando sus primeros pasos, mucho más radicales, pero fue el impacto de Chéreau en Bayreuth, nada menos, lo que creó el hito fundacional.



Hace poco leí un estudio que demostraba que los encuestados británicos creen que el número de inmigrantes, crímenes o embarazos adolescentes es mucho mayor del que realmente es (en muchos casos el desfase es del 50% al 10%). Pues con las puestas en escena pasa igual. El desinterés de muchos aficionados por la escena, una parte fundamental y constitutiva de la ópera, unido al morbo superficial de los medios de comunicación y blogs, crea una imagen sobredimensionada del konzept. Pero la mayor parte de las puestas en escena siguen operando con un código realista y son simples ilustraciones o lecturas literales de las obras. Miren cualquier temporada y lo podrán comprobar. En términos agregados es más claro...en el mundo anglosajón el porcentaje de konzept no llegará al 10%. Algunos aficionados hacen tanto ruido con esto porque no toleran la alternativa. En el fondo, como ya dije una vez y lo voy confirmando cada día, se trata de una lucha por la definición del género. La ansiedad por una exageradamente percibida pérdida de la ópera como me la aprendí yo genera este tipo de reacciones, a veces furibundas. A mí me da igual, yo sigo disfrutando de (casi) todas las alternativas.



Ulysses!!

¡Naranjas de la China!

Puñetas Sid, en literatura eres un poco (un mucho) más cultivado que yo y no me creo que pensases eso si leíste la Ilíada o el Tao Te King.

¿Sabes lo que es un arquetipo jungiano, verdad? Pues eso.



Pretendo que se intente conociendo de antemano que no es fácil. Lo que redunda en beneficio del realmente talentoso. Meritocracia pura y los niños separados de los hombres.

En cualquier caso no soy nada cerrado de mente. No entiendo el historicismo como un fin en si mismo sino como un recurso estético más o menos pragmático y no me chirrían los contratenores o los directores barrocos pese a su incongruencia si lo hacen bien, como tampoco me chirrían los registas moelnos si se dejan ver y el nivel de payasadas es bajo.

Ya salió el tema de la fidelidad. Cómo no.

Una encuesta para los tradicionalistas. Comenzamos con un par de preguntas, si da juego hago más.

En todo caso hay que pensar que se es un director de escena y lo que se pretende es ser lo más fiel posible al compositor.

1º Puesta en escena de la Traviata. Nos encontramos con un escrito de Verdi en el que cuenta que la Traviata debe ser representada de manera que los protagonistas y el público se puedan identificar y confundir.

La época de la puesta en escena en una representación actual debe ser:

a) Por supuesto la misma que en el estreno, anterior a la época de Verdi, aunque fuese por cuestiones de censura, así lo hizo el maestro.

b) La censura no forma parte de los verdaderos deseos del compositor en el momento del estreno y por tanto en tiempos de Verdi.

c) Para cumplir los verdaderos deseos del compositor el siglo XXI.

2º Puesta en escena del Holandés Errante.

Nos hemos planteado ser lo más fiel posible a la literalidad al libreto. Empezamos a leerlo y vemos al final.

(Se arroja al mar; al mismo momento, el barco del Holandés se hunde y rápidamente desaparece como si se tratara de un naufragio. En la distancia, el Holandés y Senta, él abrazándola a ella, se alzan por encima de las aguas, ambos transfigurados).

Todo esto ocurre en apenas unos segundos de música. ¿Cómo planteamos esta escena? ¿Qué es lo que mostraríamos al público?
(No hay opciones, expláyese lo que quiera)

1º Todos en pelotas y con banderas nazis.
2º Todos en pelotas y con banderas comunistas.

Sr.Gouverneur, no haga usted una caricatura de la fidelidad a las intenciones de un autor. Si hace eso, tendrá una respuesta acorde como la que le da el señor Gino. La fidelidad a un autor no está en seguir las indicaciones del libreto al pie de la letra, como un borreguito. Está en respetar el espíritu, la esencia y los códigos estilísticos. Un melodrama romántico, por ejemplo, tiene una épica, un idealismo y un apasionamiento que se desvirtúa por completo si todo queda rebajado a un drama pequeño burgués de andar por casa. El resultado es una burla ridícula. La unificación de criterio y de estética (da igual que se trate de una obra barroca, romántica o clásica, todo se representa igual, por esa soplapollez de la actualización a toda costa para que el público lo entienda) es empobrecedora.

Sr. Gouverneur, que somos mayorcitos y sabemos algo de lo que va esto de la lírica...

En el caso del Holandés, lo que tendrá que hacer el regista, más allá de intentar ser escrupulosamente fiel a las indicaciones expresadas en el libreto que ha indicado (hoy día con los medios que hay, si alguién quiere intentarlo que lo haga) es respetar la voluntad del autor y el espíritu de la obra, es decir, la redención del hombre pecador-sufridor por el amor de la mujer pura y expresar, sacar jugo al exacerbado-apasionado romanticismo de la manera más poética y emocionante posible. No que termine la ópera con Senta de paseo y el Holandés ametrallado por Daland (vestido con gabardina eso sí), mientras caen rocas y escombros, todo ello enmedio de un ruido infernal que no deja escuchar la música.

Lo mismo con Traviata. Cuando hablamos de las cartas y testimonios de los autores, es que dejaron claro los elementos fundamentales de sus obras, el espíritu de las mismas. No se puede obviar ni violentar que pertenecen al género melodrama romántico (algo que les causa sarpullidos al 90% de directores de escena actuales), que tiene sus códigos. Por tanto, el problema es que se ciscan en todo ello y lo parodian. No es cuestión de historicismos, ni de fidelidades escrupulosas. No puede acabar Traviata y que Violetta salga caminando vivita y coleando como he visto yo o que Germont sea el oficial del juzgado que embarga los muebles de la casa. Tosca jamás arrojaría una copa de vino a un cristo, jamás. Al niño lo mata la Sacristana porque es algo esencial. No se puede aprovechar que se muriera el pobre Puccini antes de terminarla, para montar una Turandot que se suicida al final, porque está en las antípodas de lo que pretendía el Maestro.

También hay que decir que los románticos no se recataban en interpretar las obras barrocas y neoclásicas (no digamos a Séneca o los griegos) a la manera romántica. Se ve que eran unos bestiajos, y nosotros somos más perspicaces. La ilusión, tan presente en nuestra época, de que podemos volver a apreciar las obras de una época como si fuéramos hombres de esa época (basta con estudiar y ser tener la mente abierta) es de una ingenuidad conmovedora.