Que interesante!

gracias. Maestro

Efectivamente en su conjunto una estupenda grabación

Este es el famoso Lohengrin de los ratones, una propuesta de Hans Neuenfels que fue un escándalo mayúsculo y lo cierto es que no me extraña; una vez visto soy incapaz de entender el metalenguaje zoológico del susodicho y si bien es cierto que tiene algunos momentos preciosistas (a mí, el fondo blanco y la disposición de los cantantes, coloridos en el acto II me parece bonito, pero...) el tono general me parece un disparate increible. Bayreuth ha editado estos DVD's donde desapareen las muestras de desaprobación de gran parte del público.

Vocalmente este Lohengrin tiene dos grandes cantantes, Georg Zeppenfeld (rey Enrique) y Samuel Youn (heraldo), dos cantantes más que aceptables (las dos mujeres) y un cantante flojo, Jukka Rasilainen, que despoja a Telramund de toda nobleza; y luego tiene a un cantante peculiar, Klaus Florian Vogt, que es aclamado al final hasta la extenuación y que tiene la voz que tiene y, eso sí, unos detalles técnicos -algunos pianos preciosos en la narración del tercer acto, por ejemplo- excelsos. Muy bien Andris Nelsons.

Una versión mucho más interesante en lo vocal que en lo escénico. Las voces están bien; me ha gustado Robert Dean Smith que aunque es una voz lírica sabe responder a las exigencias del papel. Iréne Theorin transmite una frialdad apabullante y su Mild und leise es bastante desapasionado. Flojo y brutote el Kurwenal de Rasilainen y mucho mejor la Brangania de Michelle Breedt. Peter Schneider está a la altura de las circunstancias.

La puesta ene scena es una de esas en las que los protagonistas parece tener prohibido tocarse. Todo el atrezzo es feo y lo cierto es que no atrae nada.

Escénicamente no es lo peor que he visto pero el abucheo nada más bajar el telón es de aupa. Ya me imagino que en otros DVDs se han editado tales muestras desaprobación pero me ha llamado la atención que en esta se haya mantenido. La versión de Katherine Wagner es un quiero y no puedo de manual sin que terminemos de entender que se quiere decir con tanto desbarajuste.

Lo mejor, la dirección de Weigle y el David de Norbert Ernst y por encima de todos, el Beckmesser de Michael Volle. El Walther von Stolzing de Vogt irá por barrios y a mí me deja bastante frío así como las dos chicas, especialmente la Eva de Michaela Kaune. Franz Hawlata tiene la sensibilidad de un puerco espín aunque es muy buen actor.

Termino mi particular periplo wagneriano a través de esta colección de DVD's modernos con esta función de Die Walküre dirigida por el pope Christian Thielemann. Vocalmente hablando el mejor es Johan Botha, un Siegmund lírico pero de suficiente fuerza y el Hunding de Kwangchul Youn. Albert Dohmenn hace un Wotan aceptabel; quizás no sea un ejemplo del matiz y el detalle pero su escena final está cantada con solvencia. Sorprendentemente la ovación que recoge Mihoko Fujimura es tibia ante una Fricka de cierto empaque y, sin embargo, Edith Haller arrasa con una Sieglinde bastante rutinaria. Linda Watson canta muy braba pero a mí su Brünnhilde no me acaba de llenar ni de lejos. La batuta es esplendorosa.

La propuesta de Trankred Dorst es bastante "a la antigua" con ropajes antiguos, lanzas, parche en el ojo y cierta parafernalia espacial para las valquirias. No se por qué unos seres humanoides giran en torno a los protagonistas -por ejemplo, en el momento de la muerte de Hunding aparecen cinco que miran el cadáver y salen corriendo- sin que uno termine de entender su por qué. En cualquier caso y para los tiempos que corren es casi convencional.

Seguimos con el Anillo de Boulez y Chéreau, ahora es el turno de Sigfrido.

Y sigue la excelente dramatización que hace el regista francés de la segunda jornada, que lleva la acción a una época posiblemente a finales del siglo XIX. No obstante, hay que reconocer que pese a que en su época disgustó profundamente al público, hay muchos elementos de la obra reconocibles, como una forja, un dragón, el tesoro del mismo, o el bosque. Pocas de estas cosas se ven hoy en día en un montaje de esta ópera de forma identificable con la imagen que el público tiene en mente de esta obra. Chéreau refleja, de nuevo inmerso en el profundo retrato que hace de los personajes, y el optimismo y la aventura que se respiran en la obra. Podemos ver de forma trabajada el carácter gamberro ( que para mí siempre fue insoportable) y al mismo tiempo inocente del héroe protagonista. Esta lectura del Anillo retrata el lado más oscuro y menos noble de Wotan, ya que desde su postura de dios sabio es arrogante, ambicioso, y pugna por el poder tanto como Alberich. Y es en el dúo con este en el segundo acto donde se ve el enfrentamiento entre dos viejos llenos de odio y rencor, y del mismo modo con Erda, a la que agrede tras obtener de esta la evasiva como respuesta.

El bosque amenazante está presente en el primer acto, de fondo, en una casa de ladrillos, en  la que  imponente se levanta un horno enorme de fragua. Sigfrido aparece sucio, con la ropa roída. Otra cosa hoy rarísima de ver, es el oso con el que Sigfrido atormenta a Mime, que aquí se ve. Aunque resulta fuera de contexto ver las cazuelas y las ollas modernas al final de la fragua, ver a Mime cómo se pone una en la cabeza mientras Sigfrido fragua la espada, que aquí no martilla (de hecho los martillazos son una grabación). El segundo acto tiene posiblemente la que es la mejor recreación del bosque que se haya filmado en una representación, y sumado a la excelente iluminación, uno se siente en medio del mismo, se siente su frondosidad ( a lo que contribuye el trabajo de las cámaras). Un momento visualmente maravilloso es que cuando se oye la voz de Fafner, se muestra, reluciente, el tesoro del Nibelungo. Aunque cuando el dragón se hace visible, no deja de verse a los tramoyistas moviendo el carro con ruedas donde este se asienta. El pajarillo del bosque es un pájaro real, aunque se encuentra dentro de una jaula. El tercer acto es igualmente impactante, en la primera escena todo rodeado de niebla, y luego de vuelta a la impresionante roca de las valquirias. Aquí la dirección de actores logra reflejar los miedos de Sigfrido al ver a Brunilda dormida, y las vacilaciones de esta tras despertar.

Pierre Boulez continúa su dinámica dirección orquestal, supeditada a la dirección de escena, aunque no aburre en absoluto. De nuevo los tiempos ligeros se notan más en donde menos deberían notarse: el torrente de emociones en el que se adentra la obra en su escena final.

De Manfred Jung se ha escrito mucho, de cómo es el principal lunar de esta versión. Ciertamente, podrían haber elegido un mejor Sigfrido, ya que su voz en esa época daría, como mucho, para un Loge o un David de Maestros. Pero incluso si la voz no es agradable, al menos tiene volumen y la proyección es firme. Nada que ver con muchos tenores actuales cuya voz es frágil. Pero no excusa sus pobres medios, ya que en el agudo lo pasa francamente mal. Al menos como actor es excelente, ya que uno ve a Sigfrido con toda su bravuconería.

Heinz Zednik es Mime. Y aunque es excelente, no llega al nivel de su Loge en el Oro, ni tampoco llega a conmover como 15 años después en su grabación del Met. Aquí la voz está plena, pero realmente no retoma hasta la mitad del acto. Desde entonces sube varios enteros, y está estupendo en el final del primer acto y en el acto segundo.

Donald McIntyre es ahora el Viandante. Sigue en su línea imponente, de voz con luces y sombras pero firme y autoritaria.

Su guturalidad se complementa con la de Hermann Becht, aquí caracterizando en lo vocal a un Alberich más viejo y repulsivo, en una interpretación notable. De hecho uno de los mejores momentos es la confrontación con Wotan.

Gwyneth Jones tiene que cantar aquí la tesitura más difícil de todo su rol. En general la interpretación es buena, quizá a veces suene algo madura y tenga alguna complicación hacia arriba, pero los agudos, tanto en la escena del despertar como al final, son impresionantes. También da una tierna interpretación del Ewig war ich. Como actriz, sus tablas escénicas muestran tanto la dulzura como el lado más vulnerable, frágil de la valquiria, ya convertida en mujer mortal. Por suerte, hay química con el Sigfrido de Jung.

Fritz Hübner es un excelente Hagen, así como Norma Sharp como el Pajarillo del Bosque. Ortrun Wenkel es una Erda bien cantada, aunque vocalmente pienso que le falta más cuerpo, o más presencia.

Falta el Ocaso, que vi entero cuando tenía 15 años, pero puedo concluir que esta es una de las mejores puestas en escena de este ciclo jamás filmadas. Casi todo está a un nivel excelente a nivel escénico. Y si bien los cantantes no tienen la excelencia de dos o tres décadas atrás, su técnica hoy en día les convertiría en reyes. ¿Qué impediría hoy a Heinz Zednik cantar el Sigfrido, si lo ha cantado Lance Ryan? ¿Acaso hoy no Jeanine Altmeyer, Manfred Jung, Fritz Hübner o Donald McIntyre serían sacados a hombros del teatro, habida cuenta de lo que se ve hoy en día? Pues eso.

Despues de tanto Wagner he pensado que Las leandras sería una buena alternativa.

Grabación de 1958 muy bien dirigida por Gabriele Santini y remasterizada por Regis en 2011. Gobbi está sencillamente perfecto, en este papel que no requiere grandes hazañas vocales y que le va que ni pintado para sus reconocidas habilidades histriónicas. De los Ángeles es una Lauretta angelical y Del Monte un Rinuccio más que correcto.

La verdad es que es una obra muy curiosa, quizás más pensada para el medio radiofónico que el escénico, en ocasiones parece más un oratorio que una ópera propiamente dicha. En cualquier caso tiene su interés esta ópera de 1931, una de las primeras del compositor y del que el Festival de Salzburgo -y otros centroeuropeos- dieron a conocer durante las décadas de los 60 y 70.

Después de un mes, termino otra aventura del Anillo wagneriano, esta vez el legendario Anillo de Patrice Chéreau y Pierre Boulez, aquel que cambió para siempre la forma de entender a Wagner en su propio templo. En su día una profanación que provocó incluso amenazas de muerte, hoy en día un clásico. A los 15 años vi El Ocaso de los Dioses, y recuerdo que aunque me gustó la experiencia y la entendí mucho, hubo cosas que me parecieron irregulares, alternándose con otras emocionantes e icónicas.

El Ocaso es la más moderna de las cuatro jornadas, en la visión de este montaje, ya que ambienta la obra en los años 30, cuando la Gran Depresión preparaba el camino de los totalitarismos en Europa. Y quizá esta debió de ser la más impactante en su época, porque por primera vez en su historia, los personajes no solo ya no vestían trajes tradicionales, sino que llevaban pantalones, gabardinas, trajes, y demás ropa de calle. El mítico mundo de héroes y dioses daba paso a la realidad cotidiana, nunca mejor dicho, en escena. Y es en estas condiciones cuando más reales se ven las acciones de, por ejemplo, los Gibichungos: Gunther no solo es el personaje manipulable y pusilánime, sino que Chéreau le desprovee de cualquier nobleza que le da su posición: vestido de traje y pajarita, es el típico político pijo que solo tiene su apariencia. Hagen, el bruto, poco refinado y mal vestido hermanastro, manipulador e intrigante, aparece aquí como el mafioso que mueve los hilos en este clan, ahora representado como cualquier ciudad costera occidental en plena época de la Depresión. Gutrune es una bella mujer, ataviada como una actriz del Hollywood clásico, la cara amable del régimen.

La bella roca de las valquirias, aparece en el prólogo totalmente oscura, algo que anuncia la frustración de las esperanzas de la jornada anterior. Sin embargo, el cambio viene con el palacio de los Gibichungos, representado por dos enormes columnas, y el Rin inmenso, que parece más un mar, y al fondo una miniatura, un edificio lejano, en una arquitectura que recuerda a la Italia fascista. El segundo acto es el más bello plásticamente, ya que el Rin se ve tan extenso que parece un mar, mientras que las casas de los súbditos de Gibich se alzan a una orilla. El dúo Alberich-Hagen, en medio de la lúgubre noche, es un momento de gran belleza. Luego se ve, al coro, vestido de ropa de calle, gente de clase obrera, que empuña lanzas para recibir a Gunther, aunque éste también cuenta con un séquito vestido elegantemente de negro. El tercer acto muestra la melancolía de la obra de forma magistral: la presa en funcionamiento en el Oro, aparece aquí apagada, a plena luz del día, y las hijas del Rin visten pobremente. Aunque el principal clímax es la marcha fúnebre: tras la muerte del héroe se baja el telón y mucha gente se agolpa a ver su cuerpo.Luego esta gente mira hacia el público, y la cámara enfoca sus expresiones de tristeza: el pueblo ha perdido, a manos del poder, a su glorioso héroe, que era como ellos. El apoteósico final es emocionante, como no puede ser de otro modo, y cierra el ciclo con un signo cinematográfico: el imponente portón neoclásico del Walhalla aparece ardiendo, mientras el pueblo se agolpa a ver la hecatombe. Pero cuando el fuego se extingue, todos se inclinan. De repente, en plena humareda, dos muchachas se levantan y miran al público, seguidas de todos los demás. En vídeo, esta imagen se mantiene, ya que es un falso directo, durante un largo silencio cuando termina el último compás. Empieza una nueva era, pero ¿hay esperanza? ¿cómo hacer ahora que no hay dioses ni opresores?

Pierre Boulez prosigue con su dirección electrizante y rápida, acoplada al drama. Y ciertamente en el segundo acto alcanza su cénit, despuntando la tensión teatral. En los interludios es diferente: el Viaje de Sigfrido por el Rin es impetuoso, enérgico, pero a la Marcha Fúnebre le falta refinamiento, y la orquesta suena tosca, perdida, incluso siendo un momento solemne. Y aunque orquestalmente los tempi tan dinámicos del maestro francés se adaptan bien a la tensión dramática, en la conclusión orquestal final, la rapidez le quita un poco de apoteósico, pero no deja de emocionar. Los metales son excelentes en el breve preludio del prólogo y en el monólogo de Hagen del primer acto. El Coro del Festival está a su excelente nivel. Un dato curioso, aunque no muy relevante: se empieza a ver a coristas asiáticos cuando dos décadas atrás el coro era genuinamente alemán. Algún superviviente de la era de Winifred debió sentir una razón más para el ultraje.

El reparto sigue su nivel notable pero no sobresaliente.

Manfred Jung parece estar más cómodo en esta jornada que en la anterior, tanto a nivel vocal como actoral, aunque la voz no sea precisamente la de un héroe. Aun así su carisma escénico compensa un poco el desastre musical, ya que uno se cree su encarnación del socarrón y campechano Sigfrido.

Gwyneth Jones tiene aquí una tarea titánica. Es aquí donde los agudos le han fallan más, y de hecho no pocos se le quiebran. Pero el volumen de su voz, y sobre todo su arrojo escénico le permiten dar una interpretación convincente de Brunilda, y musicalmente también resulta creíble. En el segundo acto se siente la furia de una mujer despechada, y también manipulada por Hagen, en una interpretación electrizante, y en la Inmolación final, pese a sus limitaciones, su versión resulta augusta, imponente.

Fritz Hübner es un Hagen que tiene un buen grave, pero aunque como intérprete es intachable, a su voz le falta más grave para el personaje. Aquí Salminen lo habría bordado como 15 años despúes lo hizo en el Met. Al menos a nivel actoral su Hagen resulta tan temible como repulsivo.

Franz Mazura, con su voz villanesca y nasal, podría no ser en principio ideal para Gunther. Pero precisamente esto le hace encajar en la repulsiva lectura que a su personaje le da este montaje, y resulta un éxito. Jeannine Altmeyer, Sieglinde en Valquiria, es aquí una Gutrune bellamente cantada, aunque no tiene aquí el mismo arrojo que en la otra jornada y de hecho pasa desapercibida. Gwendolyn Killebrew canta bien su Waltraute, sin ser tampoco un hito. Aunque como actriz también resulta convincente, especialmente cuando no solo no responde al abrazo de Brunilda sino que además la mira con desdén, culpándola de su desgracia. Las Nornas están encabezadas por una estupenda Ortrun Wenkel, aquí mejor que como Erda. Gabriele Schnaut es la segunda norna, con su voz descontrolada, pero aún sin sonar tan mal. Katie Clarke es una Tercera Norna ligera. Las hijas del Rin están igualmente bien como en el Oro.

Uno no entiende el desdén de muchos reaccionarios con el montaje, habida cuenta de que muchas cosas del libreto de Wagner hoy se reconocen. Y uno puede ver el Anillo del año pasado en Bayreuth para entenderlo: no se ven ni el bosque, ni dragones, ni oros, ni valquirias, ni escudos, ni cascos. Por no haber no hay ni emoción.

Cada vez que uno termina de ver el Anillo siente que no sabe qué hacer ahora, una nube de la que hay que bajarse, pero quiere uno quedarse un poco más. En este caso, estamos ante uno de los vídeos de ópera más importantes de todos los tiempos, que recoge una de las producciones no solo más controvertidas sino de las más grandes, y al mismo tiempo fieles a la acción, que supondría la consagración del Regietheater en la escena musical europea. Todo wagneriano se la cruza alguna vez en su vida, y no es para menos, porque Chéreau consigue lo que Wagner quería: que se hablara de la obra y no dejara indiferente a nadie. Por eso, a más de cuarenta años desde su filmación y edición, este Anillo no envejece sino mantiene toda su fuerza dramática, redefiniendo nuestra forma de entender esta obra. Pocas cosas pueden decirse después de haberlo visto, más allá de entender su enorme influencia.

Quiero terminar esta serie de reseñas, con una mención del no menos indispensable documental de esta producción, The Making of the Ring: mientras se ve el Final de esta jornada, el presentador anuncia que el año siguiente, 1983, vería un nuevo Anillo como conmemoración de la muerte de Wagner, diciendo que tanto el director de escena, Peter Hall, como el director musical, Georg Solti, encontrarían su justificación en la música de Wagner...

Y ya sabemos que el montaje tradicional que presentaron fue un absoluto fracaso, pese a que fue anunciado como la restauración de la verdad wagneriana, siendo además inevitablemente comparado con esta producción, ¡qué ironía!