Oigan, como si nunca se hubiera dicho "La Bohème de Zeffirellli"... O el Rosenkavalier de Schenk...

¿Funciona sin libro de instrucciones?. Producción acertada.
¿Se necesita libro de instrucciones?. Producción fallida.
Arriesgar yendo más allá de lo clasico? Vale, y como todo riesgo, te expones a un triunfo descomunal (que los han habido) o a un fracaso de la misma magnitud. Me parece bien la apuesta por el cambio, y de hehco, en la vida, el que no arriesga no mama.
Ser conservador?. No asumes riesgos, pero ojo: no siempre te aseguras el triunfo tampoco. Ser conservador te puede llevar a lo convencional, lo vago, lo repetitivo, y a aburrir. Hay que trabajar también aunque no apuestes por algo arriesgado.

En el fondo, así de fácil es como yo veo desde hace años la repuesta a este debate.

Ya no se trata de más moderno o menos, o de un más purista reflejo del lireto original o menos; se trata de hacer llegar al espectador una historia, a través de una música y unos recursos visuales a disposición de esta. Y si eso se logra por parte del escenógrafo y director de escena a la primera, para doctos y tontos, les doy un diez. Y si no se logra, o para lograrlo, solo tienen acceso los más listos o los que han leido su libro o asistido a su presentación, les pongo un cero.

Y... hombre: también exijo que haya un esfuerzo teatral. Grandes nadas y similares ceros, no los admito. Tambie quiero ver que se ha hecho un esfuerzo por trabajar en el campo visual, la excelencia en el trabajo es un valor en sí, y de repente llegar y ver un jaulote y un cupulote y punto, y que eso se venda como espectáculo visual, pues para mi es estafa y engaño, aun cuando funionara teatralmente, que tampoco lo hace.

Pero eso es distinto, porque son dos producciones (precisamente las dos primeras de mi lista de las mejores que he visto ) que tienen unos años, una excelencia y una solera ganada en su trayectoria, que les han permitido alcanzar el rango de clásicos. Al igual que podemos decir el Falstaff de Toscanini, el Werther de Kraus o el Hamlet de Laurence Olivier.

Pero que dos producciones recién estrenadas sean "El Macbeth de Tcherniakov" o "La Rusalka de Herheim" y que en la propia hoja informativa del teatro se avise expecíficamente que vamos a ver la Rusalka en versión de Herheim... Huele a podrido, efectivamente.

Yo lo veo muy simple. Una escena debe ser como el avecrem, realzar el sabor de los platos, no transformarlos.

Los Diálogos se podrían situar en la tendencia minimalista. Para que en el siglo XXI esta puesta en escena haya podido ser aplaudida hasta por los aficionados del grupo (a) (Más tradicional, no alejándose demasiado de lo literal, "fieles" al autor, clásico, como quieran, no quiero adjetivar, sería el grupo de Delaforce, Tunner, etc, no quiero dar más nombres porque habrá matices entre ellos y tampoco quiero crear dos bloques políticos) muchos teóricos de la escena se han tenido que pegar contra sus predecesores en el tiempo.

En el siglo XIX hubo algunos experimentos como el Ballet de Richard Fricke del Orfeo y Euridice de Gluck, coreógrado que luego fue asistente de Wagner en el estreno del anillo y con el que tuvo numerosas discusiones muy interesantes para este debate.

Pro sin ninguna duda el teórico más importante de este movimiento fue Adolphe Appia, autor de unos libros sobre la teoría de la escena que recomiendo a todos porque son los pensamientos de un auténtico genio y además estoy seguro que lo que dice lo compartiríamos casi todos.

De todas maneras, en su tiempo fue tachado de loco y las puestas en escena que logró llevar a cabo no tuvieron demasiado éxito, básicamente por motivos técnicos y porque requería de los cantantes unas cualidades escénicas que nadie en su tiempo tenía.

Sin embargo todo su postulado teórico quedó almacenado en Bayreuth y tras un acercamiento de Pretorius, Wieland Wagner los llevó a cabo en todo su esplendor. Estamos hablando de los años 50. Fueron unas puestas en escena muy controvertidas en Alemania. Como algunas de ellas se representaron en el Liceu, también tenemos resultados de las crónicas de estos espectáculos en el Liceu de Barcelona, aunque en este caso, tras algunos comentarios de sorpresa de la escena, alguna crítica, no hubo demasiado debate porque todo el mundo se quedó absorto ante la calidad musical nunca vista en un Wagner.

Poco a poco se fueron aceptando, eran realmente unas puestas bellísimas que además ante la escasez de elementos, con la iluminación y la actuación de los cantantes, ya mucho mejor preparados, se sugiría todo lo que había que transmitir.

Pero no fueron pocas las batallas que hubo que lidiar durante más de 80 años contra los grupos más conservadores, para que este tipo de puesta acabara triunfando.

En los años 70, aparece en escena el anillo de Chéreau, una puesta donde empezamos a encontrar lo que podría denominarse la dramaturgia paralela. En Alemania hubo experimentos anteriores, pero esta fue la prouesta realmente importante que generó el mayor debate escénico que se ha celebrado hasta el momento y digamos que todavía perdura. La dramaturgia paralela o koncept no es una corriente escénica como tal, en los libros que he leído que analizan todas las tendencias no viene recogida. Es una forma de entendernos que recoge realmente la suma de varias tendencias, pero fundamentalmente cuando hablamos de dramaturgia paralela estamos hablando de simbolismo, tendencia que sí se estudia por los expertos en la materia.

Es decir, para la dirección escénica, la acción del libreto, no se recoge literalmente, sino mediante otra distinta que sin embargo recoge el pensamiento esencial de la primera. Puede ser puntual o continua a lo largo de la representación. De forma análoga se podría establecer el mismo paralelismo para la escenografía.

¿Que esto es más complicado? Pues sí, efectivamente normalmente exige un mayor esfuerzo, aunque a veces llega de forma directa, dependerá de muchos factores y también de las características del perceptor, pero sobre todo de sus prejuicios y de su actitud en el teatro.

¿Que a veces es una auténtica castaña? Yo no diría a veces, yo diría que mayoritariamente es una castaña, pero esto no lo invalida a nivel teórico, lo que indica es que a la dirección de escena llegan muchos nombres sin talento por amistades, porque han destacado en ámbitos extraoperísticos o porque se les ha reído la gracia en algún sitio. Pero también ha habido puestas en escena formidables bajo esta tendencia y de hecho, en mi opinión, la mejor puesta de la historia, ha sido gracias a la misma. Esta es además inatacable conceptualmente y lo digo después de llevar más de 5 años estudiándola.

¿Que no son necesarias? Por supuesto que no son necesarias.Y mucho menos si tuviésemos la posibilidad en cada función de contemplar a grandes cantantes, lo que no es el caso desgraciadamente. Pero lo que creo que es bastante justo pedir, es la opción. La opción de un amplio abanico de tendencias escénicas, unas más clásicas, otras menos literales. Lo que sí veo también justo es pedir equilibrio en las programaciones, esto ya es una cuestión que atañe a las direcciones artísticas de cada teatro y es posible que en algunos caso, las propuestas más clásicas prácticamente se hayan olvidado, lo que no considero ni justo ni deseable.

Para terminar esta exposición, reincidir de nuevo en lo más importante, el talento y el conocimiento, del medio operístico, de la obra con la que se va a trabajar, de la música, de las formas en las que se planifican los ensayos en los teatros de ópera, porque el tiempo es oro para ensayar una producción complicada en el plano escénico. Esto es especialmente importante cuando uno quiere realizar cualquier tipo de abstracción o simbolismo en la ópera.

Talento, conocimiento, creatividad, variedad, esto es lo que enriquece un arte si no queremos que desaparezca.

¿Cual es el pensamiento "esencial" en Dialogos?.

¿Como lo recoge el señor Tcherniakov (si conoce usted la puesta en escena)?.

En caso que no lo recoja (en su concepto, es una castaña), ¿como se podria recoger ese pensamiento "esencial", negando la "literalidad" del libreto (y la musica)?.

Pues qué quieren que les diga. El debate será eterno, pero "absurdo", lo que se dice "absurdo" a mí no me lo parece en absoluto...

La verdad es que Gouverneur lleva introduciendo una serie de referencias a Bayreuth, Appia y el Richard Wagner escenógrafo que me parecen interesantísimas (por razones obvias) y que sólo sirven para confirmar reforzando (por si hiciera falta) la enorme trascendencia que el músico de Leipzig ha tenido para la historia del Arte y el pensamiento occidentales.

¿Saben, por cierto, si puede encontrarse una reedición reciente de La mise en scène du drame wagnérien del citado Appia? He estado buscando incluso la edición original en las plataformas habituales (Internet Archive, Gallica, etc.), pero no he visto nada. ¿Quizá aparezca incluida en algún volumen con más trabajos suyos?

Yo, aun partiendo de lo que ya dije y adscribiéndome con gusto a ese grupo (a) (en el que, efectivamente, hay matices porque para mí el problema no se reduce a lo que para entendernos llamamos "dramaturgia paralela" ya que también los cambios espaciales y temporales me parecen gratuitos y sin justificación la mayoría de las veces), no puedo sino aplaudir estos párrafos hasta que me quemen las manos:



Son párrafos llenos de ecuanimidad y sensatez. Como todo lo que ha escrito Le Gouverneur en este hilo, con ejemplos, citas y argumentos que convencerán o no, pero no se puede negar que está todo muy fundado y pensado. Lo malo, creo yo, es que hoy en día las propuestas "clásicas" han sido prácticamente arrinconadas y que, por tanto, no se da ese equilibrio entre tendencias escénicas, que sí sería de desear y que, creo, contentaría a todos.

No nos engañemos, yo creo que se trata de que muchos aficionados quieren ver un castillo cuando se describe un castillo en el libreto. Lo de las dramaturgias paralelas ya ni se lo plantean.

Y, claro, una imposición forzada al libreto de otro libreto que está sólo en la mente del regista, y que ahoga completamente la historia original, es inaceptable y hasta poco decente. Todo el mundo estará de acuerdo. Pero eso no ocurre con frecuencia.

Sobre el primer párrafo. Completamente en desacuerdo. El día que para mi ir a la ópera sea una especie de examen o un marathon para ver qué miembro del público ha sabido llegar más lejos, y darle una medalla por ello, me borro de la afición, y empiezo a dedicar ese tiempo a otra cosa, que anda que no hay temas en la Tierra que no implicarían al que le interesen un test inicial para acceder a ellos que despliegue tanto elitismo, tanta exclsuividad, y e impliquen una especie de apartheid en función de cómo vienes preparado o no. Yo cuando invierto tiempo y dinero de mis recursos quitandolo a otras cosas mucho más importantes como mi familia o mi trabajo en esto, no es para que a mi me hagan exámenes o sufrir tratando de captar la paja mental de nadie. Lo hago para disfrutarlo y pasarlo bomba, emocionarme, llorar, sentir,o reir, y el resto de pretensiones preteciosas: arco de triunfo. ¿Que soy un paleto?. Lo soy. ¿Que no estoy suficientemente preparado? Genial. ¿Que no doy la talla?. Pos vale. Finalmente: ¿que eso implica que debiera borrarme de esto? me remito a lo de antes: me borraría al insntante. Sin embargo, no lo hago. ¿Por qué? Pues porque creo que disfrutar de la ópera es algo que está pensado para hacerlo más en la línea mía que en la línea de exigir hacer exámenes, tests o correr marathones. Por esa segunda vía, hoy día Verdi, Wagner, Puccini o Mozart no hubiesen tenido un nombre propio de mayor repercusión que un Dallapiccola, Rautavaraa, Glass o Marco. La diferencia de nombres propios es por algo.
(y ahora viene cuando vienen a argumentar que un Glass es psicológicamente, metafísicamente, remachis... ticamente o xfghhgdh... mente más interesante que un Verdi porque segun el Tratado metahistrinoasjfsdffas escrito por el finlandés Juhaa FRhmnikoneen la escencia escencística..... no sigo, que quito trabajo al gafapasta de turno al cual me gusta verle trabajar )

Sobre el segundo párrafo. Pues sí, de acuerdo... pero me dejas alucinado. O sea que algo que es un tostonazo y un sufrimiento para el cuerpo y para el aficionado tiene una validez... venga , venga , menos palabrotas y más España profunda que es lo mío (asumo mi role de paleto, insisto: chocolate claro). Que no, que no. Que la vida es demasiado corta y los recursos y tiempo de uno son lo suficientemente limitados como para convertirse en una especie de "masoca de la lírica", en base a la teoría que se quiera, pero al final es eso.

Sobre el tercer párrafo. Correcto... pero es una generalidad que como tal es peligrosa y se pueden luego sacar de ella conclusiones tan dispares como poco menos que prostituir una obra para que no desaparezca a respetar su original pura purísima hasta su ultima gota con el mismo fin. Las generalidades sin nombre y apellidos y que encima llevan a una consecuencia concreta, mala cosa siempre.

Bueno, no todo está perdido. Hay que ser optimistas. En Diciembre conseguí ver dos producciones clásicas, bonitas y sin dramaturgias paralelas. Simon en Roma y Bohéme en Valencia.

El otro día en Barcelona unos amigos Liceístas me contaban encantados que habían estado en Viena recientemente y se habían visto 4 producciones de las antiguas de la Staatsoper seguidas: Maestros de Otro Schenk, Bohéme de Zeffirelli, Elisir de Otto Schenk y Barbero de Rennert.

La verdad es que leyendo algunas opiniones de otros foreros, y si por "tradicional" entendemos que se vea un castillo en escena, cuando en el libreto pone "se ve un castillo", me hacen sentir como si fuera un miembro del club de aficionados a las puestas en escena "modernas".

- A Delaforce. No he visto los Diálogos de Tcherniakov pero me acabo de comprar el dvd en la tienda del Liceu. Cuando la vea le doy la opinión y si me parece una castaña lo diré sin problemas, creo que de esto he dado pruebas al criticar duramente su Macbeth y comentar en el foro que su trovador lo dejé de ver por el poco interés que me suscitaba.

Lo que sí tengo claro es que se puede recoger ese pensamiento esencial sin literalidad al libreto. No creo que haga falta pero si quiere le puedo dar varios ejemplos. Hay que tener en cuenta, además, que mucho pensamiento esencial ni siquiera tiene que ver con la literalidad del propio libreto de la ópera porque la misma puede ser muy simbólica.

- Al Nibelungo, los libros de Appia se encontraban hace unos años en internet, le sugiero que busque algúnfragmento en alguna web y lo sitúe en el buscador a ver si le aparece. De todas maneras le recomiendo sobre este tema uno de los libros de ópera que más me han gustado, The Theater of Richard Wagner, que además de un repaso histórico a la evolución de la puesta en escena en la ópera, le va a dar algunos matices de la personalidad de Wagner y su forma de entender las obras a través de testimonios de terceros que no contienen las principales biografías. Libro operístico pata negra.

- A Loge. Me cuesta verte encuadrado en la opción conservadora con la imaginación que le echaste al Tannhäuser futbolero . Ese talento también se podría volcar para buscar fórmulas mucho más sensatas y serias para dar realce a la obras de una forma más poética. De todas maneras me gusta incluso cuando dices que no aceptas los cambios temporales porque los ves inadecuados la mayoría de las veces, la mayoría, no niegas la posibilidad de que haya algún acierto. Firmo cualquier acuerdo de mínimos que acepte la posibilidad.

- A Gakugeki, cuando le había visto con mucha coherencia en todo el debate, me ha dejado un poco desconcertado en su última intervención.

- A Nico: No entiendo tu repulsa a la supuesta complejidad en una puesta en escena porque esta utilice símbolos o similares. La ópera es un arte que está lleno de símbolos y de asociaciones complejas. Los encontramos en los libretos y en la música, ¿por qué no los vamos a admitir en las puestas en escena?. Acuérdate de lo que hablamos de la relación de Herzelaide y Kundry y la confusión que tiene Parsifal con Kundry en la escena del segundo acto. Toda esa relación está en la propia música, profundizar en ella es parte del disfrute en Parsifal y nos puede llegar inconscientemente o no llegar, pero no se puede negar que estamos ante elementos complejos, no se puede ir a un Parsifal con la misma actitud que se ve los Bingueros, estamos haciendo un flaco favor a la propia obra. La reflexión es necesaria en muchas obras operísticas. Admito que puestas en escena complejas continuamente sería muy cansado, pero vuelvo al tema de la opción. Es como cuando vas al cine, hay veces que te apetece un puro entretenimiento, puede ser la mayoría de las veces, pero también puedes tener el ánimo de ver algo más y ver un estilo de cine diferente, que necesite un esfuerzo mayor. Mucho más complejo de desvelar que cualquier puesta en escena son las claves musicales que nos ofrecen algunos compositores. De acuerdo, no es necesario conocer las tripas, porque basta con que nos lleguen las emociones, pero este argumento sirve también para la puesta en escena.

Y lo que digo en el segundo párrafo es que aunque haya muchos trabajos deficientes, a nivel teórico se pueden dar trabajos sobresalientes, de hecho los he disfrutado y estos justifican en mi opinión toda la evolución escénica. Es como la nueva composición operística, muchas obras actuales no me han gustado, pero lucharía por que se pudieran seguir componiendo óperas. Otra cosa es que no esté de acuerdo en el sistema en que nos llegan o no nos llegan las composiciones actuales a los teatros.

- A Tunner, de la Rusalka de Schenk, aunque sea un fragmento no hay ningún youtube no?, al menos no he encontrado.

No, yo tampoco lo he encontrado (aunque algún amigo lo tiene en VHS pero, según dice, con mala visión) pero he visto fotos en libros y son de flipar.

En ese libraco grande llamado "OPERA" venían un par de ellas.

Tengo el libro, lo acabo de ver y las fotos son una maravilla. Especialmente el vestuario del señor de las aguas y el paisaje del tercer acto.

¿Desde cuándo no vemos una puesta así? Talento y conocimiento