Me congratula el hecho de que la ópera del mes esté sirviendo a más de un forero a reencontrarse con esta maravillosa obra.

A mi, que hacía un siglo que no me la ponía, y para ponerme al dia me la he escuchado esta semanita un par de veces

Llevo unos 40 minutos leyendo todo lo que tiene que ver con el Otello que has escrito Yago, y no puedo sino reiterar todo mi agradecimiento y mis más sinceras felicitaciones por un trabajo tan cordial, ameno y didáctico.

Gracias.

<center> 7. RECITATIVO IAGO "CASSIO A TE", DUO OTELLO-IAGO "CIO M'ACCORA", CORO Y CUARTETO.</CENTER>


Corresponde a las escenas tercera y cuarta del segundo acto; se trata de dos secciones contrastadas y separadas por un coro.


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<center> El coyote. Looney Tunes.</center>

<center>:arrow: Recitativo "Cassio a te, quest'é il momento". Dietrich Fischer-Dieskau. Dir: Sir John Barbirolli. New Philharmonia Orchestra. 1968</center>



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En el recitativo "Eccola, Cassio a te, quest'é il momento!" la orquesta anticipa el juego de Iago: figuras rápidas y repetidas de las cuerdas, zigzagueantes, sinuosas, seguido de breves silencios que asemejan a un depredador observando a su presa tras los matorrales antes de abalanzarse a por ella. (Detalle en la partitura arriba expuesta). Me he permitido el guiño cómico con la ilustración con la que comienzo esta exposición, por que el dibujo orquestal que recrea Verdi para esta acción que está describiendo Iago, me recuerda tanto a una escena típica de la persecución del correcaminos por parte del coyote..

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<center> :arrow: Dúo Otello-Iago "Cio m'accora". Giovanni Martinelli- Lawrence Tibbett.Dir: Ettore Panizza. 1938</center>


Durante el dúo entre Otello e Iago la música va pareja a los caracteres de los personajes; así la orquestación en las intervenciones de Otello es densa y la línea vocal se mueve por el registro agudo; la orquestación en Iago es más sutil y suave, las cuerdas consiguen un efecto murmurante.

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El dibujo orquestal en la frase de Iago "temete signor la gelosia" (en pp) es sibilino y ondulante, como la manzana que la serpiente ofrece a Eva: la semilla de los celos que enraizará más adelante de una forma contundente en Otello.

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<center> Diseño de Giovanni Zuccarelli para la escena del Coro del acto II</center>

<center>:arrow: Coro "Dove guardani splendono". Gwyneth Jones- James McCracken-Dietrich Fischer-Dieskau. Ambrosian Opera Chorus.Dir: Sir John Barbirolli. 1968</center>


Coro: allegro moderato que divide el segundo acto y ofrece un fuerte contraste entre las dos partes; de aire campesino en el que se ofrenda a Desdemona por parte de los chipriotas. En su orquestación se incluye la cornamusa, mandolina y la guitarra. Momento musical juzgado por muchos críticos como escena que no aporta nada y rompe la trama dramática tras el "temete signore la gelosia"; de hecho Karajan en su versión en estudio lo corta en la intervención de los niños "T’offriamo il giglio"; Panizza en la versión de que disponemos de 1.938 lo hace en el momento en que las mujeres cantan " A te la florida messe dei grembi", Toscanini en "T’ofrriamo il giglio" permite que lo cante una soprano en vez de un coro de niños, y en el coro de marineros, "A te le porpore", lo interpreta un barítono; como vemos cada director imprime un sello personal durante la interpretación de este momento, que expone una imagen dulce y angelical de Desdemona, un oasis de lirismo y calma entre dos escenas con fuerza y en las que la aptitud de Otello vira vertiginosamente a medida que comienza a albergar dudas en relación a Desdemona.


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<center> Othello and Desdemona. Daniel Maclise.</center>


<center>:arrow: Cuarteto "D'uom che geme". Renata Scotto-Plácido Domingo-Sherill Milnes-Jean Kraft. Dir: James Levine. 1978.</center>


Cuarteto. El pañuelo se convierte en el núcleo principal que centra el desarrollo del drama a partir del momento en que se le cae a Desdemona; nunca un hecho tan insignificante en la ópera ha desencadenado una tragedia tan atroz. Este maravilloso cuarteto en el que la acción se desarrolla por parejas, en el que cada una de ellas superpone frases diferentes con estados de ánimo en cada personaje totalmente distintos en los que la acción fluye paralela a la instrumentación escrita.

La línea vocal en Otello es menos ligada y poco melódica expresando así su interno debate entre la duda sobre la fidelidad de su esposa o su íntegra honestidad con apuradas ascensiones al registro agudo. En cambio en Desdemona es ligada, muy expresiva y muy melódica anotada en la partitura varias veces dolcissimo y que también fluye por un registro alto. La pareja formada por Emilia e Iago posee una línea vocal nerviosa y entrecortada, correspondiente a la acción que desarrollan, con abundantes staccati. La progresión musical fluye en ondas que parten de cada personaje sin obedecer a esquemas tradicionales repetitivos. La mezzosoprano que dé vida a Emilia debe poseer anchura y sonoridad en el registro grave en el transcurso de esta escena.

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Me encanta el coyote

Ay, esa version de Barbirolli, tan rara rara rara

¡Qué nivelazo, Yago! Eso del momento coyote en el recitativo mola . Aunque lo haya dicho, lo reitero: me encanta Fischer Dieskau en el papel de Yago. Logra que cada palabra, cada frase, se convierta en una obra de arte.
También me ha gustado mucho la versión que ha colgado del dúo, pese al sonido -creo que la edición en el sello Naxos es mejor a este respecto, aunque no estoy seguro - y a que Martinelli ya está un poco viejuno.
Del coro que abre la entrada de Desdémona lo que más me gusta es como Yago dibuja su frase ("Non parlo ancor di prova, pur, generoso Otello, vigilate...") sobre la melodía de aquél. El coro es bonito, pero resulta un poco empalagosillo.
El cuarteto contiene algunos de los momentos que más me emocionan en la ópera; por ejemplo, ya en la parte final, esa estremecedora frase de Otello ("Ella è perduta è irriso io sono e il core m'infrango e ruinar nel fango vedo il mio sogno d'or") que, por momentos, parece estallar en mitad de la melodía y el canto del resto de personajes.

Gracias.

Es increible cuántas indicaciones de dinámica que tienen las partes de Iago: ¡hasta 5 pes en el monólogo!

y cuatro (pppp) en el racconto del "sogno di Cassio" en la voz del barítono!

¿y eso cómo demonios se canta? Qué sutilezas Dios mio, es de una complejidad pasmosa

Eso mismo recuerdo que lei que le preguntó a Puccini un cantante cuando estaban preparando una ópera ,que tampoco recuerdo, en la que Puccini había escrito ppppp nada menos que cinco p, es decir, hipermegasuperpianissimo

A mí me da la impresión de que Verdi tenía en la cabeza una interpretación muy muy muy concreta del papel de Iago.

Es decir, da la impresión de que tantas indicaciones y tan específicas no son sino el reflejo del deseo de Verdi de que los cantantes interpretasen el papel de un modo (musicalmente) muy concreto.

Y pensando en un cantante: Maurel.

Ya me dirán qué pintan los barítonos berreantes en este papel.

El problema, o la duda, es que muchos barítonos capaces de una lectura digamos sutil o más detallista del rol -Dieskau o Glossop-, me temo que tampoco firman una interpretación de fidelidad máxima a la partitura -aunque por supuesto más fiel que otros-. Queiro decir: Verdi puso el listón en su partitura muy, muy arriba, y ni siquiera con las mejores intenciones y medios técnicos se puede hacer justicia a su escritura. Por eso decía que esto es también una duda: ¿alguien ha escuchado a Dieskau partitura en mano, a ver si da -o intenta dar- todos los matices?

Me jugaría algo bueno - John Wayne dixit - a que sí.

Pero a mí me falta algo.

Este papel, en pocas palabras, exige el mejor barítono del mundo