Precisamente porque sé cuál es el origen de ese apellido y a lo que se dedican sus más célebres representantes, estimado Abdallo, es que me encrespé. Pero todo aclarado.

La soprano búlgara Sonya Yoncheva ha estado0 estos días de moda en España debido a la entevista que le hizo el famoso presentador David Broncano en su programa "La Revuelta" en La 1 de Televisión Española. Pero para los habituales de los teatros de ópera es una cara bastante conocida. Ahora nos ha visitado con la obra maestra de Henry Purcell "Dido y Eneas" en el Auditorio Nacional el jueves, y ayer sábado en Oviedo.

Purcell es, junto al alemán Händel, el compositor barroco más famoso de Inglaterra, y uno de los más importantes de la historia del país. Si acotamos el campo hacia la ópera, es aún más importante, ya que tras su muerte, hubo que esperar hasta Benjamin Britten, dos siglos y medio después, para encontrar un operista inglés de su calibre. Estrenada en 1687, con libreto del dramaturgo Nahum Tate, basado en una obra suya y en la Eneida de Virgilio, "Dido y Eneas" es la única ópera de Purcell, pero su música escénica se extiende con las famosas semióperas (música cantada que acompañaba a obras de teatro) como King Arthur, The Fairy Queen o The Indian Queen, que se vio en Madrid hace once años en unas representaciones memorables. Por su corta duración, de poco más de una hora, y su popularidad, Dido y Eneas es bastante frecuente, y en la capital se ha visto con muchísima frecuencia por prestigiosas orquestas barrocas, y en los últimos cinco años, ha sido escenificada dos veces, la última en enero de 2023 con William Christie y coreografía de Blanca Li. Ahora viene a Madrid, en versión de concierto, de gira con la compañía de la Ópera Real de Versalles, con un reparto liderado por Yoncheva, tras haberlo representado la semana pasada en la ciudad palaciega francesa.

La Orquesta y Coro de la Ópera Real de Versalles sonaron espléndidos bajo la dirección de Stefan Plewniak. La orquesta fue de menos a más muy rápidamente. Una pena que el electrizante e intenso preludio no se acomodó a la acústica, ya que las cuerdas, muy ágiles, parecían tener un sonido más bien delgado. Pero eso se solucionó muy pronto. A partir del final del primer acto, y en todos los interludios orquestales añadidos, la agrupación por fin se hizo con la sala y sonó espléndida. Plewniak da una dirección enérgica. Muy bellas las tiorbas antes de la entrada de Eneas, la viola da gamba al comienzo del aria final, y en general en los interludios del segundo acto, de lucimiento para todas y cada una de las secciones. El Coro sí sonó formidable en todas sus intervenciones, especialmente en el final, tras el aria de Dido, con un toque casi religioso, que el coro abordó de forma sensible, emocionante, más aún cuando al final, poco a poco se situaron al borde del escenario, sumándosele el resto del elenco (menos Yoncheva), concluyendo de forma conmovedora el concierto.

En el rol de Dido, Sonya Yoncheva tiene una voz oscura y voluminosa para lo que suele ser este tipo de repertorio. Si bien ya cantó esta ópera al menos una vez, en Moscú en 2010 con Christie. Ante la pequeña orquesta, y su estilo vocal, no solo se hacía oír por encima de todos, sino que al principio, a veces daba la impresión de que la producción estaba hecha para mayor gloria suya. Su entrada en "Ah, Belinda" fue realmente hermosa, con su timbre más dramático, cantando la pieza con una sensibilidad elegíaca, de forma exquisita. Luego en el segundo acto cantó con una dramática coloratura en su breve intervención "The skies are clouded, Hark!" En el tercer acto, abordó su gran escena con enjundia dramática, y así la famosa aria final "When I am laid in Earth" la cantó con entrega y dramatismo, aunque a veces un poco nasal, pero nada que pueda empañar un momento mágico como aquel.

El barítono Halidou Nombre interpretó a Eneas, con una voz potente, con un apreciable grave, aunque el timbre algo gutural, pero después de Yoncheva tenía la voz más grande. Ana Vieira Leite fue una notable Belinda. Irregular la Bruja y el Marinero del tenor Attila Varga-Tóth, quien no tuvo un segundo acto muy brillante, pero en el tercero mejoró notablemente. Mucho mejores Pauline Gaillard y Yara Kasti como las otras brujas, especialmente Gaillard con su voz ligera, con una divertida y grotesca entonación que conviene al personaje. El contratenor Arnaud Gluck como el espíritu y Lili Aymonino, quien tuvo una breve y bien interpretada intervención añadida en el segundo acto, cumplieron con sus personajes.

La sala estaba no estaba llena, de hecho había grandes vacíos en las zonas más altas y en la tribuna, lo que da cuenta de lo poco publicitado que estaba el evento (organizado por Impacta, una empresa privada, si hubiese estado en Universo Barroco las entradas ya se habrían agotado hacía tiempo) y de los precios de las localidades (lo que se notaba en lo muy arreglada que iba la gente en el patio de butacas). Pero al terminar el público aplaudió entusiasmado, estábamos los que teníamos que estar. Pero no se quedó en eso. Hubo dos propinas: la primera, todo el elenco, con Yoncheva incluida, interpretó junto al coro "Tendre Amour", de la ópera Les Indes Galantes, de Rameau. Después, todo el elenco bailando, invitando al público a dar palmas, y con Yoncheva bailando con la pandereta, interpretaron Forêts Paisibles, de la misma ópera. De esta forma se cerró una magnífica velada de ópera barroca.

Pues esperemos que la Yoncheva, aparte de seguirle el juego a las tonterías habituales que le planteó Broncano, no cancele en diciembre y cante las 5 o 6 Butterfly que tiene programadas en el Liceo.
En cuanto a lo que comentas Angelparsifal, que el local estaba semivacío, yo tendría mis dudas sobre si estaba poco publicitado el evento o más bien que no hay público demasiado interesado en el repertorio barroco.

La empresa que lo organizaba acaba de comenzar su andadura, este era su primer espectáculo.
Si esto lo hubiera organizado Universo Barroco, estoy seguro de que se habría llenado.

Como dato, cuando se programó en enero de este año The Fairy Queen con William Christie en Les Arts, en versión semiescenificada incluyendo danza moderna tipo breakdance, se colgó el SOLD OUT en el teatro. ¿Sería por el barroco? ¿Por Christie? ¿Por el breakdance...?

Disfrutado viaje a mí querida Italia con 5 óperas en 4 ciudades distintas. Por ello, ha sido el viaje repóker. Dos a la lista.

25-10-24. Piacenza, Teatro municipale. Mosè in Egitto. Oportunidad de ver la monumental creación original de Rossini, que ha sido oscurecida por la versión francesa y la traducción de ésta. Espectacular puesta en escena de Pier Francesco Maestrini, con magnífico uso y con gran sentido estético, de las proyecciones y efectos escénicos, como perspectiva y profundidad de campo. Una maravilla, que me hizo recordar la película Los 10 mandamientos con un Michele Pertusi en plan Charlton Heston abriendo las aguas del Mar Rojo. Junto al veterano bajo italiano, desgastado, pero con legato y canto siempre noble, un grupo de cantantes jóvenes entre los que destacaría al tenor Dave Monaco de 28 años de edad. Emisión ortodoxa, buenos agudos, agilidad y arrojo en escena.

26-10-2024. Vicenza. Teatro Olimpico. Ariadne auf Naxos. Después del cautivador Pélleas del pasado año, volví al Festival que organiza Iván Fischer con su orquesta en el fascinante recinto concebido por Andrea Palladio.
Fischer optó por interpretar la suite orquestal de el burgués gentilhombre --sin los textos de Hofmansthal -con una pantomima de los personajes de la commedia dell'arte incordiando a los músicos y director, los cuales, lógicamente, vuelven a comparecer en la ópera. Posteriormente Ariadne sin prólogo. Emily Magee tocada vocalmente, aunque domina el papel y el lenguaje Straussiano, la voz ya no le responde. Me sorprendió el tenor Andrew Staples, que sacó sin despeinarse un papel tan incantable como Baco. Con la pinta, gordo y cara redonda y sonrosada que uno asocia tradicionalmente a un tenor Wagneriano o Straussiano. No sé como este señor no está cantando Wagner en todos lo sitios, mientras que Joselito-Vogt campa a sus anchas.

27-10-24. Turín. Manon Lescaut de Auber. Teatro Regio. Dentro de la muy interesante iniciativa de programar las tres Manon más importantes de la lírica, destacaba la de Auber, ópera escasamente representada. Destacar la dirección de Guillaume Tournaire, refinada, pulida, ligera, en estilo. Del reparto citar al tenor Marco Ciaponi, interesante por colocación, fraseo y dinámicas. Lástima que en la ópera de Auber, Des Grieux no canta demasiado. Ni siquiera tiene un aria.

28-10-24. Milán. El oro del Rhin. Teatro alla Scala. Típica función de estreno Scaligera, con división de opiniones, abucheos de los loggionisti y bravos de los que se enfrentaban a ellos. Bendita pasión que siempre ha caracterizado a la ópera y aún queda algún sitio en que se mantiene. Lo cierto es que Simone Young firmó una labor eficaz, sólida, pero sin detalles, ni contrastes, ni inspiración. Buen trabajo con la orquesta, pero faltó empaste y redondez a la cuerda y unos metales menos invasivos. En el elenco, más bien gris, destacó el muy solvente Wotan del experto Michael Völle y el Alberich de Olafur Sigurdarson. Muy pobre, sin ideas y con algunos momentos hasta ridículos la puesta en escena de MacVicar.

29-10-2024. Milán. El caballero de la rosa. Teatro alla Scala. En este caso no hubo división de opiniones. Éxito atronador con La Scala convertida en un manicomio de braveos y ovaciones que incluyeron lanzamiento de flores a Kirill Petrenko, ovacionado cada vez que asomaba al foso tras los descansos y con locura al final. La orquesta en pie le aplaudió también. Ciertamente memorable este Caballero de la rosa, el mejor que he visto en teatro con una dirección excelsa de Petrenko, que demostró su apabullante técnica. Lo que el día anterior fue meramente eficaz orquestalmente, en este caso fue un prodigio de transparencia, refinamiento tímbrico, limpieza de texturas orquestales y una gama dínamica infinita. Realmente fascinante ver cómo Petrenko con un mero gesto reducía el sonido a un susurro. Por no hablar del sentido del rubato en los valses. Una maravilla. Orquesta a altísimo nivel. Puesta en escena elegante y apropiada de Kupfer. Excelsa la mariscala de Krassimira Stoyanova, tanto en lo vocal como en lo escénico, la mejor que he visto en teatro por encima de René Fleming y Marina Serafin, que eran mis Favoritas hasta ahora. Notable la Devieilhe, aunque le falta un poco de presencia sonora y magnífico como actor, que no como cantante, Gunther Groissböck, que clava la caracerización del Baron Ochs. Sólo desentonó y mucho, el Octavian, menos que mediocre, de Kate Lindsey, cuya presencia en esta edición no entiendo, más allá de tejemenajes de agentes.

Recital de alto voltaje de Juan Jesús Rodríguez en Málaga, en la Sala del María Cristina: calentando con Bixio y Tosti, pasando del Posa verdiano al Gerard para proseguir con zarzuela ("Marina", "Luisa Fernanda", "La del soto del parral" y "Los gavilanes", cantada con toda intención).
¿Hubo bis? Sí: "Eri tu".
Derrochando entrega, pasión, voz... Qué necesarias son estas voces en escena.

Die frau ohne Schatten Berlin 09-11-2024

Con un trancazo considerable y una temperatura en Berlín rozando los 0º salí de la función de Die Frau con la sensación de estar en otro mundo, en el mundo donde las cosas se hacen bien hechas. Donde a pesar de ser la tercera vez (como poco) que se repone esta ópera con esta producción el teatro se sigue llenando con sólo unos pocos huecos en las localidades más baratas aún siendo una ópera no de repertorio habitual (al menos en España), donde se pueden ver niños de unos 10 años en el público, donde un porcentaje elevado de público no llega a los 40 años, donde...tantas cosas positivas...
Y claro la más positiva de todas ellas es la excepcional orquesta que es la Staatskapelle de Berlin, ya se me acaban los calificativos para poder explicar la maravilla que tienen en el foso este teatro, una maquinaria orquestal perfectamente conjuntada sin fallos sin cacofonías en ninguna de sus secciones y donde los fortes son fortes y no distorsiones horripilantes y donde los momentos sutiles son autenticas maravillas, donde la conjunción de música y voces hace que la magia de ópera valga la pena, si es cierto que la labor del director musical de la velada Constantin Trinks tiene su mérito y también hay que decir que no se lo puso fácil a los cantantes ya que estuvo en la parte alta del sonido buena parte de la función, pero no tapó siquiera a uno sólo. También es verdad que la orquesta viene preparada de casa y el director solo tiene que levantar la batuta.
Si el reparto tiene un papel desagradecido de cantar es el del emperador, un papel que sólo tiene tres trozos uno en cada acto, pero que hay que cantarlos y hay que tenerlos muy bien puestos para enfrentarse a esto, y más si el volumen de orquesta es alto como en el caso comentado y claro fueron sobre seguro y se trajeron a uno de los pocos que puede con este endiablado papel como fue Andreas Schager sin duda el mejor emperador que he escuchado en directo, también lo oí en Viena el pasado octubre del 2023, pero el sábado estuvo superlativo, mucho mejor que hace un año.
A la par la inmensa Camila Nylund hizo una prodigio con la emperatriz, iba con algo de miedo ya que las últimas funciones que le he visto a Nylund no acabó de estar cómoda en muchos aspectos, pero en este caso la función le salió redonda, sin rastros de los problemas de voz cansada ni rasposa de algunas de sus últimas intervenciones.
Otra cantante que me sorprendió y esta fue para bien fue Michaela Schuster en el papel de de Die Amme, yo ya la tenia ya en el cementerio vocal, con una voz totalmente en ruinas y el sábado me dejó claro que de eso nada monada, aun tengo papel para rato.
Quizás el más "flojito" de todos fuera el Barak Pastirniak que sustituyó al anunciado Lauri Vasar, y lo de flojito lo pongo entre comillas por que ya me gustaría poder escucharle más a menudo...pero claro siempre es mejor traerse a medianias baritonales que hacer las cosas bien hechas.
Gloriosa y también mucho mejor que en Viena la tintorera de Elena Pankratova que prodigio vocal la de esta mujer en la función del sábado.Y que cuarteto final que se marcaron! la gallina en piel vigen santa.
Conocida ya la producción de Claus Guth para esta ópera, sin duda es una gran producción muy bien ideada aunque ha envejecido algo mal en cuanto a la escenografía.

Gran crónica Wotan!
Por tema familiar, no pude escaparme a esa FRAU como traté de planearlo. Efectivamente, Berlin y en general la Alemania operística es otra cosa ( nivel orquesta, política de precios, asistencia, etc.).
Aunque esta vez el Liceo, ha mejorado algo y Luisotti en el caso de La Forza, ha debutado en el teatro con éxito batutero verdiano merecido

Veré los dos repartos de la forza este próximo martes si el resfriado me lo permite y el próximo sábado con el segundo cast.
Haremos correspondiente crónica.

Pues no coincidiremos esta vez ( miércoles por mi parte, turno con el 2o casi o cast alternativo, y luego viernes o lunes con el cast “ titular “ )

Sobre "Das Rheingold" en La Scala...

Definitivamente todo ese nuevo anillo va a dar mucho de que hablar por el simple hecho de que no es eurotrash y es producido por uno de los teatros más importantes. De momento ya esta en la app de la Scala.

McVicar rescata 2 que 3 cosas de su anterior ciclo para Estrasburgo (las máscaras, los figurantes de artes marciales). De resto es nueva producción. Hay apego al libreto, referencias a Wieland -con el uso de la iluminación-y el detalle del bailarín qué humaniza al oro tal vez no sea lo más original y rompedor pero es algo distinto por lo menos (brutal el final con los lamentos de las ondinas y acordes finales: el ascenso al vallhala no es tan glorioso como lo pintan y a los mismos dioses les pesó. El oro cobró su primera víctima y arrastrándose ensangrentado deja ver a Wotan lo que acaba de provocar).

Por mi parte entusiasmado esperando el resto de las jornadas.

¡Qué horror! A cuento de lo que se ha mencionado en el comentario anterior sobre Das Rheingold, veo que lo de Klaus Florian Vogt no es que le quieran mucho en Bayreuth y tal y cual; no, es que ya forma parte habitual de la misma nómina de Sigmundos y Sigfridos en la que figuraron voces como las de Melchior, Lorenz, Svanholm, Windgassen, Suthaus, Aldenhoff, Vickers, Vinay, King, e incluso otros como Thomas, Jerusalem o Domingo. En fin, el síntoma de nuestro tiempo. ¿Cómo dice Tunner? La edad de hojalata del canto. Pues eso.

Si tienen oportunidad, les recomendaría dejarse caer por Oviedo para ver alguna de las funciones que quedan de la "Arabella" de Strauss. A ver, no se lleven a engaño, no será la función de su vida pero por ver peores cosas viajan ustedes, el título es infrecuente y les ofrecen una función compacta, unos cantantes solventes y una producción que funciona, aunque a veces a medio gas. A destacar Jessica Muirhead que delineó una Arabella sutil y de claroscuros, con un fraseo variado y atento. Estuvo espléndida en su perorata del final del primer acto. Presenta una voz ni caudalosa ni de color especiamente bello pero sí sólida y resonante, no tiene especial problema en imponerse a la orquesta. En el debe un tercio agudo bastante tasado. Bien igualmente el baritono Heiko Trinsinger, de fraseo bastante más rudo y altisonante que su compañera pero sonoro. Ambos son habituales de la ópera de Essen de donde viene la producción. María Hinojosa fue una Zdenka tragada que se dejó oir en los agudos y cumplidor el tenor Son que llegó desfondado al final y las pasó canutas en su escena del tercer acto. Bien el resto, sin grandes alardes. Corrado Rovaris dirigió la OPSA en una versión plácida y cantable de la obra a despecho de algunos pasotes de volumen ocasionales.

Pues la ABAO se ha liado la manta a la cabeza y ha programado un "Trittico" que ha salido muy bien, las cosas como son. El triunfo descansa, a fe nuestra, en una magnífica dirección orquestal de Pedro Halffter, que hizo sonar como nunca a una formación mediana como es la Orquesta Sinfónica de Navarra y a la que cogió perfectamente el pulso. Teatral y viva narración la del "Tabarro", muy meditados los tempos, aunque nunca pesantes, en "Suor Angelica" en la que creó un gran fresco en la super naturalista primera parte y una escena llena de tensión en el enfrentamiento Monja-Tia. Menos bien estuvo el "Gianni Schicchi" donde se pasó de serio y de solemne. La propuesta escénica de Paco Azorín y su equipo nos parece un triunfo igualmente por lo conseguido con una economía de medios total. La escena está montada sobre un giratorio, tres paneles, unas cajas, unas sillas y una cama, amén de cuatro o cinco elementos más. Gran dirección de actores. El plantel vocal fue un poco diverso. Carlos Álvarez fue Michele en "Il tabarro" y Gianni Schicchi. Tras todos los problemas que ha tenido, la voz es pálido reflejo de lo que fue y únicamente queda, que no es poco, la experiencia y un fraseo teatral. Se aplaude el esfuerzo, de que después de tantas vueltas al tiovivo se anime a incorporar nuevos papeles pero la voz ya no responde. Ángeles Blancas cantó Giorgietta. Tardó en calentar y cuando ya empezaba a rodar se le acabó la ópera. No obstante, gran actriz vocal, le sacó punta a su duo final. Marco Berti nunca ha sido un estilista pero aún tiene sonidos de calidad y sacó muy bien el Luigi. La Angelica supuso un triunfo personal para Chiara Isotton, aplaudidisima. No estamos ante una gran voz y el agudo está muy limitado pero es una intérprete teatral, epidérmica y emocional, apostó a eso y ganó. Karita Mattila fue una sorprendente Zia de grave inventado pero de gran e imponente presencia. Igualmente sorprendente fue que el "Schicchi" fuese un poco de circunstancias, ni batuta ni escena lograron imponer un ritmo teatral y los cantantes navegaron un poco a su bola. Mejor aquí Carlos Álvarez, muy bien en la farsa como Donati y bien sin más la parejita de enamorados, con una Sofía Esparza cada vez más voluntariamente parecida en lo vocal a la joven Ainhoa Arteta (¿han visto Uds. "La sustancia"?). Destacando entre los numerosos comprimarios la eficacísima Ana Ibarra, absoluto todoterreno.