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Friedrich Cerha (*1926) He was born in Vienna, Austria. Cerha received his education at the Viennese Music Academy (violin, composition, musician drawing) and at the University of Vienna (music sciences, German culture and language, philosophy). In 1958 he, together with Kurt Schwertsik, created the ensemble "die reihe", which was an important instrument for the spreading of contemporary music in Austria. Apart from his compositions, Cerha widely earned a reputation as an interpreter of the works of Alban Berg, Arnold Schoenberg and Anton Webern; his affinity for the works of the second Viennese school culminated in the completion of Alban Berg's opera Lulu by finishing the instrumentation of the 3. act and filling the gaps in the score (premiered by Pierre Boulez in Paris, 1979).

In 2006, Friedrich Cerha joined the Joseph Marx Society. With a group of contemporaries such as Kurt Schwertsik and Peter Vujica, he was also involved in the establishment of this society. This special commitment for Joseph Marx, who has represented the tonal music of Austria as an influential composer, teacher and critic, underscores Cerha's renown as an undogmatic artist who supports every kind of significant musical rediscovery regardless of its reference to tonality or modernism.

Cerha is still active as a composer of orchestral works and stage music (among others, Baal, The Rattenfänger, and Der Riese vom Steinfeld, the latter commissioned by the Vienna State Opera, with a libretto by Peter Turrini). Premiere performances of some of his recent works took place in 2006, Impulse for large orchestra, dedicated to the Vienna Philharmonic Orchestra on the occasion of its 150th anniversary as well as Concert for soprano-saxophone and orchestra (2004). In Austria, Cerha is generally accepted as the leading contemporary composer of this country.

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Baal, ópera en dos actos (1974-1981). Fragmento del acto segundo.

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Alexey Nikolayevich Verstovsky (1799-1862) He was born in Seliverstovo Estate, Kozlovsky district, Tambov’s region. The grandson of General A. Seliverstov and a captured Turkish woman, he was also a descendant of the Polish szlachta (gentry or aristocracy). A civil engineer by training, he became interested in music while he was studying at the Corps of Engineers in St Petersburg. He also studied piano, violin, musical theory and composition. John Field was among his teachers. At the age of 20 he became famous for his 'opera-vaudeville' Grandmother's Parrots (1819). Excited by the success he continued to compose light music for this currently fashionable genre and composed more than 30 of them. He also created a series of ballads for voice and piano, which he called cantatas. The performance of them had often involved a theatrical action. One of them The Black Shawl or Moldavian Song (1823) a setting of Alexander Pushkin’s poem, became immensely popular in the aristocrats' salons. In 1825 he was appointed as an 'inspector of music' in Moscow, in charge of the imperial theatres including the Maly and Bolshoi, controlling all the repertoire (from 1830) and chairing the board of directors (from 1848 until 1860).

He turned to the genre of opera in 1828 and wrote six works. The romantic opera Askold's Grave written on a subject from Russian history was the most successful of the six. It was influenced by Weber's Der Freischütz that was already popular in Russia. First performed in 1835 (a year before Glinka's A Life for the Tsar) the Askold's Grave received about 200 performances in St Petersburg and 400 in Moscow only for the first 25 years. This was the first Russian opera performed in the United States (in 1869). In the Soviet era the opera was forgotten for the decades, until it was revised in 1944 at the Moscow Theatre of Operetta under the title Украденная невеста (Ukradennaya Nevesta – The Stolen Bride) and then returned to the stage in 1959 after its performance in a new version at the Kiev State Opera Theatre. However the "Epoch of Verstovsky" soon changed to the "Epoch of Glinka" and Verskovsky's operas fell back to the second plan. He was a friend and correspondent with many famous writers, among them Alexander Pushkin, Vasily Zhukovsky, Alexander Griboedov, Pyotr Vyazemsky, Vladimir Odoevsky, Alexander Pisarev etc. However he was not so popular among his colleagues. Glinka avoided mentioning him in his Memoirs; Mussorgsky nicknamed him Gemoroy (Haemorrhoid) by association with the title of his opera Gromoboy.

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Askold's Grave, ópera en cuatro actos (1835). Fragmento.

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Aquí otro fragmento de esa ópera de Verstovsky, cantado por Nelepp:

http://www.box.net/shared/pksl3qma2o

:wink:


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Antônio Francisco Braga (1868-1945) He was born in Rio de Janeiro, Brazil. After attending the Asilo dos Meninos Desvalidos he studied the clarinet, harmony, counterpoint and fugue at the Imperial Conservatory. He came to the attention of the provisional republican government in 1889, when he entered a competition for a new national anthem. Although the piece finally adopted was that of Leopoldo Miguéz, Braga was awarded a scholarship for further study in Europe. He studied composition at the Paris Conservatoire (1890-94) with Massenet (an influence on the works he wrote at this time) and published several salon pieces in Paris. In 1896 he settled in Germany, becoming a Wagnerian in attitude and technique. It was in Germany that he wrote the symphonic poems Marabá and Episódio sinfônico (Rio de Janeiro, 1900), the former treating a Brazilian subject, but without reference to local music. During a short stay in Italy Braga completed his first opera, Jupira, which received its première at the Teatro Lírico on his return to Rio in 1900. He was very active as a conductor in Rio and São Paulo, and then took a position as professor of composition at the Instituto Nacional de Música (1902-38). For nearly 20 years he conducted the regular concerts of the Rio Sociedade de Concertos Sinfônicos, founded in 1912. As a composer he followed late Romantic European models, sometimes taking thematic material from national sources, as in the minuet O contratador de diamantes (Rio de Janeiro, 1906). Orchestral works form the backbone of his output, but he also left a considerable quantity of church music, chamber works and an unfinished opera, Anita Garibaldi; he is best remembered in Brazil as the composer of the patriotic Hino à Bandeira.

Óperas

Jupyra, ópera en un acto (1898). Escena V.

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Ramón Carnicer y Batlle (1789–1855) Tras pasar los primeros años de vida en su Tárrega natal, Carnicer continúa su formación musical en la Seo de Urgel (1799-1806), donde, en la férrea tradición musical de las capillas catedralicias, estudia composición, canto y órgano. En 1806 es enviado a Barcelona para proseguir sus estudios con Francisco Queralt (1740-1825), maestro de capilla de la catedral, y el organista y compositor Carlos Baguer (1768-1808). Es en la Ciudad Condal donde entra en contacto con las óperas de Cimarosa, Paisiello, Guglielmi, Paër, Mayr y Generali, experiencia que le otorgará un amplio conocimiento del repertorio, como posteriormente revelará su obra operística. En 1808, aciago año de la ocupación francesa, el compositor decide trasladarse a Mahón (Menorca), donde se instala como profesor de música hasta 1814. La presencia en la isla del dilettante alemán Carl-Ernest Cook, discípulo directo de Mozart, le permitirá profundizar en otro tipo de repertorio. En 1814, el compositor regresa a Barcelona y al año siguiente es encargado ya de organizar y dirigir todos los conciertos que se ofrecen en los salones del Palacio del general Castaños, presidente de la Junta para la Reforma de Teatros. En 1816, Castaños, tras conseguir que la Junta funcionase como una sociedad de acciones para sostener el Teatro de la Santa Cruz, le encarga la organización de la primera temporada de ópera en dicho coliseo, consiguiendo Carnicer traer a Barcelona una compañía italiana integrada por destacados cantantes, músicos, pintores — los hermanos Giuseppe y Francesco Lucini — y el director de orquesta Pietro Generali (1773-1832).

El año teatral se abre con La italiana en Argel de Rossini, que logra un inmenso éxito. Gracias a los esfuerzos de Generali y Carnicer, el Teatro de la Santa Cruz de Barcelona se sitúa entre los mejores teatros europeos, por delante de los teatros madrileños contemporáneos.Ya en la temporada 1819-1820, cuando Generali regresa a Italia, Carnicer toma a su cargo la dirección del teatro, y se convierte en el primer empresario
español de ópera. En este periodo, compone Carnicer numerosos fragmentos tanto instrumentales como vocales, para intercalar en óperas de autores italianos de moda, y arregla otros muchos a las exigencias y caprichos vocales de los cantantes. Entre estos podemos citar una cavatina para La cenerentola de Rossini en 1818, otra para el Otello rossiniano en 1821, dos dúos y una cavatina para L’Agnesse de Paër en 1816 o 1819, un dúo para Clotilde de Coccia en 1819, así como las sinfonías para Adolfo e Chiara de Dalayrac en 1818, El barbero de Sevilla en 1818 y El turco en Italia en 1819 y 1820, ambas de Rossini. Estas piezas musicales le permitieron adquirir una buena escuela y disfrutar de cierta fama entre sus contemporáneos. En 1818, Carnicer decide quemar su producción anterior — integrada por obras religiosas, himnos patrióticos, canciones, música de banda militar y de baile — y escribir la primera de sus obras de madurez, la ópera Adela di Lusignan, que fue estrenada en el Teatro de la Santa Cruz de Barcelona en 1819, con motivo del desembarco de la infanta napolitana Luisa Carlota — hermana de la futura reina María Cristina —, llegada a España para contraer matrimonio con el infante Francisco de Paula Antonio, hermano de Fernando VII. El éxito fue brillante; el público aplaudió la mayor parte de los números, y el dúo del desafío, cantado por Savino Monelli y Filippo Galli, causó verdadero fanatismo.

En 1820 el compositor lleva a cabo su tercer viaje a Italia como empresario del Teatro de la Santa Cruz de Barcelona. Su misión, como en otras ocasiones, no es sólo buscar cantantes y músicos, sino también partituras de Rossini, Bellini y Donizetti, estableciendo así una tradición estética que determina el rumbo de la futura música lírica nacional. La segunda ópera de Carnicer, Elena e Constantino, se estrenó en 1821, y fue recibida con aplauso del público; el libreto de Antonio Tottola, que contaba con una versión musical anterior debida a Mayr, fue puesto en música para el Teatro de la Santa Cruz. Ya en su tercera ópera, Il dissoluto punito ossia Don Giovanni Tenorio, estrenada en 1822, Carnicer, partiendo del lenguaje rossiniano que es connatural a su propio estilo, se acerca de forma excepcional al músico de Salzburgo. Entre 1824 y 1827, viajó a París y Londres, donde se dio a conocer como director y compositor. En la capital británica, además de publicar algunas obras importantes de su catálogo como sus Six Spanish Airs, Three Nocturnos, e Il sogno, terzettino notturno, conoce a los artistas españoles que nutrían los círculos liberales londinenses, como el profesor de canto Mariano Rodríguez de Ledesma (1779-1848), el pianista Santiago de Masarnau (1805-1882), el compositor José Melchor Gomis (1791-1836) o los guitarristas Fernando Sors (1780-1839) y Trinidad Huerta (1803-1856).

En 1827, el Rey Fernando VII, decidido a mejorar la vida teatral madrileña, y después de escuchar una obra musical suya, se interesó acerca del autor, y recibió como respuesta que se trataba de un miliciano liberal. A lo que el Rey respondió “decidme quién es, y, sea quien fuere, que venga a Madrid”. Como el Rey tenía derecho a reclamar a cualquier persona que se considerara necesario en la Corte , firmó una Real Orden para que Carnicer dirigiera los teatros madrileños del Príncipe y de la Cruz de la capital. Inicialmente Ramón Carnicer, convencido liberal, se resistió, motivo por el que el Corregidor ordenó su traslado a Madrid, con su familia, en calidad de preso. Su llegada a la capital permite dignificar el estado de los teatros de música, luchando contra todos los «vicios» instaurados en las orquestas, ampliando el número de metales, e introduciendo los clarines de pistones y el figle en las plantillas orquestales. En cuanto al coro del teatro, exigió conocimientos musicales y amplió el número de sus miembros. En 1829, Carnicer estrena Elena e Malvina, ópera escrita sobre un libreto de Felice Romani que fue bien recibida por la crítica madrileña.

En 1831, se inician las clases en El Real Conservatorio Superior de Música de Madrid fue fundado por la Reina María Cristina, y Ramón Carnicer formó parte del primer claustro de profesores, como primer catedrático de composición, siendo nombrado poco después director. Como maestro del Conservatorio, tuvo como alumnos a algunos de los grandes músicos y precursores de la zarzuela, como Hernando, Gaztambide y Barbieri. Ese mismo año estrena su Cristoforo Colombo en el Teatro del Príncipe de Madrid, y en 1832 pone por primera vez en escena Eufemio di Messina ossia I sarraceni in Sicilia. El Viernes Santo de 1833 Carnicer dirige el estreno del Stabat Mater de Rossini en la iglesia de San Felipe el Real de Madrid. Ese mismo año compuso las vigilias con orquesta para las exequias del Rey Fernando VII (hecho destacable teniendo en cuenta los antecedentes liberales del compositor). En 1837, año durante el que participa en la creación de la Junta Filarmónica, integrada además por Mariano Rodríguez de Ledesma (1779-1847) y José Mª Reart (1784-1857), creada con el fin de fomentar la composición de nuevas óperas españolas, estrena en el Teatro de la Cruz de Madrid su última ópera, Ismalia ossia morte ed amore, creación que culmina su catálogo, y que afirma su evolución personal en el modelo italianizante, próximo ahora a los relatos de novela gótica propios del belcanto.

María Encina Cortizo, Ramón Sobrino

Il dissoluto punito ossia Don Giovanni Tenorio, ópera en dos actos (1822). Fragmento del acto primero.

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Dmitri Dmítrievich Shostakóvich (1906-1975) Nació en San Petersburgo; entre 1919 y 1925 estudió en el conservatorio de esta ciudad con Aleksandr Glazunov y Maximilian Steinberg. El estreno de su Sinfonía nº 1 en fa menor, opus 10, compuesta a los 19 años (1926) atrajo por primera vez la atención del público hacia su obra. Su música se caracteriza por una vitalidad rítmica y una riqueza melódica que recuerdan el folclore gitano del este de Europa. La mayor parte de sus obras están compuestas en formas musicales tradicionales y su lenguaje armónico suele ser sencillo y directo. Sus composiciones destacan por el dominio técnico de la orquesta. La ópera La nariz (1928), con un planteamiento expresionista y por momentos atonal que recuerda las obras de compositores occidentales como el alemán Paul Hindemith y el austriaco Alban Berg, fue bien recibida por la crítica y por el público aunque fue tachada por los dirigentes del partido comunista como una obra burguesa y decadente.

Su segunda ópera Lady Macbeth of Mtsensk (1934, revisada como Katerina Ismailova, 1936) volvió a recibir el aplauso de la crítica y del público, pero el partido consideró que la ópera tenía carácter contrarrevolucionario. Este tipo de ataques obligaron a Shostakóvich a prometer que reformularía sus ideas artísticas. La Sinfonía nº 5 en re menor, opus 47 (1937, subtitulada "respuesta de un artista soviético a una crítica justa") y la Sinfonía nº 6 en si menor, opus 54 (1939) fueron bien recibidas, tanto por el partido como por el público. Su Sinfonía nº 7 en do mayor, opus 60, Leningrado (1942), compuesta durante el asedio a Leningrado en la II Guerra Mundial, obtuvo un gran éxito. En 1948 su música fue atacada de nuevo por razones políticas y tuvo que volver a prometer que reformaría su estilo. Parece que lo consiguió, ya que en 1956 recibió la Orden de Lenin, máximo galardón soviético. Recibió asimismo varios Premios Stalin y en 1966 fue el primer compositor que recibía la condecoración de héroe del trabajo socialista.

epdlp

Los jugadores, ópera (incompleta) (1941). Comienzo.

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Moskva Cheryomushki, comedia musical en tres actos y cinco escenas (1958). Comienzo del acto primero.

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Gracias por tu extraordinaria colaboración: me haré con la grabación.


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¿Ha escuchado alguien Tea, de Tan Dun? Si es así, podría darme su opinión. Gracias.


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Yo no la he escuchado, pero igual te puedo dar mi opinión :lol:


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Giuseppe Gazzaniga (1743-1816) He was born in Verona, Gazzaniga was initially intended for the priesthood at the urging of his devout parents. He eventually convinced his father to allow him to pursue a career in music and began studies first in Venice and then at the Conservatorio di Sant'Onofrio a Porta Capuana in Naples. While there, he was a pupil of Niccolò Piccinni and Nicola Porpora. Gazzaniga presented his first opera, Il Barone di Trocchia, at the Teatro di San Carlo in 1768. He would spend the next several decades writing mostly operas in Italy with the exception of a few trips to Dresden, Vienna, and Prague. His most successful opera was his Don Giovanni Tenorio written in 1787 to a libretto by Giovanni Bertati, possibly an ispiration for the libretto of Mozart's Don Giovanni. In 1791, he became musical director of Crema Cathedral in the Lombardy region of northern Italy, where he composed numerous sacred works including several cantatas, oratorios, and masses. He remained in that position until his death in 1818. His last opera, Martino Carbonaro o sia Gli sposi fuggitivi, was performed at the Teatro San Moisè in Venice in 1801. He also wrote a symphony and three piano concertos. His life and works were the subject of a detailed study by the prominent 19th-century German critic Karl Crysander.

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Don Giovanni (Tenorio) o sia Il convitato di pietra, dramma giocoso en un acto (1787). Comienzo.

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François Colin de Blamont (1690-1760) He was born at Versailles and for his merit in his profession, was made a chevalier of the order of St. Michael. He was first taught by his father, who was ordinaire de la Musique du Roi, before studying with and becoming the protégé of Lalande. He sang at court as an haute-contre, then as a taille, and he composed his earliest works for the Duchess of Maine and her famous Nuits de Sceaux (1714-1715). In 1719 he succeeded J. B. Lully (fils) as Surintendant de la Musique de la Chambre, and on Lalande’s death he was appointed Maître de la Musique royale. He composed a number of successful cantatas (including Circé and Didon), many airs sérieux et à boire, several cantatilles and motets, but it was his operas that brought him fame: first of all with his biggest success, the ballet héroïque of 1723, Les Fêtes grecques & romaines, then with scores including Endymion (1731) and Les Caractères de l’Amour (1738). At Versailles he presented many divertissements for various occasions, among which are Le Retour des Dieux sur la Terre (1725), Les Présents des Dieux (1727) and Le Caprice d’Erato (1729). The last work in his career was Les Fêtes de Thétis, which was performed in 1750 at Madame de Pompadour’s Théâtre des Petits-Appartements. This ballet héroïque consists of a prologue in celebration of the king and two autonomous acts, only the first of which, Égine, was written by Colin de Blamont; the second one, Titon et l’Aurore, was composed by Bernard de Bury.

Égine (1750). Comienzo.

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Ralph Vaughan Williams (1872-1958) He was born in in the Cotswold village of Down Ampney. He was educated at Charterhouse School, then Trinity College, Cambridge. Later he was a pupil of Stanford and Parry at the Royal College of Music after which he studied with Max Bruch in Berlin and Maurice Ravel in Paris. At the turn of the century he was among the very first to travel into the countryside to collect folk-songs and carols from singers, notating them for future generations to enjoy. As musical editor of The English Hymnal he composed several hymns that are now world-wide favourites (For all the Saints, Come down O love Divine). Later he also helped to edit The Oxford Book of Carols, with similar success. Vaughan Williams volunteered to serve in the Field Ambulance Service in Flanders for the 1914–1918 war, during which he was deeply affected by the carnage and the loss of close friends such as the composer George Butterworth.

Before the war he had met and then sustained a long and deep friendship with the composer Gustav Holst. For many years Vaughan Williams conducted and led the Leith Hill Music Festival, conducting Bach’s St Matthew Passion on a regular basis. He also became professor of composition at the Royal College of Music in London. In his lifetime, Vaughan Williams eschewed all honours with the exception of the Order of Merit which was conferred upon him in 1938. In a long and productive life, music flowed from his creative pen in profusion. Hardly a musical genre was untouched or failed to be enriched by his work, which included nine symphonies, five operas, film music, ballet and stage music, several song cycles, church music and works for chorus and orchestra.

The Pilgrim's Progress, a morality en un un prólogo, cuatro actos y un epílogo (1906-1952). Escena primera del acto primero.

The Shepherds of the Delectable Mountains (mas tarde incorporada, excepto por la sección final, en The Pilgrim's Progress), pastoral en un acto (1921). Fragmento.

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Hugh the Drover or Love in the Stocks, Romantic ballad opera (1910-1920). Comienzo.

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Sir John in Love, ópera en cuatro actos (1924-1928). Final del acto primero.

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Riders to the Sea, ópera en un acto (1925-32). Comienzo.

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The Poisoned Kiss or The Empress and the Necromancer, Ópera en tres actos (1927-9 rev. 1936-1937, rev. 1956-1957). Fragmento.

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The First Nowell, a Nativity play (1958). Final.

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Recomendaría especialmente la escucha de Riders to the Sea, una obra de extraordinario interés.


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Una de las críticas más demoledoras la leí en un periódico inglés acerca de Sir John in Love tras unas representaciones en l ENO el pasado año. Venía a decir que una vez cada cien años era suficiente castigo.


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