Gabriele Ferro ya es un director de la Renaissance. Lo cual no quiere decir que sea un poeta (que no siempre lo es) pero sí que ha pulido del todo (hasta pecar ligeramente por el extremo contrario) los excesos estentóreos y las capitulaciones al populismo del Rossini (o, en realidad, del Barbiere) mal entendido. Y aunque le falta la magia de Abbado para iluminar sonidos y su teatralidad tiene altos y bajos, lo fundamental es que sirve bien las prestaciones del sensacional cast a sus órdenes

Lo que hace Lucia Valentini Terrani con el rol de Angiolina entra dentro de lo milagroso. De entrada, el bellísimo timbre, de su particular color "ahumado", y la personalidad artística "semiseria" de la cantante (que la habian hecho un punto distante en heroinas mas espiritosas como Rosina o Isabella) encajan como el zapato del cuento en el papel de Cenerentola. Pero la Valentini es también una cantante excelsa, técnicamente preparadísima para las exigencias rossinianas y capaz de un fraseo que sin pudor debe llamarse histórico. La ambigüedad, el misterio, la melancolía polifacética de un personaje acostumbrado a la tristeza pero que por eso mismo ha sabido poner esperanza en su resignación, lo que implica necesariamente una tierna caridad por el prójimo, hallan en la paduana una traducción desconocida y totalmente emocionante. Uno de los hitos máximos del Renacimiento rossiniano.

Hitos que, en el plano estilístico, alcanzan también Enzo Dara (que da una lección equivalente a su dottore Bartolo de empleo certero, sofisticado, muy en estilo, y sobre todo, teatralísimo, de unos medios vocales casi ordinarios -el virtuosismo de chi l'appalto delle spille es vertiginoso-), y en menor medida, Francisco Araiza, que no mece la frase como un Valletti ni tiene la cordialidad tímbrica de Flórez ni el virtuosismo exuberante de Blake, pero tiene una prestancia y una apostura, un convencimiento de su papel, una capacidad técnica y un estilo completamente persuasivos.

Es una lástima que fuese demasiado pronto para ofrecer al debutante Alessandro Corbelli el papel de Dandini, del que después sería un extraordinario intérprete. Aquí lo tenemos como un Alidoro de gran humanidad, impecable en su aria, mientras Dandini le es atribuido a Domenico Trimarchi. Cantante muy respetable, pero víctima del ingrato devenir histórico de los bajos buffos. Qué es lo que hacía que público, teatros y compañías discográficas se volviesen todos locas del coño ante Fernando Corena, Paolo Montarsolo, Ferruccio Furlanetto, Ruggero Raimondi, Renato Capecchi, Richard van Allan, Carlo Badioli, Geraint Evans o Wladimiro Ganzarolli mientras los sensacionales Giuseppe Taddei y Sesto Bruscantini eran infravalorados, Alfredo Mariotti y Alberto Rinaldi completamente ignorados y José van Dam, Bernd Weikl e Ingvar Wixell quemados vivos por faltarles la sacrosanta italianità establecida en el Concilio de Montepulciano, es algo que se me escapa. Además de a Samuel Ramey, la Renaissance trajo también la sensatez a esta cuerda, en la que los Daras y Corbellis dejaban muy en evidencia (o eso quiero pensar) a los Desderis y Praticòs. Y todo esto le pilla a Trimarchi un poco en medio, porque en sí no canta peor que un Rolando Panerai, por caso (aunque eso no sea decir mucho en términos estrictamente canoros, y aparte, el instrumento es el que es) y teatralmente tiene una idea vivaz del personaje que recita da grande, e grande essendo, grande le ha da imparar, pero aunque es consciente de las contenidas y exquisitas reglas del nuevo Rossini, no siempre logra emularlas, y en ese sentido, hacer (bastante aceptablemente) "lo de toda la vida" le sale ingratamente caro.

Petulantes y un punto estridentes las hermanastras, bien el coro, "seca" la orquesta, bastante corta de sonoridades. En suma, una versión obligada por meter Cenerentola en el Renacimiento y por la actuación majestuosa, inolvidable de la Valentini.

¿¿¿Bernd Weikl en Rossini??? Jose van Dam cantó el Don Basilio muy bien, pero no sé si tuvo alguna vez interés en ir más allá. A Wixell tampoco le veo con esas desigualdades y timbre seco e ingrato.

Ahí tiene a Walter Berry como Don Magnifico en Salzburgo con Chailly... cierto que está que tocado, pero sirve como ejemplo fallido y de que la italianità no proviene de ningún concilio, salta al oído.

Por tanto, de acuerdo en lamentar la preterición de los grandísimos Taddei y Bruscantini y también de Mariotti y Rinaldi, pero lo otro no lo veo y aún menos que se meta en el mismo saco a Ruggero Raimondi (creador absoluto del Don Profondo y al que todos han imitado) que a espantos como Evans o no digamos Van Allan, un señor que hace daño al oído. Dara ha sido estupendo. Corbelli en disco funciona muy bien, sin embargo, en teatro no lo disfruté las veces que le ví. Muy pobre tímbricamente su material vocal, que corría lo justo.

Por lo demás, buenos análisis de las dos grabaciones de Cenerentola.

Otro voto a favor de la Valentini Terrari (¡muy bueno lo del timbre "ahumado"! ) y otro en contra de Wixel. Al sueco lo suelen defender algunos de los foreros que más admiro, pero yo tampoco puedo con él.

Saverio Mercadante – Virginia (Opera rara, 2009).
Susan Patterson (), Paul Charles Clarke (Appio), Charles Castronovo (Icilio), Stefano Antonucci (Virginio), Katherine Manley (Tullia), Mark Le Brocq (Valerio), Andrew Foster-Williams (Marco).
Geoffrey Mitchell Choir & London Philharmonic Orchestra. Dir.: Maurizio Benini.

Al calor de un cierto Mercadante-revival, esta ópera casi olvidada fue repuesta en el Reino Unido en 1976 y, desde entonces, parece haber tenido más predicamento en el ámbito anglosajón que en el italiano. Ambientada en la antigua Roma a partir de un drama de Alfano supuestamente inspirado en Tito Livio, el festival de Waxford la volvió a montar en el 2001 con una excelente Angela Meade en el papel protagonista –de hecho son los únicos testimonios sonoros que conocía hasta ahora- y en 2009 Opera rara sacó adelante esta primera –y me temo que única- grabación comercial de la obra.

Siendo sincero, confieso que don Saverio no me acaba de enganchar como a alguno de sus entusiastas admiradores. Es un buen músico, por supuesto, como demuestran el tratamiento de los concertantes o el equilibrio entre voces e instrumentos en Figlia, tu scuoti y O sacri penate, pero al final se me queda en tierra de nadie: ni llega a la calidad melódica de un Bellini, ni tiene el talento dramático de Verdi (¡qué anticlimáticos son los segundos finales o los coros de esta ópera en comparación con los que por las mismas fechas escribía el genio de Busseto!). Y eso que pretende tocar ambos palos. Si uno escucha las largas cavatinas de los protagonistas o ese sorprendente trío para dos tenores y soprano con que concluye el primer acto, queda claro el interés de Mercadante por describir bien el conflicto dramático por encima incluso de la fluidez del discurso musical, pero por otra parte hay un exquisito respeto de las formas y los recursos belcantistas vigentes hasta entonces y que probablemente el público de la época ya empezaba a considerar como un poco encorsetados.

Escribía antes que solo conocía Virginia por algunos fragmentos de la versión de 2001. La escucha completa se queda por debajo de las expectativas, tanto porque lo menos conocido no está a la altura de lo que se encuentra en youtube, como porque la grabación de Opera rara no pasa de ser un ejercicio académicamente correcto y con algunas debilidades evidentes. Para empezar, Susan Patterson no es Angela Meade: la carnalidad de su voz dota al papel de fuerza en la tesitura intermedia, pero sus agudos son forzados y pasa dificultades en la coloratura. Peor es la impresión que dan los dos tenores, cuya mayor virtud es el contraste de timbres, muy adecuado para enfrentar al héroe y al villano, sobre todo en el trío antes mencionado o en el dúo con el que arranca el último acto. Sin embargo, Charles Castelnuovo es un cantante de emisión dudosa y un pasaje hacia ninguna parte, que casi parece bueno al lado de un tal Paul Charles Clarke, lamentable en su por otra parte complicadísima entrada y que ya no levanta cabeza durante el resto de la función (nunca he sabido bien qué significa eso de “estrídulo” que prodiga mister Tunner, pero tiene pinta de que le encaja a nuestro villano). En el lado positivo, me ha gustado la seguridad, nobleza y recursos técnicos del barítono Stefano Antonucci. A orquesta y coros hay que reconocerles claridad, corrección y pulcritud, pero supongo que cabe esperar otra cosa en esta historia (censurada en su día por el gobierno napolitano) de un libidinoso dirigente político de la aristocracia que, pese a cimentar su poder en la manipulación de los valores morales, acosa a una pobre muchacha, se la pretende beneficiar por persona interpuesta y provoca su asesinato a manos del propio padre de la infeliz, desencadenando finalmente una revolución plebeya en su contra. En el siglo XVIII el decoro habría terminado imponiéndose, pero a mediados del siglo XIX la música (tanto la de Mercadante, como la de esta versión en concreto) tendría que manchar un poco más.

El señor Antonucci con todos y sus también limitados medios, es un especialista en el bel canto contribuyendo a la resurreción de muchas obras inusuales.

Aquí está un poco veterano, pero sale adelante.

Cada vez que la escucho (tanto la ópera como la versión) más escasa me parece la obra, más tristeza me produce verle así a Samuel Ramey y más guapa ella.

Más ópera brasileña:



Curiosa esta última ópera de Antônio Carlos Gomes. Una trama oriental (Odalea es reina de Samarcanda), compuesta por un brasileño, pero netamente italiana y estrenada--bajo el título original Condor--en La Scala en 1891. Tendré que leer el libreto con detenimiento para enterarme cómo diablos alguien llamado "Condor" pudo llegar hasta Samarcanda .

Siempre se habla de la música de Gomes como cercana a la del joven Verdi, pero este obra está claramente dentro de la estética de la Scapigliatura (a lo que suena es más a Catalani que a otra cosa). La grabación en directo de São Paulo del año 86 suena como si se hubeira hecho 30 años antes, pero se deja escuchar y el elenco netamente brasileño--nativos o adoptados--cumple sobradamente. Interesante y de agradable escucha.

Ayer, "La Traviata", versión de la Tebaldi. Fue la tercera obra que más veces cantó Renata en escena, tras "Tosca" y "Bohème". En Youtube circula una función del San Carlo en que el público napolitano le obliga a bisar el "Amami, Alfredo" entre aclamaciones. Lo que debe significar que su versión gozó de prestigio en su tiempo. Sin embargo, la "élite" siempre frunció el ceño ante su Violetta. ¿Qué puede decir un tebaldista acérrimo acerca de ella? Pues que, naturalmente, ya la conocía, siempre me gustó, he vuelto a escucharla después de algunos años, y me sigue gustando. Giudici dice que "voce sfarzosa, bellissima, ma solo voce" (no sé si esta vez dice exactamente esto, pero es lo que dice siempre que se refiere a Renata, y me ha dado pereza irme a buscar el mamotreto). Totalmente de acuerdo en lo de "sfarzosa" y bellísima. En total desacuerdo con lo de "solo voce". Hay frases en la escena con Germont ("Non sapete", "Dite a la giovine", "Qual figlia m'abracciate") y en el final ("Gran Dio morir si giovine", "Prendi, questa é l'immagine") en que el acento dibuja una Violetta conmovedora. Ya sé que la suya no es, precisamente, la voz de una tísica (ni falta que hace), pero el mismo problema podría plantearse con respecto a Mimí, y en este caso, nadie dice nada. Poggi y Protti encarnan correctamente a los Germont hijo y padre. Dirige Molinari Pradelli.

Y hoy, la "Carmen" de la Callas. Versión tardía (1964), un año anterior a su retirada de la escena (si no contamos la gira de los 70 con Di Stefano), contemporánea de su segunda "Tosca", siendo estas dos sus últimas grabaciones en estudio. La voz está "rara", con graves muy entubados, pero no creo que se deba a problemas vocales, sino a una continua búsqueda de "la voz de Carmen". El fraseo es, como siempre, analítico y desprovisto de todas las exageraciones que otras intérpretes aplicaron a este personaje. Es justamente famosa su interpretación del aria de las cartas, en donde, con un enfoque totalmente simple, consigue la máxima expresividad. Celletti dice que es una Carmen "en blanco y negro" (no alcanzo el sentido de la metáfora. Posiblemente, sea demasiado para mí) y que es "sexualmente frígida" (tampoco temgo opinión al respecto). Lo que sí es cierto es que no se parece a ninguna, y que es interesantísima. Por supuesto, merece conocerse. Como todo lo de María, claro. Gedda está a mi juicio magnífico, con una excelente aria de la flor coronada con un agudo en "piano" y Massard es un arrogante Escamillo. Dirige Pretre.

Esa Capella Coloniesis mezcla instrumentos de epoca con modernos? No recuerdo bien, pero segun yo interpretaban musica antigua.

La Tebaldi es una Violetta que lo pasa mal en el acto primero, carente de agilidad y obligada a bajar el tono en su gran escena, además de no exhibir ese talento e intensidad dramática de otras, pero aprovecha los momentos-todos los que indica- en que puede lucir su material único por belleza, carnosidad y morbidez, así como su línea de canto de altísima y genuina escuela. Yo tengo estas dos versiones en vivo:

* Renata Tebaldi, Nicola Filacuridi, Ugo Savarese
Orquesta y Coro del Maggio Musicale Fiorentino: Tullio Serafin 1956 representación pública

* Renata Tebaldi, Giuseppe Campora, Leonard Warren
Coro y Orquesta del Metropolitan Opera: Fausto Cleva 1957 representación pública

Son instrumentos antiguos. La movida es que Ferro tampoco es el artista de la pista para extraerles teatralidad.

Y eso que soy fan de su pelo.

Me resulta curiosa la afirmación del estimado joseluis sobre que Tebaldi abordara Violetta tantas veces en su carrera y le rogaría nos indicara su fuente. En los Anales del Metropolitan de Nueva York, en las 267 funciones que hizo allí durante 17 temporadas, cantó Violetta tan solo en 21 ocasiones, por detrás de Adriana (25), Mimí (36), Gioconda (32), Desdémona (25) y Tosca (45). Estos datos son significativos y posiblemente extrapolables.

Con mucho gusto. La fuente es esta:

http://www.renata-tebaldi.com/repertory.htm

Muchas gracias; aún así, no deja de sorprenderme. En realidad, no deja de ser curioso que su Violetta no haya tenido trascendencia, ni siquiera para ser considerada "rival" de la de Callas, cosa que sí lo fue Tosca, por ejemplo. Y en cuanto a esa única grabación con Molinari-Pradelli he de decir que nunca "vi" a la gran Renata en ese papel; y menos aún con ese reparto, al que usted califica de correcto, de Poggi y Protti.

Hay que tener en cuenta que, aunque "Virginia" es la última ópera estrenada en la carrera de Mercadante, en realidad fue un "estreno en diferido" , puesto que la obra había sido compuesta cerca de veinte años antes (o incluso alguno más). Con todas sus carencias y lugares comunes, a mí es una obra que me gusta, y el dúo soprano/barítono del último acto es un fragmento de altísimo nivel.