Recital de Benjamin Bernheim. Teatro de la Zarzuela. Madrid. Ciclo de Lied. 26 de enero de 2026.

Obras de Gounod, Hahn, Chausson, Berlioz, Duparc, Mompou, Turina y Ginasterra.
Borja Mariño, piano.

Presentación en Madrid de este tenor que está en los teatros de primera fila de todo el mundo.
Voz lírica, emisión muy natural, facilidad para el agudo y jugando con maestría con las dinámicas.

El programa se me hizo un poco pesadito, hora y pico de mélodie francesa con temáticas tan diversas como las flores, los bosques, el mar y amores compungidos acaba por saturarme.

Soy de los de prima la musica poi le parole, así que no me dedico a diseccionar la pronunciación de los cantantes (a no ser que canten con una patata en la boca o nos hagan un o patria mia de oaaiaaiaaa", claro), que es algo que los liederespecialistas valoran mucho. Aquí no hay problema porque un tenor francés cantaba canciones francesas. Incluso pidió disculpas cuando comenzó con las canciones en español y catalán. Hubo un momento gracioso al término de la de Mompou, que se cerró de golpe una puerta de palco, parecía que alguien se había ido después de escuchar la canción y Bernheim hizo unos simpáticos gestos de disculpa.

Acompañamiento impecable de Borja Mariño.

En los bises, Pourquoi me réveiller, estupendo, y ya un poco fatigado E lucevan le stelle, arrancando justas ovaciones.

Excelente recital el ofrecido por el conjunto Ensemble 1700 y el sopranista Bruno de Sá el pasado día 28 de enero, en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional, dentro del celebrado ciclo "Universo Barroco", que va ya por su décimoquinta edición. Pese a estar englobado dentro del "III centenario de la muerte de Alessandro Scarlatti" (etiqueta #Scarlatti.300), lo cierto es que el programa no mostró un protagonismo tan destacable del músico siciliano (4 obras), pues también recogió composiciones de otros autores tan significativos como Haendel (3) y Corelli (1), o de menor renombre, como Giovanni Battista Bononcini (2), Alessandro Marcello (1) y Francesco Barsanti (1).

Como no podía ser de otro modo, lo más significativo del concierto vino de la mano del virtuosismo de Dorothee Oberlinger —flautista y líder de la formación, cuyo arte ya hemos tenido ocasión de celebrar otras veces en la misma sede— y, sobre todo, del brasileño Bruno de Sá, que acabó erigiéndose en el centro absoluto de la velada, por su empeño, simpatía, implicación y complicidad con el resto de intérpretes y del público, en medio del cual jugueteó e interactuó en algunos momentos de la velada. Ya saben ustedes que no soy, precisamente, partidario de las voces de contratenor, y que el último sopranista que hube de sufrir —el, por otra parte, celebradísimo Samuel Mariño— fue una total decepción para mí, por su voz incopórea, su afectado canto y exagerados acentos. Sin embargo, en el caso presente, no puedo negar que lo realizado el domingo por de Sá fue auténticamente excepcional: la voz, para empezar, tiene una magnífica proyección (es cierto que hablamos de una sala pequeña, pero no creo que funcione mal en un espacio mayor), suena timbradísima, es rica de armónicos (pese a las pegas que se le pueda poner a un canto en falsete), se mueve cómodamente en las franjas extremas, y está manejada con gran sensibilidad expresiva y una técnica espectacular, que permitieron al brasileño ofrecernos una serie de filados increíbles, dos o tres messe di voce realmente conmovedoras, y agilidades pasmosas y auténticamente pirotécnicas en uno de los cuatro bises ofrecidos. La verdad es que, escuchado con los ojos cerrados tampoco se aprecia una gran diferencia con la voz natural de una soprano mujer.

Desde el punto de vista estrictamente instrumental el Ensemble 1700 mostró también su total dominio sobre un repertorio que viene abordando con frecuencia por todo el mundo, tanto en solitario (con la serenata Clori, Dorino e Amore, de Scarlatti, que abrió el concierto), como junto a Oberlinger, cuya sensibilidad interpretativa, capacidad respiratoria y digitación vertiginosa causaron admiración en algunas virtuosísticas piezas. Señalaré únicamente, en el apartado de los "debe", que no me satisfizo la adaptación para flauta del soberbio Concierto para oboe en re menor, S. Z799, de Marcello, pues la diferencia de sonidos entre instrumentos juega, a mi entender, en beneficio del original y demérito de la flauta, que resulta mucho menos dulce, intimista y rica de terciopelo y armónicos.

En cualquier caso, me quito, pues, la chapela, y celebro con rebozo haber asistido a este disfrutable concierto (a pesar del sopranista ).

Pero lean, lean la entusiasta crítica de Simón Andueza, en Ritmo, porque es mucho más completa que la breve impresión que yo les he traído aquí.

NOTA: como no sabía muy bien qué hacer, he publicado este mismo comentario en el hilo específico de conciertos (dado el carácter híbrido del espectáculo). Pero los administradores decidirán si la cosa se queda así, duplicada para comodidad de los foreros, o si, por el contrario, hay que eliminar una de las dos publicaciones.

Antes que nada, me parece muy buena idea que comentemos en este apartado los eventos vocales en los que la opera o la esté presente, de una u forma.
Estuve en el evento, me gustó, pero sin llegar a entusiasmarme. Me pareció demasiado efectista y abusando un pelín de la teatralidad. Por otra parte, es de agradecer en este ciclo, en el que de vez en cuando nos tocan algunos programas que casi parecen más dirigidos a profesionales eruditos de la música que a un público aficionado.
Me sigue quedando una gran duda sobre el aspecto vocal. ¿Falsete o no falsete? A mi me pareció que si hubo y bastante, aunque quizá menos que en los contratenores. Para los que tenemos edad sobrada para ser abuelos, el “falsete” era algo considerado negativo. ¿Se admite ahora? ¿Se admite también en los tenores y sopranos?
Me gustaría saber la opinión de los foreros.

Bueno, es que eso va de suyo en todos (o casi todos) los contratenores (sean sopranistas, o no). Creo que forma parte de su idiosincrasia artística ese marcado juego con la ambigüedad, así como determinadas declaraciones. El propio cantante brasileño, en una entrevista, llegó a declarar que el tener pene reducía hasta en un 50% sus posibilidades como artista y cantante. En fin, yo tengo la solución a ese problema, pero no sé si... Vamos, que el efectismo va en el juego. De todas formas, si de Sá le pareció efectista, no le quiero decir nada lo que es Mariño.


Sin duda; claro que hubo falsete. Como ya sabrá, la diferencia fundamental entre contratenores puros (por llamarlos así) y sopranistas está en que estos últimos, a veces, son hombres que no han desarrollado del todo su laringe (vamos, que ésta no ha terminado de bajar completamente, quedando alta y permitiendo, así, una emisión también elevada, como en el caso de las mujeres). Pero cuando les oyes hablar, o emitir notas graves, llegas a la conclusión de que ahí tiene que haber falsete. Luego, claro, está la calidad de la voz (que no es igual en todo el mundo, y menos en los cantantes), y es ahí donde de Sá creo que destaca. Al menos a mí, que sólo me parece haberle escuchado una o dos veces, me impresionó bastante, por su timbre, calidad, proyección y riqueza de armónicos; es decir, que no sonaba --como suelo decir yo de estos cantantes-- como una gallina clueca, sino con mayor entidad, peso, homogeneidad y riqueza.


No termino de saber muy bien qué quiere decir, pero si es lo que yo pienso, creo que estamos de acuerdo: muchas veces le comento a mi mujer (pues ambos somos abonados de este ciclo), que los programadores se centran demasiado en la recuperación de repertorio olvidado (si lo fue por algo será) y especialmente español (que no siempre es el más destacable), dando de lado a otros músicos europeos más importantes, populares, a los que debemos obras famosas que disfrutaríamos todos muchísimo si se programaran. De manera que es muy de agradecer haber presenciado un programa como el ofrecido por Ensemble 1700 y Bruno de Sá, en el que aparecían representados grandes nombres de la música antigua, como Scarlatti, Haendel, Corelli, o Marcello.

La Ópera de Tres Centavos en el Auditorio de Tenerife

Única función la de ayer, 1 de febrero, en un auditorio lleno. Coproducción del propio coliseo tinerfeño junto al Teatro Pérez Galdós de Las Palmas y otras entidades, fue un triunfo absoluto del cantante Coque Malla y su elenco, así como de los arreglos musicales de su hermano Miguel Malla. La obra se traslada a Londres durante la coronación de Isabel II. El lenguaje corrosivo y anticapitalista de Brecth subraya la "música degenerada" de Weill. Me lo pasé bomba.

Me alegro porque, a pesar de las dudas por el cantante, iré por la música de Weill la semana que viene al Arrriaga bilbaíno.

Disfrutará mucho. La puesta en escena está muy bien, el septeto de instrumentistas también (Miguel Malla toca el piano, dirige y tiene una breve intervención hablada). Y Coque no lo hace mal en mi opinión, aunque entiendo que tenga dudas. El reparto restante, coordinado y divertido; sobre todo las chicas, que cantan muy agradablemente, son muy guapas y graciosas. Vestuario, iluminación y decorados en consonancia. Dígame si le gustó cuando vaya al precioso Arriaga.

Hace como quince años se hizo en Galicia en gallego protagonizada por Luis Tosar. Iba a ser un pelotazo, uno de los montajes del año... y todo lo que pudo fallar falló y fue un pequeño desastre. Había prevista una gira nacional que se canceló (apenas se hicieron dos semanas de funciones en Madrid en verano un poco por la puerta de atrás). Cuando vi el anuncio de esta nueva producción no pude menos que recordar aquel fiasco... y quien sabe si imaginar algo que vaya a ir en esa línea.

No pensaba solo en estos programas, que también. Más bien recordaba los cinco libros de madrigales (completos) de Gesualdo. Una maravilla según la crítica, no lo dudo. Pero al final dudábamos si habíamos oído diez madrigales o diez veces el mismo madrigal. Limitaciones que uno tiene.
Muchas gracias por los comentarios!!

¿Pudo ser esta la versión que escuché en el Teatro Principal vitoriano en mi única ocasión con este gran obra de Weill? Yo creo que son bastantes más de quince pero creo que era un grupo gallego.

Estoy viendo y ellos no hicieron función en Vitoria dentro de su gira de 2011. Lo más cercano fue Pamplona en el teatro Gayarre. Usted debió ver la versión de Atalaya (andaluces) que giró por todo el país y es un poco anterior a esta (2007). Vi ambas.

2007 me casa más porque sabiendo con quien vi la función tiene que ser antes de 2008. Pues bien, eran andaluces y no gallegos. La semana que viene segunda oportunidad casi veinte años después.

¿Sería esta la que vio usted? http://www.youtube.com/watch?v=zvprHv6WRgg

¿Sería esta la que vio usted, que es la andaluza a la que hago referencia? http://www.youtube.com/watch?v=zvprHv6WRgg
Es una compañía de repertorio, o sea ha tenido el espectáculo en cartel (en gira) mucho, mucho tiempo.

No he visto nada en este foro sobre el Werther de ABAO de hace un par de semanas. Alguna idea a vuelapluma tras ver la última función.
Sustituía a Stephen Costello el canario Celso Albelo, aquí en un rol que (por lo que sea) no ha frecuentado mucho en su carrera. De ahí el atractivo. El canario, con dominio del estilo y un timbre que ha madurado, crecido y ensanchado con los años, hizo una encarnación valiente, aguerrida y con instrumento de protagoista; tanto a la hora de no guardarse en su generosidad en el registro agudo (los lanza plenos como saetas) como a la hora de plegar sus medios (hoy más generosos y maduros que hace unos años) al refinamiento francés. Es el suyo un Werther pleno, con una vocalidad poderosa que nunca se esconde y una voz penetrante, poderosa, proyectadísima. Encuentra por escritura sus mejores momentos en los actos dos (para mí, lo mejor) y tres (muy aplaudido tras su aria). Ha sido muy interesante escuchar a Ismael Jordi y Celso Albelo en este mismo rol con apenas tres meses de distancia: son dos enfoques diametralmente opuestos (partiendo de la naturaleza de los medios de cada uno) pero igualmente válidos. Tuvo un importante éxito.
Me gustó menos Analissa Stroppa, de voz más bien asopranada, un punto tragada en el grave y de color impersonal. Canta y suena; pero no va mucho más allá la cosa. No terminó de descollar (se le silenció su larga aria del tercer acto) y quizá esperaba más para la carrera que viene desarrollando.
Debutaba Sophie la gallega Lucia Iglesias, adecuadísima al rol por figura, vocalidad y timbre. Destacó, y dejó detalles de buen gusto en el canto (agudos sostenidos bien filados). El incombustible Ángel Ódena, después de tantos años de carrera, sigue en su sitio y con los papeles en regla como Albert. Tanto Enric Martínez Castignani como Bailli como los intérpretes de Johann y Schmidt cumplieron sin problemas.
Adecuada la orquesta, y algo pesante y alicaída la dirección de Carlo Montanaro que, al menos a mi modo de ver, no siempre se lo puso cómodo ni fácil a los cantantes.
La producción de Rosetta Cucchi no hace nada que no se haya visto antes en esta ópera, y plantea problemas de proyección al colocar (bastante al fondo de un escenario enorme como el del Euskalduna) la casa en la que viven Charlotte y familia, con lo que el sonido a veces se amortigua. La idea de plantear todo como un flashback de Werther funciona mejor en el arranque y el planteamiento que en el desarrollo; y el Euskalduna parece un escenario demasiado grande para este espectáculo.´
Entrada no muy abundante en ABAO (donde, por cierto, menudos precios), público gélido durante la función (a escena abierta apenas se aplaudieron Pourquoi me reveiller y Les larmes) y bastante más generoso al final. Los mayores aplausos se los llevaron Albelo e Iglesias.