o también:


Su prestigioso nuevo cargo en Nápoles suponía también estar obligado a componer una ópera seria al año para el Teatro San Carlo. Para Paisiello, fue una oportunidad de dedicarse a un género nuevo para él, que le ofrecía unas mejores oportunidades de desarrollo que la ópera bufa. Fue en este período cuando incluyó la mayor parte de sus notables experimentos formales en las óperas serias que compuso.



La visión cada vez más seria que Paisiello tenía del mundo se evidencia aún más si tomamos en consideración sus composiciones de música sacra, género que sólo había practicado cuando era un estudiante en el Conservatorio de Sant'Onofrio.

En la década desde 1790 a 1800 sus nuevas composiciones de música sacra se volvieron muy numerosas en comparación con las seculares y operísticas. Esto era debido fundamentalmente a dos razones: los conventos y monasterios napolitanos empezaron a encargarle muchas composiciones y, desde 1796, el año en que fue nombrado Maestro de Capilla de la Catedral de Nápoles, tuvo que escribir música litúrgica para varios servicios llevados a cabo bajo su dirección.
Sin embargo, también es probable que la nueva sensibilidad religiosa de Paisiello fuera una reacción personal al los trágicos sucesos políticos que ocurrieron en 1789. En el reinado de Nápoles, la explosión de la Revolución Francesa y la ejecución de Luis XIV y María Antonieta (hermana de la reina de Nápoles) crearon una situación de inestabilidad creciente, sembrando el terror por la llegada de los republicanos y los jacobinos.

Las composiciones sacras de Paisiello pueden dividirse entre las escritas alla Palestrina, como el mismo compositor indicaba, y las que tenían una orquestación más rica, escritas en un estilo a menudo pomposo y grandilocuente, muy similar a la música operística.

Hay que señalar que el mismo Paisiello opinaba que sus composiciones alla Palestrina eran muy diferentes de lo que habitualmente se consideraba ese estilo ya que, en su opinión, las composiciones consideradas habitualmente compuestas al estilo Palestrina eran incapaces de transmitir el mensaje espiritual y profundo significado a los oyentes. Para él, componer alla Palestrina significaba escribir música sacra para cantantes solistas y coro con el único acompañamiento de órgano, o de órgano y dos o tres instrumentos de cuerda, evitando el uso del virtuosismo para las partes de cantantes solistas que habitualmente escribía para las obras a representar en los teatros.
Su deseo era encontrar melodías que fueran coherentes con el texto y capaces de llegar a los sentimientos más profundos de los oyentes, que causaran gran emoción.

La pieza que les he propuesto como obra del año es del género de composición "alla Palestrina", en otras palabras, con un acompañamiento instrumental muy limitado.

Las otras composiciones de este género que se han encontrado hasta ahora incluyen dos Pasiones, una Misa, numerosos Responsorios, tres Lamentaciones, la secuencia Veni Sancte Spiritus y varios motetes, ninguna de estas tiene elementos musicales de especial interés, son trabajos de rutina, sólo destinados a los servicios litúrgicos y sin gran implicación por parte del compositor.

Por el contrario, el Christus que les ofrezco y el Miserere que aparecen en el mismo disco son dos obras maestras en su género por su profunda expresividad y sus cualidades estilísticas, incluso siendo obras escritas en un estilo antiguo.

No conocía la obra propuesta ni, a decir verdad, le había prestado hasta ahora demasiada atención a Paisiello. ¡Gracias por la presentación!

Preciosa pieza.

¡Muchas gracias! ¡Me alegro de que les guste!

...seguimos:

El manuscrito autógrafo de este Christus está en el mismo fichero que el del Miserere que le acompaña en el disco y está, como les comentaba al principio, guardado en la biblioteca del Conservatorio San Pietro a Maiella de Nápoles bajo el siguiente encabezamiento:
Christus
Partitura
Originale di Giovanni Paisiello
Maestro di Cappella della Camera, e Compositore
delle Loro Maestà e
del Venerabile Monistero di
S. Severino, e Sossio
Composto expressamente per la Settimana Santa dell'anno 1794

Resulta curioso que el compositor refleje su cargo en el monasterio, a pesar del que era infinitamente más prestigioso el que mantenía con Su Majestad. Esto indica que la composición tenía un significado especial para Paisiello: probablemente tuvo una hermana que era monja en este convento.

Tanto el Christus como el Miserere fueron interpretados por primera vez en este monasterio durante las celebraciones religiosas de la Semana Santa de 1794. La antífona "Christus factus est" y el Salmo 50 del Miserere se incluyen habitualmente en los Laudes de Jueves, Viernes y Sábado Santo. Hasta el final del Siglo XVIII eran probablemente cantadas en Nápoles un día antes, es decir, Miércoles, Jueves y Viernes Santo.

En el Christus el texto se divide en tres partes, indicado en la notación con "Prima die" (Christus factus est pro nobis obediens usque ad mortem), "Seconda die" (mortem autem crucis. Factus est obediens usque ad mortem autem crucis) y "Tertia die" (Propter quod et Deus exaltavit illum, et dedit illi nomen, quod est super omne nomen.), lo que significa que el Miércoles Santo se cantaba únicamente la primera parte, a la que se añadía la segunda el Jueves Santo, y la pieza era interpretada completa únicamente el Viernes Santo.

El Christus para soprano, coro a cuatro voces, 2 violonchelos, contrabajo y órgano está casi completamente basado en la alternancia de las partes entre la solistas y las frases cortas del coro. El uso únicamente de instrumentos graves, junto con el órgano, dan a la composición un color oscuro particularmente apropiado para la liturgia de Semana Santa.
La composición se caracteriza por una línea vocal a cargo de la soprano en la que predominan las notas largas y los intervalos largos y las partes corales sin complicaciones armónicas ni contrapuntísticas, mientras que el papel concertante de los dos violonchelos es muy limitado y esquelético, y las función del órgano se limita a la parte de bajo continuo, sin partes independientes de las voces. Todos estos elementos le dan a la pieza y tono muy austero y sobrio, particularmente apropiado para describir el drama del sacrificio y la muerte de Cristo.
La naturaleza unitaria de la composición se consigue con la homogeneidad estilística y la tonalidad en La menor, utilizada en las tres partes en las que se divide, y se enfatiza con algunos elementos recurrentes: un pasaje de coro repetido en diferentes tonos, dos veces en la larga primera parte y una en las siguientes, y también con el final, que es el mismo en las tres partes. Después de la cadencia de la solista, el final de cada parte se repite, no menos de tres veces, una corta frase del coro que confirma la tonalidad en La menor, y entonces termina con la tercera de Picardía. La insistencia en las repeticiones y progresiones es característica del estilo de Paisiello. Aunque apreciaba las composiciones de Paisiello por su frescura, el historiador de música Charles Burney, en su famoso viaje a lo largo de Italia comentó: "Si uno puede encontrarle un defecto a este compositor es que repite el mismo pasaje demasiado a menudo, incluso cinco o seis veces. Es como intentar clavar un clavo en un muro de yeso: dos o tres golpes y se queda perfecto, pero si uno insiste, el clavo se tuerce o se cae. De la misma forma, mientras que unos golpes de un tambor enfatizan el efecto, si se repiten demasiado a menudo, más que reforzar la primera impresión, la anulan".
Efectivamente, las repeticiones del mismo pasaje pueden resultar aburridas si se hace sin ninguna variación. Según las costumbres interpretativas de esa época, seguramente Paisiello quería usar estos pasajes para sugerir al cantante la idea de introducir variaciones melódicas o rítmicas, o cambios en las dinámicas, un crescendo, diminuendo o una repetición en eco. De esta forma, estos pasajes se convierten en una oportunidad de introducir variaciones que sorprendan a los oyentes, así no se aburrirían como con los pasajes repetidos sin ninguna variación, como Burney explicó de esa forma tan gráfica.
La última parte del Christus tiene dos momentos de una particular intensidad expresiva: el unísono del coro con las palabras "exaltavit illum", mostrando el significado del texto, y el pasaje que empieza con una larga progresión hacia arriba de la solista que termina en un largo La agudo, bajo el cual las cuatro voces del coro se suman una después de la otra. Este último episodio, que es el climax de toda la composición, es la única vez que la soprano y el coro cantan a la vez.

... y con esto termina mi presentación de la obra.

Como mañana, domingo, me toca descanso, les dejo de regalo unos enlaces a algunas de las maravillosas piezas de música sacra que la temática de Semana Santa ha inspirado a los más variados compositores de todas las épocas:

coro Zelenka Gesu al Calvario

Miserere Allegri

Stabat Mater Pergolesi

Amarguras

Christus factus est gregoriano hombres

Espero que hayan disfrutado

¿Esa foto quiere decir que la obra que nos va a proponer es de los tiempos de maricastaña o que da casi tanto miedo como la economía mundial de estos tiempos?

No ha dicho nada de la ópera "Christus" de Juan Ávarez García estrenada por Miguel Fleta

Akira Ifukube fue un compositor japones, dedicado tanto a la musica que solemos denominar "culta", como a las bandas sonoras, donde las mas conocidas son aquellas que compuso para la serie de 'Godzilla'.

Nacio en 1914 en la isla de Hokkaido, donde mantuvo un contacto proximo con la poblacion Ainu.

Aunque estudio Ingeneria Forestal en la Universidad, se dedicaba a componer en sus ratos libres, actividad en la que fue durante mucho tiempo un autodidacta. Cuando logro con su primera pieza orquestal, "Rapsodia Japonesa", un premio en un concurso internacional, decidio dedicarse mas plenamente a la musica, y adquirir formacion reglada. Tras la Segunda Guerra Mundial, donde sufrio heridas por sobreexposicion a la radiacion, su principal actividad, aparte de la composicion, fue como maestro en un Conservatorio.

Su extenso trabajo como compositor de bandas sonoras (escribio mas de 250), donde consiguo ademas el exito comercial, siempre estuvo para Ifukube en un segundo plano respecto a su actividad como compositor "clasico". Sin embargo, en esta actividad nunco obtuvo un reconocimiento pleno, a pesar de ser premiado por el gobierno japones, escribir un libro sobre teoria musical y publicar un buen numero de obras.

Murió en Tokio, a la edad de 91 años.

Algunas de sus obras:

Rapsodia Japonesa (1935)
Sinfonía Concertante para piano y orquesta (1941)
Sinfonía Tapkaara (1954)
Concierto para violín No. 2 (1978)
Lauda concertata para marimba y orquesta (1979)
Gotama, el Buda para coro mixto y orquesta (1989)
El Mar de Ojotsk para soprano, fagot, piano [o arpa] y contrabajo (1988)

Entre las que no se encuentra nuestra candidata de este año.

De momento, podemos escuchar parte de su labor para "Godzilla":

http://www.youtube.com/watch?v=S8LMd11NWy0

Gracias por la pista. Voy a escuchar a este señor.

Gorgo, Gilala, Godzilla... Entrañables criaturas. Seguiré el hilo con interés (no solo por eso, claro).

La isla de Sajalin pertenece hoy a Rusia, tras su anexion por la URSS al fin de la Segunda Guerra Mundial. Se trata de una isla grande, muy alargada (casi 1,000 kilometros de Norte a Sur), y escasamente poblada. En 1807, Japon reclamo posesion de toda la isla, y lo volvio a hacer en 1845 y 1865, considerando Sajalin una extension, tanto geografica como cultural, de Hokkaido.

Sin embargo, Rusia tambien estaba interesada en la isla, y tras varios choques armados, al final de la guerra ruso-japonesa de 1905, se firmo un tratado por el cual la isla seria japonesa al sur del paralelo 50, y rusa al norte.

Varias tribus de origen siberiano poblaban tambien la isla de Sajalin. Entre ellos los evenki, los gilyak y los oroke.

Mientras estudiaba en la Universidad de Hokkaido, el joven Ifukube paso varias temporadas en Sajalin. Alli, entre sus trabajos sobre la flora de la isla, se intereso tambien por el folklore de los pueblos nativos, que le impresiono muy favorablemente. Con el tiempo, utilizo en varias ocasiones algunas de sus melodias y ritmos como base para sus propias composiciones.


Miembro de la tribu Gilyak


Melodias tradicionales de las tribus Gilyak fue uno de ellas. Tras traducir al japones las letras originales, fue completada en 1946, originalmente para voz y piano, aunque posteriormente varios alumnos de Ifukube hicieron una adaptacion para orquesta, como regalo para el propio Ifukube en la celebracion de su 75 cumpleaños.

http://www.youtube.com/watch?v=IcHmBZh9gPM

Esta no es la obra de la semana.

Eso son alumnos agradecidos. Pero me parece que estas cosas sólo pasan en Japón.

Este es el post final de "Delaforce presenta tres puntos", donde conoceremos la obra de la semana.


Mujer y niño, Sajalin - 1920


Otra de las obras escritas por Ifukube basadas en el folklore que encontro durante su juventud en la isla de Sajalin, fueron las "Tres nanas de los pueblos nativos de Sajalin", completadas en 1949, para voz y piano.

La primera nana, "bu: lu: bu: lu:" esta cantada en evenki. La segunda, "buppun lu" en gilyak y la tercera, "umpari :ja :ja" en uita.

Nuestra obra de la semana es la primera, una melodia dulce, pero de una belleza purisima y una expresividad que cautiva al oyente desde su misma sencillez:

Ahora ya sé de qué me sonaba el nombre de Ifukube! Sigue siendo una canción preciosa.