Clooney es un guaperas de campeonato; lo que no tengo tan claro es que sea un actor con un registro medianamente aceptable. Le va la comedia, eso es evidente, porque se ve a la legua que es un cachondo de aquí te espero. Como actor dramático, sin embargo, es bastante limitado. En esta película se dirige a sí mismo y deja de poner caritas y hacer gesticulaciones innecesarias. No digo que sea malo; pero no es un actor notable.

Estuve viendo "Interstellar", basado en las recomendaciones de algunos amigos y la participación en el proyecto de Kip Thorne, uno de los autores del 'Gravitation' con el que aprendíamos en mi época Relatividad General (aunque a mí personalmente me gustaba más el 'Gravitation and Cosmology', de Weinberg). Pero vaya... toalla.

Además muy larga, para contar lo que se pretendía contar habría bastado con 90 minutos. Lo único de cierto interés son las escenas en los dos planetas a explorar.

Ciertamente.
El embaucador (¿embaucado?) de Colin Firth, desempeña (un plus, desde luego) por vez primera el prototípico personaje de W.Allen desconfiado y que de todo desconfía; muy buena ambientación y narración sin pretensiones universales. Y otro detalle: la música elegida.
Se disfruta.

Before the Devil Knows You're Dead (Antes que el diablo sepa que has muerto). Nueva entrega de los imprescindibles del siglo votados por ustedes y, como en los dos títulos anteriormente comentados (Melancholia y Amour), otra muestra más de lo terrible que es la vida, del reinado de la muerte y etcétera. Me temo que en la lista aun quedan unos cuantos por el estilo. ¿Qué pasa? ¿No hay nadie que vaya al cine a pasar un buen rato? ¿O es que la risa, el optimismo y los buenos sentimientos tienen menos dignidad artística? En fin, no me lo tengan en cuenta; yo agradecido por sus recomendaciones y esto último daría para otro hilo.

Sobre la película en cuestión, quede claro que no me ha parecido una mala elección, aunque no tanto como para llegar al Top. Sidney Lumet fue uno de aquellos directores que se incorporaron al cine en los sesenta creyendo que el cine consistía casi exclusivamente en historias de impacto filmadas en un lenguaje similar al de la televisión en la que se habían formado. El valor de su obra es el de los guiones con los que ha trabajado y este –escrito por un tal Kelly Masterson- tiene una “pegada” indudable: a partir (o alrededor) de un atraco chapucero que termina desastrosamente, se nos va descubriendo la historia de un grupo de fracasados destruidos por esa bendita institución que es la familia. Las claves de su destrucción como personas se desvelan aquí y allá, en distintos episodios que sobrevuelan los días inmediatamente anteriores o posteriores al suceso y que nos ofrecen los mismos hechos desde distintos puntos de vista que se entrecruzan, en un planteamiento “a la Tarantino”. Lumet filma todo esto con habilidad, pero sin exhibicionismo; en secuencias como las citadas, la cámara se limita a encuadrar las distintas posiciones en la relación entre los personajes allí donde el pirotécnico Quentin explotaría el espacio para deslumbrar al espectador. Algunos planos –en los diálogos críticos entre los dos hermanos o entre Andy y su padre- son claramente deudores de un cine tan poco afín al thriller como el de Woody Allen.

Si el guión es uno de los puntales de la película, el otro son las interpretaciones. "Before the Devil...” es, contra lo que parece en un primer momento, cine de personajes más que de situaciones. En este sentido los intérpretes masculinos mantienen el interés cuando el macguffin flaquea. Philip Seymour Hoffman borda un papel que hoy sabemos que tenía mucho que ver con sus peores demonios interiores. El nerviosismo casi histérico de Ethan Hawke no sienta mal a su desamparado personaje, el único que, en ciertos momentos, despierta una cierta compasión en el espectador. Y Albert Finney vuelve a realizar ese descenso a los infiernos que le debe resultar tan familiar en su carrera interpretativa. Los papeles femeninos aparecen, en comparación, bastante más desdibujados, tanto más fuertes cuanto más desvinculados de los hombres y, por tanto, de la trama principal de la obra. La mujer de Andy (Marisa Tomei) cobra, en cambio, protagonismo gracias a su cobardía y pasividad, que la atrapan en un patético triángulo hasta que reúne el valor para hacer las maletas. Y es que, en esta película, como corresponde al manual del buen nihilista, no hay más opciones que la huida o la muerte.

Ante todo, gracias a Supermaño por sus interesantísimas semblanzas cinematográficas.

Uf, recuerdo esa peli que comenta como una escenografía, más que oceanografía, del tedio. Bien hecha, bien actuada, seria, suficientemente profunda comme il faut à la page de la page, fácilmente cínica y tan de nuestra época.

Keaton, eso es el genio. Estoy leyendo el libro de mis comidas con Orson Welles, tan triste, y ensalza a Keaton para disminuir a Chaplin (no sé si empezaría él esa moda, tampoco sé si surge en Welles la historia ¿o mito? de que Chaplin cortó gran parte de su escena con Keaton en Candilejas porque se veía tan claramente en pantalla quién era el más grande que hasta resultaba penoso).

Si angelparsifal quiere seguir viendo a Keaton, me uno a las recomendaciones de Alberich. Me gustan especialmente Sherlock Jr., Steamboat Bill, Seven Chances y Our Hospitality, pero es difícil equivocarse mucho. También tiene cortos maravillosos.

Lumet fue uno más de aquella denominada "generación de la televisión", de la que salieron también los Penn, Frankenheimer, Ritt, Mulligan, etc. Hoy es el último de aquella promoción de directores, y lo cierto es que su trayectoria es la habitual en nuestros días: los directores se curten en episodios de series de TV y luego dan el salto al cine. Pero la esencia de su cine, más allá de dónde empezaron, era la selección de temas mucho más pegados a la actualidad que los usados por las "vacas sagradas" del Hollywood de los sesenta, que andaban a otras cosas.

Efectivamente, y si sus medio y largometrajes están a la altura de los mejores realizados por Chaplin --y con ello tampoco quiero disminuir la grandeza del británico, sino reivindicar una realidad como la copa de un pino-- yo creo que es en los cortos donde Keaton supera claramente a Chaplin. También es verdad que este último comenzó a trabajar un poquitín antes (sólo un poco), y que su estilo y personaje son distintos, pero siempre he tenido claro que los cortos de Keaton (dejo al margen los que realizó junto a Fatty Arbuckle y hablo un poco en general, por supuesto) están mucho más elaborados y son mejores que los del entrañable vagabundo. Tienen más enjundia argumental y dramática y van más allá del mero incidente "slápstico".

Lumet es un artesano, no es un "autor", por así decirlo; pero sabe más del oficio que los ratones colorados. Su cine es ágil, con garra y no decae en ningún momento. Está más interesado en los dramas judiciales (Doce hombres sin piedad o Veredicto Final, pero sin desatender los conflictos personales), en intrigas policíacas (La trampa de la muerte, Tarde de perros) y alguna sobresaliente crítica social (Network). Repito, su obra me parece interesante, divertida y de impecable factura.

Hace mucho, que eso de la "teoría del autor" quedó como una pamplina para estulticias filosnobistas que también merodean en el mundo del cine. Sin ir más lejos, a Hitchcock le despreciaban, sencillamente, porque gustaba al público y los gafapastas y la intelligentsia no le prestaron atención hasta que Truffaut o Rohmer le dieron el "certificado de autor" en Cahiers du cinema.

Magnífico Lumet. Doce hombres sin piedad, La colina, Punto límite, Tarde de perros, Network, un mundo implacable, Veredicto final y sí, también Antes que el diablos sepa que has muerto son obras de un gran cineasta.

Sydney Lumet fue un director interesante, sin duda, aunque puede ser que algo de su cine haya perdido la frescura y la pegada del primer momento, pero ya murió. Lo digo, porque por los comentarios que he leído, todos en presente, no sé si es sabido que hace unos pocos años que falleció .

Sabemos que murió, concretamente en 2011. Vea "Doce hombres sin piedad" y dígame que ha envejecido...

También sobresaliente en su género, la adaptación de Asesinato en el Orient Express, única película sobre sus obras a la que Dame Agatha dio el visto bueno. Y es que dirigir a tal plantel de estrellas (Finney, Bacall, Bisset, Widmark, Cassell, York, Perkins, Bergman, Gielgud, redgrave, Connery...) y lograr un resultado tan notable demuestra maestría tras la cámara

Anoche ví una peli anime de ciencia-ficción, Expelled from Paradise. Se estrenó en Japón en noviembre.

Es un cruce de influencias japonesas y americanas bastante curioso. El planteamiento le tiene un aire a Wall·E (en el futuro la mayoría de los humanos abandonan sus cuerpos y viven en forma binaria en el ciberespacio en un satélite espacial, y acaban por olvidar su pasado humano) y Ghost in the Shell (cuando un hacker penetra en el ciberespacio desde la Tierra el sistema central envía una agente tras fabricarle un cuerpo para que investigue el incidente). Como en Elysium los humanos terrícolas sobreviven como pueden en un mundo de western postapocalíptico a lo Trigun, mientras que los digitalizados viven aparentemente en un paraíso... aunque luego resulta tener su parte oscura. Luego la película se desarrolla como una buddy/road movie de investigación en la que la protagonista redescubre su naturaleza humana en un desarrollo a lo Bailando con lobos a través de su relación con su contacto terrícola. Luego tenemos un giro a lo Cortocircuito (con ecos de Wall·E de nuevo) y finalmente un climax a lo Gundam; vamos, robots-armadura voladores a tiro limpio.

Me ha parecido una película de cyberpunk filosófico muy bonita y completa sobre la amistad, la ilusión por la exploración espacial y lo que nos hace humanos, con un equilibrio muy bueno entre reflexión y diversión. Su gran handicap es que no creo que su diseño y animación (cel shade) tengan tirón entre la mayoría de espectadores del cine de animación americano, ni del anime clásico o de Ghibli. A ver si al menos llega a España en DVD.

Lo de "autor" o "artesano" es una disquisición que me interesa poco. La pregunta que hay que hacerse siempre es qué aporta el trabajo del director al material de partida, básicamente al guión -en caso de que no sea propio. En el caso de Lumet, como ya he comentado, se trata de una visión muy directa e inmediata de personajes y situaciones. No hay grandes hallazgos de puesta en escena, ni es fácil recordar secuencias inolvidables que no se basen en la interpretación y los buenos diálogos (podemos repasar la lista de películas que han sido citadas). Eso sí, con un buen guión, buenos intérpretes y un tema que le interesara, Sidney Lumet era un director notable.

Olvier Twist, 1922.

Excelente película, siempre con el talento de Jackie Coogan y la extraordinaria capacidad de transformación de Lon Chaney como el malvado Fagin. Muy entretenida, en verdad.


Esta noche o nunca,1931.

No es que haya entendido mucho la mayor parte de esta comedia (algo que me pasa mucho con las comedias de esta década) pero tiene sus puntos, más que nada la vi por mi admirada Gloria Swanson. Lástima que no reviviera su carrera ya que parece haber sido la mejor de las películas que hizo en los años 30. La Swanson interpreta a una glamurosa y temperamental cantante de ópera que sin darse cuenta se enamora de un representante, tomándolo por gigoló. Además, debió estrenarse en España hace décadas ya que el doblaje que presenta es antiguo y hay escenas que no están dobladas (y que no son pocas) ¿La mano de la censura? Quizá lo que le faltaba era alguna canción ya que nuestra diva sabía cantar y muy bien. Otra cosa es el primer encuentro entre la diva y su galán, bastante subido de tono para su época (algunos trabajadores del Código Hays la recuerdan como muy ofensiva), especialmente con una Swanson vestida sólo con un top de brillantes. Yo la recomiendo pero sin duda en mi caso es por mi devoción a la Swanson.


Chantaje/La muchacha de Londres, 1929.

Cuando todavía era un niño, y ya un ferviente admirador del cine mudo, llegó a mis manos esta primera cinta sonora de Alfred Hitchcock, que además resultó ser la primera película sonora del cine inglés. Recuerdo que me gustó la película y hace unos años volví a verla, disfrutándola nuevamente. La película es un clasico: argumento interesante y entretenido, escenas del viejo Londres como la vibrante operación del principio o la escena del Museo Británico (impagable al mostrárnoslo hace 86 años) o el paseo nocturno tras el asesinato. El reparto de importantes actores incluye a la impactante Sara Allgood en un pequeño papel, el cantante Cyril Ritchard o Anny Ondra, que a pesar de sus limitaciones (el ser doblada debido a su acento) da una interpretación de menos a más, y utiliza bien las gesticulaciones del cine mudo en favor de su atormentado papel.

Sin embargo, la película se estrenó en la mayoría de cines británicos como muda debido a la falta de adecuación para el sonido de muchas de las salas del Reino Unido y la versión muda fue en su día más popular que la sonora. Y es precisamente esta versión muda la que acabo de ver. Algunos críticos dicen que supera a la sonora pero son bastante idénticas aunque la sonora parece durar más. Y sin embargo, he llegado a una conclusión.

Muchos creen que el cine como arte murió con el cine mudo. No lo sé. Tal vez perdiera su halo de fantasía y magia (también por la llegada de la Depresión, que cambió los gustos) pero la palabra es irremplazable y los rótulos no pueden sustituírla. Algunas cosas y detalles interesantes de la versión sonora se tienen que imaginar o deducir en la muda. La palabra significó el paso otra forma de ver el cine, pero en ningún caso creo que perdiera su condición de arte. Siempre disfrutaré del cine mudo pero para mí el cine no dio un paso atrás con el sonido sino muy al contrario.