Si, como bien dice Mr Ghiaurov, el verismo fue algo bastante nocivo para sí mismo, para el no-verismo ni les cuento. No es que grabar Medea tras Callas fuese algo sin sentido para DECCA. Es cierto que la obra es tremendamente dependiente del talento de la protagonista titular, que si falla reduce la partitura casi a la irrelevancia, y es cierto que Callas sólo hubo una. Pero con todo, el propósito de una versión clasicista, sin cortes, con una joven y prometedora soprano y en las condiciones que proporciona un estudio no era un proyecto nada descabellado en origen.

El problema es que absolutamente nada de lo anterior consigue realizarse. Gwyneth Jones fue una peculiarísima cantante que vivió un proceso de decomputación y recomputación vocal, y aparte, otro proceso de decomputación y recomputación artística, y este disco la pilla en mitad de ninguna parte, yendo y viniendo, con ciertas capacidades y ciertas ideas sobre Medea, pero con problemas de agudo, problemas de italiano, problemones de estilo (no se supera a la Callas poniéndose más reinona, más verista y chillando más), y sobre todo, sin un concepto de Medea. Y el pretendido Non sai tu che il mio talento passa il tuo? queda, por su propia pretenciosidad, muy Eve Harrington de segunda, niñata prodigio sin las bastantes tablas. Lo cual, visto con la perspectiva de todo lo que la Jones pudo acabar dando al melómano, resulta muy embarazoso.

Prevedi, algo apretado, solvente y romo, hace conocer la música de Jasón pero casi nada de su personalidad ni de su verdadero estilo. Justino Díaz se salva por los pelos, Pilar Lorengar hace una Glauce ya vocalmente problemática, y sobre todo, MUUUUY CUUURSI, y Fiorenza Cossotto (que, no me entiendan mal, es con mucho la que mejor está) no entiende ni el clasicismo cherubiniano, ni el personaje de Neris, ni por qué hay un fagot tocando en su aria. Gardelli, que es un señor al que yo suelo defender, abre cortes y saca un sonido esmerado de la orquesta, pero claudica de domar el disparate veristoide.

J. Massenet - Esclarmonde. MET, 1976.

Joan Sutherland (Esclarmonde), Huguette Tourangeau (Parséis), Jaime Aragall (Roland), Louis Quilico (Arzobispo de Blois), Clifford Grant (Phorcas), John Carpenter (Enéas), John Macurdy (Cléomer), Charles Anthony (Un enviado sarraceno), Paul Franke (Un heraldo bizantino).

Coro y Orquesta del Metropolitan Opera House. Dir: Richard Bonynge.


Como sabrá la mayoría de ustedes, Esclarmonde fue estrenada para la Exposición Universal de París de 1889, prácticamente olvidada poco después y vuelta a la vida por el matrimonio Bonynge en 1974. Grabada al año siguiente en Londres para Decca, el mismo equipo artístico la llevó al MET en 1976 y de una de aquellas sesiones procede la grabación que he estado escuchando. Era mi primer acercamiento en serio a la obra y, la verdad sea dicha, tampoco me ha impresionado demasiado. El compositor francés ya había pasado por Bayreuth y decidió wagnerizar su música reforzando la sección de metales, dando más protagonismo a la cuerda grave y colocando unos cuantos Leitmotive en una historia que también recuerda a algunas de las de don Ricardo. ¡Incluso hay una especie de Cabalgata de Walquirias al final del primer acto! Pero el resultado es un quiero y no puedo, donde los momentos de más interés son, a mi modesto entender, precisamente aquellos en los que Massenet es más fiel a sí mismo. Por lo demás, se nota que es obra pensada para el lucimiento de una diva de cualidades excepcionales –la hoy casi olvidada Sybil Anderson; un reto de coloratura endemoniada, saltos interválicos abismales y articulación constantemente cambiante.

Una ópera que ni pintada para Joan Sutherland, que aún era perfectamente capaz de salir airosa de esta clase de desafíos. Sin embargo, aunque la australiana se marca una lección de técnica vocal portentosa, se nota que ya debía medir sus fuerzas, porque lo escuchado me parece por debajo del estudio que he podido cotejar (trinos menos ágiles, frases acortadas, etc.). Junto a ella, un Jaime Aragall que muestra su extraordinaria calidad, pero que da la impresión de estar muy poco metido en el papel hasta el tramo final de la obra, cuando de repente entra en incandescencia. El resto del elenco es más bien discreto y a Bonynge no se le nota muy cómodo en los pasajes de mayor densidad instrumental.

En definitiva, una ópera que solo tiene sentido con una pareja como aquella, por lo que probablemente seguirá “del salón en el ángulo oscuro” durante algún tiempo.

P.S.: Para los idólatras de las notas imposibles, Dame Joan no da el archifamoso Sol sobreagudo. A mí plim.

Para un disfrute más cabal de la obra, recomiendo la versión en estudio.

Incluso Aragall se salta una notas agudas muy problemáticas tanto en San Francisco como en el MET, que en estudio las salva sin problema alguno.

Y por supuesto doña Joan está más a sus anchas en la comodidad del estudio de grabación. Ni Denia Mazzola-Gavazzeni, ni Alexandrina Pendachanska, le llegan a la suela de los zapatos casi 20 años después de aquella ocasión.

De igual manera, todas las sutilezas y suntuosidad de la orquestación de Massenet, se disfrutan más en la grabación Decca.

No es una ópera para escuchar todos los días, pero cuando se hace vamos más allá de los habituales Werther, Manon, Thais, Le Cid, con no pocas agradables sorpresas.

¡Qué gran ópera es La nariz, de Shostakovich! Me encantaría poder verla de nuevo porque aquella primera vez, en el Kursaal donostiarra allá por 2005, me pillo de nuevo.

Totalmente de acuerdo!

Anoche escuchando el audio del R. DEVEREUX del Met, de la pasada primavera ( me queda la gran escena final de la Regina,a partir del ...vivi ingrato ...)

De todo lo escuchado, me he llevado una decepción con la parte principal masculina ( irregular y corto arriba Kwicien y francamente deficiente Polenzani, éste sobre todo en su escena de la ejecución en la Torre de Londres )

Polenzani, con este acaramelamiento que le caracteriza habitualmente, se le suma aquí una constante enfatización y un tipo de canto nada viril, amanerado en exceso
En toda su escena final desde... come un spirto angélico...ora in terra.., exagera ese tipo de canto y pese a muy correctas medias voces, de repente parece que sustituya el canto y la línea belcantista por...la oración en un templo!
En la cabaletta y sobre todo en su segunda estrofa...si piangerò d' affanno.., tiene que interrumpir unos segundos el fraseo ya que está destimbrado y al borde del accidente vocal.., con problemas en el registro agudo que empuja y portamentea. Mal en general ( a años luz del buen Bros, por ejemplo, de unos años atrás cuando cantaba fluidamente ese rol )

Las damas francamente bien, sobre todo la exultante Garanca que marca su máxima brillantez en su gran duo del segundo acto, con el barítono.
La Sondra matizando mucho, aunque algo reservona de momento ( supongo que reservándose para su gran escena final, pendiente de escucha por mi parte )

En esta grabación en vivo de 1953, la Callas (antes de convertirse en cisne y perder peso) y el resto del elenco me resulta superior -o, si lo prefieren, más adecuado- al de la grabación de EMI en 1956; Stignani y Tagliabue dibujan sus personajes dentro de la tradición, haciendo gala de un canto ligado e inmaculado. Penno me resulta más efectivo y creíble que Di Stefano. Y Votto no tiene nada que envidiarle a Karajan en este repertorio.

Recordemos que di Stefano se coló en esa grabación, ya que Richard Tucker declinó al enterarse que el director iba a ser von Karajan.

Hasta donde tengo entendido, Giuseppe di Stefano nunca cantó el Manrico sobre la escena, contrario a don Richard, que sí hubiera realizado una gran faena junto a la señora, como lo hizo en Aída y La Forza del Destino en las grabaciones EMI.

El canto de Caballé es de una belleza que corta la respiración, en una de sus grabaciones donde más claramente se distingue que su resolución del papel enteramente en el canto no es desinterés interpretativo sino una apuesta artística consciente, y en este caso, además, especialmente conseguida. Domingo, no muy bien de forma y con la emisión un punto retrasada y apretada de más, se salva por la belleza y robustez de su instrumento. Sardinero es un esmeradísimo barítono en un clásico papel para barítonos esmerados, y Bartoletti tiene musicalísimas y teatrales intenciones que la orquesta no siempre sabe traducir. En conjunto, un gran disco con una ensoñadora visión de la protagonista por parte de una diva de canto excelso a quien no se suele asociar a este personaje.

¡Qué bonita la nueva imagen de esta versión de Manon Lescaut...!
Una de mis óperas favoritas, en una de mis versiones predilectas (que me trae, además, extraordinarios y entrañables recuerdos). ¿Está remasterizada? Porque el sonido --al menos en la versión que yo tengo-- aparecía demasiado saturado; algo que no favorecía en absoluto, por cierto, a la prestación de los cantantes... Caballé está, efectivamente, extraordinaria, cautivadora, alucinada por momentos (In quelle trine morbide) y nos ofrece una versión muy juvenil y nada gazmoña de la muchachita (ese soberbio dúo del I acto: O come gravide vostre parole...!), mientras que Sardinero recrea un muy buen Lescaut. En cuanto a Domingo es, para mí, uno de los mejores Des Grieux, por el enfoque doliente, vulnerable y desesperado que le da a su personaje. Sé que esta opinión es bastante discutible para algunos de ustedes --de hecho hablamos de ello hace ya un tiempo en este mismo foro--, pero ¿qué quieren que les diga? Para un servidor pocos tenores se han mostrado tan rotos, humillados y arrastrados por el fango a causa de la disoluta y superficial Manon como lo hace Domingo en esta versión dirigida con brío y magnífica tensión teatral por Bartoletti.

¿No ofrecía el mismo enfoque de macho atormentado en todos sus personajes?

No deja de ser una anécdota por su caracter episódico pero el papelón de Noel Mangin es, literalmente, inolvidable. ¡Qué espanto!

Pero en el caso de Des Grieux ese planteamiento se ajusta perfectamente a la psicología de lo que, según un servidor, debe ser el personaje. Y no hablaría tanto de "macho atormentado" --puesto que en todo momento nos presenta un Des Grieux juvenil y muy vulnerable que va hundiéndose progresivamente--, cuanto de hombre que es capaz de degradarse hasta el máximo por el amor que siente hacia Manon ("fango nel fango io sono e turpe eroe da bisca m'insozzo, mi vendo..."). Vamos, quiero decir --como ya hice en su momento-- que cuando escucho el personaje en las voces de otros tenores (por ejemplo, Del Monaco, o Corelli) no termino de creerme que sean jóvenes manipulables y zarandeados por el capricho de la joven inconstante. ¿Alguien puede pensar que Del Monaco va a ir a América sirviendo como mozo en el barco que se lleva a Manon? Terminará siendo el capitán, sin duda...

Por otro lado, no descubro nada nuevo diciendo que, precisamente, ha sido en algunos roles creados por los compositores de la Giovane Scuola (Des Grieux, Cavaradossi, Loris, Turiddu, Maurizio...) donde Domingo se ha mostrado más destacable por temperamento y condiciones

Parsifal

George London Amfortas
Martti Talvela Titurel
Hans Hotter Gurnemanz
Jess Thomas Parsifal
Gustav Neidlinger Klingsor
Irene Dalis Kundry
Chor und Orchester der Bayreuther Festspiele
Hans Knappertsbusch.

Vaya Parsifal. Aquí la voz del tenor, en otro personaje wagneriano:
https://www.youtube.com/watch?v=B_5nB9U0N28