Un clásico de la discografía que ha envejecido extraordinariamente bien y del que creo, incluso, que puede decirse que cada día es más clásico. A ver si encuentro un rato para explicar a qué me refiero.
(Pero no se sientan compelidos a que les interese, no faltaba más).

Excelente. Y una de las grandes prestaciones discográficas de Domingo. Lástima que el Filippo no fuera un Ghiaurov, por ejemplo, en lugar de Raimondi (y eso que tengo al boloñés por gran intérprete. Pero tratándose instrumento, el del búlgaro era imbatible.
Espero con interés su análisis.

Ghiaurov ya tenía un Filippo grabado cinco años antes para la Decca dirigido por Solti, en lo que es otro clásico de esta maravilla verdiana.

No iba a repetir para la competencia discográfica.

Toda la razón (comercial), pero comprendo el lamento de Alberich. No olviden CÓMO hizo cantar Giulini a Ghiaurov en la grabación del Requiem de Verdi de 1964.

Bueno, la verdad es que no entro en esas disquisiciones de carácter económico y comercial. Sólo digo lo que me habría gustado.

Es evidente que Ruggero Raimondi no es comparable a Nicolau Ghiaurov en el rol de Filippo, por la mera razón de que no es un bajo propiamente dicho, sino un bajo-barítono (aunque terminara grabando el papel del Gran Inquisidor que es para bajo profundo, pero esa es otra historia). No obstante, Raimondi se desenvuelve bastante bien y no defrauda (para no ponernos demasiado exigentes), además de suponer en sí mismo otro reclamo comercial.

Una grabación en vivo desde Covent Garden en 1958, dirigida por Giulini unos meses antes de la de Karajan en Salzburgo. Filippo es aquí el incombustible Boris Christoff y Don Carlo un joven Jon Vickers de voz clara y emsión fácil. El elenco lo completan los italianos Tito Gobbi y Fedora Barbieri como Posa y Éboli. Elisabetta la canta la soprano holandesa Gré Brouwenstijn, que tendría una larga y fructífera carrera en el coliseo londinense.

Don Carlo puede tenerse, en muchos sentidos, por la obra más ambiciosa de Giuseppe Verdi, de lo que son prueba no solo su extensión, insólita en el maestro, sino también las múltiples ocasiones en que regresó, con mayor o menor intensidad, a rehacer partes del texto. Verdi encontró en la obra de Schiller la base para una obra compleja en la que tenían cabida muchas de sus obsesiones artísticas: el amor, la patria, la paternidad conflictiva, la legitimidad del poder, la lealtad, y de alguna manera, la capacidad de los nuevos Estados de convertirse en sociedades mejores que los antiguos regímenes con la cabeza del racionalismo y el corazón del romanticismo. Puede decirse, así, que en el corpus operístico de Verdi Don Carlo fue, afortunadamente, lo que por desgracia Lear no pudo ser.

Sin embargo, de alguna forma, Don Carlo fue también la más incomprendida de las grandes obras de Verdi. Y en mi opinión, esa incomprensión, manifestada en el conocimiento y afecto relativamente tardíos recibidos por la obra en comparación con otras obras maestras verdianas, se debe a que, a diferencia de la directa espontaneidad de otras óperas, Don Carlo es una obra que, por decirlo de algún modo, opera en varios planos simultáneamente, de tal forma que resulta difícil definir cuál es su idea o tesis central, porque, en mi opinión, tiene varias. Y eso despista al oyente, sorprendido por una obra magna en la que no solo todos los personajes principales están sometidos a motivaciones contradictorias (salvo el Gran Inquisidor, inquebrantablemente fiel a su terrible concepción del mundo), sino que resultan profundamente humanas, de modo que la obra termina superando en muchos sentidos el estricto maniqueísmo de la trama romántica imposible con la que se presenta. Sin duda, en Don Carlo hay una tremenda historia de amor prohibido a la altura de Romeo y Julieta y de Tristán e Isolda, pero también hay muchísimo más.

Y es esa pluralidad de planos lo que considero que no solo da legitimidad a aproximaciones diversas, sino que ha jugado, con el paso del tiempo, en favor de la espléndida lectura de Carlo Maria Giulini en EMI en 1971, que, reescuchada hoy, presenta una sorprendente modernidad. En aquel momento, la incipiente discografía de la obra (que, salvadas honrosas encarnaciones aisladas de algunos roles, no lograba inicialmente dar una imagen plena de los muchos significados de la fabulosa obra musical) acababa de ser revolucionada por la aparición de la monumental lectura de Georg Solti (Bergonzi, Tebaldi, Ghiaurov, Fischer-Dieskau, Bumbry, Talvela) con la que Don Carlo cogió "cuerpo entero" en la discografía. En un tremendo contraste con aquella versión, Giulini propuso una lectura italianísima, sí, pero contada desde la orquesta y "desde el interior de los personajes", sin que por ello pierdan magnificencia momentos como el auto de fe, fabulosamente dirigido con planos sonoros de insólita nitidez. Solo Claudio Abbado (en sus apasionantes lecturas en vivo en los 70, y, sobre todo, en su versión de estudio en francés, donde, por desgracia, el magisterio catedrático de la orquesta era anegado por un reparto muy inadecuado, bien por hallarse en bajísima forma, bien por una gran incomodidad para frasear en francés) fue capaz de contar todo lo que ocurre en la orquesta de Don Carlo con una emoción y una profundidad parecidas. Y con todo, allí donde el milanés narraba los atribulados conflictos de la corte de Felipe II "en positivo", partiendo de una ponderada sabiduría desde la que explicaba su fe en un mundo en que la razón y el amor triunfen sobre la fuerza autoritaria y la cerrazón moralista (el Don Carlo de Abbado tiene, en el fondo, la misma tesis que el Anillo del Nibelungo), el Don Carlo de Giulini es una historia, en el fondo, de múltiples derrotas. Tiernas algunas, crueles otras, entrecruzadas todas y todas muy conmovedoras, pero siempre derrotas.

Tengo que hacer la cena. Sigo en otro rato.

Pues sí, Don Carlo probablemente sea la más monumental y compleja creación verdiana, de una gran ambición, sin duda, y que consagra la evolución única del genio verdiano. El Maestro se aleja de las caracterizaciones elementales de los personajes y del protagonismo casi absoluto de la pasión amorosa propios del melodrama italiano protorromántico. Esa variedad de asuntos a tratar, los numerosos personajes y su complejidad psicológica son los que provocan esa falta de unidad dramática que siempre preocupó a Verdi "Un mosaico, todo lo bello que quieran, pero mosaico al fin y al cabo", y que llevó al Maestro a retocar esta fascinante creación. La más importante es esa versión en cuatro actos que dotaba según sus propias palabras de "più concisione e più nerbo".

Creo que no hay dudas que, en cuanto a versiones discográficas, Solti, Giulini y Abbado -el vivo del bicenetenario de La Scala 1977 con diversos repartos y disponible en audio e imagen- están en la cima. Todas ellas en 5 actos, pues pienso que el Acto de Fontainebleau es imprescindible.

No interrumpo más la interesantísima disertación del Sr. Quint.

Que estaba haciendo la cena, hombre. Siga usted entonces...

¿Y si era la última cena? Nunca se sabe...Y, después de todo, Mr. Quint no deja de ser un fantasma o un muerto viviente, que no sé yo qué es peor... Y ya sabemos que en Don Carlo hay también un supuesto fantasma que al final aparece travestido con los ropajes nada menos que de Carlos V... ¿Y si Mr. Quint es en realidad Mr. Quinto? Esperemos que lo aclare pronto, aunque sea desde la misma ultratumba...

Tengo la edición de Myto, con cada obra por separado.

Empecé con el Oro, luego lo dejé, y esta tarde me puse con el primer acto de Valquiria y salté al primer acto de Sigfrido. Ángel Fernando Mayo tenía a esta Tetralogía en gran estima (después de los "Excelentes", que concedía a las Tetralogías de Kna, iban Solti, Furtwängler, Krauss y Moralt). Indicaba que era un Anillo para conocedores. Y no le faltaba razón. El sobrino de Richard Strauss opta por una dirección suave, paladeada, sin estridencias, con un pathos reducido, que gusta más de los momentos dulces que de los trágicos. Por eso el Parsifal radiofónico de octubre de 1948 le quedó tan bien. En el Anillo las cosas son diferentes, hasta el punto de que creo que es una dirección atípica y demasiado personal. No la recomendaría para conocer la obra. Eso sí, el sonido, al menos en la edición de Myto, es buenísimo. Este Anillo se grabó en una serie de sesiones por la RAVAG (el antecedente de la ORF) y el trabajo es espléndido, mejora incluso la calidad del Parsifal de 1951 registrado por Teldec. No evidencia que estemos ante una grabación de los años cuarenta. Evidentemente, no es lo mismo que grabar una representación, pero el trabajo de grabación fue excelente.

Yo tengo la edición de MYTO y me gusta bastante ese Anillo. Además están la Höngen, Frantz, Treptow y, especialmente, mi querida Gertrude Grob-Prandl, eximia cantante Wagneriana de medios privilegiados y señorial escuela de canto.