No me extraña que De Tommaso fuese protestado. Es una voz interesante pero que no sabe utilizarla debidamente como linea de canto.
No acostumbra a matizar, casi todo su canto es en forte o semiforte y llega a aburrir. Es mi impresión despues de haberlo escuchado in situ varias veces
Que la Rebeka fuese braveada, no me extraña ya que es una notable soprano lírica que si sabe lo que canta y con notoria clase.Para mi, su único problema las bastantes veces que le he escuchado ( tanto en repertorio italiano como francés ) es su dicción algo deficiente, tanto del italiano como del francés

A propósito de De Tommaso, hay que añadir que en las notas de pasaje y primeros agudos este tenor emite sonidos atascados y un poco atrasados, así que el otro tenor que hace de Flavio tiene más proyección que él.

Efectivamente, ésa es la realidad vocal de Di Tomasso. Voz de cierta calidad manejada por un dilettante. Algo habitual, desgraciadamente, en el panorama lírico actual. Ayer precisamente, veía otro ejemplo de ello en el Teatro del Arzobispo de Aix-en-Provence. Adam Smith, Julien en Louise de Charpentier, tenor al que había visto en Rusalka en Valencia. Buen material, timbre atractivo, canto intuitivo, técnica precaria.

Marina Rebeka cantó un notable Norma en el Liceo de Barcelona. Fue muy superior a la Yoncheva que estaba en el otro reparto.

Vasilisa B afrontará la protagonista de Norma en febrero 26 en el Teatro Regio de Parma.

Así fue. Rebeka pese a su cierta deficiencia idiomatica, es una voz brillante y una lírica que sabe cantar con gusto y gran dominio de su zona de paso.
La Yoncheva que ha querido abarcar de todo, ya no huele el belcantismo y además, canceladora nata.

Minigira por la Provenza francesa con mi primera experiencia en Aix-en-Provence y retorno después de dos décadas a Les Chorégies de Orange.

-Aix-en-Provence. Gran Teatro de la Provenza. Don Giovanni. Simon Rattle/ Roberto Icke. André Schuen, Golda Schultz, Maddalena Kozená. Puesta en escena tan deleznable, como confusa y desagradable a la vista. DOn Giovanni pederasta y corruptor de menores. Rattle dirigió un Don Giovanni claramente prerromántico, con gran pulso dramáticoy sonido aquilatado, al frente de la excelsa Sinfónica de la Radio de Baviera. Schuen, buen actor. Medios modestos, canto musical, pero sin especial fantasía. La mejor cantante fue Golda Schultz como Donna Anna por control, legato y coloratura. La Kozená superada vocalmente por la escritura de Donna Elvira, pero muy entregada. Incandescente. El hermano de Pene Pati, poquita voz, pero muy buen gusto.

-Aix-en-Provence. Teatro del Arzobispo. Louise de Charpentier. Dreisig, Smith. Sagripanti/Loy. Oportunidad para ver esta interesante ópera, que hace años es una rareza a pesar de la célebre aria de la soprano. Dramaturgia paralela del Sr. Loy. Nos hurta París y convierte al padre en un abusador incestuoso. Un monstruo. Eso sí, Loy sabe desarrollar su idea, discutible, no como el del DG. Buena dirección de Sagripanti, aunque sin ese punto de inspiración y vuelo. Elsa Dreisig, estupenda creación dramática. En lo vocal es una lirico-ligera, incapaz de filar una nota en Depuis le jour y que lo culmina con un DO muy abierto. Adam Smith, un tenor de los de ahora. Buen material, pero técnica de aficionado y canto ardoroso, pero sin compostura.

-Orange, Théâtre Antique-Les chorégies. Il Trovatore. Netrebko, Eyvazof, Lemieux, Asiev / Bignamini. La mejor puesta en escena que he visto en muchos años para Trovador. Versión concierto semiescenificada, eficaz movimiento escénico. Marco incomparable como escenografía: el muro del teatro romano presidido por la estatua de Augusto y unas someras imágenes proyectadas. No necesito más. Notable Leonora de la Netrebko que asombra cómo saca adelante la escritura belcantista del papel con ese centro y grave tan densos y voluptuosos. Carisma y personalidad a raudales. Y generosidad, pues se canta la cabaletta "Di tale amor" con las dos estrofas y "Tu vedrai che amore in terra" también con las dos estrofas, algo que no se hace normalmente ni en disco. En esta última homenajeó a la Caballé pues realizó los mismos movimientos que la soprano española en la propia Orange en 1973 en su memorable Leonora disponible en video. Me gustó mucho la Azucena de Marie Nicole Lemieux. Voz bien colocada, equlibrada de registros. Estupenda cantante, noble, sin exageraciones ni ramalazos veristoides como tantas Azucenas. Eyvazof honradísimo, con su material pobretón, pero nunca berrea. Se cantó la pira a tono con las dos estrofas, las frases del tenor con el coro y un interminable Do agudo hasta el último acorde. Quén pueda igualarlo que lo diga. El para mí desconocido baritono Asiev, engoladísimo, pero cantó con legato y mucho decoro Il Balen.
Me gustó mucho la dirección de Jader Bignamini. Acompañó y cantó con los solistas, garantizó pulso y progresión dramática.

Había estado en el Teatro Filarmonico en 2023, pero llevaba desde 2019 sin acudir al Festival de la Arena de Verona.

-Nabucco. Ekhbat, Netrebko, Van Horn. Salas/ Pinchas Steinberg/Stefano Poda. Nabucco atómico con efectos de luz y sonido incluida una explosión que hizo las delicias de parte del público. Un montaje delirante de Stefano Poda que se encarna en esta pretensión actual de reducir la ópera a un espectáculo audiovisual en el que la música es mero pretexto. La Netrebko comenzó fría, pero fue remontando y completó una apabullante Abigaille, destacando su gran escena del segundo acto y un intenso final de gran fuerza dramática. Caracterizada como una dominatrix con látigo, se lo pasó pipa. Notable Ekhbat por voz imponente, aunque sin punta y buen legato y escuela canora. Genérico como intérprete. Me gustó mucho el tenor Gaetano Salas. Bello timbre y agudos squillanti. Cantante a seguir. Buena dirección de Pinchas Steinberg.

-La Traviata. Feola, Korchak, Ekhbat/Francesco Ommassini/Hugo de Ana. Retorno a una puesta en escena de la tradición, que ya había visto en 2013. Sin embargo, Hugo de Ana demuestra ser más un decorador que un director de escena, con un movimiento escénico entre lo torpe y lo inexistente. La Feola es una cantante honrada y musical, entregada como intérprete, pero la Violetta le supera por todos lados. Es una Norina o una Musetta, pero con agudos abiertos e hirientes y coloratura muy esforzada que ni se va, por supuesto, al sobreagudo al final de un primer acto de lo más discreto. Mejor en los actos segundo y tercero, dentro de la insuficiencia. El rossiniano Korchak fuera de juego en Verdi. El mejor Ekhbat que cantó dos días consecutivos. Plúmbeo Ommassini.

-Carmen. Kolosova, Alagna, Sicilia, Micheletti /Francesco Ivan Ciampa/Franco Zeffirelli
La primera puesta en escena de Zeffirelli para la Arena data de 1995 y conserva todo su impacto visual, sentido de la espectacularidad y magistral movimiento de masas, algo en lo que el florentino fue único. Ya había visto esta producción en 2006 y la volví a disfrutar mucho. Al recoger entrada y locandina, pelotazo. El Don José era Roberto Alagna y no el anunciado Yusif Eyvazof. Dejando de lado la perdida de esplendor tímbrico y una zona alta más apurada, un Don José de libro por parte del último divo por singularidad y belleza tímbricas, carisma y poder comunicativo. Me gustó Alisa Kolosova a la que no conocía. Voz suntuosa, cantante musical, que supo huir de los excesos y la caricatura en la caracterización. Sensible y musical Sicilia a pesar de los modestos medios vocales. Competente Ciampa.

-Aída. Kurzak, Alagna, Park, Rehlis /Daniel Oren/Stefano Poda Stefano Poda nos lleva del Nabucco atómico a la Aída del cristal. Aún más delirante. Los relámpagos de una tormenta que rodeaba Verona dejaron en nada los efectos de luz de este señor que asume dirección de escena, escenografía, vestuario, luces... Todo un hombre del Renacimiento.
Alagna estaba anunciado como Radames y sin duda quería acompañar a su esposa en su debut como Aida. El papel ya le planteó problemas en 2007 en Barcelona a sus medios eminentemente líricos, pero no sé arredró a pesar de haber cantado el día anterior. Empezó muy frío con un Celeste Aida con tres gallos. Fue a más y estuvo nots le en los actos tercero y cuarto. La Kurzak mostró detalles en los pasajes líricos pero se mostró superada por el papel. Rehlis encarnó una de las Amneris más anodinas e irrelevantes que he visto. Daniel Oren aseguró buenos momentos de pulso y fuoco verdiano, además de atención al canto, pero su dirección no pudo librarse de cierta irregularidad.

¿No fue en 2007 con Sonsoles Espinosa, entonces esposa de Zapatero, en los coros?

Cierto. En 2003 fue Daniela Dessì.
Gracias. Lo corrijo

Más que interesante estreno de HILDEGART, de Juan Durán, el pasado sábado en el Festival Little Opera Zamora. En La Voz de Galicia, Hugo Álvarez Domínguez aportó mucha información al respecto, que comparto plenamente.

https://www.lavozdegalicia.es/noticia/c ... P38996.htm
HILDEGART: LA VIRGEN ROJA CANTA EN ZAMORA
HUGO ÁLVAREZ DOMÍNGUEZ

Juan Durán cuenta la historia de Aurora Rodríguez Carballeira y su hija
26 jul 2025 . Actualizado a las 12:42 h.·
Hoy, en el Festival Little Opera Zamora, se cumple uno de los sueños de Juan Durán: convertir en ópera la historia de Aurora Rodríguez Carballeira y su hija Hildegart, uno de los filicidios más sonados de España. Durán descubrió la historia con la película de Fernando Fernán Gómez a finales de los 70 y vio un potencial enorme. Hubo un intento frustrado poco después del estreno de su ópera O arame: entonces le dio formato de ballet pero tras su encuentro el pasado año con Conchi Moyano (directora de Little Opera Zamora) recuperó la idea de hacerla ópera.

Hildegart enfrenta la historia de Aurora Rodríguez Carballeira y su hija con el estudio del caso por parte de un juez y un psiquiatra. Durán trabaja con un conjunto de cámara, priorizando las voces, la línea de canto y la inteligibilidad del texto. El gallego ve Hildegart como un paso adelante en su producción operística. No esconde a Britten entre sus referentes: «los dos trabajamos un lenguaje tonal muy extendido que no rehúye ni el cromatismo ni la atonalidad, con guiños líricos, no fácil de interpretar». Considera salir de la zona de confort estrenar en Zamora, porque «aquí soy un desconocido», apunta. Asegura que eso le dará mayor perspectiva de la recepción del público y que estrena Hildegart junto a un equipo «de mucha altura».

Sonia de Munck interpreta el rol titular desde «la ilusión de juventud de una mujer que hizo escritos que pasman por su lucidez a una edad temprana. Siguió una línea independiente, enfrentándose a la sociedad que la acunaba con gran libertad intelectual y un juicio crítico», explica. «Antepone la verdad y la justicia a los propósitos personales: ese es su triunfo» remarca de un rol ante el que sintió una conexión grandísima. «La música plasma magistralmente las emociones del libreto», remata. En la misma línea se expresa la mezzosoprano Sandra Ferrández que interpreta a Aurora un papel «contenido, cuya música incide en la psicología del personaje: exige legato y es cortante». Un rol con una carga emocional importante que ayuda a «poner el foco en una enfermedad mental como la paranoia, más habitual de lo que creemos».

Tanto Ferrández como el barítono Javier Franco (que ha estrenado obras de Durán, entre ellas su ópera O arame y aquí hace el fiscal) tienen experiencia en estrenos. Para Franco es una responsabilidad enorme: «Los que vengan después te tendrán de referencia». Especialmente cuando se trata de estrenar música de Durán, por el que siente gran respeto como compositor, definiendo su escritura como «gustosa de escuchar pero difícil de hacer». César Arrieta es el psiquiatra, un personaje que introduce ideas nuevas para entender la situación de Aurora para no reducirla a una asesina. Su música es «aséptica y científica» pero se va abriendo hacia un lado más humano. «Tiene tesitura asequible y un estatismo que reta al intérprete a buscar variedad». Para Arrieta, la clave de esta obra es cuestionarse «hasta dónde te pueden llevar tus propias ideas por fundamentadas que estén».

Lucía Marín, una de las directoras españolas más punteras de hoy, estará en el foso. Siente una gran responsabilidad ante una obra «excepcionalmente construida en lo sinfónico». Define el estilo de Durán como «expresionismo tonal lírico». Tiene «un lirismo muy claro, con un juego más tonal que la Segunda Escuela de Viena, sirviendo a lo poético del libreto». Ve una historia apasionante porque es «pura paradoja». «Hildegart parece un adalid feminista, pero manifiesta que la lucha feminista es la revolución pendiente del mundo a cualquier nivel». Aquí, dice Marín, hay dos mujeres víctimas de su propia idea. «La libertad que reclamaban de puertas afuera no lo era tanto de puertas adentro», insiste. Habla de «cuánto queda por recorrer en el siglo XXI». «El arte y la cultura deben poner un espejo ante nosotros para reflexionar y dejar un futuro y una sociedad mejor: para eso existe Hildegart», remata tajante. La de esta noche en el Festival Little Opera es la primera parada de una ópera que esperamos pronto en las programaciones gallegas.
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https://www.lavozdegalicia.es/noticia/c ... P22992.htm
La ópera gallega «Hildegart» triunfa en su estreno en Zamora
HUGO ÁLVAREZ DOMÍNGUEZ
El público en pie ovacionó largamente la obra de Juan Durán

27 jul 2025 . Actualizado a las 19:51 h.

Seis minutos de aplausos y el Teatro Ramos Carrión de Zamora en pie aclamando al elenco es el balance del estreno de Hildegart, tercera ópera del gallego Juan Durán, que vio la luz el sábado en el Festival Little Opera. El éxito no es de extrañar: la partitura condensa tensión creciente, sin dar respiro, y posee los elementos para el triunfo. Hay en la partitura un cúmulo de referencias bien engarzadas. De la marcha militar que abre la obra (recuerda a Prokofiev y Shostakovich) o ese inicio, con el fiscal desgranando el crimen de Aurora Rodríguez Carballeira (¿cómo no pensar en Peter Grimes de Britten?), pasando por un recitado con una cadencia lírica propia de la escuela francesa (el primer soliloquio de Hildegart tiene ecos de Poulenc) y equilibrio entre lo dramático (abundan cromatismos y bordea la atonalidad si es necesario) y explosiones líricas de los conjuntos. El dúo de madre e hija ejemplifica cómo Durán humaniza a los personajes a través de su música. El único cuarteto, bien equilibrado, y el arrebato lírico que conduce a Aurora a la locura mientras justifica su acción tiene un fuerte influjo melódico y conduce a un trío que cierra la ópera con brillantez e insospechados ecos de Albert Guinovart.

El autor, deudor de la contemporaneidad, cuida que las voces se muevan en un cantabile que obliga a mantener la línea de canto y favorece la inteligibilidad de un texto (de Javier Mateo) útil para cantarse (no es baladí) que peca de demasiado explicativo sin arrojar soluciones a la dicotomía asesina/paranoica que abren fiscal y psiquiatra sobre Aurora: a ella corresponde redimirse en su monólogo final, el mejor momento de un texto que ganaría apostando por lo poético.

Del elenco destaca la buena dicción en castellano de todos (parece una obviedad, pero no lo es). La Hildegart de Sonia de Munck se mueve con comodidad en el estilo declamado que el rol demanda las más de las veces, con voz bien timbrada y el squillo necesario; al tiempo que Sandra Ferrández compone una Aurora de una pieza desde lo dramático (sabe sugerir el delirio sin cargar las tintas) y saca petróleo de su número final, por fraseo, redondez y línea de canto. Javier Franco, como el fiscal, presta su timbre robusto y sonoro y se mueve con comodidad en tonalidades ambiguas, mientras César Arrieta (el psiquiatra) muestra voz penetrante. La Sinfónica Alma Mahler domina una escritura que maneja soluciones de gran valor expresivo (el uso de los vientos, ese piano que recuerda a The Turn of the Screw Britteniana o el modo en el que cuerda y percusión sugieren la locura de Aurora) bajo la batuta de una Lucía Marín que se prodiga en dibujar los pequeños detalles de la partitura, al tiempo que logra siempre un acertado balance entre foso y escena.

Montaje funcional

El montaje de Alberto Trijueque usa pocos elementos pero es funcional y de buen acabado estético gracias a la tecnología (seis pantallas cuelgan de la escena para apostillar el texto casi a modo hermenéutico, sea con frases o imágenes), destacando la cuidada ambientación de época (acertada plástica escénica de Igone Teso) y una iluminación pertinente. Sobra el detalle sobre la concepción de Hildegart: no se necesita. El texto no incide más en el asunto.

La respuesta del público (venido de toda España, con presencia de personalidades prominentes como la legendaria soprano chilena Cristina Gallardo-Dômas) fue inmejorable y la sensación de satisfacción de todos es prueba del trabajo bien hecho. Hildegart es una de las más interesantes partituras líricas de Durán y su ópera más redonda. Entra por la puerta grande en el corpus de óperas gallegas del siglo XXI. Merece, por justicia, estar en escenarios gallegos y del resto de España.

Al día siguiente, domingo, siempre en Little Opera Zamora, se ofreció EL DUELO, un double bill que incluyó EL EMPRESARIO TEATRAL, de Mozart y PRIMA LA MÚSICA POI LE PAROLE, de Salieri, en un montaje de Rita Cosentino que se planteó como un duelo entre las dos óperas en el que el público debía decidir al final, con votación por aplausómetro. La versión, con un punto kitsch, adoleció de exceso de texto (la cosa de fue a más de tres horas) no siempre igual de ocurrente y a veces dio la sensación de que la maestra pretendía quedar por encima de las obras que tiene entre manos, que no dejan de ser dos bromitas. Reparto desigual en el que destacaron las tres mujeres: Mar Morán, Anna Cabrera y Arantza Ezenarro, las tres adecuadamente sonoras, timbradas y en estilo; con el equipo masculino (Juan Ramos, Mauro Pedrero, David Cervera y Alejandro Sánchez) a mayor distancia. Discreta también la orquesta Vigo 430, con la que Lara Diloy hizo lo que pudo. A gran distancia de la noche anterior, en cualquier caso; pero estos colgaron el cartel de NO HAY BILLETES en el cuquísimo Teatro Principal zamorano (en el que todos sudamos de lo lindo).

Finalizado el West side story del Liceo, saldado con gran éxito. Me han gustado especialmente las chicas. Nadine Sierra e Isabel Leonard. Dudamel brillante, con más efecto sonoro que detalles.
Inesperado, sorpresivo y agradable cameo de Sondra Radvanovsky, que ha cantado un sentido Somewhere.

Me ha sobrado la amplificación.

Allí estaremos pasado mañana. Ganas de escuchar por primera vez e in situ a la mezzo lírica Isabel Leonard.
Amigo Tunner, ¿ confirmada la versión musical recortada por Dudamel ?

Estaba íntegramente la versión de la grabación de DG dirigida por el autor con Carreras, Te Kanawa y Troyanos.

Aunque los cantantes no estaban tiesos delante de la partitura, en mi opinión, le ha faltado teatralidad a la interpretación.

Muy flojito el Kinder Garden de artistas de la casa.

"Amaya" de Guridi. Hermosa y potente partitura y creación, a la par que interpretación.
Dejo este análisis, más explícito, ojalá sea llevada a La Zarzuela, como "Mirentxu".

https://scherzo.es/san-sebastian-amaya- ... -a-guridi/

Si tienen oportunidad (aún quedan dos funciones) deben acercarse al Campoamor para ver el "Hansel und Gretel" que muy acertadamente ha propuesto la Ópera de Oviedo. Hay de todo y no falta de nada. Para empezar el hecho de que se programe. A destacar la dirección de orquesta de Pablo González es una pequeña filigrana sinfónica aunque le falta un hervor teatral y la (estupenda) propuesta escénica de Raúl Vázquez, que asienta los dos primeros actos en un escenario en forma de vertedero para pasar en el tercero a una colorida cocina. Un acierto igualmente la inclusión de los cuatro figurantes vestidos de ángeles como factotums de los niños. En general fue una función bien servida de voces entre las que sobresalió el Hansel de la mezzo Harvey.