|
Voy intentando tachar líneas en las listas de actividades pendientes con las que me entretengo, y aunque la lista de pendientes de ópera es larga y el tiempo escaso, voy avanzando con ritmo constante y empeño intacto.
El 9 de Octubre es el día de la Comunidad Valenciana, en el que se celebra la entrada en Valencia, en 1238, librándola del dominio musulmán (con perdón), del Rey Jaime I (otros celebran derrotas aunque no saben de quién ni por quién) y se suele quedar un puente apañao con el Pilar para aprovechar que el verano que se extingue y disfrutar de los últimos coletazos del atardecer tardío.
Pues eso, puente a París, donde ella espera (París), tan bella como siempre, arrogante en su opulencia, carísima en casi todo, con sus taxistas y camareros tan antipáticos como siempre y sus crisis de gobierno. No era mi primera vez en París, ni la undécima, pero hacía mucho tiempo que no la visitaba.
Cuando frecuentaba París, era yo mucho más joven y más ingenuo. Me llenaba las noches de cenas de trabajo innecesarias y baldías. Ahora que soy mayor y más sabio, como (de comer) con quien haga falta, pero intento sólo cenar con amigos, familia o gente con la que me sienta a gusto. Por ello, aunque la Bastilla la visité en varias ocasiones, tenía pendiente el grandioso e incomodísimo Palace Garnier.
Era más complicado ir que a la Bastilla, porque el Garnier suele nutrir su programación de Ballet, aunque de vez en cuando cae algo de ópera, principalmente barroco. Pues, eso, en el puente del Pilar escenificaban un Ariodante en la Garnier, mientras que en la Bastilla se ponía malita Saioa en una Aida con Beczala.
Ariodante lo vi hace tres años en les Arts y me encantó, ósea, que enredé a mi mujer y nos fuimos a repetir el disfrutar de las peripecias del supuesto cornudo de la hija del Rey de Escocia que no sabe ni suicidarse.
Fue una visita memorable. Todo de un nivel altísimo. Todo luces, ninguna sombra. Una puesta en escena elegantísima e impecable. Una orquesta extraordinaria y unas voces impolutas. Sin fisuras. Que gozada.
Y la música de Haendel es sublime. Ya escribí que algo en mi estaba cambiando cuando disfruté como un enano del Ariodante que pudimos ver en Valencia. Pues ahora como dos enanos. Sólo el “Scherza infida” y el “Il mio crudel martoro” valen un imperio.
Ariodante, obra de madurez del Caro Sassone, describe una trama en la Escocia medieval con una impresionante paleta. El libreto está inspirado en Salvi, cuya Escocia muestra tanto momentos de gran pasión como la contemplación de una naturaleza salvaje y presente en momentos de desesperación. Händel adaptó una versión del libreto que da rienda suelta a este aspecto solitario y melancólico, con descripciones psicológicas de los personales apoyadas en la música de forma insuperable.
La producción estuvo aderezada con una puesta en escena de las más cuidadas, trabajadas e inteligentes que he visto últimamente. Robert Carsen lo borda con delicadeza y esmero acompañado por un equipo extraordinario, del que es de justicia nombrar y destacar la escenografía y vestuario de Luis F. Carvalho, donde cada cuadro escocés tiene su significado, y la coreografía de Nicolas Paul, soberbia.
La puesta en escena de Carsen traspone la historia de Orlando el furioso a la familia Real británica actual en Balmoral, con intrigas, paparazzi, escenas de caza y fiestones regios, con una gran dirección de unos cantantes, que son, todos, a su vez, excelentes actores.
Los decorados de Luis F. Carvalho despliegan el vasto interior de un castillo con muros forrados de verde y estampados escoceses, ofreciendo transiciones muy fluidas. El vestuario moderno se complementa con un toque escocés atemporal (faldas escocesas) y guiños a la familia real. Los paparazzi son omnipresentes: donde el libreto menciona cartas, Carsen elige, por ejemplo, la prensa sensacionalista. De esta idea surge un hilo conductor: la caza, actividad emblemática de Balmoral, que se convierte en una metáfora recurrente. Ariodante y Ginevra se transforman a su vez en presas, cazadas tanto por Polinesso como por los fotógrafos, mientras ciervos salpican la escenografía.
Cada acto termina en un ballet, ya que el Covent Garden contaba con la bailarina del momento, la francesa Marie Sallé, junto a su compañía de ballet. Haendel dedicó a esta eximia bailarina una cantidad inusual de partes danzadas en la obra. El primer y tercer acto finalizan con ballets de celebración y el segundo con la tristeza de Ginevra, auténtico prodigio psicológico hecho música.
El baile del primer acto recrea los tradicionales bailes de los Ghillies en una exhibición de belleza y buen gusto, pero el mejor baile fue el del final del segundo acto con la atormentada Ginevra envuelta en sueños sombríos cerrando el acto. Particularmente logrado.
La orquesta fue el Ensemble Pygmalion, dirigida por su creador, Raphaël Pichon.
Ambos, orquesta y maestro, debutaban en la Opéra National de Paris y que bueno que estuviera yo ahí.
Pichon respiraba con los cantantes, agarraba a la orquesta y la conducía a su antojo con energía y sentido dramático impecable. Desde los primeros acordes de la Obertura, nos dejamos llevar por el amplio ritmo del director, que insuflaba vida y tensión al drama: ¡qué final tan increíble para el segundo acto! Pichon no descuidó el bel canto de Händel, que dirigió con implacable rigor: buen gusto en el da capo, en las cadencias y en las notas intempestivas al final de las arias. El director francés sacó lo mejor de cada uno de los cantantes, asumiendo riesgos siempre acertados. El Ensamble Pygmalion, con sus cuarenta músicos y dirigido por una cuerda infalible, ofreció un sonido denso y carnoso, admirable en la paleta sonora que ofrece.
Las voces, en su mayoría repitieron a las de Valencia salvo en alguna gloriosa excepción.
Las que repitieron, ya fueron excepcionales en Valencia y en Paris lo confirmaron.
Las nuevas, fueron un lujazo todas ellas. El elenco reunido esa noche fue sencillamente deslumbrante.
Ariodante fue Cecilia Molinari. Elegante, asumió el papel principal con admirable aplomo y soltura. Su voz, rica y magníficamente proyectada de graves a agudos, se desplegó en brillantes vocalizaciones (impresionantes "Con l'ali di costanza" y "Dopo notte"). En "Scherza infida", llevada por una dirección musical en estado de gracia, la mezzo italiana nos cautivó y le reservó un merecido triunfo y reconocimiento.
Ginevra fue la norteamericana Jacquelyn Stucker, que en Valencia había sido una gran Dalinda. Jacquelyn Stucker encarnó a una Ginevra profundamente conmovedora, con un fraseo refinado, una claridad y un aplomo ejemplares. En "Mi palpita il cor", reveló una sensibilidad frágil y conmovedora en su sencillez. Entre el drama incisivo, los agudos vibrantes y los delicados pianissimi, la soprano encontró una precisión expresiva que otorgó a Ginevra magníficos momentos de verdad. Su actuación fue precisa y notable en el monumental y desgarrador final del Acto II. Curro inmenso.
Desde Valencia, donde también nos enseñó, literalmente, sus encantos en La incoronazione di Poppea, ha adelgazado mucho, pero a la vez debe de pasarse el día en el gimnasio, modo vigoréxica, por lo que sus brazos son dos palos alargados con bíceps marcados.
El Rey de Escocia fue, como en Valencia, Luca Titoto. Bajo no exento de lirismo que interpretó a un rey de Escocia de gran autoridad, cuya dicción clara y noble fraseo establecieron de inmediato la estatura del personaje.
Polinesso fue, como en Valencia, Christophe Dumaux. Tremendo actor, que bordó su papel de cabronazo, a la vez que, con intensidad sombría y soltura, voz ágil y aguda, desplegó la línea händeliana. Cada vocalización fue con trazo incisivo, finamente cincelada y subrayó la calculada duplicidad del personaje. La voz es precisa y ágil para tal encarnación. Un gran momento musical y teatral.
Dalinda fue el lujazo de Sabine Devieilhe, milagrosa. Exploró todas las facetas de Dalinda con gracia y musicalidad. Delicada en "Apri le luci", virtuosa en "Il primo ardor", ofreció un "Neghittosi or voi che fate" de pasión y repetición deslumbrantes. Papel interpretado con precisión vocal y actoral.
Lurcano fue el extraordinario Ru Charlesworth. Pelirrojo de serie, no necesitó pelucón para hacer de escocés. Ruperto Charlesworth interpretó con trazo claro, actuación precisa y vibrante y agilidad infalible. Estilística y teatralmente perfecto. Canto elegante, línea impecable, regulando con gusto exquisito tanto en la elegíaca "Del mio sol vezzosi rai" como en las formidables coloraturas.
Saludos
|
Identificarse
Registrarse
Normas
FAQ
Usuarios
