Abro hilo sobre estas funciones de la Theodora haendeliana para señalar que estoy leyendo el programa de mano y me he quedado patidifuso: no sólo la acción ha sido indefectiblemente manipulada por el regista de turno (en este caso "la" regista) para convertir el oratorio del compositor germano-británico en una ópera feminista, sino que, además, contamos en el plantel de personal técnico-artístico con la presencia de una coordinadora de intimidad, nada menos. ¡¡¡Agárrense, que vienen curvas!!!

Seguiremos informando (si fuera el caso)...

Es evidente que Haendel, al optar por la forma "oratorio", lo que deseaba primar era la palabra/música sobre la acción, y el ejemplo espiritual/moral tanto de la acción, como de los personajes; lo que no pretendía, desde luego, era mostrar mujeres empoderadas, ni reivindicar el lado terrorista del feminismo. El resultado: una representación aburridísima donde no ocurre absolutamente nada, más allá de una acción paralela totalmente inventada por la regista para empozoñarnos con su mensaje particular. Y en estos casos siempre me pregunto: si tantísima necesidad tenía de adoctrinarnos, ¿por qué no escribió una obra propia ex novo, o encargó a un músico actual que lo hiciera en lugar de retorcer a Haendel?

Pero vamos, cosas como ésta parecen ser el sino (y el cáncer) operísticos de nuestra época (aunque vengan de lejos (y de Centroeuropa), como también parece serlo el hecho de que se escenifiquen los oratorios y se ofrezcan en concierto las óperas. Otro intento de "innovación", más, imagino.

Por cierto, la única voz realmente operística de la velada es la de Di Donato (y tampoco es que sea Fiorenza Cossotto).

Theodora es un oratorio durito. Tres horas de arias da capo tirando a intensas y una acción muy limitada hacen que sea un Händel de los pesados.

Si además tienes a Ivor Bolton un poco perezoso y falto de brío, la cosa se hace aburridísima. Vale, sí, las partes de los cristianos son profundas y están bien llevadas, pero eché en falta un puntín de velocidad y de diferencia de dinámicas.

Bienvenida sea entonces una producción que le dote de un poco de movimiento, pese a las cansinas y repetitivas quejas de los del club "Hay que quemar el teatro porque Tosca no ha puesto los dos candelabros".

La parte vocal se mueve en la corrección, destacando una inteligente DiDonato que ya ha superado su fase de diva que impone lo que le sale del papo (véase aquella Stuarda barcelonina) y ahora afronta papeles adecuados a su vocalidad. Y oye, esta Irene le ha salido la mar de bien. Además, se roba la función ella sola. Tan pronto es experta en explosivos como cerrajera, moza de cocina, sacerdotisa, experta en SloMo, asesina y además en un santiamén te prepara Nescafé para 40 y te dobla la colada. Una joya.

El resto del reparto, para mí, bien pero sin ese punto de lucimiento que esperaba y que te hace levantar el interés. Julia Bullock se me quedó plana vocalmente aunque interpretativamente estimable. Iestyn Davies tiene un notable y esforzado desempeño como contratenor. Bien. Correcto Ed Lyon y con algún apurillo Callum Thorpe, salvado porque tiene las partes más vistosas para el público.

Interés que se lleva la producción con su variedad de movimientos, y en la que no hay una dramaturgia paralela: ocurre lo que tiene que ocurrir. Todo lo que el libreto cuenta es lo que nos están contando. Hasta que llegamos al final, del que no voy a hacer spoiler, y ahí sí que nos lo han cambiado. Minipunto para el Team Candelabros.

¿Cuál es el problema y lo que ofusca? La palabra feminismo, que a tantos irrita hasta el espumarajo. La directora de escena hace que Theodora haga cosas y participe de la acción en vez de ser una señora que está sentada en su oratorio, se levanta cuando le toca cantar y luego se vuelve a sentar (Teresa Rabal). Ni empoderada ni fanática la veo yo, simplemente está presente en la acción.

Y luego el tema del reclamo publicitario:
"Esta producción muestra escenas violentas y contiene temas de terrorismo, acoso y explotación sexual."
"Hemos añadido la presencia de una coordinadora de intimidad."
O sea, por favor, como si no hubiéramos visto cosas más perturbadoras en este y otros escenarios. A estas alturas nadie se va a escandalizar excepto los que están predispuestos a ello.

Creo que es una buena puesta en escena a pesar de que distraiga de la música (que tampoco es que sea la quintaesencia de las maravillas) y del abuso de las escenas a cámara lenta. Después del cliffhanger de la sinopsis del programa de mano yo me esperaba un final más potente, la verdad.

Hay detalles que no se llegan a apreciar bien porque el escenario está muy atrás y hay elementos pequeños como el tejemaneje de los teléfonos móviles del primer acto. Yo, que estoy en las alturas y para ver las pantallas tengo que hacer torsiones extremas de cuello, me enteré porque había visto el primer acto en el vídeo de esta producción que está comercializado de las funciones en el Covent Garden y que se puede encontrar online.

No conozco la producción de Glyndebourne de Sellars/Christie con Dawn Upshaw, David Daniels y Lorraine Hunt, pero en todos lados aparece como una referencia imprescindible. A ver si algún día tengo tiempo y ganas.

Teatro bastante lleno, con claros en el primer descanso y muchos más en el segundo.
No os dejéis engañar por lo que pone en el programa de mano, de 3 horas y 25 minutos nada, 3:40. Terminó a las once y diez, si le añades aplausos te pones a medianoche en casa.

Y el cartel, AY EL CARTEL.
No puedo con estos carteles "descriptivos" que llevan ya unas temporaditas en el Real (aún me da pavor recordar el de Lakmé o los de la Tetralogía, el triunfo del horror vacui). Me parecen horrorosos. Aquí te ponen el templo romano, el soldado/segurata, la Theodora pilingui...¡con un cucharón y un crucifijo! para que sepamos que hay una cocina y trasfondo religioso y la chica del pole dance. Me han faltado los canales de cerdos.

Conclusión personal: ladrillete händeliano correctamente cantado pero lento en tempi con una interesante puesta en escena. Me alegro de haber asistido pero no repetiría.

Como cometí el error de leer el programa antes de entrar, me atacó un bostezo wokiano del que no pude desprenderme en toda la representación. Un crítico fino dice que a Bolton le faltó chispa. Yo diré que odio el barroco desde que lo sufro en el Real, menudo tostón de dirección. Los solistas, muy mal. Ni Donato lució especialmente. Sigo alucinando con el coordinador de intimidad... definitivamente en este siglo estamos abriendo nuevos sectores de actividad muy rentables.

Que disfruten los valientes de esta representación. Y que nos lo cuenten por aquí.

Saludos.

Bolton es un director sin chispa, da igual cuando leas esto.

Yo no leo críticas, foros o programa de mano antes de ir a una representación para no ir con prejuicios. Pero en el metro leí la entrevista con la directora de escena y sí, se pasa.
Sobre Bolton y el barroco creo que casi todos estamos de acuerdo.
Coordinador de intimidad: Se supone que en los ensayos se ha tenido que tener un ambiente seguro para que nadie se pueda sentir violentado. Si se pone de moda resultará que sólo los teatros con buen presupuesto lo usarán, presumirán de ello y no tardará en salir quien ataque a los otros teatros que no lo tengan.
Repito lo de antes: no se ve nada más perturbador que en otras ocasiones. Bieito se tiene que estar descojonando de esto.

Tras limpiarme los espumarajos de la boca y dejar a un lado la tea que utilizo habitualmente para pegarle fuego al Teatro Real cada vez que la Tosca de turno no pone en su sitio los dos candelabros velando a Scarpia , me dispongo a continuar el comentario sobre estas representaciones de la Theodora feminista de Mitchell que inicié el mismo día de la función.

Debo decir que escénicamente, y a pesar de las transgresiones argumentales (especialmente el final) y de la turra ideológica con el mensajito alternativo (que no podía faltar), la propuesta de Katie Mitchell y su equipo funciona bien, tanto desde el punto de vista estético, como de la progresión dramática. Se ve que ha habido un trabajo importante con los intérpretes, pues hay un argumento de fondo sobre el que incidir desde el punto de vista actoral, por más que no tenga absolutamente nada que ver con lo que pensaron Haendel y su libretista Thomas Morell, y aunque lo que estamos viendo tampoco responda a lo que dicen/cantan los personajes. Así, oímos hablar de efusiones extáticas y arrebatos místicos, mientras preparan una bomba casera, cocinan un suflé, o doblan la ropa. Pero, a estas alturas y visto lo visto, eso tampoco tiene ya demasiada importancia. Feliz y acertada, aunque algo repetitiva (lo bueno, si breve...), la fórmula de recrear el movimiento a cámara lenta de los intérpretes para representar algunos momentos significativos de la acción: aquel en que los conspiradores/terroristas son detenidos y el desenlace final de la historia (que altera por completo el libreto original). Añado también que me resultó muy interesante la disposición horizontal de los espacios escénicos y el movimiento lateral de estos, produciendo en el espectador la sensación de estar leyendo una historieta occidental (movimiento a la derecha), o un manga (movimiento a la izquierda).

Desde el punto de vista musical destacar, como ya se ha hecho antes, que la labor directorial de Ivor Bolton no brilló precisamente por su chispa y dinamismo. Cierto es que se trata de un oratorio, que la música de Haendel --apoyada en números generalmente lentos y en tonalidades menores-- no aparece aquí tan retozona, espectacular y pirotécnica como la que encontramos en sus óperas (apenas hay coros, por ejemplo, y encima se suprimieron la mayoría de los que cantan los paganos), y que el argumento tampoco da pie para lucimientos espectaculares de sus solistas a través de osadas arie agitate o di bravura, pero lo cierto es que habríamos agradecido algo más de fuoco y de variedad tímbrica y dinámica en la lectura de esta obra tan larguísima y reflexiva. Correcto y cumplidor, sin más.

En el terreno vocal, y como ya señalé en mi segundo comentario publicado tras el primer acto, la voz auténticamente operística de la velada fue la de Joyce Di Donato (y eso que no se encuentra en sus mejores momentos): por colocación, emisión, control de las dinámicas, volumen timbre y expresividad su Irene fue lo más interesante de la función. Y así lo entendió la mayoría del público, que premió con aplausos bastante efusivos, y algún que otro "¡bravo!", sus diferentes intervenciones solistas, mostrando que era la auténtica triunfadora de la noche. Especialmente destacable --magnífica, diría yo-- fue su "Defend her, Heav’n! Let angels spread, del segundo acto. En resumen: un sobresaliente para ella.

En el lado opuesto de la balanza encontré a la soprano estadounidense Julia Bullock, que fue una Theodora absolutamente decepcionante: voz de emisión irregular, corta, heterodoxa, de agudos destemplados y graves inexistentes. Ni siquiera desde el punto de vista actoral me pareció especialmente destacable, y eso que su entrega y arrojo hicieron que uno de los momentos estelares de su particella y de la obra en conjunto -- el de la violación-- resultara un fiasco, al quedarse la intérprete sin fiato, lo que hizo que acabara gritando y gimoteando, más que cantando. Es posible --como parece dar a entender uno de los dos artículos incluidos en el programa de mano-- que Bullock se halle en absoluta sintonía con la directora de escena; lo que no puedo asegurar es que le ocurra lo mismo con Haendel. Y algo parecido debió de pensar el público, que no premió con aplausos ni una sola de sus intervenciones solistas. En resumen: decepcionante.

El segundo solista más destacable, detrás de Di Donato, fue el contratenor Iestyn Davies, quien, en la piel del sufrido legionario Didymus, se mostró en todo momento expresivo y muy ajustado desde el punto de vista canoro. Es una realidad que debo reconocer, a pesar de que las voces de contratenor me producen auténtico repelús, por su artificialidad. También hay que destacar su labor como actor, pues en esta producción la directora de escena exige bastante de él. No es que brillara en la barra americana, pero el hombre se defendió, al menos, y contribuyó a divulgar el mensajito-denuncia de la Mitchell. Así pues, un notable.

En la piel del cobarde e indeciso Septimius estuvo el tenor británico Ed Lyon, que con su voz clara, engolada, corta y algo desabrida hizo lo que pudo, con unas atropelladas agilidades y bastante dificultad para los agudos. Entrega no le faltó, eso sí. Un aprobado, pues.

El malo malísimo de la función estuvo representado por el bajo británico Callum Thorpe, que se mostró bastante "torpe" con el canto ornamentado (perdón por el juego de palabras), y resultó vocalmente irrelevante en conjunto, cosa que sorprende, pues su parte es bastante lucida. Si por algo destacó es por haber construido --siguiendo las directrices de Mitchell, imagino-- un gobernador romano hortera, chulesco y macarra, pero muy limitado en lo actoral, con gestos exagerados y grandilocuentes. Aprobado raspado.

Muy correcto el Mensajero de Thando Mjandana.

Y para finalizar alguna reflexión más sobre la puesta en escena y sus derivadas: evidentemente, y después de lo que presenciamos todos los días en el mundo real, nadie se va a escandalizar por ver sobre el escenario a dos mozas de buen ver y un contratenor escualidín enseñando cacha; o porque se presente a los cristianos de época primitiva y a una santa, mártir y virgen como terroristas. Tampoco es que la palabra y el concepto "feminismo" produzcan urticaria (al menos a un servidor). Lo que a mí me molesta --si podemos decirlo así, aunque tampoco sea algo que me quite el sueño-- es la petulancia y la falta de imaginación que manifiestan estos enfants et petites filles terribles de la escena, creyendo que vienen a poner el mundo patas arriba y a descubrirnos la Luna, cuando, en el fondo, son tan rancios, previsibles y faltos de imaginación como aquellos otros contra los que, supuestamente, quieren lanzar su mensaje. ¿Un planteamiento feminista en plena era woke y de feminismo hasta en la sopa? ¡Oh, qué novedad y qué sorpresa! Y todo para, a la postre, hacernos creer que una mujer está más empoderada por convertirla en terrorista, en lugar de utilizarla como ejemplo por lo que hizo realmente, esto es dejarse matar por su fe (= principios) como ejemplo de entereza, valor e integridad moral. ¿Acaso no hay ahí resistencia, lucha y reivindicación personal frente al poder ("machirulo") establecido? En fin... Por cierto: no ha debido caer Mitchell en el hecho (nada baladí) de que Theodora sufre el castigo y la humillación no por ser mujer, sino por ser cristiana. Ahí lo dejo.

Y también se queda uno "epatado" con el ingenio que desarrollan otros (y otras) para buscarse la vida (y hacerlo de manera bastante lucrativa, estoy seguro) a cuenta de sacarle provecho a uno de los temas-fetiche de nuestro tiempo (movimiento Me too, etc.). ¡¡Coordinadora de intimidad!! Típico de una época llena de circunloquios y retóricas perifrásticas. Eso sí que es "emprendimiento", y no montar una multinacional de informática.

No es miembro del foro, pero creo que sus reflexiones son bastante oportunas e ilustrativas:

https://www.eldebate.com/cultura/musica/20241112/theodora-escandalo-tampoco-logra-conmover_244063.html

Y tan ilustrativas, además de más que razonadas.

Función del 17 de noviembre de 2024.

Hace muchos años leí, no recuerdo en qué foro, o tal vez me lo contaron, que durante una función del Otello verdiano hace más de sesenta o setenta años, el famoso tenor que lo interpretaba cantaba la escena final, ante el cadáver de su amada Desdémona, momento el cual aprovechó para sobar todo su escultural cuerpo, mientras agonizaba junto a ella. Al bajarse el telón, Desdémona, encarnada por una diva de las de antes, de fuerte carácter, se incorporó y abofeteó al lascivo tenor. Hoy en día, con tantos escándalos sexuales que han afectado al mundo del espectáculo, incluidas acusaciones a famosos artistas y empresarios, y con una mayor sensibilidad con el tema, en el mundo del cine y de las series de televisión, hubo actrices que empezaron a exigir los servicios de lo que hoy se llama coordinador de intimidad, que son los responsables de que en las escenas de sexo, los actores involucrados no se excedan más allá de lo debido y traspasen la delicada línea entre actuación y abuso.

¿Por qué hablo en primer lugar de todo esto? Porque el Teatro Real de Madrid ha anunciado en todos los medios, que para el montaje del oratorio Theodora, de Georg Friedrich Händel, (que se verá este mes de noviembre y que se vio en el Real en 2009 en versión concierto) se ha contado con los servicios de la coordinadora de intimidad más famosa del momento, la británica Ita O'Brien, quien ha trabajado en series famosas como Sex Education. O'Brien es colaboradora habitual de Katie Mitchell, la directora de escena de esta Theodora, procedente de Londres, que ambienta la acción en una época moderna. Theodora es un oratorio que Händel estrenó en 1750, pero pese a que el compositor la consideraba como una de sus mejores creaciones, no tuvo mucho éxito. Sin embargo, la obra ha gozado al fin de la popularidad que merece, pues su música es bellísima, y aunque como todo oratorio es una obra estática, en esta ocasión sobre el martirio de Teodora, una legendaria joven cristiana que vivía en Alejandría (Antioquía en la obra) en tiempos del emperador romano Diocleciano (famoso perseguidor de cristianos), y de Dídimo, un romano enamorado de ella, que se convierte al cristianismo por amor. Una historia que el libretista Thomas Morell tomó de una obra de teatro.

La producción de Mitchell potencia la escenificación de este argumento, haciéndolo más ameno e interesante. Conocida por su labor feminista en escena, Mitchell ambienta la vida de esta santa en una época moderna. Como dato interesante, recurre al movimiento a cámara lenta, aquí recreado por los cantantes, para darle una intensidad mayor a la acción. Theodora no es una joven doncella mística y abnegada, sino una mujer de carácter dispuesta a todo por su fe, convertida así en un referente feminista para la actualidad. Los cristianos son el personal de servicio de la embajada romana de Antioquía. La santa Theodora, y su amiga Irene, trabajan como cocineras, pero al mismo tiempo son activistas radicales cristianas, que para combatir la persecución romana recurren al terrorismo. Así, en la amplia y moderna cocina, preparan bombas y esconden armas. Pero también celebran la navidad, sacando un pequeño arbolito iluminado. La producción transcurre en un espacio muy pequeño, una caja escénica que se mueve de un lado a otro, revelando las estancias de la embajada. La cocina y el salón de la embajada son lo principal. Pero cuando la santa se niega a adorar a Júpiter, es forzada a prostituírse.

Mientras canta su famosa aria "Angels ever bright and fair" los romanos la visten de prostituta y la llevan a una estancia roja, con bailarinas profesionales de table dance bailando en la barra, las cuales luego auxiliarán a Theodora más adelante. Al lado izquierdo, una habitación con una redonda cama roja es el escenario donde un soldado romano intenta violar a Theodora, que se defiende con un arma, pero aun así al cabo de un rato, logra su atroz cometido, el cual no se ve, afortunadamente, en escena. Irene, con un enorme peso en la obra, es aquí una suerte de lideresa, sacerdotisa, e incluso al final del primer acto se encarga de oficiar el bautizo de Dídimo, en un emocionante acto litúrgico, antes de que el soldado libere a su amada.

Al final de la obra, los protagonistas son condenados a muerte en la cámara frigorífica al lado de la cocina, con unos cuantos cerdos colgando. Pero la santa no muere junto a su amado: Mitchell cambia el final. Irene y los cristianos les salvan y matan a los romanos, tomando la embajada y permitiendo a la pareja escapar.

La Orquesta del Teatro Real, dirigida por Ivor Bolton, fue yendo de menos a más a medida que la obra avanzaba. Tras una obertura sin demasiado brillo, la orquesta fue adquiriendo un sonido más camerístico, tan estático como la obra misma. Tras haberlo visto preparar la obra, el Coro del Teatro Real logró sonar místico y emocionante en los coros finales de cada acto. En el primer coro, And draw a blessing down, las voces pudieron con la endiablada coloratura, así como transmitir el misticismo en el final del primer acto, junto a sus colegas masculinos. En el coro que cierra la obra, O love divine, el coro masculino destacó sus potentes voces graves, transmitiendo el carácter religioso de la pieza, aunque las mujeres no se quedaron atrás. Una vez más, misión cumplida, y de forma excelente.


Aunque no era la protagonista, desde luego Joyce DiDonato en el rol de Irene era el reclamo principal. Y lo cierto es que en este repertorio juega en casa: su voz aterciopelada, que se deja oír y que domina el repertorio. Su interpretación de la bellísima aria Lord, to Thee each night and day, fue sin duda el mejor momento de la noche, capaz de cantar en piano y dar un pianissimo prolongado, en un momento sobrecogedor. Y de hecho fue el único número aplaudido.

Julia Bullock fue una Theodora discreta. Pese a que tiene una bonita voz, de timbre más oscuro, parecía cantar más contenida de lo esperable, incluso su volumen vocal parecía pelearse con la orquesta. Como actriz estuvo impecable, y comprometida con el montaje, que demuestra conocer bien.

Iestyn Davies fue un excelente Didymus, bien cantado y dominando la coloratura en las arias, en un personaje con muy bella música. Igualmente notable el tenor Ed Lyon como su amigo Septimius, un tenor que sorprendió con su tesitura aguda en la bella y larguísima aria Descend, kind Pity. Callum Thorpe fue un Valens de voz grande y con un grave tan potente como no tan sutil por momentos. Thando Mjandana como el mensajero tiene un breve papel que solo recita, pero la voz es buena.

Pese a la sonada publicidad dada al tema de la coordinadora de intimidad, lo cierto es que el público vino a disfrutar de una tarde agradable de música barroca, y de Joyce DiDonato, tan querida en esta ciudad. No salió defraudado el respetable, pese a que no estaba lleno el teatro. Al final, la gran triunfadora, aparte de DiDonato, era la esperada: la bellísima música de Georg Friedrich Händel, en lo que puede definirse como uno de los grandes éxitos de esta temporada.

No hay Handel malo (hay que escribirlo así, a la inglesa, sin diéresis). Ya dijo Beethoven que él iría a Londres solo para postrarse ante la tumba del gran Handel.

Santa Teodora de Alejandría fue una mártir cristiana decapitada en 304 durante las persecuciones de Diocleciano. Handel compuso un bellísimo oratorio sobre su vida y muerte. Quizá no esté a la altura de sus obras maestras absolutas, pero contiene arias y coros de una intensidad musical y espiritual muy elevada.

Subrayo lo de espiritual porque es música religiosa, música sacra. Las pasiones (los afectos, por utilizar un término propio de la ópera barroca) que aquí se cantan son pasiones espirituales, religiosas. Si esto no se entiende es que no se entiende nada. Si uno no entiende que los monjes de Silos o un coro Gospel de Soweto están cantando a Dios, pues mejor que se dedique a otra cosa.

Katie Mitchell no lo entiende y además le da igual. Ella viene a montar su escandalete. Es una feminista radical que hace unos días declaraba a un periódico de Madrid: "No me interesa ni me parece relevante la opinión de los hombres blancos cisgénero de clase media". Con un par...

Para escandalizar al respetable nada mejor que herir sus sentimientos religiosos. Eso no falla. Mitchell convierte a los cristianos en un grupo de asesinos que atacan a los romanos y les matan a base de tiros y machetazos. La propia Santa Teodora se carga al gobernador romano de unos cuantos tiros, amartillando la pistola con gran maestría.

Yo soy bastante cristiano aunque no católico sino reformado. Voltaire cuestionaba que los cristianos hubieran sufrido tanto a manos de los romanos como nos ha llegado en el relato de las persecuciones. Vale, pero nunca afirmó que los cristianos fueran una secta violenta, a excepción del lamentable asesinato de Hipatia, que nunca fue ocultado por la Iglesia, por otra parte.

En fin, todo vale para zaherir los sentimientos del respetable. Los mártires cristianos eran una banda de pistoleros y matarifes. Es lamentable ver tanta basura ideológica en un escenario.

Digo yo... Si alguien hiciera una obra de teatro o una película donde las muchachas fusiladas en Madrid en 1939 (las Trece Rosas) aparecieran como un grupo de pistoleras que acribillaron a balazos al comandante Gabaldón y a su hija de dieciséis años ¿eso le gustaría a Mitchell y a sus amigos? ¿Es lícito tergiversar la historia?

Eso sí, mucha preocupación por la "intimidad" que consiste, al parecer, en que los actores no se refroten demasiado en escena. Por mi parte como si echan un polvo en la mismísima corbata, que uno tiene ya una edad y ha visto de todo.

Saludos y ¡viva Handel!

Aquí tenéis el vídeo de esta producción que está hasta mañana sábado en el Teatro Real.

https://vk.com/video591573599_456241988

Gracias.