El mejor Wagner que he visto en vivo junto al Parsifal Bychkov-Lauffenberg-Schager-Pankratova de Bayreuth.

Lectura casi lograda de una ópera casi lograda. La partitura híbrida, entre el teatro y el metateatro, es divertidísima en su sucesión de situaciones a cual más loki, pero la descripción de los personajes es un tanto esquemática, de tal forma que resulta difícil dotarles de verdadera humanidad. Por otro lado, el extenso primer acto (hora y veinte), donde tan sólo el terceto del Poeta con Geronio y Narciso y el dúo de marido y mujer pueden tenerse por números antológicos, queda una tanto desequilibrado ante el acto II, más breve, conciso y más lleno de momentos inolvidables (¡ese duo, y sobre todo, ese quinteto!).
Chailly está mejor que en su versión anterior en CBS, pero aprieta tanto las tuercas por obnubilar al oyente en cada número que resulta un tanto cargante. Lo mismo cabe decir, durante un largo trozo de la ópera, de Cecilia Bartoli, infalible en la emision de notas pero algo gazmoña, redicha, y en última instancia, artificial, hasta que en su vertiginoso solo del acto II brilla de forma tan exuberante que convence al más escéptico. Verdadera creación el Don Geronio de Alessandro Corbelli, totalmente en estilo, perfecto en el espontáneo e italianísimo fraseo (aparte del excelente sillabato) y entrañable en maneras. Casi igual de bien Michele Pertusi, probablemente la mejor garantía de Selim en la época. Un poco brusca la Polverelli e inadecuado Ramón Vargas, pese a la calidad de la voz.

En suma, no un disco perfecto, pero sí lo bastante grande para restituir en la discografía el verdadero valor de esta original comedia.

Vocalmente, otro Lohengrin glorioso. Grabación de 2009 desde Munich donde Jonas Kaufmann y Anja Harteros -sobre todo esta última- hacen una interpretación de referencia moderna. Quizás no llega al nivel de la versión de Thielemann, un punto superior y escénicamente muchísimo más interesante pero no deja de ser una versión de muchísimo interés.

La propuesta escénica es la de la casita, esa que va construyendo Elsa mientras asiste a sus continuos sucesos. ¿Qué significa la casa de marras? Ni idea. El texto complementario del DVD habla de símbolo de autarquía pero, en fín,... A no perdérselo.

Buena Ortrud también de la Schuster. La producción, una tomadura de pelo.

¿Cuál de los dos DVD de Lohengrin Thielemann/Beczala es mejor, este que se comenta o el otro que es casi el mismo reparto pero cambiando a Netrebko por Harteros?

Me quedo con la función de Desde; fue impactante.

Me quedo con Dresden y Thielemann. Y es gusto personal, pero la Elsa de Harteros la prefiero a la de Netrebko.

"Violanta"
Satisfecho de la primera audición, supongo que volveré a ella para mejor apreciación, etc etc. Pero no deja de parecerme todo un poco excesivo: armonía, orquestación, expresión. La melodía de Korngold es seductora, pero lleva al extremo el "caracoleo" straussiano. Todo muy vertiginoso, muy febril, muy vamos a intentar hacer una ópera que no baje de lo apoteósico (como si siempre hubiera que llegar al climax del Adiós de Wotan o el Trío del Caballero de la Rosa). Por no hablar del empacho de mística y pajas mentales wagnerianas, muy de la época. Eso sí: esta es concisa. Recuerdo haberme fatigado mucho más con "El milagro de Heliane". también ayuda que las voces aquí están bastante bien. Incluso Jerusalem cumple con su voz de lírico emitida un poco de una forma en cada registro. Eva Marton está soberbia.

Siempre me han atraído más, por lo general, las voces femeninas a las masculinas en la ópera y las voces de sopranos o/y de mezzo negras o mulatas en la ópera más aún. Tienen una sensualidad, algo en el timbre que no sé qué es pero que escuchado cd yo lo identifico al segundo y me entusiasma: ¿exotismo?.. no sé. Yo sostengo, y así es de hecho, que hay y debe de haber muchas diferencias raciales - obviando las evidentes - y que se deben de manifestar en cualquier faceta de la vida...y el canto, la voz es una de ellas. Son por supuesto diferencias poco importantes, no sustanciales, ya que para una persona como yo que cree firmemente en el monogenismo - en una primera pareja de origen africano(*) y que luego al procrear e ir conquistando espacio, dio el salto a Asia por el sur de Arabia Saudita un grupito que dio origen a todas las demás razas - todos somos esencialmente iguales en cuanto a la condición de seres humanos. Vamos, que no se puede ser monogenista y racista, es una "contradictio in terminis" Dicho lo cual:

Shirley Verret:

Más o menos inconscientemente la he comparado con otra cantante afroamericana como es la Bumbry y en casi todas las comparaciones, sale victoriosa. ¿El por qué? por lo que siempre he dicho: Verret fue siempre una estupendííísima fraseadora, con un fraseo contrastado y vivo, fresco, directo, para nada artificioso, junto a eso se le una un cuidado por la dicción, que en Bumbry no lo he hallado. ¿Errores? sí, el haber cantado Norma o Amelia de Un Ballo pero cuando se mantenía en su cuerda, como es el caso de esta Dalila, el resultado es abrumador.

En lo que a esta Dalila se refiere - todo un éxito las funciones de San Francisco - no sé que es lo que más admiro, si su dicción francesa, su color vocal y tesitura o sus detalles expresivos. Lo que no tengo duda es que su actuación escénica es perfecta, fruto de su comprensión total de este personaje bíblico. Destacaría de su acto II su "aria del beso" y la escena donde maldice a Samsón por su indecisión - la cara de la Verret da miedo - " Lâche! cœur sans amour!Je te méprise! Adieu!"

Domingo es un efectivo Samson. Su francés comparado con el de la Verret es nulo. El masacra el idioma, pero a su manera pronuncia "su" francés y dota de vida a su personaje. Un personaje que como el héroe biblico, no es de mucha complejidad psicológica.



(*)Ahí estaría el Paraíso Terrenal.

De las obras de John Adams que conozco esta es la que me parece menos interesante. Seguramente porque la temática (la anunciación a María y el nacimiento de Jesús) no me atrae lo más mínimo. La interpretación es notable pero la obra no ha despertado en mí ningún interés.

Para mí el mejor Turco in Italia es esta toma radiofónica anterior al Renacimiento Rossiniano oficial, pero no al del repertorio cómico que ya venía desde la Supervía (Cenerentola e Italiana) continuó con la Pederzini (Italiana) y prosiguió con Simionato y Berganza. Tampoco al de esta ópera, que ya había renacido en Roma 1950 (Teatro Eliseo) con la Callas y Zeffirelli, que llevarían la ópera a La Scala y la registrarían para EMI.

Esta interpretación radiofónica de la RAI de Milano no contiene el "Squallida veste" de la soprano, pero sí toda la chispa, toda la espontánea comicidad, los acentos, el sentido del decir en una labor perfectamente dirigida por el gran Nino Sanzogno, que rezuma teatro por los cuatro costados y en la que todo el elenco contribuye a un desarrollo teatral pleno de vitalidad, aunque justo es destacar a dos protagonistas insuperables, Sciutti y Bruscantini:

* Graziella Sciutti, Sesto Bruscantini, Agostino Lazzari, Franco Calabrese, Scipio Colombo
Coro y Orquesta de la RAI de Milano: Nino Sanzogno 1958

En cuanto a Samson et Dalila, no voy a añadir nada sobre la Verrett, cantante superlativa de mi total predilección. Elegantísima, con un timbre bellísimo y personal y una clase... inagotable. El printemps qui commence es pura magia en su mezcla de elegante sensualidad, misterio e irresistible seducción.
En cuanto a Domingo, me parece uno de sus mejores papeles (la tesitura central le favorece) y desde la desaparición de Jon Vickers nadie le ha tosido como Samson. En el Real le ví dos funciones en 1999, la del estreno que vino mal de voz, fatigado, y otra que estuvo espléndido.

Hoy, “Sigurd” de Reyer. Grabación casera de un programa de Fernando Fraga en Radio Clásica. La grabación es de hace tiempo, habiendo vuelto más de una vez a ella. La obra, que pasa por ser el “Sigfrido” francés, sigue de cerca el desarrollo argumental de “El Ocaso”, aunque con menos extensión. La música es grandilocuente, pero se deja escuchar. En conjunto, vale la pena conocerla. Destacan las dos arias de Brunilda y el dúo de ésta con Sigurd. Cantan Guy Chauvet (Sigurd/Sigfrido), Andrea Guiot (Brunilda), Andrée Exposito (Hilda/Gutruna), Robert Massard (Gunther) y Jules Bastin (Hagen). Un buen conjunto de cantantes en el que destaca el tenor Chauvet, un “spinto” de amplios medios.

No es que este estilo sea mi preferido pero me encanta eso de explorar nuevos territorios, es decir, títulos distintos más allá de los más convencionales. Esta obra, de apenas hora y cuarto, es bastante sinsorga en su argumento y la interpretación del DVD procedente del Teatro Giordano, de Foggia peca de modesta pero tiene su punto curioso esta ópera. De los interpretes solo se me hacen conocidos el protagonista, Giuseppe Altomare y en un papel menor el hoy reconocido Simone Piazzola.

Por primera vez en mi vida, he visto y oído La Juive de Halévy.

Considerada la ópera judía por antonomasia, este confinamiento que sufrimos me parece la ocasión para descubrir óperas que no conozco.

Dado que no hay muchos montajes en vídeo de esta ópera, y ninguno clásico para iniciarse, el mejor y más cercano que encontré fue el clásico de la ópera de Viena, con unos Neil Shicoff y Krassimira Stoyanova estratosféricos. Halévy compone una ópera que llama a la tolerancia religiosa. Pero además, también trata el tema de los efectos de la supremacía cristiana del poder en la Europa medieval, y en esto, esta obra se puede considerar hermana de Il Trovatore, aunque se compusiera dieciocho años antes.

Eléazar y Azucena sufren el racismo y la exclusión social por ser de los dos pueblos más atacados en la Europa pre-Ilustrada: los judíos y los gitanos. Eléazar ve cómo sus hijos son sacrificados injustamente. Azucena, a su madre. Ambos deciden vengarse de los cristianos, los "puros", los nobles, en donde más les duele: en sus hijos, uno cría a la hija de su enemigo en una religión odiada y la otra tras quemar al bebé equivocado y ya tocada por la muerte de su madre, cría al hijo del asesino de su madre como un gitano. Sin embargo el deseo vengador les consume, porque aunque saben que el día de la venganza llegará, algo en ellos ama a sus hijos adoptivos como si fueran propios. Y pese a su origen "noble", Rachel es una judía muy orgullosa de serlo, y Manrico es un gitano arquetípico: aventurero y trovador. Está claro que no se cambiarían por nadie, que están dispuestos a morir por sus padres de crianza y menos cuando el verdadero padre de Rachel y el Conde de Luna son unos villanos tan insoportables, sin ánimo tampoco de elevar a la categoría de santos a sus víctimas.

A favor de Brogni, es mejor persona que Luna. Brogni y Rachel sienten una conexión que no comprenden, pero que pese a su situación de desigualdad les hace sentir una empatía y cierta compasión. Pero si Luna es un egoísta que no le importa lo que tenga que hacer para salirse con la suya, Brogni también puede ser un canalla de los grandes; y a la vista está cuando maldice y expulsa a Léopold de la comunidad. Tal vez esté arrepentido de haber atacado a Eléazar en el pasado, pero puede más su perfil de autoridad cristiana.

En una era de intolerancia religiosa como es la Edad Media, Eléazar y Azucena son dos seres destruidos mentalmente. Y finalmente la tragedia es devastadora: los cristianos y nobles pierden a sus hijos de la peor manera, porque aunque el judío y la gitana morirán pronto, a ellos les espera una condena en vida con sus hijos de los que no solo han podido disfrutar, sino que además les han condenado como a sus peores enemigos. Dos argumentos de ópera poco sustanciosos, pero que no dejan de evidenciar la tragedia de la marginación social de las minorías religiosas y raciales en suelo europeo, y de las dos más "malditas" por el cristianismo bienpensante del poder.

Halevy compone una ópera bella, "bel canto francés", como yo lo llamo. Los momentos orquestales como la obertura o la introducción a los actos segundo y quinto son increíbles. El momento de la Pascua judía o "Pesaj" del segundo acto es de una belleza litúrgica sobrecogedora. El segundo es en general el mejor acto y con la música más bella, debido a cómo expresan sus emociones los tres protagonistas involucrados, además de la famosa aria de Eléazar "Rachel, quand du seigneur".

Günter Kramer crea una puesta en escena que si bien no es lo que uno esperaría en la Alemania del siglo XV resuelve muy bien el espíritu de desigualdad de la obra, dentro de lo sosa que pueda parecer: una rampa separa el mundo oscuro de los judíos y el mundo blanco y luminoso de los cristianos. En el primer acto hay una mampara de cristal que puede representar a la iglesia, en una de sus puertas los cristianos pintan una estrella de David en color amarillo. Los cristianos visten con típicos trajes germanos de color blanco, y los judíos de negro. Las damas de compañía de Eudoxie tienen unas cabelleras rubias peinadas al estilo de mujeres nazis com Magda Goebbels o Gertrud Scholtz-Klink, y Brogni viste como el papa. Esa rampa separa dos mundos que se odian, y uno sometiendo al otro. Los judíos viven en la oscuridad de lo siniestro y lo marginal en el lado inferior de la rampa, con un mobiliario pobre, contrastando con la mesa y sillas rococó de los cristianos. Con la condena de Eléazar y su hija se invierten las condiciones: serán ahora los judíos quienes estén arriba, aunque en un blanco nada iluminado, y los cristianos con sus lujosas sillas en el lado negro. Conmovedor el momento en que Eleazar en su famosa aria se descalza y coloca su chaqueta, como un condenado preparándose para su ejecución. Al final, todos los cristianos están en el oscuro lado que antes ocupaban los judíos, y tras la terrible revelación final, Rachel es llevada a su muerte por un grupo de personas con capirote rojo.

Shicoff es el Eléazar de esta época, y ya retirado, está por ver quién es su sucesor. Además al ser judío e hijo de cantor, el estadounidense es capaz de profundizar en el personaje y transmitir no solo su lado renegado y arquetípico sino el espíritu de devoto y atormentado padre. Uno no ve a un cantante, uno ve a un judío real, y en la escena de la pascua uno siente que está en una sinagoga. La bella voz de Shicoff, ya en madurez, es capaz de hacer una interpretación memorable. Sentida y trágica es la que hace de su famosa aria del acto cuarto.

Stoyanova, en plenitud de facultades, es una Rachel de voz maravillosa, agudos bellísimos y un timbre agrdadable, que transmite a una joven frágil pero enamorada y fuerte cuando debe de serlo. Magnífica en su escena "Il va venir" y en el precioso terceto en el que pide a su padre que no mate a Léopold.

A bastante distancia el resto del reparto. Walter Fink cumple como Brogni, con una buena voz y unos graves de bajo profundo. Simina Ivan es una Eudoxie también cumplidora, que sale airosa de su escena del tercer acto. Jianyi Zhang es un Léopold de voz bella, pero es una parte difícil, y el agudo aunque lo logra no es todo lo satisfactorio que debiera. Boaz Daniel está muy bien, con una bella voz de barítono en el rol del repulsivo Ruggiero, el típico antisemita de libro (de hecho ha conseguido caerme peor que Brogni).

La orquesta de la ópera de Viena está espléndida, dirigida por Vjekoslav Sutej. Los coros igualmente están a un gran nivel.

Una bonita experiencia, con una ópera igualmente bonita. Espero volver a verla de nuevo en vídeo o en vivo, creo que la disfrutaría mucho.