Tengo pendientes de ver muchas películas mudas, desde luego la de Häxan tiene una pinta estupenda. La última peli que he visto es ésta:



No es muda, pero en ocasiones se agradecería que lo fuera: el guión es flojucho y las actuaciones no pasan de correctas. Me ha decepcionado un poco, encima es larga como un día sin pan. Lo único que se salva es el inquietante payaso Pennywise del actor Tim Curry -que acaba resultando algo cargante- y la malsana ambientación en algunas secuencias.

Qué película más graciosa y divertida, todo un entrañable cuento de hadas con una Bette Davis que nunca decepciona. Y qué grande están Glenn Ford y Peter Falk como gangster malaleche (y nominado al oscar por su papel), apuntando maneras para su Colombo una década después. Y con la música de Tchaikovsky como fondo. No sabía ná el señor Capra.

Esa peli es un "remake" de otra del propio Capra de 1933, titulada "Dama por un día" (Lady for a Day), donde una impagable May Robson interpreta a Apple Annie. Se la recomiendo.

Hágalo, descubrirá un fascinante mundo de magia y fantasía.



Como la gran mayoría de las películas mudas, por desgracia. Para mí supuso una enorme decepción saber que obras como Madame-Sans-Gene con Gloria Swanson o la famosa Cleopatra con Theda Bara están perdidas y no las podré ver. Una pena, porque el cine de los 20 introdujo mejoras en la fotografía. Y sobre Cleopatra que el cine Colossal de los años 10 era impresionante. Tengo una enorme lista de películas mudas en lista.

Una curiosidad, trailers de películas mudas perdidas:



Incluída Madame Sans-Gene, con una bellísima Gloria Swanson.

Lo he leído. Igual que otro peliculón, Imitation of Life; que tiene una versión original en los años 30.

Mi espinita, en ese sentido, es London After Midnight, la celebérrima película perdida de Tod Browning y Lon Chaney, en torno a la cual se ha especulado de todas las formas posibles. Incluso han llegado a intentar su reconstrucción con fotografías de la producción...

Aquí Lon Chaney con el impresionante maquillaje que utilizó en esta película perdida:

Anoche, doble sesión muda (como he visto que es un tema del que se puede hablar, porque interesa a otros foreros, pues me desato con él ).

Para empezar revisión de David el duro (Tol'able David, 1921), un famoso melodrama firmado por Henry King, que debió de inspirar las también célebres El mimado de la abuelita (Grandma's Boy, 1922) y El hermanito (The Kid Brother, 1927), ambas protagonizadas por el inefable Harold Lloyd. Basada en un relato hecho real, la película es una buena muestra de ese cine sobre la vida rural y profunda de Norteamérica que sería tratada posteriormente por otros autores tan prestigiosos como Ford, Vidor o Borzage, hasta llegar a constituirlo en un subgénero dentro del melodrama, donde se mira de manera amable al hombre en su relación con la Naturaleza y a su enraizamiento con la tierra. En este caso hay también fuertes connotaciones bíblicas que aparecen abiertamente señaladas en la película (en concreto el relato de David contra Goliath) y un mensaje, muy del gusto yankee, de mostrar hasta dónde es capaz de llegar el ser humano cuando se lo propone (¿el arquetipo del self made man?) y hay una causa justa y noble por medio. Buenas interpretaciones --con las típicas limitaciones del cine de la época en el caso, sobre todo, de algunos intérpretes-- y extraordinarios trabajos de Richard Barthelmess (actor fetiche de Griffith, con quien ya había roto aquí) y del gran Ernest Torrance, actor de carácter que participó en numerosas películas de la época, haciendo de Clopin Trouillefou en The Hunchback of Notre-Dame (1923), de el Capitán Hook en Peter Pan (1924), o de papá Canfield en la genial Steamboat Bill (1928). Un clasicazo muy recomendable.

La segunda de la velada fue El fin de San Petersburgo (Koniets San Petersburgs, 1927), segunda película de ficción que firmó el documentalista Pudovkin, tras La madre (1926), y parte integrante de su trilogía denominada de la "toma de conciencia", en la que se da propaganda a la Revolución soviética de 1917. Lo más interesante, desde luego, el montaje y la experimental planificación (basada en el denominado "montaje constructivo" que otorga prioridad a los primeros planos en detrimento de los generales), que han otorgado a la película una consideración crítica muy elevada con el paso del tiempo, pues el tufillo del mensaje político ha quedado algo anticuado y el maniqueísmo de las situaciones todavía más.

¡Y tanto que interesa, estimado Alberich! Gracias a YouTube y demás fuentes actuales puedo disfrutar de películas que antes conocía sólo por referencias de libros o por la colección en fascículos de Terenci Moix.

Pues yo también he tenido doble sesión muda. Esta vez, películas con intención de denuncia social, que de ello también había en el cine mudo.



A principios de la década de los 20, los afroamericanos no tenían acceso a muchos cines de Estados Unidos, o de hecho les daban los peores asientos. Oscar Micheaux, él mismo un afroamericano, publicó varias novelas de denuncia social en la década anterior, y se había hecho un nombre. Precisamente por el veto a la gente de su raza se embarcó en el cine, siendo el primer director de color del cine, empezando el género de "race films", películas para el público de raza negra con actores negros. La historia nos cuenta los esfuerzos de una joven por levantar una escuela en el racista Sur, así como su vida. Esta película fue censurada y tuvo una limitada exhibición, pero las películas de Micheaux llegaron a Europa. Y así es como pudo recuperarse: la película tras su exhibición estuvo considerada como perdida durante décadas, hasta que apareció ¡En la filmoteca Española! en los años 70, con el título de "La Negra".

La película cuenta una historia bonita pero tópica para nuestros criterios, y he leído que no da mucho juego técnicamente. También es famosa por mostrar el linchamiento de tres negros como venganza de la comunidad por la muerte de un blanco, en una época donde éstos no eran infrecuentes en la vida real. Y la bella Evelyn Preer nos da una agradable interpretación. En los años 80 el trabajo de Micheaux fue reconocido con varios títulos póstumos. Interesante su visionado para cinéfilos por lo que he comentado en el primer párrafo.


"Diferente a los demás", en nuestro idioma. Se trata de la primera película en tratar abiertamente la homosexualidad, y desde un punto de vista favorable. Al comienzo de la turbulenta pero artísticamente maravillosa República de Weimar la censura se levantó y los cines se llenaron de películas de educación sexual. Muchas eran sensacionalistas, pero tenían una buena recepción. Hasta que ésta llegó. Una posición favorable a la homosexualidad era demasiado para la sociedad de su época. Hubo muchas protestas y se reinstauró la censura. Películas como ésta se prohibieron y sólo se podían ver con fines académicos, previo permiso.

Durante el tercer Reich se destruyeron las copias de la película, pero en los años 70 apareció en la URSS (Ucrania, para ser más exactos) una copia incompleta, que es la que hoy podemos ver. El guión de la película fue escrita por el sexólogo Magnus Hirschenfeld, cuyas teorías sobre la sexualidad fueron pioneras en su tiempo, y de mucha fama. En cuanto a lo meramente artístico, nos encontramos al famoso Conrad Veidt, que nos da una convincente interpretación del delicado violinista atormentado por el chantaje al que se ve sometido para evitar el escándalo que perjudicaría su carrera. Curiosamente, buena parte del equipo de la película se fue a Hollywood en los años 30: el propio Veidt, el director Richard Oswald (que dirigió películas de serie B) o el actor Reinhold Schünzel (el chantajista) que trabajó en papeles de secundario.

También tuve tiempo para ver esta pequeña obra maestra:



Última película de Rodolfo Valentino, el galán de los años 20. La historia es la típica historia rosa con los tíntes de gusto por lo exótico que aún gustaba en esa época. Además también cuenta con aventuras, trepidantes peleas y lujosos decorados. Todo lo que podía pedirse en una película comercial de aquellos días. Valentino parece convincente en su doble papel de príncipe y padre, pero lo que me ha dejado fascinado es la gran belleza de Vilma Bánky. Toda una hechicera, aunque no llegue a los niveles de Louise Brooks o Gloria Swanson. Una película disfrutable y que engancha desde el primer momento.

Don Alberich, me guardo la sugerencia sobre Tol'able David. De niño había leído sobre ella, pero lo que entonces me dejó impactado es la belleza de este momento de la película:



La sumo a mi larga lista de espera en películas mudas.

La primera no la conocía (me la apunto). La última es un clásico (¡cómo no con il bello Valentino al frente de la historia!) y la segunda es una verdadera rareza que demuestra el dinamismo (creativo) del cine al poco de haber nacido y la conciencia que la gente que lo hacía tenía de su validez como vehículo de reflexión y crítica. En 1919 y tratando ya un tema tan peliagudo para la época...

Ahora que se han puesto ustedes a hablar de cine mudo, vuelvo a ir a contracorriente , pero lo prometido es deuda. Ya he empezado a hacer los deberes; de aquí a poco tiempo, me he propuesto dejar de ser un cinéfilo del siglo pasado. La primera que ha caído de la lista forera de recomendaciones es Melancholia.

Francamente, no ha sido una buena entrada en el “gran” cine actual. Y que conste que conozco unos cuantos títulos de Lars von Trier y no soy de los que le aborrecen. Todavía recuerdo algunas poderosas imágenes de El elemento del crimen y valoro su capacidad de animar el cotarro con provocaciones a unos y otros tras las que pensaba que solo había una pose de quien no se tomaba a sí mismo demasiado en serio. Sin embargo, Melancholia quiere hacernos creer que es algo más: una profundísima reflexión sobre el sinsentido de la vida con pretensión de convertirse en película de culto. Y el danés no da tanto de sí.

De entrada, el guión no hay por donde cogerlo. La primera parte cuenta un episodio entre trivial y cargante, lleno de incongruencias narrativas, en el que la protagonista se dedica a arruinar su propia boda y a fastidiar a todos los que le rodean, incluidos algunos personajes que desaparecen antes de aportar nada a la historia (¡menuda forma de desaprovechar a actores de la categoría de Charlotte Rampling o John Hurt!). Hay digresiones sin interés (la relación de Justine con su empresa), toques de humor fallidos (las reacciones del joven aspirante a tiburón del mundo publicitario o las de encargado del hotel interpretado por Udo Kier) y una anécdota bastante estúpida (el revolcón entre Justine y el susodicho publicitario). Todo ello, se supone, cobrará sentido en la segunda parte (fastidiosa manía, esta de las justificaciones retroactivas, que llegó a su caricatura en aquel último minuto de El sexto sentido). Mientras se nos muestran las contradicciones de los personajes "razonables" de la primera mitad (Claire y su marido), Justine quedaría redimida por una razón última que explicaría su insoportable comportamiento. La historia del planeta que da título a la película es un planteamiento ciertamente sugerente, pero está al servicio de la nada, en el peor sentido de la palabra. Las memeces que ha hecho Justine hasta entonces no dejan de serlo porque ella sepa (¿y por qué sabe? A saber…). Que el giro de la película convenza a espectadores inteligentes –creo que fue Gino quien me la recomendó- demuestra una vez más otra falacia contemporánea: que cualquier negación de la trascendencia o del sentido de la vida es vista, per se, como intelectualmente superior a los planteamientos contrarios. ¡Qué tiempos estos en que el optimismo antropológico se ha convertido en sinónimo de estupidez!

Si el guión debería llevar ya a descartar Melancholia de la selección de imprescindibles, la puesta en escena ofrece todo el repertorio de tics de Lars von Trier, solo soportables al servicio de una historia menos pretenciosa o más irónica que esta. El lenguaje visual de la película, tan ciclotímico como la protagonista, alterna las escenas de exquisitos encuadres y bella fotografía –en el prólogo (¿o preludio?) y en todo el tramo final- con el basto montaje de planos cámara en mano, marca Dogma. Estos últimos nos impiden empatizar con los personajes, contribuyendo a esa sensación de extrañamiento que debería estar al servicio de una visión crítica del espectador, como ocurre en otros filmes Dogma. El problema es que, aquí, Trier pretende manipularnos descaradamente con aquellas otras imágenes esenciales, metafísicas que nos dan La Respuesta. ¡Pal gato! Prescindiendo de ello, es cierto que algunas de esas imágenes son impactantes (el cuerpo desnudo de Justine bañado por la luz azul de Melancholia) y hasta conmovedoras (Claire acarreando a su hijo por el campo de golf), pero también hay otras de un esteticismo más propio de un anuncio de perfumes (Justine y su vestido de novia deshilachado).

Una última reflexión, claro, sobre la machacona presencia de Tristan e Isolda. No es gratuita –casi nada lo es en el cine de este director. La música de Wagner transmite ese sentimiento trágico de la protagonista, ese sentido de aniquilación al que conduce toda la trama. Es la atmósfera perfecta para un final ciertamente memorable, con los personajes literalmente disueltos en la luz de Melancholia antes del fundido en negro. Sin embargo, una vez más, Wagner es utilizado contra sí mismo. Como si de un Peter Sellars se tratara, Lars von Trier convierte una música que habla de la trascendencia del amor sobre la propia vida en un canto a la Gran Nada –la de verdad. La música de Wagner nos comunica con la eternidad, pero en la película es aniquilada por ella, como todo lo demás. Para colmo, la versión elegida –que no he reconocido- tampoco eleva demasiado el vuelo.

Perdón por el rollo. Espero sus impresiones.

Próximamente en sus pantallas: Amour.

Pues le ha gustado la película, a lo que veo... Yo seguiré, de momento, con los clásicos del llamado silente... Esta noche probablemente Stiller en Erotikon

-"Satanás" (Edgar G. Ulmer, 1934). A pesar de las actuaciones bastante acartonadas, entretenida y, en ocasiones, brillante película de terror. Lo mejor, la inquietante ambientación, la expresionista dirección de Ulmer y el look de Boris Karloff.
-"Mercenarios sin gloria"(André De Toth, 1968). Una buena y atípica película bélica ambientada en Libia -curiosamente, con exteriores rodados en España- durante la Segunda Guerra Mundial. Destacable por los giros argumentales y por el tono crudo, violento y antipatriótico.

Sigo con mi (inacabable) ciclo de cine mudo:



En los últimos años de su vida, Gloria Swanson expresó su deseo de ver esta película, pero no pudo ser porque se consideraba perdida. En 2003 se descubrió entre 2000 rollos legados a la Filmoteca Holandesa por parte de un coleccionista. Así, se pudo recuperar esta cinta única, donde única fue la vez en la que Swanson y Valentino compartieron cartel.

La película ha sido convenientemente restaurada, tintada en color sepia salvo una escena nocturna en bello color azul. Acompañada por efectos especiales (gaviotas, olas de mar, apertura de cartas, ruidos de coche) y por una bella música moderna compuesta por Henny Vrienten. La historia está basada en una novela rosa (como la mayoría de las historias de la época), pero las actuaciones son bastante dignas. Gloria Swanson está radiante, y además luce un precioso vestuario (del que dicen que costó un millón de dólares). La actuación más conmovedora es la de Robert Bolder, el anciano esposo de Swanson en la película; y que decide dar paso a la felicidad de los jóvenes protagonistas. Sus expresiones, su decrepitud lo hacen más convincente. Un descubrimiento.


Por primera vez. Lo cierto es que me ha gustado un poco menos la trama (salvo el espectacular final) que la de su gran rival alemana, Nosferatu. Pero es indudable que estamos ante una obra de arte. Esos decorados feos en apariencia, pero a la vez de arrebatadora belleza onírica; esos espeluznantes rótulos, esa trama tan psicológica, esas caracterizaciones únicas... Lo que me ha llamado la atención es la interpretación de los villanos: Werner Krauss como el grotesco y repulsivo Doctor Caligari, o la aterradora caracterización de Conrad Veidt. Realmente es Veidt uno de los diez mejores actores del cine mudo. ¡Qué versatilidad! Tomando sus interpretaciones en "Anders als die Andern", ésta película, o el general nazi de Casablanca ya en los 40.... creo que estamos ante el Lon Chaney alemán. Ya es de mis actores de cabecera. Lil Dagover y Hans Feher como la pareja protagonista también presentan una apariencia gótica, que resalta su amor fatal. Una película para ver al menos una vez en la vida.



Escarbando entre nuestro cine, he encontrado este corto de interés : "La buenaventura de Pitusín", de 1924. El cine mudo en España se encontraba entre la falta de presupuesto, censura y muchas cosas más , aunque talentos como Segundo de Chomón se hacían nombre en el extranjero. No teníamos un Griffith ni un Murnau pero teníamos un Benito Perojo o un grandioso Florián Rey, que nos dejó una joya sí equiparable al mejor cine mudo: "La Aldea maldita", que muchos conoceremos. Y tuvimos actores de renombrecomo Pedro Larrañaga o Carmen Viance, e incluso Margarita Xirgu o la gran Concha Piquer hicieron películas en este periodo. En el caso que nos ocupa, en los primeros años 20 la estrella infantil Jackie Coogan hacía furor en nuestro país con sus películas, con el sobrenombre de Chiquilín. Y España no podía esperar a tener su Chiquilín propio. Alfredo Hurtado salió de una escuela de actuación a la edad de 4 años, y durante los años 20 fue la estrella infantil de la piel de toro con el sobrenombre de Pitusín. Tras la Guerra Civil, Hurtado siguió trabajando en el cine pero detrás de las cámaras, como ayudante y finalmente como director, hasta su muerte en 1965.

Muy recomendable La sal de la tierra.

Win Wenders después de su magistral documental Pina, se dedica al fotógrafo brasileño Sebastiâo Salgado y nos regala un sin fin de imágenes bellísimas y a la vez una impactante mirada al mundo con todo su esplendor y todas sus miserias, injusticias y crueldades. Somos nosotros, los humanos, la sal de la tierra, y uno reflexiona sobre si se puede estar orgulloso de pertenecer a este especie, aunque en el último trabajo, Génesis, hay un rayo de esperanza.