Esta grabación en vivo desde la Ópera de Viena salió al mercado en 2021, cuando ya, desgraciadamenete, López-Cobos había fallecido en 2018. El director zamorano nos deja aquí una prueba más de su sensibilidad musical, donde priman tempi acompasados y sutiles. Beczala está en un momento óptimo de forma, cosa que no puedo decir del barítono ruso Hvorostovsky, por mucho que le ovacione el público.

comentarios finales sobre Gwyneth Jones como Medea:
Llevo escuchando detenidamente la labor del único cantante que me interesa en la grabación antes dicha: la Jones.
Distinta: tenemos tan inmersa en la cabeza determinadas frases, palabras que Callas marcó con un carácter indeleble el libreto que parece que "fuera de la Iglesia no hay salvación" y escuchando atentamente estoy comprobando ahora mientras escribo que no es todo tan ... ¿binario?

Ciertamente, hemos de agradecer al destino que no fuera la Suluotis quien encarnara esta "Medea" porque en un papel - cuando se sirve sin cortes - donde la protagonista en casi omnipresente, no sé yo cómo hubiera quedado la grabación en cuanto a resultado general. Una vez agradecidos, debemos no dejarnos influir por esa pesada - ciertamente - herencia callasiana e intentar ver qué hay "más allá del jardín". Reconozco, no obstante, que es imposible echar de menos frases como:
Non io vegliai allor a tua difesa?
Non io spezzai de tuoi nemici il vanto?
Numi venite a me, inferni Dei!
...
Estamos de acuerdo, pero vamos a ir "más allá" y una vez que pasamos esa "barrera" se comprueba que la Jones es capaz, a su modo, sin seguir patrones callasianos (pienso cuando hablo de "patrones" o de "estelas" claramente en Gencer que no pudo desprenderse - es evidentísimo - del fantasma Callas en su "Medea" veneciana) de crear un personaje vivísimo, con una voz de un centro vocal hermosísimo y de gran impacto, transitando por todos los estados emocionales por lo que pasa esta atribulada heroína. No es un italiano ejemplar, pero se le entiende perfectamente, lo que hay que elogiar, siendo galesa esta soprano. No hay excesos ni gritos ni graves abiertos sino interpretación combinada con buen canto. Sería prolijo por mi parte, y absurdo, poner este mensaje llenos de citas. Sólo invitaría a ese aficionado nuevo - que tenga el oído "virgen" - que escuche sin prejuicios y compruebe lo que estoy diciendo.

Todo según yo lo veo: una labor la suya encomiable, valiente y "made in Jones"

Recuerdo que, cuando la escuché por primera vez y sin haber escuchado todavía a Callas, esa grabación que comenta me produjo decepción y, sobre todo, aburrimiento. En esa conjunción de cantantes liderados por Dame Gwyneth, cuyo esfuerzo y entrega son innegables, hay una especie de vacío que inicialmente atribuí a la música de Cherubini, pero que sin duda provenía de la dirección de Gardelli, sosa y sin sustancia. Igual fue culpa mía.

La legendria versión de Mercedes Capsir, Hipólito Lázaro, Marcos Redondo, José Mardones y compañía. Una forma de cantar a la antigua pero muy bien.

Ópera estrenada en 1899 del vizcaíno Buenaventura Zapirain.

Una de las tres grabaciones que ha impulsado la Sociedad Coral de Bilbao en aras de dejar recuerdo de una pequeña parte del patrimonio lírico vasco.

El hoy reconocido Juanjo Mena nos dejó durante su titularidad de la Orquesta Sinfónica de Bilbao este registro que, al menos, nos permite escuchar este título de vez en cuando.

Al analizar, días atrás y en este mismo hilo, el registro de la versión francesa de Salome dirigido por Massimiliano Caldi, ya señalé que el único interés del mismo radicaba, precisamente, en eso: en que era la versión francesa de una obra esencialmente alemana; pensada como tal, y musicada para dicho idioma. Allí decía también que deseaba hacerme con el registro de esta versión dirigida por Kent Nagano. Y como ya he conseguido mi objetivo y la he escuchado, paso a hacer la correspondiente reseña (que será breve).

En este segundo caso me reafirmo en que el problema principal que ya señalaba allí sigue existiendo: la prosodia francesa --con su ritmo silábicamente acompasado, su acentuación suave y más o menos fija, la menor diferencia de intensidad entre sílabas, y la abundancia de uniones--, cuadra mucho peor con la música que compuso Strauss para una lengua acompasada acentualmente, de acento fuerte y variable y mayor diferencia de énfasis entre sílabas acentuadas y no acentuadas. Y eso, a pesar del gran esfuerzo que hizo el propio compositor para superar este inconveniente (especialmente en el tema de la acentuación y de las desinencias mudas), como lo demuestra la correspondencia que cruzó con Romain Rolland para informarse sobre estos aspectos, y una parte de la cual puede leerse en el cuadernillo que se incluye en la edición de Virgin Classics.

Ahora bien, en lo que gana muchísimo este segundo registro de la versión francés es, desde luego, en la calidad de los intérpretes, empezando por el propio director y acabando por el último comprimario, ya que todos me parecen bastante superiores a los de la versión grabada en Martina Franca.

La dirección de Kent Nagano se nos presenta refinada y cuidadosa, muy atenta a los detalles, buscando seguramente la claridad y la delicadeza, antes que el dramatismo, la tensión y la enfermiza impetuosidad que encontramos en otras versiones. Pareciera que, con ello, buscaba acomodar la música al idioma en que interpretaban sus cantantes, mucho menos violento y sonoro que el alemán. Pero por esa misma razón, creo que el ritmo desfallece en ocasiones. Aunque, pese a todo, nos encontramos ante una buena versión orquestal.

Más de uno considerara que la elección de Karen Huffstodt para el papel titular --la única intérprete anglófona del registro-- no es la más adecuada, pero lo cierto es que la soprano norteamericana no se defiende mal en tan endiablado rol. Podríamos definirla como una Salomé a caballo entre la atroz y caprichosa adolescente que se pervierte a medida que avanza la obra (la que más me gusta y convence a mí), y la mujer consciente de su belleza que busca, primero, la conquista de Jochanaam por placer, y después la pura venganza.

Al que no se puede poner reparos es al Bautista de José van Dam, que matiza, expresa y frasea de modo inmejorable. Juega, además --por si lo anterior no fuera suficiente--, con la ventaja de cantar en su propio idioma, de modo que nos regala un Jochanaam de excelente legato, joven, viril, noble y consciente de su trascendental misión. No le van a la zaga el sinuoso Herodes de Jean Dupouy y el juvenil Narraboth de Jean-Luc Viala, dos tenores, también francófonos (ellos franceses), que dan una auténtica lección de canto: sinuoso, lleno de doblez el primero; apasionado, vehemente, desesperado el segundo.

Magníficos, asimismo, el resto de comprimarios, todos ellos dominadores de la noble lengua de Molière.

Una grabación que hay que conocer (aunque a mí, particularmente, me interesa lo justo).

A través del CD mi única experiencia con esta maravillosa obra era la versión operística del mismo compositor. Ahora he escuchado esta, dirigida por Green, y que responde a la banda sonora de la película y la escucha es muy distinta, tanto por el tipo vocal como por el desarrollo de la obra misma. De todas formas, siempre es un placer escuchar West Side Story.

La remasterización es bastante buena -sobre todo para los viejos que escuchamos "la original"- de esta mítica representación mexicana de 1951 en la que, debemos decirlo, la carátula de la Divina no se corresponde con su peso de entonces. Este es el comienzo de la animadversión entre soprano y tenor a raíz del famoso mi sobreagudo del segundo acto. La reacción del florentino en el tercero es brutal.

Siempre he pensado que el lastre de esta grabación, que por otra parte es la mejor disponible, es Raimundo Torres, totalmente desaforado.

Pues hemos oído el Romeo et Juliette de Gounod en la versión dirigida por Alain Lombard y protagonizada por Franco Corelli y Mirella Freni.

¿Recuerdan esos peplum de Victor Mature haciendo de vaquero texano con túnica rodeado de un montón de atildados secundarios ingleses? Pues este disco es igual. Porque egregios miembros de la más rancia tradición canora francesa como Xavier Depraz, que hace un estupendo y conmovedor Frere Laurent, Pierre Thau, Michele Vilma o Eliane Lublin completan un reparto en el que Franco Corelli (y a su modo también Mirella Freni) habita en una galaxia muy muy lejana. En el caso de Corelli, no es ni la exótica dicción, ni la inercia del fraseo (se pasa la ópera intentando decir algo y no dice nada), ni siquiera es la espinosa escritura vocal que le pone en aprietos más de una vez (no desde luego en su aria del II acto despachada un poco a la buena pero con un estupefaciente morendo en su agudo final). Es una terrible sensación de desubicación estilística perpetua y de andar completamente varado sin guía ni batuta que lo haga volver a puerto. La Juliette de Mirella Freni luce una lozanisima voz de agudos radiantes y tersos, pero también un leve deje gutural en algunas vocales y modos de Suzel. Ambos cantan una ópera distinta y ni entre ellos se ponen de acuerdo. La culpa de esto la tiene en gran medida Alain Lombard, que deja hacer a cada uno a su bola sin preocuparse por el producto final. Luce más interesado en hacer sonar a uno a una orquesta y coro bastante mediocres, sí, pero totalmente idiomáticos. Y encima decide cortar el aria del veneno de Julieta y la mitad de la escena de la movida entre Mercutio y Tebaldo y parte de la boda de Julieta y París.

Sin embargo, para la caja registradora del maestro Corelli, esa grabación antes y después le dejó muchos réditos en USA, donde paseó su Romeo por el MET y teatros gringos regionales, para pasear su versión del atribulado amante.

Todos esperaban escuchar ese morendo in situ, que en algunos casos si lo hizo y en otros no; o que se despachara ese fulgurante do4 ante su exilio.

Se le podrán poner las pegas que se quiere, pero era una voz.

Ambos tienen mucha razón, pues si bien el heterodoxo Roméo de Corelli no deja de ser un disparate estilístico si lo comparamos con los canónicos de Kraus o Gedda, por poner dos ejemplos, también es verdad que sus exhibiciones vocales en cuanto a sobreagudos y calderones hacían las delicias del público, absolutamente entusiasmado con las facultades extraordinarias del legendario tenor de Ancona.