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(Versión en 4 actos, sin el de Fontainebleau)
Filippo……………………………ROBERTO TAGLIAVINI
Don Carlo………………………JOSHUA GUERRERO
Rodrigo…………………………ÉTIENNE DUPUIS
El Gran Inquisidor………… DMITRY ULYANOV
Un monje………………………IVO STANCHEV
Elisabetta…………………… ASMIK GRIGORIAN
Eboli……………………………EVE-MAUD HUBEAUX
Tebaldo.............................ILIA STAPLE
Conde de Lerma…………….HIROSHI AMAKOq
Voce del cielo………………..ILEANA TONCA
Director de orquesta………PHILIPPE JORDAN
Director de escena…………KIRILL SEREBRENNIKOV
Orquesta y Coro de la Ópera de Viena
Orquesta de escena, Coro extra y Grupo de Comparsas de la Ópera de Viena.
Iba yo paseando al teatro tan contento pensando que, aunque don Carlo no es uno de mis verdis favoritos, tiene un libreto tan bien estructurado - especialmente en la versión de 5 actos-, en el que se va subiendo gradualmente y de forma tan clara y bien explicada en el dramatismo de la acción , que ya sólo teatralmente es una obra bastante disfrutable; obviando, eso sí, las barbaridades históricas que pueda contener.
Pero esas barbaridades se quedaron en minucias comparadas con la versión (por llamarla así) que se le ocurrió ofrecernos al director de escena. Ya algo pude sospechar, cuando, a la vez que se alzaba el telón , sin dar tiempo a que el director marcase la entrada del compás inicial, empezaron los buuuuhhhs y los gritos de protesta. Primera vez que veo esto en una ópera ( segunda si cuento el Ballo aquel de Madrid en pleno COVID, por causas totalmente distintas). Tras unos minutos de espera, y frases de todo tipo, entre las que algún viva Verdi, pudo Jordan comenzar la representación.
La nueva ópera que se nos presenta sucede en una especie de sala de restauración de un museo del traje (o algo similar), donde en una mesa central con diversos aparatos de espectrometría y otras diabluras tecnológicas, se analizan y fotografían piezas de vestuario de los personajes de la ópera. Hay cajas, muchas cajas de las que se sacan delicadamente las reliquias para volverlas a meter después de su estudio. El comienzo es como sigue: unos operarios abren un portón a la izquierda del escenario, que corresponde a una cámara de congelación de la que sacan una caja de la que a su vez extraen delicadamente el traje, y quizás también restos momificados de Carlos V, exactamente mientras el coro canta “Carlo….. non è più che muta cenere”. Los cinco personajes principales se nos presentan a través de unos figurantes a los que en el primer acto se les saca en pelotas y se les va vistiendo a lo largo del mismo (mientras los cantantes hacen sus arias, dúos, etc….), con las diversas piezas que componen la complicada toilette tanto femenina como masculina de la época. En el segundo acto se va haciendo la acción inversa hasta que vuelven a quedarse como vinieron al mundo. En medio de todo ello, estos figurantes van interactuando de vez en cuando con los cantantes reales para intentar explicarnos lo que está sucediendo. Tremendo. Eso sí, la reconstrucción de los tejidos y los vestidos es primorosa.
¿Y qué son los cantantes entonces? Pues Eboli es una especie de sastra que cose y arregla, Elisabetta diría yo que una especialista en moda, Posa no se sabe muy bien el qué, parece un correveidile que va de un lado a otro, Carlo una especie de chico de los recados un poco revenido, y Filippo, el director del centro, museo, o lo que sea. Ni que decir tiene que actúan como si fueran de lo que van vestidos, con lo que es imposible conectar con lo que estás viendo, ni con la mejor de las voluntades. Es esfuerzo inútil (y eso que en mi cabeza yo intento adaptar siempre lo que veo a la ópera), cuando estás viendo algo que no concuerda para nada con lo que están cantando. Pero además es fatal para los cantantes también, que tienen que hacer cosas y tener actitudes que son incompatibles con los sentimientos que están expresando. No puede ser que Elisabetta salga de su desmayo cantando “Che avvenne…!”, mientras se saca su bata de trabajo, coge el bolso y se pone la gabardina y las gafas de sol para largarse. Es imposible que el cantante entre en el papel y eso afecta al canto. Que tenga que cantar “Non pianger mia compagna” más con aire de fastidio que de tristeza. Que Rodrigo le diga a Carlo , casi alegremente, que hay que despedirse porque hasta aquí han llegado. Un desencuadre, una salida de tono se puede tolerar, pero toda la ópera (o casi toda), la convierte en una lucha constante de tu cabeza para intentar creerte algo, y al final no funciona ni para el espectador ni para los cantantes. Así que en este caso les doy toda la razón a los conservadores; hasta la más convencional de las escenificaciones hubiera sido mejor que este truño.
Eve-Maud Hubeaux no me ha llamado nada la atención. La voz tiene buen volumen, cierta personalidad y la proyecta muy bien, aunque tiende a la inestabilidad, especialmente en la zona aguda; pero su canto es plano, carece de variedad, con lo que el aria-joya “O don fatale”, donde la cantante tiene que pasar por una miríada de estados de ánimo que permiten a quien tenga talento llevarse el gato al agua en esta ópera, se quedó en un enunciado bastante prosaico de los mismos.
Si la canción del velo ya me parecía de esas arias conocidas que en mi lista personal me resultan insoportables, creo q después de este montaje la odiaré para siempre: las damas salen todas con unas cajas de las que sacan unas chilabas de colores con las que se visten en la primera estrofa , y en la segunda , unas abayas negras que las ocultan de la cabeza a los pies en la segunda. Todo ello mientras hacen una especie de bailecillo ridículo. Además , esa especie de “jipíos” que rematan la canción , hay que hacerlos impecablemente para que no resulten penosos de escuchar, como por desgracia fue el caso.
Cuando el paje anuncia a Rodrigo como Marqués de Posa, grande de España, la aparición de este vestido con sudadera y gorro de lana, en actitud gamberra y con una camiseta que pone “libertà”, resulta absolutamente irrisoria. No obstante, Étienne Dupuis hizo prodigios con su escasa voz de bello (aunque demasiado claro) timbre, y fantásticos fraseo y emisión. La intencionalidad del canto y la perfecta acentuación del texto hicieron que fuese el único que me hizo creer por un momento y exclusivamente con su voz, que estábamos viendo Don Carlo, aunque mis ojos vieran solo una sarta de estupideces. Llegó algo cansado al final, y aún recurriendo a veces a un especie de falsete, cargó de sentido dramático su escena final.
Joshua Guerrero no me ha gustado. Es un cantante joven con un timbre no demasiado bonito, que además empuja muchísimo el sonido, de modo que a veces parece que va a explotar en el esfuerzo, sube al registro agudo con unos portamentos que a mi me parecen feísimos y los agudos le quedan, no obstante, aplastados y esforzados. Y, a pesar de su entrega vocal, la interpretación del personaje es bastante superficial a mi modo de ver.
El bonito bajo lírico de Roberto Tagliavini me ha gustado siempre mucho en Bellini y Donizzeti, pero el papel de Filippo le viene muy grande; los graves quedan muy poco apoyados y ese “fa” profundo con que termina “Dunque il trono dovrà …..frente all’altare” se quedó completamente áfono. Su presencia y actuación escénicas son , sin embargo bastante buenas y consigue transmitir con el gesto algo de la autoridad que la voz no tiene. Insuficiente.
Asmik Grigorian va de menos a más en la función. Su “Non pianger” me pareció cantado con poco sentimiento y falto de estilo, pero es que es muy difícil que un cantante interprete algo con su voz que el cuerpo está desmintiendo por completo. En todo el primer acto y parte del Segundo la encontré bastante desubicada, y a pesar de su estupenda voz, y de que se veía que hacía todos los esfuerzos posibles, no se acabó de encontrar cómoda hasta el final. En cualquier caso, por lo que he visto, en cuanto a repertorio italiano, parece que Puccini se le da mucho mejor que Verdi.
Philippe Jordan es un director que me gusta mucho, normalmente muy atento a los detalles, como así hizo en esta ocasión. No obstante yo creo que algo se le escapa en Verdi; como a muchos directores “alemanes”, le debe de parecer quizás que la música italiana no tiene suficiente contrapunto en su trama, y a veces tienden a “mejorarla” cargando el volumen de manera estrepitosa, o acelerando demasiado los tempi, lo que desde luego, para mi gusto , no suele funcionar. Pero contar con esta orquesta es un arma segura, y a pesar de la saturación sonora en muchos momentos, escenas como el final del auto da fe , con esos metalazos broncíneos y precisos, resultaron espectaculares. Aquí también estuvo soberbio el coro.
Hubo en el primer acto unos desajustes impensables en este teatro entre coro y orquesta. Todo fue mejorando según avanzaba la función hasta llegar a un espectacular terceto entre Eboli, Rodrigo y Carlo, dirigido con una tensión creciente que ponía los pelos de punta y una concertación pluscuamperfecta de ese complejo entramado entre cantantes e instrumentistas que teje en ese momento la partitura.
Lo mejor llegó en el finale, a partir de “Tú che le vanità” con el dúo, donde por fin el director de escena se retiró y dejó que lo cantasen los Carlo y Elisabetta más o menos auténticos. Creo que desde el director hasta el último espectador pudimos respirar y se notó muchísimo en los cantantes . Asmik ofreció una estupenda interpretación de su aria, especialmente la segunda parte, pero fue en el dúo donde se llegó a lo mejor de la ópera. Los tempi calmados de Jordan, la emisión mucho más controlada de Guerrero, que dejó de empujar a paladas el sonido para “cantar” de verdad, y la prodigiosa voz de Asmik, quien, liberada incluso físicamente, se vio mucho más metida en el papel, consiguiendo una linea de canto aérea y plena de “italianità”, que coronó con un magnífico si natural emitido en un filado en pianisimo de gran belleza.
A la salida del teatro, intentando encontrar una explicación a la disparatada producción, se me ocurrió que quizás el director de escena haya juzgado que el poco acercamiento a la realidad que tiene la tragedia de Schiller de la que deriva el libreto, hiciese que valiera más la pena endiñarnos su propio libreto de la historia. A mi me pareció una gran falta de respeto al autor, público e intérpretes, y una forma muy poco digna de inaugurar una temporada en una teatro tan prestigioso.
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