TOMA YA. Es decir que Picasso, por poner un ejemplo (o Cezanne, o Kandinsky, o Borromini, o...) por "tirar por la calle de enmedio, inclinándose generalmente por la disgregación, la ruptura y el relativismo", son artistas enanos, faltos de imaginación y de cualidades, también. Eso de los verdaderos gigantes ¿según quién?¿quién tiene el "gigantómetro" para medir eso?



Más TOMA YA.



ya, cuánta porquería ¿verdad?

Entiendo que todas esas opiniones entran dentro de los gustos personales más puramente subjetivos, porque le tengo por un hombre razonable al que da auténtico gusto leer.
Imagínese que yo dijera (con toda la razón por lo demás ) que todo lo que viene después de Mozart son un montón de enanos faltos de imaginación y cualidades...

En mi caso, yo no pido literalidad al libreto; me parece un poco infantil pretender seguir las indicaciones del libreto al pie de la letra, con si fuera una función de fin de curso. Lo que sí pido es que no se traicione el espíritu de la música: que lo que uno escucha y lo que uno ve, vayan de la mano. Lo que no puede ser, por poner un ejemplo muy obvio, es que se escuche una música exquisita y refinada, y se vea algo cutre, repugnante y macarra. Claro que para desentrañar el espíritu de la música hace falta talento, estudio y sensibilidad, lo cual no es lo más habitual. Lo fácil es montar cuatro mamarrachadas para llamar la atención. Y para demostrar que es posible la combinación perfecta, diré que una de las mejores puestas en escena que he visto nunca fue un supuesto konzept de Damiano Michieletto para una ópera de Rossini que se titula Sigismondo. Recreó el libreto a su antojo pero el espíritu de la música no sólo quedó intacto, sino que consiguió realzarlo. Y lo hizo con la música de Rossini que es lo más anti-realismo que puede existir.


Usted lo ha expresado muy bien, pero para sacar una conclusión errónea, en mi opinión. Porque no creo que sea conveniente esa separación radical entre teatro y música. En muchos casos, el teatro, el drama y la tensión escénica ya están en la música. Esa es una de las causas por las que, contando con auténticos artistas vocales y orquestales, funciona una versión escénica o un disco. Y se consigue transmitir la emoción del drama y de los personajes, sin que veamos nada, sino que todo se transmite a través de la tensión teatral que el compositor ha creado a través de su música. Y esa también es una de las razones, por la cual ha habido grandes músicos que, o no se han atrevido con la ópera o si se han atrevido, se han estrellado. Fundamentalmente, porque carecían del instinto músico-teatral o dramático-musical (el orden de los factores no altera el producto ).



Efectivamente, estoy de acuerdo con nuestro nibelungo particular, en que el ejemplo que ha puesto el señor Gouverneur no es pertinente en este caso, ya que el florero es una creación y una puesta en escena es una re-creación. Los parámetros, por tanto, son completamente diferentes.

En este asunto, uno de los temas estrellas del Foro junto al declive canoro, el señor Domingo (este ultimo de capa caida ultimamente. El tema, no el cantante) o la "atonalidad", nunca llegaremos a un consenso.

Mi propia linea de razonamiento, respecto a las puestas en escena, va en la linea expresada por el señor de Hentzau. Sin embargo, soy plenamente consciente que otros aficionados disfrutan enormemente con una puesta teatral, hasta un punto que a mi me resulta imposible, incluso con mis favoritas como los 'Dialogos' de Carsen. Simplemente, superado un cierto limite, soy inmune a esos estimulos visuales o "dramaticos". Y si encima van en contra de lo que yo percibo como el mensaje de la musica, y el texto, pues detraen del disfrute global. Tambien es cierto, y en esto creo que si encontraremos que una amplia mayoria de aficionados comparten esta vision, que repertorios como el Bel Canto italiano de principios del siglo XIX es menos sensible al "Konzept", se adapta menos a una dramaturgia paralela, que los dramas wagnerianos, o Wozzeck.

Pero ese numero de aficionados a las puestas en escena, que entre los aficionados 'tradicionales' al mundo de la Opera son, en mi opinion, claramente una minoria, conforman un grupo cada vez mas numeroso, dentro y, especialmente, fuera de España.

Yo he encontrado una solucion personal, que era bastante evidente y estaba ahi, frente a mi, invisible por su misma obviedad. En el futuro, y en el caso de ese Macbeth, el futuro proximo, me limitare a cerrar los ojos, o adquirir entradas sin visibilidad. Y oigan, tan contento.

Sobre si lo esencial en la ópera es la música o el texto se ha escrito como usted bien sabe una ópera que encima es una obra maestra impresionante, Capriccio, y la conclusión, ya sabe también, es que palabra y música son inextricables una de otra. No estoy de acuerdo por tanto en esa posición tan unilateral, de que lo más importante en la ópera hasta el extremo de reducir todo lo demás a la irrelevancia sean las voces. Los grandes compositores de ópera se han esforzado por componer en función de un texto y de una situación dramática, han escrito su música pensando en función de esa escena que estaba representándose, no al margen ni con desprecio de la escena sino considerándola como algo absolutamente esencial para su obra. Cuantas veces leemos sobre el bloqueo de los más grandes compositores hasta que lograban encontrar un libreto y un drama que se ajustase a su imaginación y sus necesidades creativas.

Yo creo que el auge de las versiones de concierto, razones económicas aparte, radica en el disgusto ante determinadas tendencias escénicas, así se ha dicho sobre el ciclo Wagner que está haciendo Janowski en Berlín. Pero la respuesta al mal teatro no puede ser prescindir del teatro, sino luchar por un buen teatro.

Dice usted si el disco no es ópera. Monteverdi, Mozart, Verdi, Puccini, añada a esta lista todos los demás pilares del repertorio hasta tiempos muy recientes, no escribieron para el disco ni para la radio sino para el teatro. En sentido estricto, la ópera es lo que se experimenta en vivo en el teatro, en una función escenificada. Lo demás son sucedáneos (la ópera en versión de concierto) o posibilidades que nos brinda la tecnología. Perfectamente legítimos y disfrutables, pero no son the real thing.

Lo que creo que escribió Gouverneur (con el que estoy de acuerdo diría que al 100%) es que una buena versión de concierto puede ser mejor que una mala función escenificada. Y en eso estoy plenamente de acuerdo. Algunos de los mayores cabreos, decepciones y sofocos que me he llevado en el teatro ha sido por culpa de la puesta en escena, como cualquier aficionado. Pero una mala puesta en escena puede estropearte la función exactamente igual que un mal cantante o un mal maestro, lo que sucede es que por lo que sea, a las voces ya vamos con el listón más bajo y las aberraciones escénicas nos molestan más. Pero vamos, le aseguro que de la Forza última del Liceo yo me fui a casa con disgusto, y no principalmente por la (anodina) puesta en escena.

¿Clamores populares? Es un argumento peligroso. Tendría entonces usted que aceptar también los éxitos de Jaroussky como prueba de su valía canora, y no, no quiero reabrir ahora ese tema.

Pero fíjese, el año pasado en la Staatsoper de Viena uno de los grandes éxitos de público, con las localidades agotadas, fue el (para mí horripilante) Don Carlos de Konwitschny. Y no, no había grandes estrellas en el reparto. Era que la gente quería volver a ver la producción.

Total, que para gustos los colores.

+1

Aunque ande haigan buenas voces, que se quite la puesta en escena (ese es mi color)

No sabía yo que el punto del “florero” iba a ser tan polémico. Claro que es pertinente porque precisamente la diferenciación a la que aluden el Nibelungo y Rupert es la base de la argumentación.

Si tenemos un pintor A, que ya sea por encargo o porque le apetece, se pone a pintar un florero, y lo realiza con esos trazos inconexos que pueden llegar a sugerirlo, es una cuestión aceptada en el arte. Puede haber gente que no conecte con determinados estilos pictóricos, pero en general, no hay intransigencia.

Si tenemos un pintor B que ha sido contratado por el director de escena para ilustrar una ópera de Verdi que en un acto comienza el libreto “se abre el telón y aparece un gran forero”, y el pintor realiza los mismos trazos inconexos, algunos que no vieran claro el florero dirían que vaya mamarracho con lo clarito que dijo Verdi que había que verse un florero. Es decir se cierran en banda a cualquier interpretación que se aleje de la mayor literalidad.

Es decir, lo que se acepta en el arte, no se acepta en la ópera, cuando la ópera es el súmmun de las artes. Esto es el contrasentido que quería reflejar.

También puede darse el caso de que los trazos inconexos del pintor B hayan sido un homenaje al pintor A e incluso se explique en el programa de mano. He vivido un caso parecido. Y cuando se lo he comentado a uno que no veía el florero ha seguido refunfuñando que él va a la ópera para que le enseñen el florero claramente y que no le exijan pensar, que cualquier producción que necesite de libros de instrucciones es una mala producción, incluso cuando la aclaración del programa no era necesaria.

En el mismo punto del decálogo transformo el florero en un amor paterno-filial, porque el florero es un ejemplo que alude a cualquier cosa, a la escenografía, un hecho del libreto, un sentimiento del protagonista, etc etc.

Voy a poner un ejemplo concreto de un “florero” que discutimos en el propio foro sobre una producción de Tcherniakov.

La escena del Kuda, Kuda, es una de mis preferidas. Una exaltación romántica de los tiempos pasados por el poeta cuando sabe que se acerca su hora. Un repaso a sus vivencias, en especial, los recuerdos del amor.

Según el libreto la escena se sitúa en un entorno muy romántico. Las producciones clásicas suelen proponer un bosque nevado donde se va a celebrar el duelo, el libreto exactamente indica, “Antes del amanecer. Un arroyo junto a un molino”.

Tcherniakov se aleja de ese entorno romántico en principio. El acto anterior ha terminado en la fiesta con que la propuesta de duelo no ha sido aceptada. Lenski, es un soñador que no es entendido, que no es tomado en serio. Una idea que está en el propio poema de Pushkin. Por tanto la acción se sigue desarrollando en el lugar de la fiesta, que está terminando en el amanecer. Apenas quedan invitados medio dormidos y los criados están recogiendo la mesa.

Lenski empieza a recitar sus preciosos versos y a nadie parece importar. Una invitada anciana despierta y empieza a escuchar al poeta. Cuando oye que el recuerdo del joven poeta será borrado porque intuye su muerte le hace gestos como qué loco estás. Pero Lenski sigue declamando y entra Olga buscando un pendiente. Aunque no le hace ni el mínimo caso, Lenski dirige sus recuerdos a ella y la anciana empieza a recordar sus amores, incluso hace un pequeño gesto que no es advertido por Olga como para que se quede a escuchar a su enamorado. Lenski empieza a exaltarse y la anciana a conmoverse, llegan las frases con los penetrantes Lab3 “Ven, ven! Soy tu esposo ¡Ven, mi amor, ven, ven!” La señora ya casi no puede ni respirar. Está interiorizando los encendidos versos del poeta y está también viendo su vida pasar, seguramente recordando sus propios amores. Lenski termina el aria y la pobre mujer abandona la sala envuelta en lágrimas. Todo empezó como una burla, pero el poeta y el recuerdo del amor, ha triunfado.

Un "florero" interpretado de otra manera, pero que cumple el mismo objetivo que emana de la música, una exaltación romántica de los recuerdos del amor, desarrollado teatralmente de forma impecable.

Comprendo que a aficionados no les gusten estas propuestas, que piensen que vemos “floreros” donde no los hay, que hay demasiado desequilibrio en número de propuestas hacia el Konzept y además muchas no hay por donde cogerlas, (yo soy contrario también a cualquier desequilibrio), pero lo que aconsejo también es en un plano teórico ir al teatro con una mayor apertura de mente, sin prejuicios. Veo mucha cerrazón e intransigencia que no lleva a ningún sitio. Y no son sofismas ni palabras vacías, es simplemente una recomendación de una actitud ante el ARTE. Prefiero abrir los ojos a cerrarlos.

¿Por qué confunde la gente el TEXTO (libreto, dramaturgia) que es esencial, la inspiración para el compositor de óperas como Dios manda (como era el caso de Verdi) a la hora de escribir la MÚSICA, y la PUESTA EN ESCENA que es algo accesorio, variable y circunstancial de una/s representación/es concreta/s?

Así es imposible desarrollar una discusión, aunque sea tan interminable y bizantina como esta. Si no sabemos de lo que hablamos, mejor parar.

¡Lo de comprar entradas sin visibilidad es una solución estupenda!

Yo me pregunto, todos estos directores de escena que tienen tanto sentido teatral (esto lo digo sinceramente) y parecen tener tan buenas ideas argumentales, ¿por qué no dan el saltito y escriben sus propios libretos? Seguro que habría compositores encantados de escribir óperas basadas en esos libretos y luego se podría llevar el resultado a escena y el público veríamos sus puñeteras obras.

Ah, que es mucho más arriesgado, verdad? Bueno, la vida es eso, la vida son riesgos. Pero así se arriesgaron los libretistas y compositores autores de esas óperas donde ellos intentan insertar sus propias historias, forzando todo, embarullando todo. Porque el proceso no es ese, sino que fue el contrario, y la música ya está creada, porque se basó en una historia y no en la que ahora a ellos se les ocurra.

Lo de "puñeteras" intentaba ser cariñoso.

Pues de la misma forma que hay mucha gente (y no miro a nadie) que confunde a las VOCES con la MUSICA. Incluso fíjese, que hay mucha gente que confunde Puesta en Escena con Escenografía (que es solamente un aspecto de la misma, junto con vestuario, iluminación, coreografía, movimiento escénico etc.)

Por cierto, menos mal que siempre nos quedará gente que venga a iluminarnos sobre cuáles son las "óperas como Dios manda"; eso sí que es interminable y bizantino.

En el inicio de la ópera el texto inspiraba la música, luego la ópera italiana fue degenerando (escuela napolitana barroca) y dándole mucha menos importancia a la dramaturgia y más a la música, a las arias floridas, al lucimiento del cantante-divo, luego vino Gluck y quiso cambiar esto, etc...

Verdi (de quien estamos hablando en este Macbeth) destaca por su inspiración musical basada en la dramaturgia.

Yo pensé que usted ya sabía estas cosas, no pretendía iluminarle, eh?

Déjese de indirectas que yo no confundo ninguno de esos términos que usted menciona. Los directores de escena del "konzept" sí parecen confundir su labor con la del dramaturgo-libretista.

Ha hecho muy bien en recordar los aspectos que incluye la dirección de escena y también en no incluir la alteración del libreto.

Leyendo sus intervenciones se diría que usted línea argumental no tiene mucha, sino que se dedica a buscar las posibles contradicciones que podamos tener los demás. (Y le puedo poner ejemplos de esto de los últimos cinco días por lo menos que le he leído).

¿Por qué no expone su propia argumentación? Caray, se va a parecer usted a los directores del "konzept", que basan su aportación en la de otros.

Y a la escenografía, con sus cambios de decorados, sus maquinas teatrales, sus incendios y derrumbamientos etc.
Hasta el punto que la labor del escenógrafo era sumamente apreciada y era el profesional que más cobraba, junto con los grandes divos, muy por encima incluso de los libretistas o compositores y los músicos.
Era tan importante que el factor escénico determinaba en gran parte el libreto, ya que la acción debía transcurrir de tal forma que se garantizasen tantas escenas por acto, con sus cambios de decorado correspondiente, o que los temas contuvieran los esperados terremotos, volcanes, tormentas, etc. para mostrar los efectos que el público esperaba ansiosamente.

Eso para todos aquellos que niegan la importancia de lo escénico en la ópera. Seguro estoy que usted sabía esas cosas.

Por cierto, eso de que "la ópera italiana fue degenerando" será una opinión particular, o prejuicio propio. Para mí, fue evolucionando hasta consolidar un modelo terminado, que constituye una cima (eso que llamamos Opera Seria); modelo a a partir de cuya disolución llegaríamos después a otra cosas.

Si me dice usted en qué parte de las normas del foro se me exige tener que argumentar en la forma en que usted le de la gana, lo haré encantando de la vida

En cualquier caso: para que se quede más tranquila, me cito (se ve que no me ha leido con la suficiente atención):

Es decir, que concuerdo con el decálogo de Gouverneur; si ya lo ha dicho él, para qué lo voy a repetir yo.
Y si busco las contradicciones, es porque creo que las tienen, así de sencillo.

No sea usted tramposillo, que sabe perfectamente que la verdadera disyuntiva en Capriccio se produce entre Flamand y Olivier. Otra cosa es La Roche.

En cuanto a la importancia de la escenografia en las grandes operas Barrocas, era esencial, sin duda. Pero de nuevo el debate no tiene nada que ver con la escenografia, sino con la dramaturgia paralela, el "Konzept". Un invento bastante mas reciente.