https://www.youtube.com/watch?v=zPQvGKw ... rt_radio=1
Manrico: Ermanno Mauro
Il conte di Luna: Franco Bordoni
Leonora: Christine Deutekom
Azucena: Marta Rose
Ferrando: Mario Rinaudo
Inés: Cecilia Frigerio
Ruiz: Gabriel Sierra
Un messaggero: ¿?
Un vecchio zingaro: ¿?

Orquesta Filarmónica de Santiago de Chile

Teatro Municipal
Santiago de Chile - 19 settembre 1980

Yo siempre, desde la primera vez que escuché a Deutekom en papeles de gran relevancia para una soprano - "Lucia de Lammermoor"; "Norma"; "I puritani" y ahora "Il Trovatore" - me dí cuenta de que estamos ante otra Grande del siglo XX y no sólo una gran Reina de la Noche, como sí ese papel tan corto pudiera hacer justicia a una cantante que no sólo sabía hacer gorgoritos/filigranas sino que sabía cantar con un legato de altísima calidad y dotar a sus personajes de un carácter tridimensional. Todo gracias al fantástico sentido dramático que había en sus interpretaciones y a no confundir - muy importante - la expresividad con la exageración, el exceso vacío y de mal gusto.
En este caso, ella a parte de saber dotar de expresividad al personaje que tiene delante, canta como pocas: pianísimis; cadencias, agudos y agilidades - aunque no con la perfección pluscuamperfecta de Sutherland - con una voz no especialmente bella por lo metálico de su timbre pero con una dicción que ya la quisieran sopranos como la australiana.
Lo que más admiro de esta cantante, aparte de todo lo anterior, es cómo gestionaba su registro grave. Un registro grave no especialmente rotundo, pero suficiente para este papel y que está empleado con gran inteligencia. Una gran homegeneidad tímbrica. Mi oído al menos así lo percibe.
El resto de compañeros no desmerece, empezando por el protagonista Ermanno Mauro. Un tenor de voz no muy de mi agrado - y que pincha en las notas picado-ligadas de "di quella pira" - pero que sabe matizar "ah si ben mio" y nos entrega un Manrico digno compañero de la Deutekom. Espectacular Mario Rinaudo y uno de los más aplaudidos por el público chileno.
Un grandísimo elenco con una protagonista de un nivel que perfectamente hubiera encajado en la Scala o en el MET - por citar a dos -.
Hay otra grabación de 1976 coetánea de la de DECCA: fíjense la maravilla que hubiera sido una soprano que también sabía cantar, y de qué manera, bel-canto la hubieran puesto en esa grabación en vez de la más bien inerte Leonora de Sutherland....así es la vida:
Una pena.

Eso era un imposible, pues la pareja Sutherland/Pavarotti era la que vendía en ese momento y en otros años más.

Las compañias discográficas en materia de ópera, en la época en que aún se hacían grabaciones con cierta regularidad, desde las parejas Del Mónaco/Tebaldi, Callas/Di Stefano y luego Price/Domingo y Ricciarelli/Carreras, iban por las apuestas seguras, salvo imprevistos y no estaban para experimentos que afectaran la recaudación.

En el caso Sutherland/Pavarotti, cuando mediaba la indisciplina del tenor, que habiendo sido el previsto, debieron buscar otro para la emergencia de su escapada: I Masnadieri, Lucrezia Borgia, Adriana Lecouvrer, pero en el caso contrario siempre respetaron el contrato.

Como grabación de estudio es imbatible, con todo lo que conlleva esta aproximación, máxime en una producción DECCA: una orquesta y unos coros espléndidos, un Zubin Mehta fílmico, y un reparto que canta muy bien, teniendo en cuenta que la Sutherland no es una soprano dramática y que Pavarotti afrontó el Calaf en vivo sólo un par de ocasiones y tiempo después. Creo recordar que su debut fue en San Francisco, con la Caballé como Turandot. Siempre he tenido reparos con Mehta, ejemplo de director mediático sin un repertorio concreto donde ser recomendado, pero hay que reconocer que ha dejado contribuciones discográficas indiscutibles: en ópera esta Turandot, el Trovador con Domingo, Price y Milnes o la Tosca con la misma pareja protagonista.

Ciertamente, Zubin Mehta no se puede asociar a un repertorio concreto, pero ello no obsta para que en determinadas ocasiones y en obras concretas dé en el clavo; y no solamente en ópera, como usted bien señala. Su carrera pasó de Los Ángeles a Nueva York, donde fue recibido como un héroe, para terminar siendo criticado por falta de una personalidad más identitaria, si se me permite la figura retórica.

Es Kurt Weill una figura que me parece es bastante poco valorada en esto de la ópera, quizás porque él decidió saltar del estereotipo hacía una concepción más cabaretera de la misma, caracterización propia de una época convulsa en Alemania y en la que el cabaret era casi sinónimo de libertad. A mí Kurt Weill me gusta mucho.

https://www.youtube.com/watch?v=1UOoFSKQgAQ
Una realmente sorprendente Martina Arroyo en los tres primeros actos. Merece la pena conocer a esta soprano verdiana de primera magnitud cantando un papel tan comprometido como es el de la Lady.
Siempre - y en esto sigo totalmente a Fernando Fraga - he considerado a Martina Arroyo como una soprano que está un peldaño por encima de Leontyne Price como soprano verdiana. Es un placer en todos los órdenes escuchar esa voz mucho mejor construida que la de la Price. Yo al menos así lo veo.
Lo que más admiro de esta Grande - una más - del siglo XX es la carnosidad de su centro vocal y la belleza del mismo - sorprendente su Elsa von Brabant: una pena que no siguiera con "las tres E de Wagner" - El personaje creado por Arroyo es , por su tímbrica, muy hermoso...realmente, muy hermoso. Con una cuidada dicción y con una gran seguridad del centro de la tesitura hacia arriba - aunque esta última afirmación requiere de matizaciones - compone una Lady vocalmente muy sólida en los tres primeros actos: con un grave discreto - esa es la verdad, pero suficiente - y con una coloratura espectacular para una voz de su tamaño. Para mí, unos de los momentos más sobresalientes es la escena del brindis, donde a unas agilidades acometidas de un modo sorprende se une unos trinos prácticamente perfectos.
En el canto de Arroyo - al menos así lo veo yo - predomina el canto sobre todas las cosas...el buen canto, quiero decir. Su Lady es una Lady muy bien cantada, sin excesos vacíos pero no es inexpresiva...ni mucho menos. Está cantando un aria o sección determinada y en medio de esa pieza, nos encontramos con un acento breve, con un detalle expresivo conciso, escueto pero de gran significación y que hace que toda la pieza adquiera un matiz diferente. Es eficaz y austera en sus recursos expresivos..y logra a la postre componer personaje.
El problema que veo a Arroyo, como a tantas otras, es en la escena del sonambulismo. Lo empieza bien, pero al llegar al final no hay esos pianísimos que el contexto de la escena les pide. Termina en forte y creo que encima bajado de tono (no llegando al re sobreagudo), aunque no estoy seguro de ello. Ese es una limitación que le veo en su canto: que no apianaba como otras ilustres verdiana. Piénsese en Milanov o la misma Price. La sorprendente Nilsson, para bien, compone vocalmente en esta sección una Lady muy sólida y en "andiam" emite un hermosísimo pianísimo y termina con un Re sobreagudo en pianísimo, aunque angustioso o sofocado (carente de vibrato) Esos pianísimos son fundamentales a mi entender, ya que en una escena de sonambulismo, nocturna, silenciosa...¿cómo va a acabar la soprano en re sobreagudo en forte!!? Se carga todo el contexto de la escena.

En la escena del sonambulismo siempre la escucho para ver si estamos ante una gran cantante o ante una cantante excepcional. Siempre recordaré - para mal - el "Macbeth" de Muti con la Gwyneth Jones como Lady en 1975. Si bien en los tres actos primeros lo hace bien...e incluso muy bien - graves a parte - en el IV vemos la diferencia entre el 1966 y el 1975 en su voz, después de haber portado el Anillo del Nibelungo. No puede controlar su fiato y las dinámicas forte- piano se vuelven trabajosas.
Mi modelo inigualable en esa escena, por tempis (tremendo las prisas de De Sabata en el 1952 con Callas) y por calidad vocal e interpretativa es Verret-Abdado-DG: tempis reposados, el ambiente onírico que logra transmitir el director y el canto de Shirley, con excelente trabajo vocal e interpretativo y una muy cuidada dicción: NPU. Arroyo en esta pieza lamentablemente por como la termina queda lejana.

Milnes menos matizado que con Muti y más exagerado que en su Macbeth de 1970 con la Ludwig. Gran barítono ...grandísimo en repertorio francés pero aquí lo veo exagerado y un poco desmedido. Se puede cantar bien y ser expresivo sin sonoridades non sanctas.

Sentimientos contradictorios al ver una película como esta: así quería el franquismo representar lo vasco, a través del folklore, los vestidos y el txistu pero con el acento ridículo y sin euskera por ninguna parte, lo que hace totalmente inverosímil la historia. Pero uno observa algunas imágenes que ya no puede vivir, como la de los caseríos con sus bueyes, las metas -los sistemas naturales de almacenaje de hierba- y el mundo rural ya casi desaparecido y siente cierta nostalgia. Será la edad.

Las zarzuelas cinematografiadas de Juan de Orduña nos presentan un mundo idílico de época. Recuerdo también la Maruxa de Vives.

Ahora, pregunto desde el desconocimiento: ¿es identitario de los vascos el seseo que el libro de esta zarzuela prevé para todos los personajes? -excepto para Don Jesusito, el Secretario del Ayuntamiento, desterrado en Arrigorri por un pufo que no queda del todo claro, y que en la película de Juan de Orduña, como en otras representaciones de esta zarzuela, se suprime-. En el libro desde luego aparece, como el acento gaditano en las dos entregas de Luis Alonso de Jerónimo Jiménez.

Tengo el audio en disco, que publicó EMI, y es una buena versión. Luis Sagi-Vela es el Santi ideal, suave, magnánimo, familiar... Y todo el reparto es magnífico. Moreno Torroba dirige con agilidad y cuerpo. Aunque claro, la Ana Mari de Ataulfo Argenta es Pilar Lorengar y uff... eso es maravilloso.

En este caso concuerdo con Wagneriano, además, he escuchado en vivo dos Turandot a Mehta y en ninguna alcanza el nivel de este gran producto discográfico de la casa DECCA. Pavarotti es demasiado lírico y, efectivamente, se acercó al Calaf en vivo con mucha prudencia y en contadas ocasiones, pero en la grabación está espléndido. Eso sí, mi Calaf favorito es Corelli. El experimiento de la Sutherland tiene interés, pero no es Turandot. Caballé referencial.
Pero, como planificado producto discográfico me quedo con la impactante dirección de Karajan para DG, aunque el reparto femenino es demencial y el Calaf no es el mejor papel de Domingo.

En cuanto a Martina Arroyo que comenta Bonisolliano, por supuesto que fue una excleente soprano Verdiana por voz y escuela de canto. Sólo que era un tanto epidérmica como intérprete. No conozco su Lady Macbeth, pero a priori, no la veo con ese temperamento rquerido.

Yo siempre he pensado que en 1973 Pavarotti era efectivamente "demasiado lírico", pero ahora esta misma reflexión de Mr. Tunner me hace pensar que tal vez con Calaf haya pasado lo mismo que, mutatis mutandis, con Pollione: esto es, que ambos papeles hayan sido apropiados por tenores más dramáticos que los que inicialmente estrenaron el rol. Y pienso en nuestro Miguel Fleta y en los que se barajaron como candidatos: Lauri-Volpi, Gigli y Martinelli.

Esta grabación de 1952, la primera con la que me estrené en esta ópera rusa, y para mí incomprensible pues no tenía libreto ni forma de hallarlo en aquellos tiempos, me impactó por una música sobrecogedora y por un Boris Christoff que cantaba todos los papeles de bajo (Pimen, Varlaam, Rangoni). La he visto en teatro, allá por los ochenta, en La Zarzuela e interpretada por una compañía de detrás del Telón de Acero que parecía seguir los estrictos criterios del Kremlin.

Es mi Boris Godunov favorito. Por encima de la técnicamente perfecta grabación de Karajan pero un tanto efectista en el sonido. El reparto es magnífico, comenzando por Boris Christoff haciendo participación múltiple y Nicolai Gedda es un Dmitri juvenil y elegante. Issay Dobrowen fue un pianista y director ruso que huyó de la URSS en 1923 refugiándose en Noruega y falleciendo pocos meses después de esta grabación. Magnífica dirección, clara, honesta, respirando con los cantantes, conociendo la partitura y fraseándola de forma natural. El problema son los Coros Rusos de París, formados por exiliados, en un nivel casi amateur (la entrada inicial es desastrosa).

No he escuchado nunca la grabación de André Cluytens, un director que me encanta, y que grabó diez años más tarde la obra en estudio con la Orquesta de París y Boris Christoff repitiendo los papeles.

Curioso que la grabación de Dobrowen, producida por EMI, acabe en Erato, probablemente por las distintas fusiones de compañías. Yo la tengo en la caja de Mussorgsky que editó Brilliant, muy recomendable.

Pues bien, he aquí mi medalla de plata entre mis grabaciones de Turandot porque la de oro es para Zubin Mehta. Se le podrá sacar punta al lápiz, claro que sí, pero a mi me parece temerario poner peros a Birgit Nilsson en este papel; y luego, Franco Corelli, con esa pronunciación tan particular de algunas consonantes, tiene una voz que abruma. Súmenle a esto Renata Scotto y un buen Bonaldo Giaiotti y tienen una versión de referencia.

Ahora, hoy en día nadie habla así. Esa forma de hablar era propia de los vascos monolingües, que desaparecieron -salvo alguna excepción- tras la guerra civil, que de ello bien se encargó el de Ferrol. Mire, mi abuelo materno no sabía castellano y hablaba así porque en euskera el sonido /z/ que en castellano se pronuncia de una forma -por ejemplo, zona- en euskera se pronuncia como /sz/, por ello todos los euskaldunes tenían ese seseo característico. Además, los monolingües construían las frases de otra manera: el castellano, como la inmensa mayoría de las lenguas, es SVO (Sujeto-Verbo-Objeto, por ejemplo en Yo soy español, Je suis français o I am English, mientras que el euskera es SOV, es decir, Ni euskalduna naiz. Aun recuerdo a mi abuela cuando decía, mientras me echaba la bronca aquello de "haber cogido tenías", que a mí me dejaba fuera de juego. Ahora lo entiendo perfectamente.

Más Kurt Weill, en este caso una obrita, Mahagonny, Eine Songspiel, que viene a ser una especie de reducción de la ópera grande Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny y en la que aparecen las melodías más reconocibles de esta última. El songspiel lo programó el Teatro Arriaga en su momento pero el coronavirus se la llevó por delante.