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Muchos aficionados viajamos y hacemos verdaderos esfuerzos por poder contemplar buenas funciones de óperas, esas en las que encontramos la fusión del teatro y la música, donde brota la emoción de la interrelación de todas las artes, lo que algunas veces llamamos la “magia”. Esta función es una comprobación de que la cantidad de esa magia no está directamente relacionada con los euros, sino con el talento, el entusiasmo, las ganas de disfrutar y hacer disfrutar y por supuesto, algo que en ópera no se puede olvidar, la técnica vocal.
Esta crónica corresponde a la función del 30 de septiembre celebrada en el teatrino de la escuela Atelier opera.
El teatro se encuentra enclavado a escasos metros de uno de los lugares más maravillosos de Barcelona, la Iglesia de Santa María del Mar, que aloja en su interior entre otros tesoros, austeras bóvedas, rosetones y ventanales de belleza inimaginables.
La sala todavía está en construcción, pero el edificio tiene solera y encanto.
La función superó ampliamente mis expectativas y, por las entusiastas ovaciones, creo que las del publico asistente también. Sinceramente no me podía esperar cómo de un proyecto con participantes de tan poca experiencia y sin demasiado tiempo para ensayar se pudiera lograr una función tan emocionante. Las tres semanas de trabajo han debido ser muy intensas.
La cercanía con el escenario, el entusiasmo que brotaba de él, la conexión que se palpaba en todos los participantes, todo contribuía a generar una percepción positiva en el público. Las directoras de este proyecto Claudina Vallés y Anna Belén Gómez, pueden sentirse orgullosas.
La escena corría a cargo de María Elena Mexía. Una traviata trasladada a los tiempos actuales siguiendo las intenciones del autor de que los personajes de la obra pudieran perfectamente encontrarse entre el público. Aquí evidentemente la traslación de época es casi obligada por motivos presupuestarios para que pudiera utilizarse parte del vestuario propio de los intérpretes. Su concepción tiene una fuerte carga sicológica y emocional, cada carácter de los personajes esta trabajado al máximo y desarrollado teniendo en cuenta las características y posibilidades de los intérpretes. Acertados simbolismos como la utilización de los pétalos.
Muy estudiada la posición del coro, individualizando caracteres, rechazando de pleno el movimiento de coro en masa, contribuyendo a la veracidad de la escena.
Las exigencias escénicas para la pareja protagonista fueron enormes, cantaban tumbados, sentados, abrazados, abrazados y tumbados, incluso las partes principales. Esta exigencia cumplía dos objetivos, primero, naturalizar al 100% sus movimientos, y segundo, muy importante en una escuela, prepararse para el futuro a cualquier requerimiento escénico por difícil que este sea.
Magnifica la atmósfera creada con unos medios tan escasos, cada escena era una estampa maravillosa gracias a la iluminación y la posición de los intérpretes. Perfectamente recreada la alegría y diversión en la primera fiesta y el ambiente de juego y de vicio en la segunda. Adecuado el jardín minimalista y conseguido el intimismo final del trágico desenlace.
Como todo ha funcionado bien hay que dar el debido mérito a la fantástica dirección musical de Anna Belén Gómez. Dirigió muy bien al coro, apoyo en todo momento a los cantantes e hizo un perfecto equipo con el pianista. La voz era acompañada por el piano de Alex Morandini. No había orquesta, pero había algo mucho mas importante, Verdi, con esos característicos acordes llenos de fuerza dramática. Una lánguida interpretación del pianista podría haber tirado por la borda todo el trabajo, al contrario, fue todo un lujo.
Pero con todos estos aciertos, no se hubiera llegado al éxito si no se hubiese contado con una pareja protagonista de verdadera excepción. Qué más quisieran poder contar con ellos los grandes teatros. Y realmente podrían contar con ellos, pero no saben encontrarlos.
Ya que es casi imposible encontrar una verdadera dramática de agilidad, nos solemos encontrar con dos tipos de Violettas muy diferenciados. La más ligera que domina las agilidades y se permite el famoso mib y la más spinta o lírica que sufre en las agilidades pero que le confiere un mayor carácter dramático. Cristina Oliveira es mas bien del segundo tipo, una lírica con mucha potencia y metal en el agudo, expresión apasionada, físico agraciado, se volcó escénicamente y convenció plenamente al respetable obteniendo un sonoro triunfo. Extraordinaria.
Es muy complicado obtener un gran triunfo como Alfredo cuando hay una importante Violeta en escena. La mayoría de los Alfredos de este siglo quedan eclipsados. Es un papel sin sobreagudos en la partitura, pero con un montón de Laes3, algún Sib3 y mucho pasaje. Tiene partes muy líricas y otras muy dramáticas en una escritura precedente de los grandes papeles spinto verdianos. Muchas veces se interpreta por tenores demasiado ligeros que se ven incapacitados para darle toda la intensidad dramática, especialmente en la cabaletta oh mio rimorso (aunque concluyan con el do4 no escrito) y en el concertante del segundo acto. Alonso Pereda tiene la voz ideal para el papel y consiguió un éxito rutilante en una interpretación inolvidable haciendo levantar del asiento a varios espectadores.
La voz es efectivamente ideal para el papel, lírica con el suficiente peso para las exigencias dramáticas, pero además posee la técnica ideal para Verdi, con una impostación con fuerte cobertura en el pasaje que es absolutamente necesaria para este compositor. Por si fuera poco se prodigó de manera magistral siguiendo los requerimientos dinámicos de la partitura, (incluso los ppp) en un sinfín de pianos y medias voces, realizados en ocasiones en posturas que comprometen el apoyo, sin quebrarse en ningún momento. Atendió también a las indicaciones de la partitura de “dolcissimo a mezza voce”, como en el dúo del final, en emisiones de gran belleza. Incluso en partes donde no hay ninguna indicación, como en el principio de "un di felice", debido al recogido momento que tenía con Violetta, también lo cantó en dulcísima emisión, consiguiendo un efecto verdaderamente emotivo. Su maestro, uno de los mejores del mundo sin ningún lugar a la duda, hubiese estado orgulloso si hubiera asistido. Realmente si uno compara con la partitura delante la actuación que ha tenido este joven tenor con lo que se escucha en los teatros principales, sólo cabe asombrarse. Además sacó una voz muy dramática en la cabaletta y en el concertante del segundo acto, donde se demostró realmente desenvuelto en escena, algo no esperado en su primera actuación escénica y cuando en los primeros recitales le habíamos visto salir nervioso y tieso, por lo es de justicia volver a destacar el trabajo que ha hecho María Elena Mexía en tres semanas. Seguramente, en este tenor, el apartado escénico será uno de sus puntos fuertes, y esto será posible conseguirlo porque se basa en una técnica solvente que le permite dejarse llevar en escena. Paso adelante de Alonso Pereda importantísimo. Ya no es aquel joven tenor nervioso que sorprendió al público madrileño filando un Reb en la favorita, ya es un cantante que tiene la posibilidad de emocionar al público en actuaciones escénicas serias y consistentes. A su edad tiene un futuro esplendoroso por delante.
Giorgio Germont era el barítono Josep Bardají, más veterano que los cantantes protagonistas, algo adecuado para desarrollar el papel de padre, ganador según se puede leer en la red de dos premios del concurso Francisco Viñas. Por momentos sacaba una interesante voz de barítono, pero tenía más dificultades en seguir las exigencias escénicas y al sentarse, su canto perdía apoyo y se destemplaba. Sin tener el nivelazo de los protagonistas sirvió decentemente al transcurso del drama.
Fantástica Flora de Dida Castro de cuerpo escultural. Noble planta del Barone Douphol, Antonio Alonso. Todos los secundarios en general muy bien caracterizados y el coro fantástico desplegando un entusiasmo que desbordaba el escenario.
Una función en un sitio modesto, con un presupuesto modesto, pero que tuvo un nivel de emoción que no es fácil encontrar en los grandes teatros, como se pudo comprobar en el inolvidable final, cuando el público estalló en una clamorosa ovación y a los intérpretes les costaba salir de sus personajes a oscuras y telón abierto.
¡¡¡BRAVI!!!
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