Me traigo al foro una discusión que estaba comenzando a darse en Facebook. Yo defiendo que, en los últimos años, cada vez se piensa menos en el público cuando se compone una ópera. En general, cada vez se compone desde lenguajes más innaccesibles al público profano y enfocados a una minoría más bien snob. Parece que ya no interesa componer desde la tonalidad y la melodía, desde lenguajes accesibles al gran público, y que cuando alguien intenta hacerlo (pienso en casos como los de John Corigliano, André Previn, Thomas Adés, Daniel Catán u Osvaldo Golijov, que han dejado óperas accesibles e interesantes, en ocasiones sin renunciar a innovar formalmente), muchos críticos les tachan de ser excesivamente conservadores como creadores.
Otro dato indiscutible es que el público operístico "normal" (los de "sota-caballo-rey"), tienen miedo y desprecian este repertorio.
Y mi pregunta es ¿no importa la opinión del público? ¿no debe una ópera componerse pensando en el público que paga entrada y llena los teatros? ¿es necesario componer cosas que necesiten ser previamente explicadas para comprenderse?

Todos esos compositores que menciona usted, precisamente componen en los últimos años. El componer sin "tonalidad y melodía", estaba en su apogeo en los años sesenta y setenta del siglo pasado. A ver si se actualiza usted un poco, hombre. A estas alturas del siglo XXI y todavía con el mantra de la tonalidad a cuestas, después de casi un siglo...

Pero los que molan hoy en día son nombres como Sanchez-Verdú, Gubaludina, Saariaho, Sciarrino, Halffter... No nos engañemos, los que componen con tonalidad y melodía hoy por hoy son una minoría, en muchas ocasiones señalada negativamente.
Y a mí, qué quiere que le diga, la tonalidad y la melodía sí me parecen importantes. Que un grupo de compositores allá por los años 20 del pasado siglo experimenten con la falta de tonalidad y melodía, pues puede tener su interés (como curiosidad, no más). Que después de casi 100 años, se haya convertido en la norma, no sé si decir que me parece preocupante...

A ver, que la "tonalidad" no es más que un sistema de composición, entre otros muchos. Por favor, después de varios años de leer el Foro, al menos eso debería ya haberlo interiorizado. Se trata de "un sistema de composición", no de las Tablas de la Ley, bajadas del Sinaí.

Lógicamente, a estas alturas del siglo XXI, la inmensa mayoría de compositores, incluyendo los que menciona usted en su primer mensaje, utilizan otros sistemas, algunos de los cuales engloban la "tonalidad".

De estos compositores que "molan", las óperas de Saariaho y Sciarrino son efectivamente mucho mejores que las de John Corigliano, André Previn, Thomas Adés, Daniel Catán u Osvaldo Golijov, pero no debido a que usen o dejen de usar un venerable sistema de escritura musical, sino a que tienen más talento. Las óperas de John Adams, por ejemplo, se acercan más a la "tonalidad", y a la calidad de la obra de Saariaho o Sciarrino.

Por otra parte, cada uno compone como Dios le da a entender. La libertad y el eclecticismo es total. Y la infidelidad al sistema de composición que uno elige en un momento de su carrera, está a la orden del día. Imagino que algunos compositores pensaran mucho en el público, otros, poco, y algunos, nada, como parece natural.

p,d.: por cierto, ¿cúal es su ópera favorita de Sofia Gubaidulina?

Señor Gruberoviano, me gustaría preguntarle si ha entrado usted en fase provocateur y, en caso afirmativo, si sabe usted cómo salir de esa fase.

El público del sota caballo y rey, del que formo parte, ni tiene miedo ni desprecia ningún repertorio. Otra cosa es que disfrute más con unas obras que con otras. Ni más ni menos. En mi caso personal, por ejemplo, el Barroco no me hace mucho tilín, pero líbrenme Dios y Carestini de despreciarlo.
De Sofia Gubaidulina no he escuchado nada. Leo en la Wikipedia que a inicios de los años 1980, comenzó a usar la serie de Fibonacci como modo de estructurar la forma de una obra. ¿Alguna recomendación, estimado Marqués delaforce?

No he escuchado ninguna ópera de Gubaidulina, tal vez el señor Gruberoviano pueda ilustrarnos al respecto.

Sr. Gerardo, nos ha demostrado usted últimamente (si es que hacía falta) que no es de sota, caballo y rey. ¡Menudo repaso a óperas infrecuentes nos ha hecho!

Otra cosa es que no le guste el ñu, ñu, ñu, esa música que recuerda a una orquesta afinando antes de un concierto o la que se compone para que sólo guste a unos cuántos "elegidos" con el ceño muy fruncido. También que se aferre a la definición del canto que consta en el diccionario como "emisión de sonidos melodiosos" y no hablados, declamados, farfullados o exhalados. Si es así, coincidimos

No se puede exigir a un compositor de ópera que sea comercial. Tener en cuenta la posible aceptación de un público más o menos masivo a la hora de componer forma parte de su elección, al igual que usar el sistema tonal o cualquier otra cosa, pero...

... lo que sí se puede exigir a un compositor de ópera es que conozca bien el instrumento para el que está escribiendo y sobre todo, que lo que escribe sea ejecutable.

Componer con un ordenador, a diferencia de lo que se hacía antes en que los compositores de ópera trabajaban con cantantes (cantantes concretos además, más o menos dotados y virtuosos) da pie a auténticos absurdos. Una obra que exija un desgaste vocal, un desgañite constante de los cantantes es un error de compositores IGNORANTES, tan grave como componer una obra para piano con acordes para pianistas mutantes con siete dedos en cada mano o escribir un glissando en un chelo hasta el do grave de la cuarta cuerda al aire, un legato interminable a un clarinete que supere la capacidad pulmonar de cualquier ser humano, o cualquier cosa que directamente "no se puede hacer".

Parece hasta de perogrullo tener que decir esto, pero por desgracia, no sobra.

Es cierto que la escritura vocal, paradójicamente, suele ser un punto claramente a mejorar en un porcentaje significativo de óperas contemporáneas. Otro puede ser la creencia que se puede, incluso se debe, musicar cualquier frase, no importa que texto, incluido la guía telefónica.

Yo no quiero, ni necesito, que nadie me explique lo que voy a ver. Al teatro voy a SENTIR, y por eso siempre he prescindido de explicaciones previas, ni de "hacer los deberes" preparando la ópera. Me ocurre lo mismo con las artes plásticas. No soporto las visitas guiadas, prefiero estar delante de la obra el tiempo que a mí me dé la gana, y no al ritmo que me marque el guía de turno con sus explicaciones. La información ya me la buscaré después y por mi cuenta.
Cuando los teatros estrenaban constantemente, a nadie le explicaban nada. No veo por qué motivo ahora habría que ir a la ópera con el manual de instrucciones. Cada uno que vea, que sienta y que saque sus propias conclusiones.

Eso es un tanto relativo. ¿Era un ignorante Verdi por el papel tremendo de Abigaille, por ejemplo, que está cerca de lo "no ejecutable", exige un "desgaste vocal" y casi un "desgañite constante"?

Por otro lado, la historia de la música también está llena de composiciones instrumentables supuetamente intocables en su época, que vaya si han sido tocadas después.

Ni siquiera Verdi nació sabiendo, pero se interesó por conocer el instrumento para el que escribía y escribió para él cosas muy interesantes sin dejar de ser exigentes.

Hoy casi todo lo que a alguien se le ocurra se puede reproducir en un ordenador. Bien, a mí la música ejecutada de forma que no haya verdadera interpretación humana en el momento de la ejecución no me interesa prácticamente nada, esta "muerta", no tiene "contingencia".

Uno puede componer para un instrumento "tradicional" o para un instrumento "preparado" o modificado técnicamente en la manera que sea y para un pianista o para cinco sentados al mismo piano, pero cuando escribe tiene que estar contando con eso para lo que está escribiendo. Y con ello, sorprender o aportar algo nuevo, ahí es donde está el genio. Que vengan otras personas después para inventarse algo para poder realizar algo que alguien escribió antes no convierte a ese compositor en "visionario" para nada. Distinto es cuando el mismo que escribe "inventa" también la técnica para hacerlo interpretable.

En el campo de las voces hay tanta falacia con esto que esconde mucha ignorancia de base.

Yo no veo ninguna de estas cosas relativas y pienso que lo menos que se tiene que pedir a alguien que va a escribir para una voz de una determinada tesitura/volumen/color es conocerla.

Ya vamos a empezar.

El compositor actual no piensa en el público por la sencilla razón de que, por un lado, no vive del público y, por el otro, el público es un ente indefinible. No es lo mismo el público de un teatro que el de otro o el de un país o el de otro.



Esto es un prejuicio. Las obras modernas son tan inaccesibles paa la mayoría de los profanos como lo son las obras antiguas. Es sólo que con las antiguas el profano se siente familiarizado, aunque no enteinda casi nada, y con las modernas no.



Seguramente mucha gente dijo eso cuando se pasó de la monodia a la polifonía o cuando se pasó de la modalidad a la tonalidad.



Pues eso son.



Y de quién es la culpa si no de ellos mismos. Prefieren seguir de sota-caballo y rey antes que volverse una tercias de ases.




En general no. El artista actual es como un pastelero. Si gustan los pasteles uno vuelve, si no se busca uno otra pasteleria.



En ese tipo de estética generalmente no lo llena y si lo llena es porque los asistentes van porque les gusta esa estética.



Así funciona el 90% del arte compuesto por la humanidad. Cuanto daño hizo el romanticismo.

¡Metahilo!