Efectivamente, así fue y como en estos casos, falleció muy joven, con 41 años, en 1861. Nunca dejó de crecer y con los restos de su cuerpo se estima que alcanzó en su muerte los 2.71 m. aunque la última medición en vida fue de 2.56 m. Este es su caserío natal:

Radiodrama de Iñaki Estrada que he tenido la oportunidad de escuchar en tres ocasiones en Donostia, Pamplona y Miranda de Ebro. Estrenado en el 2020 es un trabajo muy bien llevado por un joven director, especializado en música contemporánea y que parece despega camino de Alemania para llevar su carrera mucho más lejos: Asier Puga.

Encuentro tardío, imperfecto y, con todo, fascinante de dos (en realidad, tres) talentos que, hasta cierto punto, estaban condenados a encontrarse.

No sé si siempre hemos sabido amar a Charles Mackerras de forma proporcional a sus méritos: musicólogo, investigador y "curioso" a la altura de Zedda o Bonynge, intérprete a un tiempo sabio y "disfrutón" de un repertorio muy amplio y siempre un músico teatral e interesante. Incluso la relativa asepsia que infunde en el aficionado medio, siempre más devoto de directores más geniales, más grabados o, al menos, más italianos le da un punto de músico minoritario y "de culto" que, por otra parte, resulta, si se me permite, tremendamente australiano. No sé qué le llevó a acercarse a Janacek en los años 70 y 80 y estudiar, "restaurar" y grabar a un músico casi indescifrable, enmendado y reorquestado en su propia tierra y entonces casi desconocido en Occidente, cuyo teatro musical (desgarrador) se construye sobre bases minimalistas, armonías muy difíciles y leitmotivs que sirven más a la prosodia (¡a la prosodia checa!) que a la melodía, pero ello constituyó, sin duda, uno de los episodios más felices de la ópera en el siglo XX.

Al otro lado del telón de acero, también la grandísima, y asimismo algo olvidada, Gabriela Benackova (tuvo que llegar internet para que los de pueblo aprendiésemos que se decía Beñéshkofa) hacía grande a Janacek, un genio patrio en la antigua Checoslovaquia, encarnando espléndidamente sus papeles protagonistas (en concreto, su conmovedora encarnación de Jenufa en la grabación de Jilek en 1978, a mi modo de ver, no se ha superado desde entonces). Por ello, que estos dos músicos hiciesen una "gran" colaboración janacekiana era casi una deuda con la historia.

¿Llegó tarde? Sí, pero no demasiado. En 1997, Mackerras ha perdido la inocencia y ya no se asombra ni nos asombra con la partitura como en su referencial grabación para DECCA, pero crea una "bruma" sonora ocasionalmente un poco pagada de sí misma, pero siempre muy bien construida y, sobre todo, muy teatral. Benackova tampoco es ya la soprano joven y radiante de la Jenufa antes citada ni tiene el erotismo inconsciente y poético de Söderström, de recuerdo imborrable, pero en su madurez, hace una lectura más explícita, más nerviosa y doliente del personaje de Kat’a, mucho más cercana a Tennessee Williams que a Chéjov. Más convencional resulta Eva Randova, si bien la inteligente cantante comprende muy bien el puritanismo hipócrita y la terrible maldad de esa Bernarda Alba checa que es el personaje de la Kabanicha. Esa misma comprensión "intuitiva" de su papel (y su dominio, al igual que el resto del reparto, de la demencial prosodia checa) rescata también a un Peter Straka muy corto de medios, y solo a la mediana Dagmar Peckova se le escapa dar verdadera estatura humana al ambiguo personaje de Varvara, una joven que siempre trata de remar a favor del viento entre la moral de su madre y la pasión de su cuñada.

Una lectura, a fin de cuentas, de segundas opiniones sobre una obra cuya referencia ya había sido establecida, pero siempre interesante.

Qué obrón, pero qué obrón más estremecedor, es Kat’a Kabanova.

Grabación de 1960, remasterizada por URANIA en 2010. Aquí Tullio Serafin nos ofrece una lectura "alla italiana", alejada de la espectacularidad germana y de sus efectos especiales. Un Jon Vickers con la voz más fresca y lozana, evidentemente, que en 1973, sin tanto recurso al efectismo. Leonie Rysanek nos sorprende en un papel que no parecía escrito para ella. Y Tito Gobbi en uno de sus personajes emblemáticos

Si no me equivoco el estreno de esta ópera de cámara fue en el Conservatorio de Vitoria-Gasteiz, dentro del Ciclo de Música Contemporánea Bernaola. Una obra tan radical como interesante.

Tras las funciones madrileñas de la genial ópera verdiana era inevitable que un servidor acabara "otelleando", más pronto que tarde. Y en esta ocasión, al acercarme a la estantería, la primera versión con la que me he topado ha sido la que comento, registrada por Cetra durante una emisión de la radio turinesa en 1955, y presidida por la dirección nerviosa, intensa, vibrante, teatralísima, de tempi rápidos y enérgicos de Franco Capuana, director que nunca se caracterizó por las grandes sutilezas, pero que conocía perfectamente el repertorio, las voces, la tradición y el canon de los viejos maestros concertadores. Una lectura la suya muy, muy disfrutable, y con un sonido que, a pesar de ser mono, se oye muy bien.

En la piel (negra) del moro tenemos al argentino Carlos Guichandut, otro cantante que comenzó como barítono y acabó interpretando papeles de tenor dramático. A pesar de ello, su voz no tiene la densidad y el timbre oscuro que cabría esperar de tal procedencia y que, muchas veces, se espera de quien interpreta este rol, sino que suena bastante clara (como ya lo era en su cuerda de origen), y posee un punto de guturalidad que, en mi opinión, afea el conjunto. También presenta un continuo y suave vibrato, pero éste parece ser más signo de "vieja escuela" que un defecto propiamente dicho. El cantante no muestra especiales dificultades para servir toda su parte, y se preocupa de matizar y trazar dinámicas.

A pesar de su falta de popularidad, la italiana Cesy Broggini es otra de esas sopranos por la que nos pegaríamos hoy día para poder escuchar encima de nuestros actuales escenarios. Voz lírica, hermosa, timbrada, de fácil emisión, estupenda línea de canto. Muy buena Desdémona. ¿Y qué decir del Iago del gran Giuseppe Taddei? Una voz menos oscura y dramática de lo que, en principio, puede pedir el personaje, pero desplegando un canto lleno de matices, inflexiones, intención dramática y dominio técnico. Estupendo, asimismo, el Cassio de Angelo Mercuriali, un tenor habitual en papeles comprimarios (pero importantes) durante aquellas décadas doradas de los años 30-60, y muy ajustado, asimismo, el resto del reparto.

https://www.youtube.com/watch?v=bqWzCwt2BX4&t=2092s

Interesante esta función mexicana del Otello verdiano, con Plácido Domingo oficiando como maestro supremo de ceremonias. Destacar, por supuesto, su prestación --en el año 81 seguía en unas condiciones vocales estupendas-- y la dignísima compañía del resto de intérpretes, con un Marco Antonio Saldaña que nos ofrece un Iago de impresionantes medios vocales --¡vaya vozarrón de barítono!--, pero plebeyo como pocos y prácticamente ayuno de intencionalidad expresiva (todo cantado en forte), de matices y de construcción psicológica del personaje. Además de olvidar su frase "Lo assale una malia che d'ogni senso il priva", que desconcentró a Domingo y le hizo entrar tarde con la suya que sigue ("Chi non si scosta è contro me rubello"). Aceptable, sin más, la Desdémona de Eugenia Sutti (más preocupada de dar las notas que de la implicación dramática, muy escasa: su versión de la canzone del salice, por ejemplo, es de lo más prosaico que yo haya escuchado), y no demasiado convincente el Cassio de Luis María Bilbao, más por su prestación canora, que por su innegable apostura. Insisto en que es Domingo el que sobresale muy por encima del resto de intérpretes, ofreciéndonos su conocida versión dinámica, atormentada, temperamental y un tanto sufrida del general veneciano. A pesar de ser una emisión televisiva, la imagen y el sonido no son, precisamente, buenos. Este último, en concreto, está demasiado saturado y oscila un poco. En cualquier caso, una curiosidad que merece la pena conocerse, para comprobar cómo defendió el tenor madrileño su supremacía en el rol, a lo largo y ancho del mundo, durante años.

Un CD recopilatorio de arias y escenas de óperas vascas que en su totalidad fuero ofrecidas en un concierto el 30 de diciembre de 2019, en el Euskalduna. Hace tiempo que no se nada de Andeka Gorrotxategi; supongo que sus problemas técnicos le habrán pasado factura aunque espero que no de forma definitiva.

Una cosa lleva a la otra, y... O un Verdi lleva a otro Verdi, y acaba uno escuchando este clásico Simon Boccanegra, grabado también por Cetra, y magníficamente servido por grandes profesionales italianos de la época. No es la mítica versión de Abbado --de sonido y matices más complejos, cierto--, pero ni falta que le hace. Una lectura muy dinámica, atenta y llena de teatralidad la que Molinari-Pradelli aplica a un reparto que hoy sería de ensueño: Paolo Silveri, como Simon, cumple en las partes más dramáticas y sabe plegar su canto para transmitir todo lo que de amoroso y paternal tiene el personaje; correcta la María de la gran Antonietta Stella (que aquí sólo tenía 22 añitos), aunque se la oye apurada en la zona aguda; y, cómo no, soberbio el Gabriele Adorno del también joven (27 años) Carlo Bergonzi, que aquí demuestra por qué es considerado el tenor verdiano por excelencia. Muy bien, asimismo, el Jacopo Fiesco de Mario Petri (autoritario, rotundo), y correctísimos los comprimarios. En definitiva: agradable escucha de una ópera que tampoco me vuelve loco.

La versión, creo, tiene algunos cortes (es una obra que no conozco tan bien como desearía), pero merece la pena.

Siempre me ha parecido que Dame Gwyneth Jones en el ciclo de 1976 está mejor en "Götterdämmerung" que en sus hermanas. Cierto es que en el 1976 está rodeada de mejores compañeros que en la versión del DVD - pienso en el Hagen de Karl Ridderbusch; la Valtraute de Yvonne Minton o el Siegfried de Jess Thomas - pero es tal la entrega de Jones en la tercera Brunilda, coronada por una fantástica Inmolación, que provoca que la protagonista de esta jornada sea ella por encima de todos los demás. El sonido prácticamente de estudio y una Jones que en 1976 suena un pelín más fresca que en la de 1979 hace que sea de obligado conocimiento para cualquier aficionado.
Nunca he entendido porqué unos críticos se han cebado con esta Brunilda y esos mismos - no cito nombres -con la de la Traubel del 1952 no. Una Traubel que elude agudos "por la face" y los que da los da clarísimamente bajos de tono y que seguramente hubiera sido silbada - por su falta de seriedad - en la Colina Verde.
Yo pienso que Bayreuth tendrá en sus archivos sonoros multitud de grabaciones históricas. Me cuesta creer que esta calidad de sonido se deba a una grabadora de un aficionado. Seguro que habrá decenas de grabaciones - lo mismo que le sucederá al MET con las retransmisiones de las matinés que hacía años ha - encerradas y esperando su momento.
Para mí siempre será la Brunilda más femenina y matizada que escucharse pueda, con un centro carnoso y hermosísimo. Más lirica que Varnay o Flagstad pero muy atractiva. Con el desgaste que le supuso afrontar el repertorio de "los 4 Grandes" pero que con disciplina logró recomponer su vocalidad y ofrecernos encarnaciones vocalmente apabullantes hasta principios de los noventa.
brava!
Una Grande que aún está con nosotros.
https://m.youtube.com/watch?v=lDVUZO3of ... AHAQ%3D%3D

En la busqueda de música alemana de la República de Weimar y momentos cercanos me encontré con un compositor del que nunca había oído palabra alguna: Rudolf Wagner-Regeny. Supongo que apellidarse Wagner y dedicarse a la ópera te obliga a buscar alternativas originales en tu nomenclatura. Die Bürger von Calais es una obra estrenada en 1939, el año del inicio formal de la Segunda Guerra Mundial. Rudolf Wagner-Regeny, austríaco de nacimiento y posteriormente nacionalizado alemán, vivió hasta su muerte en 1969 en la República Democrática Alemana y sirvió desde la docencia al régimen socialista.

La ópera es muy interesante. En esta grabación de Myto se superpone en ocasiones la voz de un locutor que -supongo- narra la acción. Quizás es que la grabación procede de una retransmisión radiofónica en las que, antaño, esta intromisión era habitual. Un título muy interesante.

Hacía mucho tiempo que quería ver este DVD, en formato película y con unos cantantes muy conocidos. Después del primer visionado me parece la mejor alternativa para acercarse a esta ópera, que cien años después sigue siendo calificada -musicalmente- de inaccesible. No lo puedo entender.

Es muy difícil describir mejor la posición social de Wozzeck y Marie; basta con ver la entrada a su casa, la calle que les rodea o el interior de la misma para entender que estamos ante la concreción misma de la pobreza absoluta. Y en ese contexto se desarrolla una obra muy dura y, sin embargo, hermosísima. Recomiendo encarecidamente su visionado.

Pues hemos oído "La Forza del Destino" en el disco dirigido por James Levine con la Price, Domingo, Milnes, Giaiotti, Cossotto y Bacquier.

A veces me pregunto si realmente cualquier tiempo pasado fue mejor. Y es que, sí, llama la atención lo espectacular del reparto en la carátula, pero es que ninguno canta mejor que muchos de los mendas a los que hoy día levantamos el dedito señalando sañudamente sus defectos.

Y la verdad es que es un disco bastante feo. Levine demuestra que a esas alturas del partido le iba bastante más el melodrama verista (ahí estan sus eléctricos discos de Andrea Chenier, Adriana Lecouvreur) que el drama verdiano. Es todo de una teatralidad impostada y falsa. Las escenas le vienen y van, dirige muy bien y briosamente las escenas "grandes", todo el segundo acto está muy bien y encima tiene un coro lujosísimo, pero en momentos capitales como el dúo Guardiano-Leonora o toda la escena y trío final se pone de un lúgubre y un pesante insoportable.

Bastante mal la Price, ya muy muy muy pasados los tiempos de esplendor vocal, por los que antaño se le podría perdonar la dicción imposible y la articulacion ostrogoda de la frase, que siempre fueron marca de la casa. Pero es que además de lo anterior, en este disco está particularmente esofágica y tubercular en la emisión y realmente solo le queda un registro agudo aún con cierta pegada con el que salvar la papeleta. No obstante, está muy bien en la plegaria del segundo acto.

Domingo en los 70 estaba a todas y resolvió salomónicamente que en el medio está la virtud y se sacó de la manga el soniquete Domingo, ese sonido y esa forma de frasear epidérmico pero genérico que le valía para todas sus andanadas fuera cual fuera el repertorio y que aquí aplica a placer. Aún con todo el Don Alvaro le va, pero resulta alterno, porque el centro suena rico y corposo pero todo el tercio agudo suena apretado y nasal. Además los intentos de darle cierto relieve dramático al fraseo no terminan de funcionar por el tono melodramático que usa, especialmente en las frases cortas.

Contrariamente a lo esperable en este ambiente y a esas alturas del partido, Sherrill Milnes frasea con gusto y finezza, saca adelante perfectamente su aria del tercer acto, está variado en los duos lentos y de acento justo y fiero en el enfrentamiento con Alvaro.

La parte italiana del cast resulta decepcionante. De escaso interés el Guardiano de Bonaldo Giaiotti, que agota a los cinco minutos el impacto que produce esa voz de indudable calidad pero de sonido monoforme y nula capacidad dinámica. El fraseo y la construcción de la frase es de una falta de relevancia y de una atonia que trivializa el significado y el calado del papel. Un rollo mayúsculo. La presencia de la Cossotto podría ser un timbre de lujo en el cast dado el escaso relieve que en verdad tiene el papel pero es un lujo trampa porque está tiesa y caída de afinación en los agudos. Bastante sin más Bacquier, pero que tiene la decencia de no hacer ruidos.

Estamos en 1976 y doña Leontyne lleva ya un cuarto de siglo de (exitosa) carrera y, además, está pensando en retirarse, cosa que no tardará mucho en ocurrir. No es de extrañar, pues, que su prestación tanto dramática como vocal trasluzca cierta dejadez en su ejecución, que siempre se caracterizó como "volcánica". Para terminar, Leonora no es un papel tan agradecido como Aida, por ejemplo.

Ya que estamos con La Forza, a esta de 1985 Elvio Giudici le otorga la máxima calificación (5 estrellas), seguramente por su impúdica pasión por Mirella Freni y por Riccardo Muti quien, como todos sabemos, es el Oráculo de Delfos cuando se trata de Giuseppe Verdi. Plácido Domingo aquí, más talludito que con Levine, sabe cómo manejar mejor al atribulado Don Alvaro. El resto del reparto resulta apañado en términos generales.