Peliculón.
https://www.youtube.com/watch?v=NV9gANMI04c

Sobre todo Yul Brynner... ¡ya no quedan hombres como él!... Nunca he podido saber si era buen o mal actor, pero lo que sí tengo claro es que cuando él aparecía en pantalla, la llenaba por completo con su presencia y con su prestancia .

Yo esta película de Exodus tengo muchas ganas de verla. Lo más probable es que sea el habitual envoltorio estupendo sin nada dentro, tan esperable en el cine americano actual, pero es que a mí estas superprducciones de aventuras siempre me han gustado, incluso las malas .

Finalmente hice caso a Don Alberich y me animé con estos dos clásicos del cine mudo. Con Lon Chaney, uno de los más versátiles actores que haya visto el cine. No obstante tengo que decir que son más bien para aficionados al cine de terror. Pero merece la pena por su importancia y por la versatilidad de Chaney. Nadie diría que son el mismo actor.

The phantom of opera es una historia discreta, pero la puesta en escena es de las mejores que haya visto en el cine mudo ¡Tan solo por la reconstrucción del interior de la ópera Garnier ya merece la pena! Lo que habrá costado hacerla. Y por cierto, como spoiler dejo una anécdota: hay una reconstrucción bellísima del final del Fausto de Gounod, una hermosa recreación de la subida al cielo de Margarita ¡ojalá se hiciera así hoy! Chaney como siempre tiene una caracterización única, totalmente soberbio. Y además un rótulo vivo de la sombra del fantasma en movimiento es otro puntazo, antes de la caída del candelabro. Además, la versión que he visto es la versión reducida de 1929, que además tiene secuencias en color, las correspondientes al baile de la ópera. Y presentada con una banda sonora compuesta por el gran Carl Davis ¿qué más se puede pedir?

The Hunchback of Notre Dame me parece una mejor historia, y encuentro a Chaney aún mejor. Menudo Quasimodo. Cuando tiene sed en la picota es verdaderamente conmovedor y grotesco, o cuando en su primera escena suspira ante las campanas. Como bien ha comentado el nibelungo, Ernest Torrance como Clopin es destacable. También Patsy Miller como Esmeralda, una mujer de carácter. Para ser una película muda creo que los actores no caen en la exageración gesticulativa. En este caso la he visto en una versión sonorizada con efectos de campanas y de ruidos de gente. Y con una bella banda sonora (precioso el solo de flauta cuando Quasimodo escucha las campanas). El actor que interpreta a Jehan Frollo y la actriz que interpreta a la madre de Esmeralda también son muy convincentes.

Seguiré más adelante explorando al gran Chaney e incluso veré de nuevo este Jorobado. Pero ahora me esperan Opium, de Robert Reinert y She, una historia de ciencia ficción británica de 1925 con una gran puesta en escena y protagonizada por Betty Blythe, la mayor estrella de la Fox tras la retirada de Theda Bara. Aquí la vemos en una instantánea de una película perdida:

También he visto Exodus anteayer. Tengo que decir que es de impacto visual, pero me parece incompleta, centrándose mucho en la estancia de Moisés en Egipto. Supongo que muchos cinéfilos lo sabrán, pero por si acaso es mejor olvidarse de la versión de De Mille porque de lo contrario no va a disfrutarse. Curioso el perfil de un Moisés presentado como un hombre moderno, culto y religiosamente escéptico para convertirse en el líder de un pueblo creyente, cuyo Dios representado por un niño neurótico.

En cualquier caso se pasa un buen rato. Hasta sopeso volver a verla.

El pequeño príncipe y el dragón de ocho cabezas. Una entretenida película típica de los comienzos del cine anime, pero con una animación modernista preciosa con un aire a la húngara de los 70 y una brillante banda sonora nacionalista de Ifukube.

My little pony, my little pony, isn't the world a lovely place?

La reina de las nieves, la soviética de 1957. Otro clásico animado poco conocido con una animación preciosa, influido por el Disney clásico pero con su propio imaginario. Muy corta y con lagunas argumentales, pero encantadora.

Como curiosidad, Miyazaki la vio de joven cuando pensaba en dejar la animación y le convenció a seguir adelante.



[edito] Qué empanada mental, puse La bella durmiente en vez de La reina de las nieves y ahora me doy cuenta

Me encantaría ver las dos. Parecen preciosas.

La reina de las nieves está en youtube subtitulada al inglés. El pequeño príncipe y el dragón de 8 cabezas, que es más difícil de encontrar, me la bajé de Patio de butacas.

Hoy he visto Mortadelo y Filemón contra Jimmy el cachondo y vaya montaña rusa de slapstick El diseño me encanta, y como en Las aventuras de Tadeo Jones, la animación es muy buena para 10 millones de presupuesto. No es para todo el mundo porque es salvajemente frenética y tiene el humor cándidamente chabacano típico de Fesser, pero yo me lo he pasado en grande.

Amour, segunda entrega de los “imprescindibles del siglo XX” seleccionados por el foro. En esta ocasión, a diferencia de Melancholia, les alabo sinceramente el gusto.

Película bella y terrible, como la vida misma. Se ocupa de un asunto cada vez más presente en nuestras vidas, que podría haberse convertido en una especie de docudrama, o en un melodrama hollywoodiense, o en una película de tesis, pero que afortunadamente no es ninguna de esas cosas. En realidad, ¿de qué trata Amour? Quizás, simplemente, de lo que su propio título nos dice. Lo hace a partir de un guión admirable, con un argumento destilado hasta lo esencial, donde no es gratuito ninguno de los breves episodios aledaños –desde la visita del antiguo alumno de los protagonistas hasta la presencia de la paloma intrusa, pasando por la angustiosa secuencia de la pesadilla. Los diálogos son un ejemplo de concisión: no se puede decir más con menos palabras –en ese primer enfrentamiento del matrimonio sobre la “carga” que uno y otro soporta, en las anécdotas que Georges cuenta sobre su propia infancia, en el duelo final entre padre e hija. Tampoco son gratuitos los pocos personajes que acompañan al trío protagonista, aportando un punto de vista externo al drama vivido por los ancianos. Estos son incorporados por unos extraordinarios Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva, a los que hay que escuchar obligatoriamente en versión original. Isabelle Huppert tiene tres apariciones también memorables.

La puesta en escena de Hanecke tiene para mí dos virtudes que lo convierten en un director importante. En primer lugar, cada uno de los planos de la película es necesario. Desde una austeridad que parece hacer invisible la cámara, las imágenes cuentan todo lo que no escuchamos en los diálogos y sugieren mucho más que lo que cuentan. Vamos, igualito que en esos blockbusters tan alabados por algunos porque no necesitan subvenciones ni empresas públicas para existir. Hay momentos magistrales, como la sucesión de planos fijos de las distintas habitaciones que servirán de escenario al drama poco antes de que éste se desencadene, o los travellings que acompañan a Georges por el pasillo para recibir a cada visitante, que remiten a la pesadilla antes mencionada. La secuencia de la “salida” de la pareja merecería un comentario plano a plano (¡ese grifo abierto!). Si alguien no se conmueve con ese mutis, debería hacérselo mirar. La segunda virtud de la dirección de Hanecke es el respeto a la inteligencia del espectador, otra cualidad no muy frecuente en el cine de consumo. El director no impone su punto de vista, ni trata de manipular al espectador. El momento culminante de la tragedia está filmado de tal manera que nos vincula emocionalmente con Georges, pero no nos impide juzgar su acto (¿por qué actúa así, por cansancio, por compasión… por amor?). Un pequeño detalle refleja mejor que ningún otro ese respeto por nuestra inteligencia: plano de Anne, ya en la fase terminal, tocando el piano como antes (creo recordar que un impromptu de Schubert) / contraplano de Georges, que parece observarla antes de apagar el aparato de audio que tiene a su espalda. El 95% de los directores nos habría endilgado un nuevo contraplano, ahora con el piano solitario. Hanecke nos deja con la mirada de Trintignant y respeta así nuestra propia mirada.

Una gran película.

Y creo que es posterior a "Siete Mujeres"

Es lo que yo digo

Opium, de 1919 es otra de las monumental-film de Robert Reinert, olvidado precursor del expresionismo alemán en el cine. A diferencia de Nerven, esta película tuvo un enorme éxito y agotó las entradas durante tres semanas en el cine donde se exhibía. En YouTube hay una copia en malísimo estado, por lo que esta película requiere una remasterización a gritos. La película es de temática igualmente lenta, pero esta vez trata la historia de un científico que se hace adicto al opio, tras un viaje de estudios a China. Y esta adicción destruirá a su familia. El protagonista es el mismo que en Nerven, Eduard von Wittgenstein, quien da una brillante interpretación sobre los estados de ánimo del personaje. También actúa Werner Krauss (futuro Doctor Caligari) como el malvado fabricante de opio, y Conrad Veidt tiene un pequeño papel. Reinert recrea unos rótulos de bello diseño, entre otras cosas con animaciones de imágenes eróticas y dionisíacas, de ninfas desnudas (sólo cubiertas por un velo) y faunos lascivos tanto en esos rótulos como en escenas de alucinación. Además esta superproducción tiene escenas ambientadas en China e India, cuya ambientación (para la época y medios) está genialmente cuidada. Recomendable, y esperemos que algún día salga a la luz una edición remasterizada y acompañada de música, igual que se hizo maravillosamente con Nerven.



Entrenida superproducción inglesa de 1925 basada en una novela del mismo nombre. Betty Blythe, la estrella de la Fox tras la retirada de Theda Bara nos muestra un derroche de belleza y misticismo como la reina Ayesha, la que debe ser obedecida. La novela fue un superventas desde su publicación a finales del siglo XIX y los rótulos fueron preparados por el mismo autor. Además cuenta con una bella música de piano de fondo. Cuenta con muchos extras y con unos aceptables decorados del reino fantástico de Ayesha, con inspiración egipcia. Muy recomendable.

alguien que pueda ayudarme.. ando buscando 2 cintas francesas de las que no recuerdo ni el nombre ni el de los actores, creo que no son muy conocidas igual: la primera es a blanco y negro (de los 50's) sobre un cleptomano al que le da por empezar de carterista en el metro, mientras que la segunda ya es a color (finales de los 70's me parece) sobre un escritor/profesor u algo asi que vive con su familia en el campo y llega su joven asistente a trabajar con el, mostrando mas interes por su esposa que por el trabajo.

solo he visto la mitad de ambas en pleno viaje hace un mes, por lo que ni tiempo de buscarlas.

Así, a bote pronto, me parece que la primera película a la que se refiere es El carterista (Pickpocket, 1959), de Robert Bresson. En cuanto a la segunda, y con los datos que da, ahora no se me ocurre ningún título francés. Quizá otro forero más experimentado...