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NotaPublicado: 11 Jul 2007 18:41 
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A mi me gustan Poulenc, Barber, Menotti, Britten, Strauss, Korngold, Milhaud, Gershwin, Ginastera, Krenek, Shostakóvich, Prokofiev, Schoeck, von Zemlinsky, Weill, Stravinsky, Ullman, y tantos otros :x

Sin embargo no me gustan para nada ni Schoenberg ni Berg. :roll:

De Carlisle Floyd solo conocía Of Mice and Men (la tengo), me gustó mucho el fragmento que colgaste de Susannah.

La bella Helena la tengo y es una obra que no me gusta demasiado.
El final de Drot og marsk no me interesó demasiado. :wink:

Gracias Zelenka por el esfuerzo, realmente se aprecia :wink:


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NotaPublicado: 11 Jul 2007 19:43 
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Gracias Zelenka :wink:
por cierto,no me acordaba que Albinoni habia compuesto operas!

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Al lampo dell'armi quest'alma guerriera vendetta farà.


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NotaPublicado: 11 Jul 2007 20:32 
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Zelenka escribió:
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Zoltán Kodály (1882-1967) El arte musical húngaro tuvo en Béla Bartók y Zoltán Kodály a los principales gestores de su consolidación durante el presente siglo. Ambos crearon un nuevo estilo a partir del folklor local y se preocuparon de establecer una cultura musical de alto nivel. Sin embargo, la labor de Kodály se extendió mucho más allá, porque además de trabajar como compositor, director, crítico y profesor de música, abordó con igual interés y profundidad la etnología, la historia y la estética musicales, la historia de la literatura, la linguística, la filosofía y la enseñanza del lenguaje. Pocos artistas han logrado desarrollar una actividad tan valiosa y duradera en esta variedad de ámbitos, pero muchos menos han sido los que han centrado tantos y tan distintos aspectos de su labor persiguiendo un único ideal: derrotar el analfabetismo musical a todo nivel.

Fue después de egresar de la Academia de Budapest en 1905 que Kodály partió con un aparato fonográfico a registrar ejemplos del folklor para realizar su tesis sobre la estructura de la canción popular húngara. Luego compartió con Bartók no sólo la tarea de coleccionar, clasificar y editar cientos de ejemplos de la música nativa, sino también una duradera amistad. Paralelamente se interesó en componer, sobretodo tras viajar a París y volver con algunas obras de Debussy que analizó junto a su amigo. Desde entonces su lenguaje adquirió un estilo individual y maduro que el propio Bartók describiría señalando: las composiciones de Kodály poseen una rica invención melódica y un perfecto sentido de la forma, no siendo del tipo que hoy en día se describe como moderno, demostrando que todavía se puede crear un idioma novedoso y presentar rasgos que nunca antes se habían abordado basándose en el principio tonal.

En 1908 Kodály fue contratado como profesor en la Academia de Budapest y un par de años después, el 17 de marzo de 1910, se realizó en esa ciudad un recital con obras suyas y de Bartók que llegó a considerarse como el inicio de la nueva música húngara. En todo ese período sus intereses creativos estuvieron centrados en la música de cámara y vocal, pero con la llegada de la década del 20 su aporte se fue ampliando a otras esferas de mayores dimensiones. Es así que con su Psalmus Hungaricus de 1923 obtuvo notoriedad internacional, la que reafirmó con la ópera Háry János de 1926 y, sobretodo, con la suite orquestal de esta última, realizada en 1927 y que pronto incluyeron en su repertorio directores tan eminentes como Toscanini, Mengelberg, Ansermet y Furtwängler. Pronto Kodály apareció dirigiendo su música en Amsterdam, Londres y Cambridge.

Ciertamente el patrón de vida de Kodály no cambió mucho una vez consolidada su posición en Hungría y en el resto de Europa. Con la idea de establecer un arte musical húngaro basado en el folklor, reconociendo la significancia cultural de las tradiciones musicales de su pueblo y llevando a cada rincón del país el conocimiento y el cultivo de la música, Kodály continuó enseñando, recopilando y realizando publicaciones muy valiosas en revistas, periódicos y libros. La culminación de toda esa actividad científica fue la primera edición del Corpus Musicae Popularis Hungaricus en 1951, proyecto que había comenzado a delinear junto a Bartók en 1913 y para el cual clasificó alrededor de 100.000 canciones y melodías folclóricas. Pero Kodály también era un experto en la música de sus colegas y escribió ajustados juicios sobre Bartók así como de otros autores e intérpretes de todas las épocas.

En el campo educativo Kodály realizó una labor igualmente trascendental, enseñando en la Academia de Budapest entre 1908 y 1940, donde tuvo a alumnos que llegaron a ser distinguidos maestros, intérpretes, compositores o directores como Antal Dorati, Istvan Kertesz o Georg Solti. El mismo interés pedagógico lo llevó a realizar mucho trabajo creando y editando ejercicios, mientras que en la década del 30 fue capaz de gestar un movimiento juvenil coral a nivel nacional que, gracias al apoyo gubernamental después de la guerra, le permitió poner en práctica su visión de la enseñanza musical como algo disponible para todos a través del canto coral. Con esto aseguraba que la música pasara a ser parte orgánica en el curriculum escolar y que tanto niños como adultos no perdieran contacto con ella.

En el plano creativo Kodály continuó una carrera exitosa en la década del 30 con las Danzas de Galánta, las Variaciones sobre El Pavo Real y el Concierto para Orquesta. Finalmente, en 1942, se le reconoció una mayor trascendencia en las instituciones artísticas húngaras y su estilo basado en el folklor (nunca tan denso o analítico como el de Bartók) se transformó en un modelo para los compositores más jóvenes. En los años de la guerra siguió trabajando, ayudó a mucha gente durante las persecuciones y junto a su esposa tuvo que refugiarse en un convento de Budapest, donde completó su Missa Brevis. Con el término de la guerra su labor también logró honores y premios en el extranjero, no sólo como director y compositor, sino además como musicólogo y educador. Aún cuando hasta su muerte Kodály siguió ligado a una serie de variadas actividades, su música nunca reveló que sus facultades disminuyeran, siendo claros ejemplos el Himno de Zrinyi de 1954 y la Sinfonía de 1961.

Háry János (1926) Singspiel en cuatro aventuras. Fragmento de la primera y la segunda aventura.

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Székely fonó (1932) Juego musical en un acto sobre textos folklóricos. Comienzo.

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Fue muy grato escuchar Székely fonó :wink:


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NotaPublicado: 11 Jul 2007 21:29 
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Me ha gustado lo de Floyd es muy interesante, tendrìa q escuchar toda la obra a ver q tal.
Suppé me entusiasma muchisimo, genial :wink: .
Heise, Rihm, no, tendré que conseguir material discografico a ver si me entusiasman.

De nuevo grax Zelenka :wink: .


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NotaPublicado: 13 Jul 2007 22:36 
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Acabo de escuchar Susannah completa y me pareció bellísima :D

Gracias Delaforce :wink:


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NotaPublicado: 16 Jul 2007 19:35 
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Marc Antoine Charpentier (1643-1704) Nació en o cerca de Paris. Estudió con Carissimi en Roma durante varios años y sus primeras obras demuestran una clara absorción de los estilos y las formas italianas del periodo. Se desconoce que cargos ocupó al principio de su carrera, pero hay evidencia que muestra que inmediatamente después de su retorno desde Roma fue contratado por Marie de Lorraine, Duquesa de Guise. Ella poseía uno de los más grandes conjuntos musicales de Francia, y además de ser su Maitre de musique, Charpentier fue uno de los cantantes (contratenor) de la duquesa. Para la duquesa, Charpentier compuso La Descente d’Orphée aux Enfers y otras siete obras dramáticas, así como una adaptación de Le Malade Imaginaire que se tituló La Couronne de Fleurs. También escribió oratorios, motetes y salmos, así como Idyle sur le Retour de la Santé du Roi. Quizá debido al interés de la duquesa en diversos conventos compuso numerosas obras sacras para voces femeninas, entre ellas, Motetes, Himnos, un Magnificat y una Misa escritas especialmente para el Port-Royal.

Al parecer fue antes de su empleo con la duquesa que Charpentier comenzó su asociación con la compañía de Moliere, la que en 1680 se denominó Comedie Francaise. La fructífera colaboración entre Moliere y Lully se disolvió en 1672, cuando Lully se abocó (con privilegios reales monopólicos) a la creación de óperas, y entonces Moliere se acercó a Charpentier. Aunque este último aportó con algunos números para La Comtesse d’Escarbagnas y Le Mariage Forcé, su mayor contribución la realizó para Le Malade Imaginaire estrenada en 1673. Después de la muerte de Moliere, Charpentier continuó trabajando con la compañía hasta 1686, reemplazando música de antiguas obras, cambiando la instrumentación de otras y componiendo para siete producciones nuevas. Hacia comienzos de la década de 1680, Charpentier estuvo trabajando para el “gran delfín” y es probable que haya escrito para él dos obras dramáticas, Les Plaisirs de Versailles y La Fete de Rueil, así como varias partituras religiosas, incluyendo el Gran motete a la muerte de la Reina Marie-Therese y un De Profundis. En 1683 se presentó como candidato para uno de los nuevos puestos de sous-maitre de la capilla real, pero una enfermedad le impidió continuar con la postulación. Dos meses después Luis XIV le otorgó una pensión, oficialmente en gratitud a sus servicios al delfín. Esto fue lo más cerca que estuvo del servicio real, aunque posteriormente fue profesor de música de Philippe, Duque de Chartres, más tarde Duque de Orleans (en 1701) y Regente de Francia (desde 1715 a 1723).

Alrededor de la misma época Charpentier se convirtió en compositor y Maitre de musique de la principal iglesia de los jesuitas en París (St.Louis, más tarde St.Paul-St.Louis). Además de componer una inmensa cantidad de obras religiosas, Charpentier contribuyó a dramas sacros de los colegios jesuitas como Celse Mártir (1687) y David et Jonathas (1688). Su única tragedia lírica fue Médée estrenada en 1693. La obra no fue exitosa y tuvo sólo otra producción en Lille en 1700. En 1698 quedó vacante el puesto de Maitre de musique en la Saint-Chapelle, con la muerte de Francois Chaperon, y Charpentier fue nombrado su sucesor. El cargo, que mantuvo hasta su muerte, poseía gran prestigio y era segundo en importancia, dentro de la música sacra francesa, después de la dirección de la capilla real en Versailles. Charpentier compuso entonces algunas de sus obras más impresionantes, como el Motet pour une Longue Offrande y el oratorio Judicium Salomonis, grandes partituras sobre los Salmos LXX, XXVI y XV, y la obra maestra dentro de sus misas, Assumpta est Maria. Muy poca música de Charpentier se publicó mientras él vivió. Algunos Airs de Circé (París, 1676), otra selección de Airs Serieux et a Boire (en ediciones del Mercure Galant) y Médée (París, 1694). Pocos años después de su muerte se publicaron doce de sus motetes más pequeños (París, 1709) y otras obras aparecieron ocasionalmente en los volúmenes anuales de Meslanges. Afortunadamente los manuscritos permanecieron intactos y en 1727 fueron adquiridos por la biblioteca real. Esta colección consta de unas 500 obras de las cuales más de 400 son vocales y religiosas. Hay 11 misas, 4 secuencias, 37 antífonas, 19 himnos, 10 Magnificat, 9 Letanías de Loreto, 54 lecciones y responsorios de Tinieblas, 4 Te Deum, 84 salmos y 207 motetes de distinto tipo.

Radio Beethoven

Amor Vince Ogni Cosa (All'armi), pastoraletta (?). Comienzo.

Les Plaisirs de Versailles, divertissement (1680). Fragmento de la escena cuarta; Si les cartes, les dés.

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Pastorale sur la Naissance de Notre Seigneur Jésus-Christ (1682-1685). Escena tercera.

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Actéon, ópera de caza (Intermedio para Le Marriage forcé) (1684). Comienzo.

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La Couronne de fleur pastoral (1685). Fragmento de la escena segunda.

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Les Arts Florissants, idilio en musica (1685-1686). Final.

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La descente d'Orphée aux enfers, ópera de cámara en dos actos (1686-1687). Comienzo.

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David et Jonathas (1688) Tragedia bíblica en un prólogo y cinco actos. Comienzo del acto primero.

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Médée, tragedia lírica (1693). Fragmento del acto primero.

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Última edición por Zelenka el 23 May 2014 20:34, editado 1 vez en total

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NotaPublicado: 16 Jul 2007 23:58 
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Escuchando Les Plaisirs, igual lo anterior lo escuche interesante, sin llegar al grado de emocionarme.


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NotaPublicado: 22 Jul 2007 19:45 
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Aarre Merikanto (1893-1958) Nació en Helsinki, Finlandia. Fue hijo de Liisa Häyrynen y del también compositor Oskar Merikanto. Su infancia transcurrió en Vilppula. Estudió música primero en Helsinki con Erkki Melartin (1911) y mas tarde de 1912 a 1914 con Max Reger en el conservatorio de Leipzig. Reger le dió el sobrenombre de Meister Quinte, debido a la defensa que Merikanto hacía del uso de las quintas paralelas, sin embargo tenía a Merikanto en alta estima y con su ayuda obtuvo uno de los dos premios de composición en 1914. En el invierno de 1915/16 Merikanto se trasladó a Moscú donde por espacio de cuatro meses estudió con Sergei Vasilenko. En 1937 fue nombrado profesor de Teoría y Composición en la Academia Sibelius de Helsinki. En 1951 obtuvo la cátedra de composición en la misma institución. Entre sus alumnos se encuentran Einojuhani Rautavaara y Aulis Sallinen. En los 1920s Merikanto desarrolló un estilo radical de vena expresionista con una instrumentación muy colorística y que en parte recuerda a la de Scriabin o a la de Szymanowski. Varias obras de este periodo no encontraron el favor del público. Con el paso del tiempo su estilo se volvió mas romántico. Muchas de sus obras fueron estrenadas solo después de su muerte.

Juha, ópera en tres actos (1920-1922). Final.

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Última edición por Zelenka el 23 May 2014 20:46, editado 1 vez en total

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NotaPublicado: 22 Jul 2007 19:48 
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Tengo algunos de los discos que has puesto del señor Marc-Antoine y sólo puedo tacharlos de magníficos.

En cambio de Aarre Merikanto no conocía ni su nombre :oops: :oops: :oops:


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NotaPublicado: 28 Jul 2007 17:30 
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Alexander Nikolayevich Serov (1820-1871) Russian composer and critic. He was not only one of the most important music critics in Russia during the 1850s and 1860s, but also the most significant Russian composer of opera in the years between Dargomyzhsky's Rusalka and the early operas by Cui, Rimsky-Korsakov, Mussorgsky, and Tchaikovsky. He was also the father of the painter Valentin Serov. He took up music seriously from 1851, writing operas and narrow musical criticism showing him at odds with both factions in Russian musical life, the Slavophiles and the Westerners. His importance lies mainly in his astonishingly successful, Meyerbeerian operas Judith (1861-63) and Rogneda (1863-65), not only for their contemporary appeal but also for the great influence they had on later, more subtly skilled Russian composers: Musorgsky's crowd scenes, Tchaikovsky's dances and Borodin's folklike choruses owe something to them. Though not influenced by Wagner, Serov was the first Russian critic to champion Wagner's music. Early in life Serov made friends with Vladimir Stasov, but later the two became enemies over the relative values of Glinka's two operas. Serov's admiration for Richard Wagner likewise did not endear him to The Mighty Handful, especially the younger competing critic César Cui, who, like Stasov, had been on better terms with Serov earlier.

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Judith, ópera en cinco actos (1861-1863). Comienzo del acto primero.

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Última edición por Zelenka el 23 May 2014 20:52, editado 1 vez en total

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NotaPublicado: 01 Ago 2007 21:08 
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John Adams (Worcester, MA, 1947) es uno de los compositores de ópera más conocidos de la actualidad. Tras terminar sus estudios en Harvard se mudó a California, donde permanece desde entonces, siendo profesor durante muchos años del conservatorio de San Francisco.

Se asocia siempre a Adams con la corriente del minimalismo. Iniciado en USA, las bases teóricas del movimiento se centran en evitar disonancias y sobre todo en la repetición obsesiva de cortas frases musicales llamadas “células”. Los compositores principales, además del propio Adams, son Steve Reich, Philip Glass y La Monte Young en América. En Europa, ha influido en músicos como Louis Andriessen o Henryk Gorecki.


Aunque ha compuesto también música instrumental (a destacar sus piezas de cámara, "Harmonielehre", "Short Ride in a Fast Machine", la obra coral "On the transmigration of Souls" que ganó hace poco el premio Pulitzer...) sus mejores composiciones están en el terreno de la ópera. Hasta el momento se trata de:

    1987 Nixon in China
    1991 The Death of Klinghoffer
    1995 I Was Looking at the Ceiling and Then I Saw the Sky
    2000 El Niño
    2005 Doctor Atomic
    2006 A Flowering Tree



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Nixon in China, estrenada en Houston, cuenta con libreto de la poetisa Alice Goodman y trata sobre la visita a China del presidente americano y el secretario de estado Kissinger en 1972, donde trataron con Mao y Chou En-Lai un pacto “antisoviético”. Además de los cuatro estadistas, tienen un papel principal en la trama la esposa de Nixon, Pat, y la de Mao, la terrible Chiang Ching. Se trata de la mejor obra de Adams hasta la fecha, de escucha inexcusable para cualquier aficionado.

En el acto 1, así suena News has a kind of Mistery

Escuchamos del acto 2, el comienzo


Y del acto 3, the Mao's dance

Una crítica del estreno:

Seeing the first act of Nixon in China made a huge impression, one of my most absorbing hours at the opera in many years. Grabbed instead aurally by the orchestra, I was fascinated throughout the whole evening by the clarity of Adams' way of maintaining attention and keeping monotony at bay by continual variation of one or other element. Unlike so much modern music which one has to take on trust that the composers know (and could explain if pressed) their processes, Adams methods are upfront and could be taken as lessons in keeping alive tonal harmony without the paraphernalia of traditional development

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The Death of Klinghoffer, también con libreto de Goodman y estrenada en Bruselas, trata sobre el asalto de un grupo de terroristas al crucero "Achille Laurio" y el asesinato del rehén Leon Klinghoffer. El estilo musical es muy parecido al de Nixon in China, aunque en este caso el coro adquiere un mayor protagonismo, con páginas de gran inspiración.

Escuchamos el Ocean Chorus

The Death of Klinghoffer is a work of musical achievement. Adams’s choral writing and his orchestration are superb, with ensembles of emotional power. Adams makes no attempt to reflect the Middle-Eastern locale or the ethnic musical styles of Arabs or Israelis. This is a shame because it makes the opera generic rather than specific. One nice exception is a song by an Austrian lady using elements of Sprechstimme. The rest of the opera mostly uses tonal melodies with dramatic orchestral coloring.

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El año 2005 se estrena la interesante Doctor Atomic. Con un libreto de Peter Sellars, se centra en el último mes de pruebas antes de hacer estallar la primera bomba atómica en un desierto de Nuevo Mexico. Los jefes militar (General Groves) y científico (Robert Openheimer) del proyecto Manhattan, junto a la esposa de este último y otros físicos como Wilson y Teller son los protagonistas de la obra. El libreto incorpora también poesía renacentista, Baudelaire y hasta el Bhagavad Gita. Es un poco confuso. Musicalmente, y tras dos obras anteriores francamente mediocres, la inspiración de Adams vuelve a resurgir, buceando de nuevo en las fuentes originales.

Escuchamos el principio del segundo acto

As a musical experience - a sensory experience - Doctor Atomic is awesome. Especially from an orchestral standpoint, it's almost physical in its impact. (Performances continue through Saturday; this report is from the Oct. 11 performance.) The pit was crammed with 71 players, including a fearsome array of percussion, to negotiate Adams' score under conductor Donald Runnicles. But there's also something maddening about Doctor Atomic, which is guaranteed a long life because of Adams' stature as America's most popular living composer. Like Oppenheimer himself, the three-hour opera often is just too brilliant for its own good, with a fiendishly brainy libretto by Peter Sellars, who also directed. Adams' forte is his richly textured orchestral writing, and that is what made the most compelling impression. The slithery strings of science fiction movie soundtracks and the man-machine rhythms of Edgard Varese are two influences Adams has incorporated into his musical vision of a "post-nuclear holocaust landscape."


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NotaPublicado: 05 Ago 2007 20:23 
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(Pietro) Antonio Cesti (1623-1669) He was born in Arezzo, Italy. Born Pietro Cesti, he adopted the name Antonio when he joined the Franciscan order. He had already been a choir boy in Arezzo. Although details of his musical training are uncertain, it seems likely he studied with Abbatini, and possibly with Carissimi and Luigi Rossi. He joined the Franciscans in Volterra in 1637, was elected organist of the Cathedral there in 1643, and in 1645 was confirmed as master of music of the Volterra seminary and of the Cathedral.

The powerful Medici family became his patrons. Through them, he became acquainted with a literary group called the Accademia dei Percossi, who wrote texts for his cantatas and, eventually, opera libretti. It has been assumed that his first successful opera was Orontea, produced in Venice in 1649. However, evidence suggests this opera may have been written in 1656 for Innsbruck. Whatever the case, Cesti built an increasingly successful career as a secular composer and singer. He was reappointed at the cathedral in July 1649, but there were clearly conflicts between his vocation and his increasing material success outside the Church, which led to a love affair with the married singer Anna Maria Sardelli. Salvator Rosa, one of the members of the Percossi, wrote of it, it is ever thus with anyone who would behave as though he were neither friar nor layman. In October the Superior-General of the Franciscans rebuked his monastery for permitting Cesti's "dishonorable and irregular life." Undeterred, Cesti wrote two more popular operas for Venice, Il Cesare amante, and Alessandro vincitor di se stesso, in 1651 and 1652. Cesti left the monastery in 1652 to accept a position at the court of Archduke Ferdinand Karl in Innsbruck, Austria. Although he made some trips back to Italy (primarily to recruit singers) he remained in that position through 1657.

He then moved to Rome, evidently with the ulterior purpose of ingratiating himself with the Pope so he could be released from his vows. Cesti, a fine tenor who often took leading roles in his own and others' operas, sang for the Pontiff four times, was released from his vows in March 1659, in the understanding he would remain a secular priest, and that year joined the Papal Choir. In 1661 the Pope granted him leave for a temporary trip to Florence in connection with the wedding festivities of Duke Cosimo III of Medici and the French Princess Marguerite Louise d'Orléans. From there, he went straight back to Innsbruck and Ferdinand Karl, while the angered Pope threatened to excommunicate him. Cesti went on with continued success in opera and was even rewarded by the Archduke with an abbotship. When a new Duke inherited in 1665, Cesti moved with him to Vienna, affording him even greater scope for his operas. He died in 1669 in Florence, and some sources indicate that his death was rather sudden, suggesting he may have been poisoned.

Joseph Stevenson

Orontea, ópera en tres actos (1656). Comienzo.

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Última edición por Zelenka el 23 May 2014 20:57, editado 3 veces en total

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NotaPublicado: 05 Ago 2007 20:24 
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Cesti nació el 5 de agosto. Así que hoy tiene cumpleagnos :wink:


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NotaPublicado: 06 Ago 2007 21:25 
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Mister Foro 2010
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Excelente hilo. Mi enhorabuena y agradecimiento para Zelenka, ( y para delaforce, en la parte que le toca).
Sólo se puede escuchar a partir de Ethel Mary Smyth. ¿Es posible actualizar la conexión a las obras presentadas antes de Ethel Mary Smyth?
Un abrazo.


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NotaPublicado: 07 Ago 2007 9:04 
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Lamentablemente después de subir el mp3 al Putfile lo borro del ordenador para que no ocupe espacio :?

Si alguien sabe de un servidor donde los datos no se borren los podría empezar a poner ahí :wink:


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