Sobre la Lulu de Bruno Maderna, el sonido es bastante bueno, en mi opinión. El registro de Andante dirigido por Bohm y con Anja Silja, de 1968 tiene un sonido bastante peor.

Estoy escuchando esto. Brava!!!

Últimamente me ha dado por escuchar "grabaciones polémicas", ya saben, de esas que la crítica y a veces el sentido común te hacen poner en el montón de "no tocar ni en sueños"; por ver si hay cosas que merezcan un indulto parcial. Me he detenido en esto:



Recuerdo que cuando la escuché con atención la primera vez, no pasé del In questa reggia de donna Katia... ¿¡¡pero qué es eso!!?
Sin embargo he vuelto a darle una oportunidad y... oigan... lo que hace Karajan con la orquesta no sé si es legal, pero en el final del primer acto te deja ojiplático. Brillante.
Y la muerte de Liú (siendo la Hendrinks lo que es: una flautita) está matizada al detalle en la orquesta. Aprecias sonidos nuevos que no están en Mehta, ni en Molinari-Pradelli ni en Serafin.
Sigue siendo imperdonable la elección de voces (aún con secundarios de lujo, muy alla karajan, como Araiza y Nimsgern) y el uso del pegoteo indiscriminado de agudos a mayor gloria de Domingo. Puaj y puaj.
Pero la Filarmónica de Viena sí que está como para indultarla, ¡y cómo!

A mí esta grabación me parece interesante en la línea de lo que comenta usted: el trabajo de Karajan con la orquesta probablemente sea una de las lecturas orquestales más brillantes jamás registradas de Turandot jamás grabadas. Hay colores que no hay en otras grabaciones, se puede apreciar CADA detalle de la orquestación, y nunca antes la partitura pucciniana sonó tan straussiana, tan opulenta, tan excesiva... y el caso es que le pega.
Otra cosa es que NADIE (ni siquiera Domingo) en el reparto tenga la voz idónea para los papeles, cosa que es una realidad que alcanza límites sorprendetes en Barbara CHENdricks y su ridícula Liu de soubrettina...
Ahora, hay que tomarla como lo que es: una Turandot orquestal, para disfrutar de la orquestación y de la partitura más que de las voces (que siempre he tenido la impresión de que están tratadas por Karajan como meros instrumentos. Pero no me parece en absoluto una grabación tan denostable como la pintan.

Desempolvando esta grabación después de mucho (pero mucho) tiempo sin escucharla:

La traviata - Giuseppe Verdi
Riccardo Muti (1980)
Violetta Valery Renata Scotto
Flora Bervoix Sarah Walker
Annina Cynthia Buchan
Alfredo Germont Alfredo Kraus
Giorgio Germont Renato Bruson
Gastone Suso Mariategui
Barón Douphol Henry Newman
Marqués D'Obigny Richard Van Allan
Doctor Grenvil Roderick Kennedy
Giuseppe Max René Cosotti
Comisionado Christopher Keyte
Orquesta: Philharmonia
Coro: Ambrosian Opera Chorus
Grabado en estudio
Emi

P.D.: SUSO MARIATEGUI ES EL GASTONE?!

pues poco o nada recomendable, la verdad.
comencemos por lo más o menos salvable. el señor Meli le pone intención, pero tampoco es que dibuje un Carlo VII muy fino, la verdad. las ganas habituales, algún pequeño gesto, intenciones que quedan en eso, en intenciones, quizás bien reflejadas en su aria del final de la ópera. muy en su línea habitual. y por arriba, empujadito, que no se diga.
la Netrebko... insisto, yo no veo a esta señora en este repertorio italiano. también le reconozco el empeño, pero no me enamora nada. ese timbre tan oscuro, ese centro que se sigue quedando en el velo del paladar, ese fraseo de tercera regional, ese italiano masticado... por alguna razón no conecto con esta señora. tengo la sensación perenne de que todo lo canta sobre la misma vocal. justo reconocer una cuidada aria final, de lo más lúcido.
Carignani no va a pasar a la historia de la dirección orquestal por estas funciones. cumple, y punto.

lo realmente triste es el Giacomo de Domingo. de lo que fue este hombre, quedan algunos acentos sobre todo en los recitativos, un fraseo más o menos incisivo. pero cuando la línea de canto está constantemente dando sensación de fatiga, de cansancio, de ir justito de fiato, poco hay que hacer. es un canto emborronado, maquillado por alguna nota en el centro que suena hermosa, pero la voz ya oscila por momentos fruto de la edad. he sentido pena escuchando a Domingo. porque no necesita hacer esto para seguir en el mundillo.

obviamente, el público no concuerda en absoluto con mi parecer y regala entregadas ovaciones al trío protagonista, incluido el septuagenario neo-barítono.

Hoy "Macbeth", la más madura de las óperas de la primera época verdiana. Aunque esta madurez se debe a que es la versión revisada para París. Video del Covent Garden, 2011.

Ya lo había visto, pero he vuelto a él atraído por la presencia de Monastyrska, que hace una Lady acongojante. Tiene una voz espléndida y canta muy bien, lo cual choca con la idea de Verdi, que quería una intérprete de voz desagradable y que no cantara. A pesar de esta ¿paradoja? del Maestro, el papel parece escrito para ella. A señalar que canta las dos estrofas de "Or tutti sorgete". Escénicamente, hace una Lady mala, malísima, con unos gestos que llegan a dar miedo, apreciables en la imagen por la abundancia de tomas cercanas.

Macbeth es Keenlyside, que está muy bien como intérprete, pero a su voz le falta "rotundidad verdiana". Aceto, en Banquo, y Pittas en Macduff completan el reparto. Dirige Pappano, que obtiene un magnífico rendimiento de la orquesta. Se incluye la escena de la muerte de Macbeth "Mal per me", enmendándole la plana a Verdi. La verdad es que yo creo que se equivocó suprimiéndola. A cambio, se corta el ballet. No soy muy balletómano, pero este me gusta.

La producción es muy fea, pero sin tonterías.

Anoche "La doncella de nieve". Versión del Marinski grabada en cassette en 1999. Dirige Gergiev.
Cantan Trifonova (Snegorouchka), Pavlovskaia (Kupava), Serdiuk (Bobilikha), Shorad (Berendei), Vaneiev (Bermiata) y Gergalov (Mizgir). Todos muy en carácter. Versión "muy idiomática", que es lo que se dice en estos casos. Es difícil hacer una valoración individualizada porque no disponía del libreto y la seguí "a pelo", por lo que me centré en la música, que me parece magnífica. Debe tener cortes, a juzgar por la duración (2h 30m), sensiblemente inferior a otras, que rondan las tres horas. La había escuchado poco, y me propongo volver pronto a ella. Vale la pena.

"Erwartung", de Arnold Schönberg.

Versión de Simon Rattle, con Phillis Bryn- Julson.

Hasta ahora, una de las versiones que más me han gustado, sino la que más. La orquesta está magnífica: cada instrumento brilla y reluce en la fascinante dirección de Rattle, como nunca antes he escuchado en esta obra. pero no puedo olvidar la interpretación de la soprano. No es Anja Silja ni Jessye Norman, pero actúa, transmite. Erwartung es una ópera difícil y me supone un reto cada vez que me pongo frente a ella, pero tiene un algo fascinante. La angustia, la ansiedad y la complejidad del único personaje y sus sentimientos crean una atmósfera atractiva una vez se tiene una cierta familiariedad con la música de Schönberg.

Pues una curiosidad:

Die Walküre, Acto I

Sieglinde ....................... Dorothy Larsen
Siegmund ...................... Lauritz Melchior
Hunding ........................ Mogens Wedel

Director ........................ Thomas Jensen

Live, Copenhagen, March 31, 1960 (retransmisión radiofónica)

Fíjense en la fecha y en quién pone voz al personaje del heroico welsungo: ¡¡un Melchior de 70 años (nada menos)!!, que aún es capaz de emocionar al oyente pese a las limitaciones derivadas de la edad. Limitaciones básicamente de fiato, que dificultan una recreación totalmente plausible del joven héroe, pero que no llegan a ocultar las formidables facultades (técnicas y naturales) que hicieron de Melchior posiblemente el mejor tenor wagneriano que haya habido (al menos en la era fonográfica). La impostación sigue siendo insuperable, lo mismo que el empuje y el heroísmo del timbre, aunque la voz aparece muy oscurecida y los tintes baritonales --presentes ya en los comienzos-- se han acentuado limitando bastante el brillo de la zona aguda. Fraseo, intención, acento y expresividad permanecen, pero están muy limitados (como ya he dicho) por la ausencia de aliento, que obstaculiza la capacidad de apianar la voz (por ejemplo en su hermosa frase con el tema de los welsungos: "Nun weißt du, fragende Frau, warum ich Friedmund nicht heiße!") y obliga al cantante a trazar frases más breves y algo precipitadas en ocasiones, además de dificultar los momentos más heroicos de la parte (por ejemplo al final del acto, que cierra un poco embarulladamente, o en las llamadas a "Wälse", que son poderosas, aunque poco tengan que ver con lo que hacía el cantante en sus buenos tiempos (así, por ejemplo, en la célebre función de Boston del 30 de marzo de 1940, donde el tenor danés se marcó dos invocaciones de 16 y 13 segundos respectivamente). ¡¡Pero ya las quisiéramos hoy día en los tenorcillos que cantan la parte!! El Winterstürme, no obstante, aunque algo expeditivo resulta sorprendente para un tenor de 70 tacos. Hay algún desajuste del tenor respecto de la orquesta (no habían sido raros en su carrera), aunque lo que más perplejos nos deja es el escandaloso olvido de texto que Melchior tiene al llegar a "wie, Herrliche, hehr dir es strahlt, der war: Wälse genannt"), siendo incapaz de retomar el hilo de la música y dejando a la orquesta que suene sola durante un breve instante (que se hace eterno, por cierto). Un despiste, sin duda...

Tanto Larsen como Wedel cumplen con sus respectivas partes; sin más.

Animosa dirección de Jensen y orquesta muy regulera (con algún desafine en los metales).

Un ejemplo paradigmático que hace buena la conocida máxima de "quien tuvo, retuvo".

Hace ya unos cuantos meses, un entusiasmado MartiT me insistió en que debía darle una oportunidad a Die Eroberung von Mexiko. Hasta ahora no había cumplido mi compromiso, en parte por la dificultad de acceder a la obra completa y en parte por mi prevención hacia Wofgang Rihm, compositor casi compulsivo del que he escuchado cosas de valor, a mi juicio, bastante desigual. Finalmente he localizado un acceso gratis et amore y, sin libreto y a tumba abierta, me he zambullido en la ópera. Y me ha gustado mucho.

Con la osadía que supone juzgar con una idea general del argumento y algunas reseñas leídas aquí y allí, creo que Rihm, a través de su música, ha conseguido exponer de manera muy sugestiva una compleja problemática sobre la identidad individual y colectiva, la construcción de la voz y el relato, la posibilidad de la comunicación entre personas y culturas… Y no, estimados foreros antigafapastas, no lo ha hecho de manera pedante o seudofilosófica, porque el texto –que incluye al muy banal Antonin Artaud, pero también a un grandísimo poeta como Octavio Paz- es solo la materia prima de una “escultura” (en palabras del propio Rihm) constituida esencialmente por la música:

• por una orquesta apabullante, que dramatiza cada sonido desde que se insinúa hasta que constituye cada frase o “estrofa”;

• por una instrumentación basada en la percusión y los metales graves, que mantienen un pulso lleno de vida y drama, al tiempo que se disuelven los límites entre instrumentos y cantantes (la mayoría de los sonidos orquestales insinúa alguna manifestación de la voz humana, mientras que el discurso de los cantantes termina casi siempre confundido con la propia instrumentación);

• por esas dos líneas vocales protagonistas (soprano dramática y barítono) extendidas, comentadas, interrumpidas o duplicadas en segundas y terceras voces situadas en el foso;

• por ese juego entre canto, habla, balbuceo y simple respiración que, por cierto, exige de los cantantes una prestación de enorme dificultad (sí, señor Gruberoviano, esta música se puede cantar bien o mal );

• por el diálogo “transfronterizo” entre ambos coros y entre estos y sus individuos de referencia.

Etcétera. Los puntos de interés de La conquista... y sus momentos memorables son numerosos: la vibrante introducción, el encuentro entre ambos mundos, las escenas "de guerra", el final... Entiendo cómo deben de disfrutarla quienes puedan presenciarla en vivo, añadiendo a los demás hallazgos el sonido envolvente proporcionado por la distribución de la orquesta, que evidentemente no podemos apreciar en grabación. En cualquier caso, es una buena alternativa esta versión que acabo de oír, dirigida por Ingo Metzmacher y cantada por Renate Behle y Richard Salter en los papeles de Cortez y Montezuma.

Bravo señor Supermaño por esta reseña, me ha encantado

Imagino que es usted partidario de la obra.

Me gustó mucho al verla en vivo, pero no me parece lo más logrado de Rihm. Me gusta más su obra instrumental, incluso obras como Dionysos o Jacob Lenz.

Me gusta además una extensa y detallada reseña sobre una obras tan poco tradicionales como esta en este apartado. Por ello la he disfrutado doblemente

Estuve viendo el otro día el reciente Guillaume Tell de Munich, y quería comentarlo porque me ha llamado mucho la atención la buenísima dirección orquestal de Dan Ettinger, un tipo que había oído nombrar pero al que no tenía yo controlado. Lo apunto a partir de ahora en la “lista blanca” . Su dirección es lo mejor de esta función, por variedad de colores y de atmósferas (estupendas las introducciones del acto segundo y del cuarto, o el sugerente tono misterioso que adquiere toda la escena de la conspiración), por la calidad de un fraseo extraordinariamente expresivo donde adquieren nuevos valores hasta acordes que muchas veces pasan desapercibidos (parece ser que Ettinger empezó como barítono, de ahí quizás la capacidad para cantar y para otorgar mayor realce al significado de la palabra), y también por el magnífico sentido del ritmo (fundamental en Rossini) y de la tensión tanto a nivel general de la obra como dentro de las estructuras internas de cada número.

Hasta ahí todo bien, pero como en esta vida la dicha nunca es completa, en su debe hay que apuntar la tremenda carnicería que se ha hecho con la partitura, recortada por todos lados. Incalificable el destrozo en uno de los momentos cumbres de la obra: la escena de los conjurados. Los tres grupos de patriotas suizos, con sus respectivos motivos musicales, quedan reducidos a uno sólo . Que Rossini lo perdone porque yo no puedo...

Como guinda del desaguisado, e intuyo que a petición del raro de turno, o sea del director escénico, la Obertura no se interpreta al inicio (originalidad a toda costa, claro, y está ya muy visto que una obertura vaya al principio) sino que va justo después del intermedio, que a su vez no se produce al final de ningún acto, sino al terminar el aria de Guillaume “Sois immobile”. Justo antes de lanzar la flecha, fundido a negro, y… “visite nuestro bar”. Tras el receso, entonces sí, se interpreta la obertura, pero (para mayor escarnio musical) por razones tonales es necesario repetir los últimos compases orquestales del final del aria para poder enlazar con el subsiguiente concertante. En fin, un auténtico despropósito musical, dramático y escénico. Pase que los directores escénicos sean los reyes del mambo, pero los responsables musicales deberían de poner un límite, si tienen un mínimo de personalidad.

El reparto es disfrutable. Bryan Hymel canta Arnold con una emisión irregular, donde hay sonidos bien colocados y otros fuera de sitio. Empieza despistado en el dúo con el barítono, pero va mejorando a lo largo de la función hasta conseguir una aceptable versión de su escena solista. Es un cantante musical y de entusiasmo contagioso, pero me gustaría escucharlo en directo para sacar conclusiones más precisas. Marina Rebeka es una buena Mathilde, uno de sus personajes fetiches, y que le pude escuchar hace un año y pico en Amsterdam. Allí estuvo bien, pero yo creo que aquí está mejor, con una magnífica versión de “Sombre foret”, donde no desaprovecha el exquisito soporte orquestal que le proporciona Ettinger. Un pelín por debajo en su aria del tercer acto porque sigue sin conseguir dar con el punto justo de la coloratura “di forza”. Lo peor del reparto es el Tell de Michael Volle, que se comporta como un energúmeno vocal. Volle es un cantante de cierto interés en otros repertorios, pero aquí está más perdido que las maracas de Machín.

La puesta en escena, como suele ser habitual, embarulla más que aclara, y es fea de narices. Está conformada por una escenografía a base de un montón de cilindros que adquieren mil posturas en vertical, horizontal, diagonal y perifrástica pasiva. Las hay peores.