Función bastante disfrutable; aunque no deja de ser un trampantojo con menos imaginación de la que nos pretenden vender. Servidor se esperaba algo rompedor y se encontró con un espectáculo disfrutable, por el que nunca pagaría una entrada pero me entraba en el abono de ópera, pero más bien anodino. Pese a lo que proclaman los responsables del espectáculo el hip-hop no casa nada bien con el barroco y la cosa se quedaba en algunos movimientos de gentes y un par de exhibiciones de break-dance, poco más.

En lo positivo está la parte musical, que es lo que realmente importa. Aunque suene anatema a los barrokaris, vi con buenos ojos una ópera reducida en duración, capada si quieren. Que la cosa se quede en "sólo" unas dos horas lo hace todo más llevadero. No me aburrí pero a ratos la cosa se me hizo larga. No ayuda que no hay dios que siga la trama, si es que la hay. Tampoco ayuda que al no ser una ópera representada lo que ocurre sobre las tablas no sirve para seguir trama alguna, si es que la hay, insisto. La música preciosa y por lo que dicen los que saben bien ejecutada. Lo mismo se puede decir de coro y voces, sobre todo las dos sopranos y el bajo. A servidor le reconfortó la ausencia de contratenores. Me gustó sobre todo la pieza en la que tiene protagonismo la gaita medieval (musette) que me recordó mis años mozos cuando llegué a peregrinar al Festival Interceltique de Lorient a escuchar las binioù bretonas; pero ahí quedó todo, nada de bailes célticos o provenzales; lo cual no quita mérito al resto. Me gustó el protagonismo que se da en escena a los instrumentos dominantes en cada momento, sacando a los músicos de su asiento y llevándolos hacia el centro de la escena. También me gustó la distribución de voces por varios lugares del teatro fuera del escenario (Palco Real, palcos,...) que daba lugar a efectos envolventes de las voces muy atractivos.

En lo negativo, ¡vaya mierda de iluminación! Todo oscuro, no se veía un carajo. Para saber donde puñetas estaban los cantantes les hacían llevar en la mano, todo el rato, un tubo fluorescente que no llegaba a iluminarles la cara (dicen que representando los rayos del sol, pero a mi no me la cuelan). Al punto que en un momento había un par de bailarines el los palcos sin ninguna luz que los iluminase, vamos que se podían haber ahorrado subir las escaleras, nadie los podía ver. Es como si la única preocupación del iluminador fuese impresionar al espectador con sus juegos de luces. Cuando no pretendía dejarlo ciego o enviarlo directamente a la clínica Barraquer; en muchos momentos se apuntaba a los ojos del respetable con focos cegadores; que incidían en impedirle ver lo que ocurría sobre el escenario. Un dislate lumínico. También usan una especie de versión low-cost de la cúpula del san fransuás morteriano, si bien más pequeña y versátil; dicen que quiere representar el sol y no sé que más, yo no vi nada de eso, pero lo cierto es que no queda mal.

A modo de anécdóta, me tocaron las narices los tres fasos finales (uno al final de la primera parte y dos en el de la segunda), que parece que la cosa ya ha terminado en un atractivo crescendo, pero no, quieren seguir tocando. Al punto que cuando acabó la cosa definitivamente me resistí a aplaudir -lo merecían- hasta que no estuve seguro de que la cosa estaba realmente finiquitada.

Aviso a navegantes #1. La cosa no dura 2:30 h como dice el programa, sino 2:50 h

Aviso a navegantes #2. El único sitio donde dejan los programas de verdad, con todas las hojas, es en la mesa central del lobby; ponen bastantes pero no demasiados. Como me dijo un amable acomodador, "mejor vaya ahora, que al descanso no llegan".

Menudo ñordo. Pero gracias por la detallada información.
(Habrá que llevarse gafas de sol)

Pues no sabe cuánto le agradezco el aviso para navegantes 1. A puntito he estado de naufragar. Anda que estos del Real te manden un correo para que te organices y sea mentira

Lo he visto hoy, y me ha parecifo una auténtica tomadura de pelo. No porque no estuviera bien musicalmente, que en mi opinión sí lo estaba, ni por ser una versión reducida (eso estaba avisado en la programación), y ni diquiera por el “tenebrismo” de la iluminación, que a mí incluso en muchos momentos me ha gustado (creo que en buena medida puede depender también de dónde se esté sentado), sino porque lo que no es cierto en absoluto es que sea una versión “coreografiada”. Coreografía lo que se dice coreografía (movimiento escénico es otra cosa) prácticamente no hay salvo en un par de momentos. Menos de diez minutos de danza (por buena que sea, y la idea de usar street dance de hecho hacía que me apeteciera bastante ver el espectáculo, pero es que bailaban nada y menos) no justifica en absoluto que se engañe al espectador (posiblemente también al programador en este caso, porque este bodrio se estrenó hace apenas unos dias en La Seine Musicale , por cierto con muy malas críticas por esto mismo).
La diferencia, por ejemplo, con la versión semiescenificada de Medea de la temporada pasada (bastante mejor que muchas óperas supuestamente escenificadas) es abismal.
Creo que me hubiera gustado de haber pensado que iba a una simple versión de concierto, pero tal como se anuncia y publicita se crean unas expectativas que no tienen nada que ver con lo que uno se encuentra. Gran decepción

Un tostón de cuidado, y muy alejado de lo que pensaba que iba a ver. Ni es las Indias Galantes ni es un espectáculo de danza, ni, ni, ni... Y, como dice alguien más arriba, he visto versiones de concierto más logradas.
Pero sumo un título.

Pues en mi caso, ni el barroco italiano, ni mucho menos el francés, en el que se baila más que se canta, son mi repertorio favorito, pero estas Indes Galantes me parecieron notables desde el punto de vista musical, que es el principal desde mi punto de vista y en el que más me centré.
Con un entrada ciega y mirando las pantallas, sólo me levanté para mirar la danza de la pipa de la paz, en la que aprecié una coreografía normalita y que desde luego, no me pareció nada "rompedora" ni que pudiera "escandalizar" a nadie.
Como subrayo, me centré en el aspecto musical y tanto el coro de Namur como la orquesta y la dirección de García Alarcón me parecieron estupendas. Los cantantes también me agradaron, especialmente Anna Quintans y el bajo. ambos muy interesantes dentro de este repertorio. La otra soprano era una especie de mini Devieilhe, con poca voz, pero muy estilosa y refinada.

En mi caso, ha resultado una fantástica velada musical. El barroco francés es difícil de disfrutar en España. Con decir que Lully no ha pisado el Teatro Real ya está dicho todo. Puestos a escuchar a Rameau en el Teatro Real yo hubiera preferido una de sus óperas más redondas, pero estas Indias Galantes han sido todo un exitazo.

García-Alarcón es seguramente el mejor director musical para la ópera del S. XVII -sus lecturas de Cavalli son referenciales- y uno de los mejores para el siglo XVIII. Su Cappella Mediterranea sonó con una calidad insuperable, música cristalina con una belleza absoluta. El coro de Namur no le fue a la zaga y el resultado fue una música realmente galante, que es de lo que se trataba.

Me gustaron mucho las dos sopranos,mejor Julie Roset que Ana Quintans, a mi juicio, pero ambas a nivel sobresaliente.

En cuanto al montaje, estoy bastante condicionado porque pude ver la versión de París de 2019, realmente espectacular. Esta versión madrileña es más reducida, más intimista, pero con una intensidad muy notable. En el tramo final de la obra García-Alarcón parece que comandaba sobre el escenario una banda callejera de Nueva Orleans. Electrizante de verdad. Al final el público rompió a aplaudir con una pasión como hacía mucho tiempo que no veía yo en el Real.

Saludos

Función del 1 de junio de 2025.

Dentro de la recuperación y programación del repertorio barroco, el apartado correspondiente a la ópera francesa de este periodo no es tan popular como su homóloga italiana, pese a la importancia de autores como Jean-Baptiste Lully, Marc-Antoine Charpentier, o Jean-Philippe Rameau. Pero este panorama es aún más acusado en la escena lírica española. Por esta razón, el estreno en el Teatro Real (que el año pasado ofreció en concierto la Medée de Charpentier) de una de las óperas más conocidas del compositor y gran teórico musical Jean-Philippe Rameau, Las Indias Galantes (Les Indes Galantes en francés), es todo un acontecimiento en esta temporada que se acerca ya a su fin.

Esta opéra-ballet de bellísima música habla de cuatro galantes historias de amor, en una pugna entre Hebe (el amor) y Bellone (la guerra). Este tipo de óperas, basadas en los bailes cortesanos, no tienen un argumento fuerte como lo podría tener, para los estándares de su tiempo, la opera seria. Aquí es más importante la danza que el canto. No es un drama, sino un divertimento.

Para su presentación en Madrid, se ha traído una producción que está de gira por Europa, que la ofrece en una aparente versión semiescenificada, a cargo de la coreógrafa francesa Bintou Dembélé, una de las pioneras del hip-hop en el país galo, y del maestro Leonardo García Alarcón, al frente del conjunto Cappella Mediterranea. Basada en una producción de la obra completa en la Ópera de París en 2019, Dembelé y García Alarcón traen una versión reducida, que dura alrededor de una hora menos que la completa.

He dicho antes de que es una aparente semiescenificación de la obra porque en realidad, los límites con una escenificación completa son difusos. Hay un vestuario, totalmente moderno y de estética de barrio de clase obrera, hay una iluminación y hay una dramaturgia, aunque la orquesta esté sobre el escenario. Las danzas vienen a cargo del Coro de Cámara de Namur y de la compañia de danza Rualité, dirigida por Dembélé. Pese a que aparentemente el Real anuncia la fusión de la música con danzas urbanas, estas no aparecen tanto. De hecho, hay más movimientos escénicos, más o menos coreografiados y dramatizados, que danzas. Gran parte de la producción transcurre con muy poca iluminación, proveniendo esta de unas barras de luces que los artistas mueven de un lado a otro, y de un enorme círculo de luces situado en lo alto del escenario, que dará bellas combinaciones. Dembélé sitúa a los personajes divinos en el palco real, y en ocasiones, a cantantes y bailarines en diferentes puntos del teatro, para crear un efecto envolvente bastante conseguido. La diversidad y el multiculturalismo son el leitmotiv del montaje, a juzgar por su estética y el multirracial grupo formado por bailarines y coro. Al reducir la obra, afectando especialmente a la tercera "entrada" o parte, y al consistir en coro y solistas moviéndose por todo el escenario siempre con la misma ropa, y a abundante oscuridad, se pierde la esencia de delicia y bucolismo de la obra. Finalmente, la prometida danza hip-hop viene en la parte final, esta vez con una coreografía espectacular, que llega a su cénit con el fragmento más famoso de la obra, el coro Forêts paisibles, que siempre termina cosechando una ovación del público.

En cuanto a lo musical, García Alarcón logró sacar de la orquesta una interpretación estupenda, ágil, y con cada instrumento sonando maravillosamente, como la gaita o la flauta en la bellísima aria de la segunda parte, "Viens, Hymen", y el coro igualmente en su doble tarea de cantar y bailar. Además, en el número "Brillant soleil" de la segunda entrada, se unieron las voces de los músicos de la orquesta.

El elenco vocal, formado por cuatro solistas, cada uno a cargo de múltiples roles, fue notable en su conjunto.

Julie Roset destacó como la indudable líder del reparto, con su deliciosa y bella voz, así como de su dominio de la coloratura en el prólogo. El mejor momento de la noche, el aria "Viens, Hymen" fue cantado por ella, acompañada del flautista Rodrigo Calveyra. La interpretó además situada en uno de los palcos de la tercera planta, rodeada de público. La interpretación de esta aria fue de una belleza única, lograda por el angelical timbre de Roset.

Andreas Wolf es conocido en Madrid por sus roles mozartianos. En esta ocasión volvió a cantar con su potente voz, y a nivel actoral y vocal su mejor momento fue en la segunda parte, interpretando al celoso sacerdote inca Huáscar.

El tenor Mathias Vidal en general estuvo bien aunque algun agudo en la cuarta parte le supuso cierta dificultad. La soprano Ana Quintans cantó a un buen nivel.

Aunque el teatro no estaba lleno, pero sí con alta ocupación, el público aplaudió entusiasmado tras el famoso Forêts paisibles, del cual se dio un bis al final de la representación, y luego fue generoso en ovaciones a todos los artistas. Incluso al pasear por los pasillos, hubo quien tarareaba la pieza. Ha sido sin duda una delicia que el gran Rameau pudiera oírse en el Teatro Real, aun en versión reducida.

Si esto que se ha hecho con Rameau (mutilar más de una hora de música y hacer un konzept barriobajero moderno) se llega a hacer con Mozart o Donizetti, se arma un Cristo. Pero aquí no ha pasado nada...
Además, decir que esto es semiescenificado es una tomadura de pelo: cualquier parecido con la versión de París es mera coincidencia.
Rameau es puro oro, puro exceso, pura cosa recargada... Esto fue otra cosa.

Música excelente, aunque mutilada y claramente deudora de sus orígenes: una obra cortesana y palaciega, que tiene más de espectáculo misceláneo que de ópera propiamente dicha (al no existir, entre otras cosas, una continuidad dramática secuencial), y que estaba pensada para entretener a la pompier corte francesa, en una época donde el orientalismo empezaba a causar furor entre las élites europeas, con números realmente brillantes y lucidos, aunque carentes de homogeneidad (y, si me apuran, hasta de argumento, más allá de algunos tópicos manidos: el amor, los celos, etc.). Haciendo uso de esta circunstancia (o, más bien, abusando de ella para "reflexionar" aprovechándose de la obra creada por otro), los directores de escena de turno debieron pensar que l'occasione fa il ladro y --en connivencia con el iluminador-- cometieron el atropello visual que ha podido verse estos días sobre las tablas del Real.

Estupenda la prestación orquestal de la Cappella Mediterranea y el Coro de Cámara de Namur --que estuvieron muy implicados en la parte supuestamente escénico-dramática del espectáculo, llegando, incluso, a cantar--, y destacando, por encima de todos, Leonardo García-Alarcón, quien recibió un merecidísimo, cálido y estruendoso aplauso. En el terreno vocal resultó especialmente reseñable el bajo-barítono Andreas Wolf, que cumplió con creces el cometido que tenía encargado. Muy bien, asimismo, las dos sopranos, especialmente Ana Quintans, dueña de una voz con material más sólido, aunque la parte del león (y la mayoría de los aplausos, por ende) se los llevó la soprano Julie Roset, coloratura de hermosa y liviana voz que protagonizó los momentos más herosos, intimistas y destacables vocalmente de la partitura. En una posición bastante más modesta y regulera el tenor Mathias Vidal, dueño de una voz bastante fea y engolada, que mostró claros apuros en la franja superior, aunque mejoró algo a medida que avanzaba la función, antes de volver a pasar dificultades en el terceto de la cuarta entrada de esta mutilada función.

El montaje una mierda pinchada en un palo; así, literalmente. Mucha palabrería justificadora, mucha reflexión pseudofilosófica, mucha reivindicación racial, mucha relectura ¿actualizadora? para, a la postre, presentar al espectador un escenario lleno de personas que no dejaban de moverse sin hacer nada (incluidos los atrezistas), en una absoluta oscuridad, donde apenas se veía, y con unos efectos lumínicos ridículos que, en más de una ocasión, agredieron claramente al público (¡esos molestos focos rojos!), impidiendo, incluso, leer los sobretítulos. Por no hablar de la pésima decisión de colocar a las dos cantantes solistas allá donde se debe recibir el sonido (palco real y laterales), y no desde donde se emite. Es decir, una buen número de ocurrencias con las que, posiblemente, Bintou Dembélé y Noémie N'Diaye (responsable de una dramaturgia inexistente), han quedado encantados, pero que le hacen un flaco favor a lo que, realmente, valió la pena en la velada: la partitura sofisticada, brillante y grandilocuente de Rameau (pues el libreto ni siquiera fue bueno en su época). Por no hablar de la simpleza de unir hip hop o street dance con esta música barroca, en una pirueta que, imagino, sus responsables creerían rompedora pero que, a la postre, no es sino el sustituto facilón de las habituales gabardinas, o los manidos trajes de nazis que padecemos los aficionados en las diversas producciones que se ven por esos teatros líricos del mundo. Aunque quien debería llevarse la palma a la falta de lógica, buen gusto y respeto por el público fue el iluminador Benjamin Nesme, que planteó un espectáculo lumínico bastante ordinario y que, seguramente, cualquier electricista del equipo técnico del Real habría hecho mejor (o, al menos, con mayor lógica).

Pero debo estar completamente equivocado, pues el público, extasiado --y aplaudiendo varias veces al creer que el espectáculo había concluido-- acabó embelesado e, incluso, consiguió contagiar su entusiasmo al escenario, hasta el punto de que García-Alarcón hizo repetir a sus músicos la famosa chacona con que se cierra la obra.

Vale!

No se me queje usted del "afeitado" (condenable, por supuesto) de la partitura en esta ocasión, cuando otras veces ha propuesto, por ejemplo, acabar con partes decisivas de las obras de Wagner (el soberbio monólogo de Wotan en Die Walküre, por ejemplo, fundamental para mostrar al público la hondura psicológica y reflexiva del personaje). Lo de estas funciones, aún siendo grave, no afectaba tanto a la dramaturgia (por otra parte inexistente) de la obra.

Les Indes Galantes.
Madrid, domingo 18 horas y unos 35 ºC en la calle.
¡Ideal para ir al teatro en pantalón corto!
Ideal también para que el sopor se apodere de mí.
Estuve luchando contra el sueño en el primer acto. Luego ya en el segundo me espabilé y la segunda parte ya la cosa felizmente remontó (la ópera y yo).
Y es que por muy preciosa que sea la música y esté muy bien interpretada, el que te pongan un barroco francés con un argumento tan disperso que da absolutamente igual porque luego en escena no está representado y encima todo en tinieblas... pues por mucho café que me tomara... se me cayó la cabeza un par de veces.

Interpretación musical muy buena, con unos instrumentos sonando de maravilla, el coro en su sitio y cuatro solistas solventes, a destacar el bajobarítono y una de las sopranos (no me preguntes cuál porque en la oscuridad no las veía).

La "semipuesta" en escena se me quedó corta. Anuncian una fusión ópera + hip hop y se queda en ópera + gente moviéndose por el escenario con un conjunto de bailarines que dan vueltas y en un par de momentos hacen break (o lo mismo me he quedado en los 90 y ya no se llama break. Baile urbano, vamos). Muy bien los movimientos del coro y muy cuidados los juegos de luces (pese a la penumbra generalizada), pero yo esperaba algo más espectacular.

Más todo como la danza de los salvajes, muy aplaudida.

No he leído el programa de mano (que no tuve dificultad alguna en encontrar en el vestíbulo y eso que llegué tardísimo, pesaditos que sois, y preparaos porque lo más probable es que en la temporada que viene ya no haya). Así que no he podido empaparme de los artículos con las justificaciones escénicas pertinentes. Así que seguro que habrá temas de denuncia social, racismo y colonialismo. El vestuario, muy banlieue, parece que se lo prestó Juan Echanove de su bodriete de El Bateo.

Veo que circula un vídeo de esta ópera emitido por Mezzo y ARTE CONCERT desde la Bastille de París con la misma coreógrafa, también dirigido por García Alarcón y escenificado (no semi). Intuyo que estas funciones son una versión reducida de aquellas.

Coincido también con los finales "de mosqueo". Cuando crees que se va a acabar y suenan los aplausos, hala, más música.

Me ha interesado la música (sólo conocía la danza de los salvajes), me ha gustado mucho la interpretación y de la puesta en escena el juego de iluminación.

Hala a prepararse para Traviata. Oh cielos también me toca en domingo ))))

Hombre, lo de "afeitar" la partitura de una ópera suena un poco fuerte, pero hay que ver las cosas en su conjunto.

Veamos, damas y caballeros.

En el teatro clásico, es casi imposible hoy en día ver un Calderón, un Lope o un Tirso que no venga "afeitado", es decir, expurgado parte de su texto. Lo hace la propia Compañía Nacional de Teatro Clásico sin cortarse ni un pelo, para comprimir la obra en un par de horas como máximo y sin descanso a la mitad.

Si vamos al cine, ya es bastante habitual ver "versiones extendidas", "montajes del director", etc, etc. Hace poco repusieron la fascinante trilogía de El señor de los anillos (llenito estaba el cine de wagnerianos ) y era la versión extendida: el metraje de cada película aumentaba en 45 minutos por lo menos. Luego también hay versiones comprimidas o no tan extensas de la obra.

Dependiendo de la dramaturgia, y del interés de la partitura, no me parece mal que algunas óperas se afeiten, o que se ofrezcan en versión extendida, o en versión comprimida, según proceda, y avisando al espectador siempre. En el barroco italiano hay muchos recitativos secos que pueden y deben reducirse, tampoco hay que ser tan purista.

Más allá del barroco italiano, tampoco pasaría nada por quitarle a "La traviata" el baile de los toreros, que ya me contarán ustedes qué pinta ahí. Su única misión era permitir que los caballeros asistentes a la obra pudieran verle las pantorrillas y algo más a las bailarinas, para acudir luego al camerino a invitarlas "a cenar".

Y no me digan ustedes que a La flauta mágica o a Parsifal no se les puede aliviar un poco. Los sermones buenistas de Sarastro aburren a las ovejas, y la media hora de reloj que se casca Gurnemanz contando lo que ya sabemos... en fin.

Saludos

Pasaelmocho, pantalón corto pero espero que bien planchado.

Lord, siendo usted un apasionado del Barroco me sorprende que le guste que lo reduzcan. Eso puedo desearlo yo pero usted...

Mr. Tip, yo no le quitaría ni un compás a Monteverdi, ni a Cavalli, ni a Lully. Pero la consolidación del modelo de ópera italiana, realmente napolitana, a base de aria + recitativo seco + aria, es bastante muermo, y no pasa nada por podar algunos recitativos, e incluso sustituirlos por cartelones como en el cine mudo...