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Ernest Bloch (1880-1959) Nació en Ginebra, Suiza. Después de estudiar violín y composición en su localidad natal, Bloch viajó a Bruselas a los 16 años para continuar su formación. Allí tuvo entre sus maestros al afamado Eugene Ysaye. Luego se trasladó a Frankfurt, München y París para perfeccionar su aprendizaje. Con canciones, dos poemas sinfónicos y una sinfonía, Bloch retornó a Ginebra en 1904. Entonces realizó charlas sobre estética en el Conservatorio y dirigió conciertos sinfónicos en Neuchatel y Lausanne. Sus obras del periodo siguen la tradición romántica de Richard Strauss combinada con elementos de Debussy, pero su principal creación, la ópera Macbeth estrenada en París en 1910, posee un carácter sombrío y turbulento que recuerda mucho a Mussorgsky. Gracias a su amigo Romain Rolland, el compositor pudo viajar a Estados Unidos en 1916. Inmediatamente ganó reconocimiento con el estreno de su primer cuarteto en Nueva York y la presentación de los Tres Poemas Judíos por la Sinfónica de Boston con él mismo conduciendo.

Otro concierto organizado en 1917 reafirmó la decisión de Bloch de establecerse con su familia en Nueva York ese año. En 1919 la Suite para Viola y Piano obtuvo el Premio Coolidge. En 1920 fue nombrado director del Instituto de Música de Cleveland y en 1925 se convirtió en director del Conservatorio de San Francisco. En 1926 recibió un premio por Cuatro Episodios para Orquesta de Cuerdas y en 1928 otro por la rapsodia America. Tanto estas como otras creaciones del periodo son de tipo neoclásico, pero siempre hubo un retorno a los contenidos judíos. Al retornar a Europa vivió por algunos años en la villa alpina de Ticino, donde compuso Servicio Sacro para barítono, coro y orquesta. Pasó un tiempo en otras ciudades antes de establecerse en París. La crisis política y la cercanía de la guerra le obligaron a volver a Estados Unidos en 1939. Permaneció en Oregon por el resto de su vida y realizó cursos de verano en Berkeley. Una seria enfermedad le provocó la muerte en 1959.

Radio Beethoven

Macbeth, drama lírico en siete cuadros (un prólogo y tres actos) (1910). Prólogo.

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no puedo hacer otra cosa que felicitarte, admirarte y agradecerte!

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A mi o a Bloch? :shock:

:lol:

Gracias :wink:


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Y yo que pensaba que era el "otro" Bloch :lol: ¡Cómo están las cabezas! :oops:


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NotaPublicado: 29 Dic 2006 2:39 
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Zelenka escribió:
A mi o a Bloch? :shock:

:lol:

Gracias :wink:


a Bloch por su obra, a ti por darnos a conocer estas joyas...
:aplauso:

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NotaPublicado: 01 Ene 2007 22:10 
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George Gershwin (1898-1937) Los padres de Gershwin emigraron de Rusia a los Estados Unidos alrededor de 1891. Vivían en una pobre comunidad judía en Manhattan y dentro del barrio George destacaba como deportista y no como músico. Cuando la familia pudo adquirir un piano vertical en 1910 el niño aprendió a tocar rápidamente y después de estudiar con algunos vecinos, comenzó a recibir lecciones de Charles Hambitzer, quien le mostró la música de Chopin, Liszt y Debussy. Más tarde siguió algunos cursos de armonía, teoría, contrapunto y orquestación con Edward Kilenyi, Rubin Goldmark, Artur Bodanzky, Henry Cowell, Wallingford Riegel y Joseph Schillinger, pero fueron pocos los conocimientos que adquirió y nunca llegó a ser muy bueno leyendo música.

En 1914 Gershwin dejó la escuela para tocar piano en Remick's, un editor de canciones Tin Pan Alley. Su primera canción publicada fue When you want"em, you can"t get"em, when you got"em, you don"t want"em (letra de Murray Roth, 1916), y después de contribuir con varias canciones para comedias de otros autores, compuso su propio musical para Broadway en 1919, La La Lucille. Su primer gran hit fue la canción Swanee (con letra de Irving Caesar, 1919). Fue grabada por Al Jolson en 1920 y se convirtió en un total éxito de ventas. Gershwin también escribía música "académica", ya que en 1919 compuso Lullaby, un movimiento para cuarteto de cuerdas, y en 1922 Blue Monday Blues, una "ópera-jazz" en un acto que fue incluida dentro de George White's Scandals y mas tarde rebautizada como 135th Street .

Sus aspiraciones como compositor "serio" crecieron cuando Paul Whiteman le encargó y estrenó (con Gershwin al piano) la Rhapsody in Blue (1924) para banda de jazz y piano. Debido a la inexperiencia de Gershwin, la partitura fue orquestada por Ferde Grofé, el arreglista de Whiteman. Se dice, en todo caso, que el característico glissando que inicia esta rapsodia no fue creado por el compositor, ya que durante los ensayos el clarinetista de Whiteman, Ross Gorman, improvisó este glissando como una broma y a Gershwin le gustó tanto que lo incluyó en la partituta. La reputación de Gershwin le atrajo otras comisiones, una de Walter Damrosch que dio como resultado el Concierto en Fa (1925), y Un Americano en París (1928). El suceso de ambas condujo a otra obras orquestales a gran escala y a la ópera Porgy and Bess (1934-5).

Durante las décadas de 1920 y 1930 Gershwin también escribió una serie de exitosas comedias musicales y cuatro partituras para el cine. Desde 1924 casi todas sus obras vocales emplearon letras de su hermano Ira Gershwin. Esta dupla se convirtió en una de las más exitosas de Broadway y sus creaciones fueron representadas por estrellas tales como Fred y Adele Astaire, Gertrude Lawrence, Red Nichols, Ethel Merman y Ginger Rogers. En 1932 Of thee I sing fue la primera comedia musical en ganar un premio Pulitzer mención drama.

Gershwin frecuentemente tocaba su propia música en público, aunque evitaba las obras clásicas debido a su falta de enseñanza y su poca habilidad para leer música. Por el contrario era un extraordinario improvisador y en 1932 Simon and Schuster publicó el George Gershwin Song Book que contenía improvisaciones de sus más famosas canciones. Aunque su talento como conductor era similar a sus cualidades como pianista clásico, normalmente dirigía programas con sus obras sinfónicas y las noches de apertura de sus musicales, especialmente desde mediados de los 20 cuando su popularidad se acrecentó.

Su estilo de vida se acomodó a esta espectacular carrera. Incluso durante la época de la depresión mantuvo sus altos ingresos, siguió frecuentando los círculos de élite y a menudo estuvo relacionado románticamente con estrellas de cine. En 1926 comenzó a coleccionar pintura contemporánea, esculturas, dibujos e impresos de artistas de la talla de Picasso y Chagall. Al año siguiente comenzó a pintar y a dibujar como hobby, dedicando gran parte de su tiempo a estas actividades. En junio de 1937 comenzó a sufrir vértigos y un mes más tarde murió durante una operación para extirpar un tumor cerebral.

Radio Beethoven

Blue Monday, a one act jazz opera (1922). Comienzo.

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NotaPublicado: 06 Ene 2007 2:37 
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Zdenek Fibich (1850-1900) Nació en Vseborice cerca de Caslav. Hasta 1859 estudió música con su madre. Luego asistió a la Öffentliche Hauptschule de Hermann (1859-1862) y tanto al Gymnasium Académico (1862-1863) de Viena como al de Praga (1863-1865). Su madre le enseñó piano en casa y motivado por un sacerdote local Fibich escribió su primera composición, Pange Lingua, en 1862. En Praga asistió al instituto privado de música de Zikmund Kolesovsky. A mediados de 1865 dejó Praga habiendo escrito más de cincuenta obras, la mayoría piezas para piano (incluyendo su Op.1 publicado ese año) y canciones, pero también una obertura y música incidental para Romeo y Julieta, así como los esbozos para una sinfonía. Su enseñanza la continuó en Leipzig (1865-1867) con Moscheles y Richter en el Conservatorio y con Jadassohn de manera privada. Este último motivó un interés en Fibich por Bach y el contrapunto. La influencia de Mendelssohn también se aprecia en su música para piano del periodo. Junto con canciones y una segunda sinfonía, Fibich compuso tres óperas en Leipzig: dos óperas cómicas sobre un texto propio y una basada en Loreley de Geibel.

Después de ocho meses en París (1868-1869), donde se mantuvo como profesor de piano y adquirió interés en el arte y la escultura, Fibich finalizó sus estudios en Mannheim (1869-1870) con el director Vincenz Lachner, quien produjo Der Meistersinger de Wagner durante su estadía. Tras retornar a Bohemia, vivió con sus padres en Zaky y en Praga, dedicándose a la composición, sobretodo de su primera ópera extensa, Bukovin, empleando un libreto obtenido seis años antes de Karel Sabina, el libretista de La Novia Vendida. En la primavera de 1873 Fibich se casó con Ruzena Hanusova y en el otoño ocupó el puesto de profesor de coros en Vilnius. Su esposa tuvo gemelos en enero de 1874 pero uno de ellos murió a las pocas horas del parto y el otro dos años después. Su esposa falleció en el otoño tras su retorno a Praga. Un año más tarde Fibich contrajo matrimonio con la hermana de ella, Betty, una contralto importante que estrenó varios roles de Smetana y de Fibich. Con ella tuvo un hijo, Richard. En Praga comenzó trabajando como director asistente y director de coros en el Teatro Provisional (1875-1878), donde tuvo que dirigir sobretodo operetas, y luego como conductor coral en la Iglesia Ortodoxa Rusa (1878-1881), donde consiguió una labor más llevadera y menos absorbente. Después de esta actividad solamente se mantuvo componiendo y enseñando en forma privada, consiguiendo un puesto en el Conservatorio de Praga sólo el último año de su vida.

Aunque tras su fallecimiento se le intentó ubicar entre los tres principales compositores nacionalistas checos, Fibich ha cedido su sitial a Janacek y mucha de su música sigue siendo indiferente aún para sus propios compatriotas. Fibich fue el primer compositor checo puramente romántico en una época en la que Smetana y Dvorak revelaban personalidades mucho más “checas” en carácter. Fibich fue un precursor en varios ámbitos. Su poema nacionalista Zaboj (1873) inspiró el ciclo Mi Patria de Smetana y su poema sinfónico Toman (1875) anticipó los poemas narrativos de Dvorak. Sin duda fue el compositor checo con mejor formación profesional, así como un hombre culto que sabía mucho de arte, literatura e historia. Como maestro de la técnica pudo manejar la transformación temática con gran sutileza e inventiva. Los aspectos más amplios del estilo de Fibich pueden ser descritos fácilmente: primero, el contenido y la atmósfera primaveral inundan su música temprana, que culmina con la cantata Cuento de Primavera (1880-1881), el poema Primavera (1881) y la Sinfonía en Fa (1877-1883). Segundo, la melancolía y la fatalidad de la balada invaden a los melodramas Día de Navidad (1875) y El Demonio del Agua (1883), así como al poema sinfónico Toman y las óperas Bukovin (1870-1871) y La Caida de Arkona (1898-1899). Finalmente, una vena erótica que nació alrededor de su amorío con Anexa Schulzova condujo a una serie de óperas centradas en lo femenino y al ciclo Modos, Impresiones y Reminiscencias (1892-1899).

Radio Beethoven

Nevěsta Messinská, ópera en tres actos (1882-1883). Fragmento del acto segundo.

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Šárka, ópera en tres actos (1896-1897). Comienzo del acto segundo.

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NotaPublicado: 06 Ene 2007 11:52 
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No había escuchado nada de Fibich; me ha encantado el fragmento de Messina. Gracias.


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NotaPublicado: 12 Ene 2007 20:02 
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Franz Peter Schubert (1797–1828) Nació en Viena, Austria. Hijo de una familia de procedencia humilde, era el duodécimo de catorce hijos. Residía en el barrio de Liechtental en Viena, donde su padre ejercía de maestro. A los once años entró como cantor en la capilla imperial, consiguiendo una beca que le permitió estudiar gratuitamente en la escuela municipal de Stadkonvikt. Allí fue alumno de Antonio Salieri y gracias a la orquesta de la escuela, para la que escribió sus primeras sinfonías, se familiarizó con la obra de Franz Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven. A los catorce años crea sus primeros lieder y antes de cumplir los dieciocho ya había creado una de sus obras maestras, Gretchen am Spinnrade, el primero de los muchos lieder inspirados en poemas de Johann Wolfgang von Goethe. A los diecinueve años había escrito ya más de 250 lieder. Pese a sus dotes musicales, su padre pretendía que Franz se dedicara a su misma profesión y ejerciera de maestro. Esto motivó el enfrentamiento entre ambos y el abandono de Franz de la casa paterna.

Fuera del hogar paterno y decidido a ganarse la vida con la música, Schubert se refugió en la casa de su amigo Franz von Schober. Este fue el inicio de un largo peregrinaje, ya que nunca consiguió mantenerse sólo con sus composiciones y sobrevivió gracias a la generosidad de sus numerosos amigos, que lo fueron acogiendo sucesivamente en sus respectivas casas. En Viena Schubert llevó una vida bohemia rodeado de intelectuales, amante de las tabernas y de los ambientes populares, alejado de los salones y de la etiqueta de la nobleza. De este entorno procede el famoso término de schubertiadas: reuniones de artistas de todos los ámbitos que formaban un círculo brillante y animado dedicado a la música y a la lectura. Admiraba profundamente a Beethoven pero a pesar de vivir en la misma ciudad, se negó siempre a entrar en aquellos círculos de la alta sociedad. Esto repercutió tanto en su obra como en su vida ya que nunca llegó a conocer la fama o el éxito. A pesar de ello, Schubert con Beethoven, establecen las bases de lo que será la música del romanticismo. Podríamos decir que Schubert representa la esencia del primer romanticismo: el lirismo, la melodía y las pasiones.

Durante sus últimos años escribió piezas magistrales, fruto y reflejo de sus experiencias personales y siempre con el sello inconfundible de una inagotable inspiración melódica. Por ejemplo, una tensa profundidad marca la Wanderer-Fantasie (1822) o Die schöne Müllerin (1823). En 1824 escribiría Der Tod und das Mädchen, uno de sus cuartetos más conocidos y ya hacia el final de su vida, el intenso dolor y el aislamiento dejaron su impronta en el ciclo de lieder Winterreise (1827). Así mismo en 1827 compuso la Fantasía para piano y violín en Do y los dos Tríos para piano. 1828 fue el último año de vida de Schubert y su enorme producción en esa etapa da a su muerte un aspecto abrumador y trágico. El continuo pedido de sus editores por trabajos cortos para piano, unido con el deseo de encontrar un mercado en Alemania, pudo ser la razón por la que Schubert produjo tantas piezas de este tipo en estos meses. Estas obras son eminentemente líricas y presentan diversos estados de ánimo, siendo dramáticas, meditativas o apasionadas, presagiando el desarrollo más libre que tendrían las formas pianísticas en manos de aquellos compositores del romanticismo.

Quizá los mejores ejemplos en este aspecto de su producción lo constituyen sus Momentos Musicales y sus Impromptus. También aparecen en ese período obras tan trascendentes como la Novena Sinfonía, las tres últimas sonatas para piano o las canciones publicadas póstumamente con el nombre de Schwanengesang, que sin ser un verdadero ciclo de canciones, mantiene unidad de estilo entre las distintas canciones, entre la profunda tragedia y lo mórbidamente sobrenatural. Sin duda, se trata de una etapa en el cual el músico se desarrolló enormemente, concibiendo partituras desbordantes de ideas, ampliamente grandiosas y orientadas hacia nuevas direcciones. Y ninguna revelaba signos de declinación a pesar de que su salud se deterioraba progresivamente. Por aquel entonces, Schubert tenía solamente 31 años y acababa de matricularse para estudiar fuga. Pero una sífilis, complicada finalmente con una fiebre tifoidea, lo llevaron a la muerte.

El último deseo de Schubert, ser enterrado al lado de Beethoven, muerto un año antes, es finalmente una realidad, ya que actualmente, Schubert reposa en el mismo lugar, reservado a músicos ilustres, donde también se encuentra la tumba de Beethoven, en el Zentralfriedhof de Viena. Así como demostró un notable caudal melódico y un interés casi espontáneo por los detalles, Schubert fue un pionero en ciertos aspectos tonales y armónicos que, lamentablemente, no pudieron ejercer mucha influencia sobre los compositores que le siguieron. Por la época en que se hicieron conocidas sus principales obras, tales avances ya formaban parte de un arte musical que se desplazaba por otros rumbos. Sólo las décadas finales del siglo XIX revelaron toda su genialidad a un ámbito más amplio e, inclusive, su estilo encontró seguidores tan eminentes como Brahms, Dvorak, Bruckner y Mahler. Esta mayor difusión de su creación ayudó también a profundizar el poco conocimiento que se tenía de los diversos aspectos de su corta vida.

Wikipedia/Radio Beethoven

Die Verschworenen, ópera en un acto (1823). Romanze, Ich schleiche bang' und schrill. Ensemble, Eifrig wollen wir beraten.

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NotaPublicado: 12 Ene 2007 21:14 
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faroliclass

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Zelenka mis felcitaciones por este hilo :aplauso:.
He aprendido mucho, gracias :o :D.

saludos...


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NotaPublicado: 17 Ene 2007 19:56 
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Domenico Alaleona (1881-1928) He was born in Montegiorgio, a small village in the south of Marche (central Italy) Alaleona belongs to that large group of composers who tried to renew the Italian musical language at the beginning of 1900s, by linking the retrieval of Gregorian chant and of Reinassance classical poliphony with the most recent composing techniques, and by completely ignoring the Romantic experience. The musical culture of that time was characterized by the lack of univocal certainties and by the consequent search for identity on the part of the artists, who were pursuing it towards different directions. The Italian musical panorama was dominated by the veristic opera, but parallely some new interests in Renaissance music were emerging, with the consequent revaluation of such figures as Frescobaldi and Monteverdi.

Alaleona started his musical studies when he was a child, and then he entered the Conservatoire of Santa Cecilia, where he took the courses of Composition with De Sanctis, of Piano with Bustini and Sgambati, and of Organ with Renzi. He got the diploma in Composition in 1906 with the oratorio Atollite portas and he graduated in Arts at the University of Rome with a thesis on “Studies upon the history of the musical oratorio”, an impressive important work which was published in 1908. From those early years the essential character of Alaleona’s artistic experience revealed itself, that is to say a wide humanistic culture at the service of the musical art; in these terms, Alaleona represented the first Italian case of “musicologist-composer” , a role which today is predominant in comparison with the past.

His interest in choir music led Alaleona to teach Choral chant at the Scuola Nazionale di Musica directed by Mascagni, and then to the direction of the Società Corale Guido Monaco in Leghorn (1907). From 1910 he was director of the Coro dell’Augusteo in Rome. In the same years, Alaleona started developing his “theory of the division of the octave in equal parts”, which would find accomplishment in two important theorical writings appeared on the Rivista Musicale Italiana in 1911: The modern horizons of musical technique. Theory of the division of the octave in equal parts and Very Modern Harmony, where , in his search for new linguistic codes and ethical horizons, Alaleona foretold the intuitions of great Central European composers, as Schonberg, arriving explicitly at theorizing dodecaphony.

Luigi Verdi

Mirra, ópera en dos actos (1908-1912). Comienzo.

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NotaPublicado: 22 Ene 2007 19:31 
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Heinrich Ignaz Franz von Biber (1644-1704) Nació en Wartenberg, ahora Stráž pod Ralskem, Chejia. Biber fue uno de los compositores más interesantes del barroco medio germano pero poco se sabe de su formación musical. Probablemente estudió en Viena con Schmelzer y comenzó su carrera como violinista en la capilla del obispo de Olmütz. Luego se convirtió en director del coro y la orquesta del arzobispado de Salzburgo, donde falleció en 1704 tras pasar sus últimos años en la corte bávara. Biber logró alta estima entre sus contemporáneos y socialmente alcanzó un alto nivel. De hecho, recibió un título de nobleza del emperador Leopold III en 1690, una distinción que compartió solamente con unos pocos músicos, entre ellos Hassler, Kern y Dittersdorf. Biber compuso una gran cantidad de música litúrgica, dos óperas, un buen número de música de cámara y muchas piezas para violín. Precisamente son estas últimas las que han perpetuado su nombre. En su época el violín era todavía un instrumento relativamente nuevo y Biber fue el primer violinista virtuoso. Además, sus composiciones para violín fueron las primeras en tener un verdadero valor musical y marcaron una etapa trascendental en el desarrollo de la técnica del instrumento.

Radio Beethoven

Arminio (Chi la Dura la Vince), ópera en tres actos (1691-1692). Escena primera del acto primero. Escena sexta del acto segundo.

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NotaPublicado: 22 Ene 2007 20:15 
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aunque hilos como éste descubren mi profundo desconocimiento (sólo había oído hablar de un par de autores :oops: ), no puedo dejar de agradecer tan valioso esfuerzo!! :shock:

muchas gracias y sigue así porque estoy segura de que much@s te seguimos!!! :D

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NotaPublicado: 24 Ene 2007 23:53 
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Grácias, Zelenka, por ese hilo. Conozco múy bien a la música de Gershwin pero Fidich es algo nuevo. ¡Que lástima que pongan lo que es el segreto de Susanna en la cubierta del CD!


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NotaPublicado: 25 Ene 2007 0:44 
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Gracias a tod@s por vuestros comentarios :wink:


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