En mi opinión, la versión de referencia de esta obra. está claro que todas las óperas de Poulenc alcanzan su máximo dimensión en la voz de Denise Duval, auténtica musa del compositor.

Lo sé, estimado MarttiT. En eso y aunque no sirva de precedente, hay unanimidad (como en la Tosca de De Sabata, vamos ).

Siempre me he preguntado porqué Boulez criticaba la música de Berlioz. Por mis desconocimientos, no puedo opinar sobre si tenía o no razón, pero siempre me ha parecido un dato curioso. Para mí, esta versión y esta ópera es y seguirá siendo referenciales: la estatura de los personajes de Casandra y Dido - sin nada que envidiarle a Brunilda o Isolda en mi opinión - hace que cada vez que la escucho, con sosiego y con paz, sea una experiencia de primer orden. YO no la encuentro pesada - más me resultan pesadas "Maestros Cantores" o ese acto III de "Parsifal" - menos la música del Viernes Santo -.
Cierto que después de la muerte de Casandra, hago un parón de varias horas, pero en un día me la ventilo.

Otra versión indiscutida como la Tosca de De Sábata o la Boheme de Karajan.

¿Por qué este músico es a día de hoy tan incomprendido? ¿Es un músico - como leí en un blog - que gusta mucho a lo que no saben de música?

Pues la sinfonía fantástica se interpreta un montón. La condenación de Fausto también es una obra bastante programada.

Las óperas menos. Les Troyens es un tanto irregular, un poco mamotreto, pero está llena de bellezas. Eso sí, es un reto para un teatro dada la duración, complicaciones escénicas, larguísimo reparto y la imposibilidad de encontrar un Enée mínimamente digno. En vivo la he podido ver en Valencia con Gergiev (fracaso de Stephen Gould) y en el Covent Garden londinense con una magnífica dirección de Pappano, una Antonacci ya declinante vocalmente pero siempre gran artista, la estupenda Dido de Eva Marie Westbroek y un Brian Hymel que salió airoso, porque emitió los agudos con arrojo, pero demostró ser ajeno al estilo de canto francés.

Benvenuto Cellini me gusta, pero sólo la he visto una vez, concretamente en el Liceo de Barcelona.

Es de agradecer que el Teatro Real nos de la oportunidad de descubrir esta obra de Prokofiev. Y en este DVD es de agradecer la aparición de Vladimir Galouzin, con un vozarrón de los que ya no queda.

Estuve en el ensayo general del segundo reparto y lo único que puedo decir es que de largo va a ser LO MEJOR de esta temporada. El problema fue que al ir después de una comilona me hizo dormirme de vez en cuando en los dos primeros actos, pero es una obra que hay que ver. El interludio final del segundo acto, una maravilla.

Vi a Galusin en el Real como Canio. Entonces no me gustó, pero ahora considero que era un vozarrón de agárrate y no te menees. Ya no se ven, como bien dice, voces así por estos escenarios hoy en día. Ahora se llevan voces bonitas pero tan frágiles y poco resistentes como un jarrón de cristal fino.

Yo también lo vi en ese Pagliacci del Real. Resulta cuando menos asombroso que no le gustara entonces, sobre todo comparado con el tenor que cantaba el Turiddu en la Cavalleria previa (ahora no recuerdo si era La Scola u otro...). Vladimir Galouzine fue un verdadero cañón, con ese timbre casi de bajo que subía y subía hasta el firmamento del agudo para convencernos de que su voz sí era de tenor, de un tenor de verdad. Y qué potencia, bien aunada con una técnica nada despreciable. Debió tener usted un mal día, amigo angelparsifal.

Milano, Scala 12.3.1970

Una pena que haya que ser un aficionado muy muy interesado en esta Grande para poder encontrar esta versión suya, puesto que la labor que hay que hacer para dar con ella es poco menos que detectivesca. ¿Qué voy a decirles a vds. de esta Grande del siglo XX en "su" repertorio? Nada que no sepan. Sólo diré que es la Lucrezia, de las tres que he escuchado, que mejor interpretada - con diferencia - a su personaje, hasta llegar al paroxismo del dolor que es ese grito "spento" o el más lacerante "era desso" que uno ha escuchado y que ponen los pelos de punta a pesar de la correctita calidad del sonido. Ella "es" Lucrezia. El público scalífero así lo vio, y ya que desde la ejecución inmejorable de su aria de salida - con ese pianísimo celestial en "piaaaaaaaaaaaaaacier" conclusivo perfecto - hasta el duo final con un G.Raimondi magistral, tenor, por cierto, que cada vez que lo escucho me gusta más, el público se deshace en elogios: su dominio del aire, sin llegar al nivel de una joven Caballe, logra unos efectos impresionantes en el puro canto spianato, a eso, como dije, unimos una caracterización de primera. En el arte 2+2 no son 4. Sopranos con unos sumandos discretos o no espectaculares, dan como resultado, una suma superior a la de sus sumandos.

Por otro lado, para mí tiene algo de tristeza, puesto que estamos ante la fecha - si me apuran, está la Lucrezia de Bérgamo del año siguiente - a partir de la cual, la Gencer iniciaría ya su definitivo declinar. Por otra parte, supone el relevo al reinado de caballe, la cual debutaría con la Lucrezia en ese año, siendo ésta otra lucrezia destacada, y que acabaría bruscamente con su problemática Bolena del 1982.

Anoche, programa doble con dos obras sobre personajes prisioneros.



Desde la Scala, Suor Angelica, en 1983.

Parte del Trittico, Suor Angelica es una obra en la que se habla de la vida en convento como una prisión, una represión de los deseos que muchos tenemos. Todo esto desde el prisma del melodrama pucciniano. Sin embargo, me parece bastante interesante cómo Puccini y el libretista tratan a las monjas como mujeres más mundanas de lo que solíamos imaginar. Al menos, los que hemos crecido en un ambiente más o menos conservador y devoto. También la música de Puccini evoluciona, y vemos como un puente entre su más clásica etapa con Butterfly y Tosca, y la moderna que se anuncia con Turandot. Comparada con La Bohème, vemos una obra bastante moderna.

Gianandrea Gavazzeni pone toda su sabiduría al servicio de la Orquesta de la Scala, a la que hace sonar maravillosamente, con una ternura inicial que se convierte en espectacular en el interludio. El reparto es correcto. Rosalind Plowright interpreta a la protagonista muy bien en lo actoral: es una mujer muy hermosa y además buena actriz, conmovedora cuando se alegra por la boda de su hermana y cuando sufre por la muerte de su hijito. Vocalmente es buena, pero le falta italianità, pasión, pero canta bien. En cambio Dunja Vejzovic como la tía princesa es completamente fría. De acuerdo que la matriarca de la familia no puede ser la alegría de la huerta, pero no impone ni transmite la autoridad ni la falta de piedad que una diva temperamental le daría.

La puesta en escena no me ha gustado mucho. Yo a la hora de iniciarme (vi esta obra en el Real en 2012, pero no la había vuelto a ver ni oír desde entonces) necesito una puesta en escena ultraconservadora, para poder entender el argumento lo mejor posible. No se puede decir que esta no lo sea, pero es bastante oscura, como un cuadro de Giotto fotografiado con poca luz, sin una forma fija, de hecho la puerta es un telón que se abre y se cierra.



Brundibar, de Hans Krasa, desde la Universidad Central de Venezuela. 2017.

Brundibár es una ópera infantil, de conocido origen atroz. Hans Krasa era un compositor checo judío, quien compuso primero esta ópera para un orfanato judío en Praga, pero al ser deportado a Theresienstadt, no pudo llevarse la partitura y tuvo que recomponerla, además de adaptarla a las circunstancias del campo de concentración, quitando fragmentos y adaptando la orquestación a los instrumentos que había. También es de sobra conocido que en Theresienstadt había una vibrante actividad cultural, algo usado por la perversa propaganda nazi para decir "mira como el Führer trata bien a los judíos, que les da una ciudad y hasta tienen vida musical". Sí, una vida musical que era un alivio a las terribles condiciones de vida y trabajo esclavo. Un fragmento del final, aparece en el documental de propaganda que hicieron los nazis. Cuando se conoce la obra, uno concluye que la absoluta y tradicional ausencia de cerebro de los nazis hizo que no se dieran cuenta de lo que estaban cantando, y no lo censuraran.

La obra es una adaptación de Hansel y Gretel, pero el enemigo no es un lobo, sino un organillero llamado Brundibár, quien con las melodías de su organillo tiene hipnotizado al pueblo, ya que los adultos le dan dinero. Los hermanitos Pepicek y Aninka se dan cuenta, de que este organillero se cree que toca bien y sabe de música, cuando en realidad no sabe nada. De hecho, cuando lo imitan, todos se protestan. Toda una señora caricaturización de Hitler. Finalmente los niños, con la ayuda de los animales, ayudan a expulsar al tirano.

Habitualmente representada en círculos educativos y pequeños teatros (el Real la representó en 2016), también se suele hacer en el idioma vernáculo, para facilitar la comprensión del mensaje y no obligar a los niños a cantar en checo. Precisamente en Youtube he encontrado esta versión procedente de Venezuela, con un montaje verdaderamente espectacular y diría que referencial, al menos en español. La Orquesta Sinfónica Juvenil de Chacao dirigida por Alfredo Rugeles, maestro que en Venezuela es toda una institución, con el Coro Infantil y Juvenil UCV y la Agrupación “A Voces”, patrocinado por la asociación Espacio Ana Frank.

Realmente el nivel es altísimo, tanto por la orquesta, fenomenalmente dirigida, como por la puesta en escena:

Amanece en un campo de concentración. Al fondo del escenario, están las barracas donde duermen los niños prisioneros, con su uniforme. Una niña despierta, y avisa a los demás. Todos salen al patio, cruzando las alambradas. En la parte superior del muro trasero, la palabra "Brundibár" se ilumina. A un lado del patio, las maletas de los prisioneros, y al otro, su ropa toda apilada. Los presos se reúnen y deciden, ya que no viene ningún guardia, representar la obra con los utensilios y ropa que tienen. Brundibar el organillero tiene un mostacho que nos recuerda en quién está inspirado. Al final, todos se quitan los disfraces y cantan por la libertad.

El montaje, como ya se ha dicho, es de primerísimo nivel, muy bien cantado por los muchachos y con la orquesta espectacularmente dirigida. Desde aquí recomiendo encarecidamente su visionado.

Curiosamente, uno no puede dejar de pensar en la época en la que esto se hizo en Venezuela: cuando al principio los vendedores de comida dicen "helados, leche, pan", en un momento en que las colas para comprar comida formaban parte del paisaje venezolano, la escasez era cada vez más acuciante y los índices de desnutrición empezaban a dispararse, la diáspora venezolana aumentaba (en ese año en concreto recuerdo ver y conocer a cada vez más y más venezolanos en Madrid) mientras que la ministra chavista de Comunicación animaba a hacer "colas sabrosas". Y cuando hoy en día, en Twitter uno puede encontrarse hasta varios simpatizantes del gobierno venezolano que relativizan el Holocausto. Doblemente tremendo.

A Galouzine le ví, precisamente, como Agrippa de El Ángel de fuego de Prokofiev en Munich con una extraordinaria dirección de Vladimir Jurowski y aún conservaba vozaca.

En el Real, antes de ese Pagliacci y en mucha mejor forma vocal impactó como Calaf con timbre torrencial y agudos cuasiCorellianos.

Por lo demás, Galouzine, magnífico actor, es el mejor Ghermann de Pique Dame que he visto en teatro.

Lo más flojo que le ví fue un Radames en Santander. La línea de canto Verdiana puso de relieve sus carencias.

Hoy va de Lucrezias. .
Es curioso lo que me sucede con esta grabación y la de Perlea de Kraus/Caballé/Verrrt. Me lo tomo como un juego, puesto que siguiendo la tesis de Ricardo de Cala, ¿Por qué elegir si se pueden disfrutar las dos?

Entre Horne y Verret puede que se me incline la balanza por Horne en un papel travestido...especialidad suya. Con Sutherland y Aragall se complica la cosa. A favor de Joan está el hecho de que aguante la comparación -52 primaveras - con una jovencita recién llegada y en determinados aspectos sea más excelsa, como en el registro agudo -llegando al Mi sobreagudo marca Dame Joan - y en la coloratura matemáticamente perfecta con unos trinos espectaculares.Caballe aporta la ingravidez de su voz de gran belleza y unos filados de ensueño. Un manejo del aire superior. Dónde si veo que Dame Joan se supera es en su encarnación, siendo más sentida, menos hedonista con la belleza del sonido, que la de caballe. No es la Gencer ¡Por supuesto! pero hay (yo al menos así lo veo) más intencionalidad en su fraseo, para sorpresa de sus fans.
Aragall, a pesar que lo pasa canutas en su aria, su personaje está más vivo, tiene más carne que el Genaro pluscuamperfecto de Kraus..hasta en el timbre es más cálido.No obstante en este caso, reconozco es debilidad personal por Jaime/Giacomo.

Y termino: orquesta, secundarios, sonido, dirección: equipo DECCA.
El punto más débil yo entiendo es Ingvar Wixell ¡Habiendo cantado con Robert Allman! Que sí, que Wixell siempre dota a sus personajes de un tinte aristocrático que aquí encaja, pero su voz la encuentro poco oscura para la truculencia de Alfonso de Ferrara.


Termino: la edad.

Parece que los 52 años de Dame Joan Sutherland deben de pesarle, pero una vez visto el libreto y con unos pocos conocimientos históricos, puede encajar bien esa voz ya madura, con la incipiente veladura de su registro central en un personaje con experiencia de vida como era una mujer que enviudó ya dos veces -su tercio marito" y con un jovencito apuesto por hijo.


Difícil elección, ciertamente.

Una versión en la que destaca la presencia de Jaume Aragall, un cantante que grabó muy poco en estudio. Lo de Victoria Canale, claramente desafinada en su escena inicial, es otra cosa.

A propósito de Marinas, le sugiero la escucha de la grabación del recientemente fallecido Bernabé Martí y luego nos cuenta.

Desconozco tal versión. ¿Sería tan amable de darme una pista? ¿Es encontrable hoy en día?