Muy notables todas las actuaciones! A continuación el detalle de la grabación:

OTELLO (Verdi); Del Monaco; Fineschi; Capecchi; Carlin; Serafin; 2 CD; Live - Torino; 1954
Coro y Orquesta Sinfonica de Milano della RAI
Director: Tullio Serafin
Grabado en directo el 6 de noviembre de 1954

Gracias.

Friedrich Schiller, famoso poeta, dramaturgo, filósofo e historiador (debía ser bueno) alemán es el autor de esa sarta de disparates históricos que dio lugar al "Don Carlo" verdiano. A Don Giuseppe debía gustarle mucho, pues también en obras suyas se basan "I Masnadieri", "Luisa Miller" y "Giovanna D'Arco". Esta última compite con "Don Carlo" en cuanto a la cantidad y calidad de burradas históricas que contienen. Como es sabido, Santa Juana de Arco, Patrona de Francia, fue quemada ¡por hereje!. Pues bien, el tal Friedrich la hizo morir en una batalla. Tchaikovsky, en su interesantísima ópera, la devolvió a la hoguera. Solera, libretista de Verdi, añadió más despropósitos, atribuyéndole un romance amoroso con el rey de Francia. Y el produccionero de la versión que se ha visto en la Scala ha batido todos los records, permitiéndose incluso cambiar las palabras de Giorgio "non sacrilega sei tu" por "pura e vergine sei tu", es decir, sustituyendo un posible pacto diabólico por un vulgar asunto de bragueta, sacando al rey de Francia pintado de purpurina montado en un caballito de cartón y, en un alarde de originalidad, haciendo que toda la trama de la obra transcurra como producto de la imaginación de la protagonista, no muy en sus cabales, tal como al parecer indica el "manual de instrucciones" incluido en el programa.

Todo esta sesuda reflexión se debe a que anoche estuve viendo el estupendo video de la "Giovanna" que aparece en Youtube. Pocas sopranos se han atrevido en escena con la heroína francesa en las últimas décadas: mi idolatrada Renata, Ricciarelli, Dunn y no sé si alguna más. Caballé nos dejó una extraordinaria prestación discográfica. Anna Netrebko ha hecho una espectacular aparición en la inauguración de La Scala con el más puro estilo de eso tan denostado en la actualidad: el divismo del cantante, absurdamente sustituido por el del regista. Y lo ha hecho con sus armas: una voz bellísima de timbre, de considerable volumen y extensión suficiente, y un desparpajo escénico más que notable. El éxito ha sido grande y merecido. Y yo lo celebro. Francesco Meli ha sido Carlos, uno más de los reyes verdianos. Me gusta mucho la voz, de lírico puro con brillo, y un encomiable fraseo. Parece que le cuesta el ataque a los agudos, aunque no da aquel increíble re bemol que se inventó Plácido (uno de los episodios más extraños de la historia del disco). Devid Ceconi, un barítono grandote, cumple sin excesos en el papel de Giorgio, posiblemente el padre verdiano más agilipollado y metepatas (junto con el otro Giorgio, que en esto de metepatas no le iba a la zaga). La dirección de Chailly, con brío y brillo verdianos al frente de los magníficos cuerpos estables de La Scala. En suma, una excelente velada con un título que, sin ser de los mejores de su autor, merece sobradamente la atención.

Estimado Joseluis, parece ser según consta en el, como siempre, magnífico libreto-programa editado por La Scala y conforme manifiesta el propio Chailly (del que más me fío) y los registas, en el original Giacomo proclama "Pura e vergine sei tu" y que el "non sacrilega sei tu" fue un añadido posterior por presiones de la censura y las mentes "bien pensantes".

Ni Solera ni Verdi tenían ninguna intención de aquietarse a la historia, como cualquiera podrá imaginar. Eran conscientes de que Pacini y Vaccaj habían fracasado con Giovanna d'Arco y Solera deja claro a Verdi, que en su libreto, no se ha sometido ni a Schiller ni a Shakespeare.
Al Maestro le interesaba un texto que le proporcionara situaciones de gran fuerza teatral, acción, conflictos entre personajes, pasiones encontradas (amor-deber, amorfilial-honor) aderezado con una dosis de lo sobrenatural... En este caso, el conflicto entre padre e hija, un padre obtuso, cerril e intransigente que prefiere ver a su hija muerta que atentando contra su honor y Ella, aventurera, insatisfecha, asfixiada por ese ambiente, que quiere salir de él. El marco histórico se encardina en el gusto del melodrama propio de la época. Asimismo, es indudable que en una obra que desde el primer momento, se planteó para el lucimiento de Erminia Frezzolini, la primadonna cante una gran escena final herida de muerte en la batalla y no que perezca consumida entre las llamas.

Óperas que bien podrían participar de programas dobles mas que interesantes. Solo he podido oir en directo Aleko pero, por ejemplo, El caballero avaro tiene una larga escena para bajo preciosa. La menos interesante se me hace Francesca da Rimini, demasiado "espectral".

Ayer seguí con "Giovanna D'Arco", picoteando la versión de la Tebaldi, que tiene muy mal sonido, a pesar de lo cual el inigualable esplendor tímbrico de Renata deslumbra, unido a un sugestivo fraseo. En un crudo contraste, la voz de Bergonzi, que nunca fue el paradigma de la "lucentezza", suena más mate y apagada que de costumbre, que ya es decir. Supongo que la causa habrá que buscarla en los residuos de su reciente pasado baritonal (la grabación es de 1951). Eso sí, el fraseo es muy elegante, o al menos eso dicen. No me he fijado mucho en Panerai.

Y hoy, claro, siguiendo con el tema, he escuchado "La Doncella de Orleáns" de Tchaikovsky. Versión antigua (1946), dirigida por Khaikin. A pesar de la antigüedad, las voces suenan relativamente bien. La orquesta y el coro ya son otra cosa. Preobrazhenskaia es una buena protagonista de voz bella y potente. El resto del personal (las huestes del Kirov) realiza una labor muy idiomática, que es lo que se dice en estos casos. Me han gustado especialmente la voz y el estilo del tenor Kiltschevsky que encarna al rey Carlos VII.

Y también en estos días he vuelto al "Rigoletto" de Taddei, que está magnífico. Tagliavini, que le gustaba mucho a Celletti por la "soavitá" y esas cosas, aquí está menos comedido que de costumbre. Pagliughi es una Gilda a la antigua, Colasanti una Maddalena genérica y Neri un Sparafucile terrorífico. Hay que ver cómo dice "il denaro".

La regia de La Scala no es tan disparatada, joseluis. Tunner apunta algunas claves de la obra que la dirección escénica respeta; otra cosa es que guste el planteamiento de convertir toda la trama en una alucinación.

Heinrich Marschner - Hans Heiling (Theater an der Wien, 2015)

Michael Nagy (Hans Heiling), Angela Denoke (Reina de los Espíritus), Katerina Tretyakova (Anna).
Orquesta sinfónica de la ORF y Coro Arnold Schoenberg. Dir.: Constantin Trinks.

Otra de esas óperas para todos los públicos que podría servir para ampliar repertorio a poco que los aficionados al SCR le dieran una oportunidad: un universo reconocible (el del romanticismo fantástico), melodías bonitas –que diría Tip- y un eficaz uso dramático de la música vocal, desde arias para diversas cuerdas (An jenem Tag, O bleib bei mir o Einst war so tiefer Friede) hasta coros tan atractivos como el que cierra el primer acto (Juchheisa). Hay unos pocos recitativos que harán torcer el gesto a alguno, pero se compensa con un despliegue de recursos orquestales ausente de cualquier autor italiano de la misma época.

La versión, disponible en los podcasts de Radio Clásica, es más que digna. La Orquesta de la ORF me parece de gran nivel (bello sonido, equilibrio entre secciones) y le pondría un sobresaliente si la dirección del para mí desconocido Constantin Trinks hubiera tenido algo más de pathos. Michael Nagy es un barítono de bello timbre y recursos expresivos, aunque con más de un problema en la parte alta de la tesitura. A la soprano Katerina Tretyakova habrá que escucharla en papeles de más enjundia: parece tener una buena base técnica, pero sus intervenciones me suenan más bien anodinas. El trío protagonista lo completa Angela Denoke, una de esas cantantes que, según dicen, hay que ver en vivo; lo que se escucha no impresiona tanto.

Mención especial para el estupendo Coro Schoenberg.

Christel Goltz no es la mejor Salome posible porque su agudo es bastante tirante, forzado pero es un lujo escucharle a Clemens Krauss y a Anton Dermota.

Y a Christel Golz. Una de las grandes Salomé del siglo XX. Una artista de raza y gran Straussiana.

Y una gran Marie, por la que se le recuerda menos.

Yo ahora estaba con:


Erwin Schulhoff: Flammen

Don Juan: Kurt Westi; Donna Anna: Jane Eaglen; La Morte: Iris Vermillion; Der Komthur: Johann-Werner Prein; Harlekin: Gerd Wolf; Schatten: Cecilia Lindsley, Carola Höhn, Regina Schudel, Elvira Dreßen, Christiane Berggold, Kaja Borris.
Rias-Kammerchor Berlin (Dir.: Marcus Creed)
Deutsches Symphonie-Orchester Berlin
Dir.: John Mauceri.

Esta lo tiene más difícil que Hans Heiling para incorporarse al repertorio. Aunque me gusta mucho el postromanticismo manierista de la Entartete Musik, reconozco que no es guiso para todos los paladares. La obra, una visión hipersexualizada del mito de Don Juan, es una sucesión de cuadros sin demasiada consistencia dramática, los personajes son arquetipos, el lenguaje musical, de un cromatismo saturadísimo, resulta bastante ecléctico, con continuas referencias que van desde el primer Schoenberg hasta Debussy. No es una ópera bonita, Tip.

Mauceri consigue momentos de gran impacto descriptivo con la orquesta berlinesa, pero en la parte vocal solo me convence la mezzo Iris Vermillon. La soprano Jane Eaglen interpreta una porrada de personajes aprovechando su timbre multicolor; resulta complicado distinguir cuando pasa de uno a otro

He podido escuchar los cuatro fragmentos (en versión orquestral) de La ópera de tres reales que Klemperer grabó en 1931. Como viajar a otra época, y sirve para desmontar la imagen del Klemperer de los 60/70 que tenemos todos.

Si los SCR recalcitrantes tuvieran cierta amplitud de miras descubrirían este Don Pasquale danés con todos los elementos clásicos: su viejo gruñón y reaccionario, sus amorios juveniles furtivos y su duo de amor, su baile de mascaras liberador, su música basada en himnos luteranos y su mismo viejo gruñón resignado ante el amor de los jóvenes. La historia de siempre pero en danés, con una música chispeante y que, por desgracia, apenas se representa.

MarttiT, lo que usted dice no es más que una contradicción conceptual, porque

recalcitrante.
(Del lat. recalcĭtrans, -antis).
1. adj. Terco, reacio, reincidente, obstinado, aferrado a una opinión o conducta.
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es totalmente opuesto a tener amplitud de miras.