Fecha actual 28 Mar 2024 23:04

Todos los horarios son UTC + 1 hora [ DST ]




Nuevo tema Responder al tema  [ 1462 mensajes ]  Ir a página Anterior  1 ... 19, 20, 21, 22, 23, 24, 25 ... 98  Siguiente
Autor Mensaje
 Asunto:
NotaPublicado: 08 Abr 2008 22:16 
Desconectado
Asno Ancestral
Avatar de Usuario

Registrado: 29 Ago 2007 10:07
Mensajes: 1553
Ubicación: Non lasciarti lusingar
En operashare hay Lily of Killarney de Benedict, y de Bruch no se.
Por eso esperaba que pudieras ayudarme con estos. :D


Arriba
 Perfil  
 
 Asunto:
NotaPublicado: 08 Abr 2008 22:58 
Desconectado
Div@
Div@
Avatar de Usuario

Registrado: 05 Oct 2005 20:42
Mensajes: 2899
No conozco grabaciones de esas obras y como solo hago vignetas de óperas que estén grabadas :roll:


Arriba
 Perfil  
 
 Asunto:
NotaPublicado: 08 Abr 2008 22:59 
Desconectado
Div@
Div@
Avatar de Usuario

Registrado: 05 Oct 2005 20:42
Mensajes: 2899
musetta escribió:
No lo vayáis a quitar \:D/


No veo porque tendría que desaparecer, pero los enlaces caducan :?


Arriba
 Perfil  
 
 Asunto:
NotaPublicado: 08 Abr 2008 23:13 
Desconectado
Asno Ancestral
Avatar de Usuario

Registrado: 29 Ago 2007 10:07
Mensajes: 1553
Ubicación: Non lasciarti lusingar
No problem, then :wink:


Arriba
 Perfil  
 
 Asunto:
NotaPublicado: 09 Abr 2008 10:00 
Desconectado
Div@
Div@
Avatar de Usuario

Registrado: 24 Mar 2004 14:43
Mensajes: 5917
Ubicación: ¿Y yo qué sé?
Es verdad, que los enlaces caducan. Bueno a ver si poco a poco me puedo ir bajando cosas. Es que con las oposiciones... Y justo ahora me estoy repasando un tema que viene a cuento de este hilo con óperas rarísimas (para mí al menos). Siempre pienso que vosotros las conoceréis. Por ejemplo me acabo de enterar por mis apuntes de la existencia de la primera ópera en Finlandés escrita por Fredick Pacius (1809-1891). El tema es interesantísimo, lástima que tenga que aprender a desarrollarso en sólo dos horas y, claro, he tenido que dejar mis apuntes "artesanos" a un lado y coger los de la academia que son super-esquemáticos. Este tema se llama "Diversidad de estilos musicales a dinal del siglo XIX y principios del XX (I): Expresionismo y Nacionalismos".

Es un crimen resumirlo para dos horas. AGHHHHHHHH :lol:


Arriba
 Perfil  
 
 Asunto:
NotaPublicado: 14 Abr 2008 22:56 
Desconectado
Div@
Div@
Avatar de Usuario

Registrado: 05 Oct 2005 20:42
Mensajes: 2899
Imagen

Claude Vivier (1948-1983) During his short career he composed 49 works and developed a musical style characterized by distinctive melodies and complex orchestral timbres. He was born in Montreal of unknown parents, raised in an orphanage and then adopted, at the age of three, by foster parents named Vivier. He discovered music at the seminary which he entered at sixteen, and from which he was expelled two years later for "immature behaviour". For a period of four years he studied at the Conservatoire de musique de Montréal, where he was considered an exceptional student; composition with Gilles Tremblay and piano with Irving Heller. His first publicly performed works - a String Quartet (1968) in two movements, Ojikawa (1986) for soprano, clarinet and percussion as well as Prolifération (1969) for ondes martenot, piano and percussion, written in an elaborated post-serialist language combined with theatrical and improvisational elements - attracted the attention of the public and the critics.

Assisted by a Canada Council grant, Vivier left to study in Europe (1971-1974). The first year was spent at the Institute of Sonology (Utrecht, The Netherlands) where he took classes in electroacoustic composition with Gottfried Michael Koenig. Following that, in Cologne, he studied with Hans Ulrich Humpert and Karlheinz Stockhausen (who, the story goes, was repelled by the stink of his ancient sheepskin jacket). In France he studied conducting with Paul Méfano, among others. With regards to compositional technique (quantification of parameters, permutative structures, ring modulations), Vivier was influenced considerably by Stockhausen, although he nonetheless developed a highly personalized language. These years of study in Europe were notable for the writing of such compositions as Musik für das Ende (1971) and Désintégration (1972) which indicated a more solid craft of writing and a rich temperament, all while displaying his preoccupation with those themes which would become favourites, death, childhood, love and immortality. Chants (1973) for seven female voices represents for him "the first moment of my existence as a composer".

Back in Canada, his reputation as a composer began to take hold. He taught at the University of Ottawa and was granted several commissions, among others by The Canadian Music Awards, Seven short, idiomatic pieces, the Société de musique contemporaine du Québec, Liebesgedichte (1976) and the National Youth Orchestra of Canada, Siddhartha (1976) composed wholly on the basis of a single melodic phrase. In the autumn of 1976 Vivier undertook a journey through Asia, during which he spent time in Japan, Bali and Iran. It was during his stay on the island of Bali that his ideas concerning the role of the artist in society were solidified. This initiated a new period in the stylistic evolution of his music, a period characterized by affirmation and certainty. He said upon his return: "I realize that this journey was, above all, one of self-discovery". This was the period of his brilliant Shiraz (1977), of Orion (1980), of the opera Kopernikus (1980). For Vivier the orient was a metaphor for mystery; he became fascinated with the explorer Marco Polo and gave his compositions titles such as Zipangu (1980), Bouchara (1981) and Samarkand (1981). Lonely Child (1980) for soprano and chamber orchestra and Prologue pour un Marco Polo (1981) for five solo voices and instrumental ensemble are the most important works from this period.

The harmonic and rhythmic dimensions of these compositions are largely derived from their principal melodies: while cadential formulae display the influence of Gregorian chant, the suggested modality is of short duration as all 12 notes of the chromatic scale are systematically employed. Both the sectional nature of the form and the homorhythmic texture offer stable backgrounds for a rich exploration of orchestral timbres (what the composer called 'colours'), the most striking aspect of Vivier's late style. These 'colours' are in fact chords covering the whole instrumental range and can be understood as the sound of one large instrument, the ensemble. They are composed using a method which imitates electronic ring modulation: the pitches of all the parts are calculated by a series of additions based on the frequencies of the notes of the melody and the bass. These artificial timbres, containing many quarter tones and harmonics, are juxtaposed with the timbre of the gong, an instrument which Vivier used frequently in his earliest compositions. A preference for the human voice and an emphatic melodic orientation are characteristic of Vivier's oeuvre as a whole. He usually set his own texts, which express on the one hand uninhibited powers of imagination and lust for life, and on the other an anxious obsession with death. These texts also contain passages in a 'language' of Vivier's own invention, consisting of series of sounds which were chosen after, and in accordance with, the notes.

His outstanding development as a composer earned Vivier the title of "Composer of the Year" in 1981, awarded by the Canadian Music Council. Benefitting once again from a Canada Council grant, he settled in Paris, where he composed on an opera on the death of Tchaikovsky Trois Airs pour un opéra imaginaire (1982) for sopran and ensemble, a piece that embodies the superb synthesis of his mature style. In March 1983, while living in Paris, Vivier, who was gay, was stabbed to death by a male prostitute he had picked up in a Paris bar and had brought back to his apartment. It is suggested that his dead was a self sought murder/suicide. On his worktable was found his last work, an unfinished cantata for voices and orchestra Glaubst du an die Unsterblichkeit der Seele whose text is a first-person narrative about a man named Claude who is stabbed in the heart on a subway train by a young man he has just met. His music is a reflection of his personal life. Both directly and indirectly, the themes of his compositions were inspired by his unknown family origins (Vivier sought all his life to learn the identity of his unknown parents), his religious vocation, his homosexuality and even his premature death. Some of his last letters talk of suicide in the most haunting way.

Kopernikus, opéra-rituel de mort (1979). Comienzo.

Imagen


Última edición por Zelenka el 24 May 2014 11:18, editado 1 vez en total

Arriba
 Perfil  
 
 Asunto:
NotaPublicado: 15 Abr 2008 8:02 
Desconectado
Asno Ancestral
Avatar de Usuario

Registrado: 29 Ago 2007 10:07
Mensajes: 1553
Ubicación: Non lasciarti lusingar
Muy bueno, Vivier.


Arriba
 Perfil  
 
 Asunto:
NotaPublicado: 15 Abr 2008 10:18 
Desconectado
Mozdark
Avatar de Usuario

Registrado: 19 Nov 2007 12:21
Mensajes: 1595
Ubicación: Madrid
Confío en que los moderadores me perdonen si pongo este ofrecimiento en el subforo "equivocado". Pero prefiero, antes de ofrecerlo en el general de entradas, que seais los que tanto me estais enseñando de ópera contemporánea los primeros que tengais la posibilidad de aceptar esta proposicicón deshonesta:

Me regalan dos entradas (cuya ubicación desconoceré hasta el útimo momento, pero por experiencias anteriores imagino que no serán butacas, pero serán decentes y con visibilidad -y además a caballo regalado...-) para el Orpheus und Eurydike de Krenek, el día 25 en el Real. Considerando que yo voy a usar sólo una, ¿alguien se anima a acompañarme?.

http://www.teatro-real.es/Programaci%C3 ... cion1=1700

Si hay voluntarios, por PM, por favor.


Arriba
 Perfil  
 
 Asunto:
NotaPublicado: 21 Abr 2008 23:00 
Desconectado
Div@
Div@
Avatar de Usuario

Registrado: 05 Oct 2005 20:42
Mensajes: 2899
Imagen

Sergei Ivanovich Taneyev (1856–1915) Nació en Vladimir-na-Klyazme. A diferencia de su tío Alexander, interesado por el nacionalismo musical, Sergey Tayenev reveló una perspectiva musical más cosmopolita. Recibió lecciones de piano desde los cinco años e ingresó al Conservatorio de Moscú a los diez. Ahí tuvo como maestros a Nikolai Rubinstein, director del Conservatorio, y a Tchaikovsky, con quien continuó siendo amigo hasta la muerte de este último en 1893. Sergey se distinguió sobretodo como pianista. Hizo su debut en 1875 interpretando el Concierto en re menor de Brahms y realizando el estreno en Moscú del Primer Concierto de Tchaikovsky. Se graduó del conservatorio en 1875 recibiendo medallas de oro en interpretación y en composición. Con Rubinstein viajó al extranjero durante el verano y en 1876 realizó una gira por Rusia junto al violinista Leopold Auer.

1877 y 1878 fueron pasados fuera de Rusia, visitando París, donde conoció al novelista Turgenev y a los principales músicos franceses, así como ofreciendo conciertos en las provincias bálticas. En 1878 sucedió a Tchaikovsky como profesor de armonía y orquestación en el Conservatorio. Después de la muerte de Rubinstein y el retiro de Klindworth en 1882, se convirtió en profesor de piano, mientras que en 1883 fue profesor de composición en sucesión de su antiguo maestro Nikolai Gubert. Dos años después fue invitado a ser director del Conservatorio y permaneció cuatro años en el cargo. Tras abandonar las labores administrativas, Taneyev pudo dedicarse por completo a la composición a partir de 1889. Completó la ópera La Orestiada en 1894, después de estar trabajando unos diez años en ella, pero fue sacada de la producción cuando, a pesar de una favorable recepción del público, el directorado insistió en realizarle cortes. La última de sus cuatro sinfonías, publicada en 1901 como N°1, fue bien recibida, aún cuando Rimsky-Korsakov y sus amigos la encontraban muy similar a las de Glazunov.

El año 1906 trajo la publicación en Leipzig del sexto de una serie de cuartetos para cuerdas. Tres años después apareció tanto en Leipzig como en Moscú su influyente libro sobre contrapunto reversible que resumía todos sus años como el más eminente profesor de su generación en Rusia, habiendo tenido entre sus alumnos a Scriabin, Gliere y Rachmaninov. Taneyev fue una figura única en la música rusa del siglo XIX, ya que no le interesó la tradición nacionalista establecida por Glinka y desaprobó abiertamente a los compositores nacionalistas contemporáneos. Taneyev fue el más talentoso técnico del periodo pero carecía de la imaginación de sus colegas. Su paciente diligencia al proceso compositivo contrastaba con la urgencia caprichosa de sus contemporáneos. Por lo mismo sus partituras están entre las más ordenadas y pulcras dentro de la música rusa. Sus dotes quedaron mejor plasmadas en obras a gran escala como sinfonías, cuartetos y quintetos, así como las más ambiciosas creaciones suyas fueron La Orestiada y la cantata Lectura de un Salmo.

Radio Beethoven

Oresteia, trilogía musical en tres actos, ocho escenas (1884-1894). Comienzo.

Imagen


Última edición por Zelenka el 24 May 2014 11:22, editado 3 veces en total

Arriba
 Perfil  
 
 Asunto:
NotaPublicado: 28 Abr 2008 23:25 
Desconectado
Div@
Div@
Avatar de Usuario

Registrado: 05 Oct 2005 20:42
Mensajes: 2899
Imagen

Jean-Joseph Cassanéa de Mondonville (1711-1772) He was born in Narbonne in Southwest France to an aristocratic family which had fallen on hard times. In 1733 he moved to Paris where he gained the patronage of the king's mistress Madame de Pompadour and won several musical posts, including violinist for the Concert Spirituel. His first opus was a volume of violin sonatas, published in 1733. He became a violinist of the royal chapel and chamber and performed in some 100 concerts; some of his grands motets were also performed that year receiving considerable acclaim. He was appointed sous-maître in 1740 and then, in 1744, intendant of the Royal Chapel. He produced operas and grands motets for the Opéra and Concert spirituel respectively, and was associated with the Théatre des Petits-Cabinets, all the while maintaining his career as a violinist throughout the 1740s. In 1755, he became director of the Concert Spirituel on the death of Royer. Between 1734 and 1755 Mondonville composed 17 grands motets, of which only nine have survived. The motet Venite exultemus domino, published in 1740, won him the post of Maître de musique de la Chapelle. Thanks to his mastery of both orchestral and vocal music, Mondonville brought to the grand motet -- the dominant genre of music in the repertory of the Chapelle royale before the Revolution -- an intensity of colour and a dramatic quality hitherto unknown.

Although Mondonville's first stage work, Isbé, was a failure he enjoyed great success with the lighter forms of French Baroque opera, the opéra-ballet and the pastorale héroïque. His most popular works were Le carnaval de Parnasse, Titon et l'Aurore and Daphnis et Alcimadure (for which Mondonville wrote his own libretto in his native Languedocien dialect). Titon et l'Aurore played an important role in the Querelle des Bouffons, the controversy between partisans of French and Italian opera which raged in Paris in the early 1750s. Members of the "French party" ensured that Titon's premiere was a resounding success (their opponents even alleged they had guaranteed this result by packing the Académie Royale de Musique, where the staging took place, with royal soldiers). Mondonville's one foray into serious French opera - the genre known as tragédie en musique- was a failure however. He took the unusual step of reusing a libretto, Thésée, which had originally been set by the "father of French opera", Lully in 1675. Mondonville's bold move to substitute Lully's much loved music with his own did not pay off. The premiere at the court in 1765 had a mixed reception and a public performance two years later ended with the audience demanding it be replaced by the original. Yet Mondonville was merely slightly ahead of his time; in the 1770s, it became fashionable to reset Lully's tragedies with new music, the most famous example being Armide by Gluck.

Wikipedia

Titon et l'Aurore, pastoral heróica en un prólogo y dos actos (1753). Vents furieux, sortez de la grotte profonde. Ariette, Du Dieu des coeurs, on adore l'empire.

Imagen

Les fêtes de Paphos, ballet heróico en tres actos (1757). Fragmento del acto segundo.

Imagen


Última edición por Zelenka el 24 May 2014 11:25, editado 1 vez en total

Arriba
 Perfil  
 
 Asunto:
NotaPublicado: 29 Abr 2008 0:12 
Desconectado
Div@
Div@

Registrado: 25 Ene 2006 3:12
Mensajes: 1457
Ubicación: Bastante lejos
¿Soy sólo yo o ahora los fragmentos que cuelga Zelenka duran sólo unos 15 segundos?


Arriba
 Perfil  
 
 Asunto:
NotaPublicado: 29 Abr 2008 0:29 
Desconectado
Div@
Div@
Avatar de Usuario

Registrado: 30 Dic 2005 13:54
Mensajes: 13465
Ubicación: Madrid
A mí me funcionan bien.


Arriba
 Perfil  
 
 Asunto:
NotaPublicado: 29 Abr 2008 10:19 
Desconectado
Mozdark
Avatar de Usuario

Registrado: 19 Nov 2007 12:21
Mensajes: 1595
Ubicación: Madrid
Yo las puedo oir enteras. Y las de Cassanea de Mondonville, a pesar de su nombre que parece el de uno de los rivales de Caspiani cuando opositó a director de la Real Opera de Capri (ROC), son bien interesantes. Y muy divertida el aria de bajo "con viento y tempestad obbligati".

Lo del chico de los Mondonville, bien mirado, era de traca. Si Pasaelmocho nos llega a decir que Caspiani llenaba los teatros de soldados para "claque", que reescribió obras de -digamos- Donizetti, y que se escribía sus libretos en dialecto del Languedoc, hubiéramos dicho todos que su parodia era una exageración :shock: . Por no habalr del apellido... :lol:


Arriba
 Perfil  
 
 Asunto:
NotaPublicado: 01 May 2008 18:18 
Desconectado
Refuerzo de coro
Refuerzo de coro

Registrado: 28 Abr 2008 18:20
Mensajes: 34
Ubicación: Madrid - España :)
Yo queria comentar sobre este tema de la operas raras...que si los teatros se animan a representarlas...que cuiden el montaje y los interpretes...porque en otro caso las pueden volver a enterrar 100 años mas. Un caso reciente fue la produccion de el Merlin de Albeniz en el Real...el montaje era poco acertado y la mayoria de los cantantes totalmente inapropiados...aun recuerdo los gritos y el vibrato horribles de Eva Marton haciendo de Morgana y cargandose el duo con Nivian.

Fue una verdadera lastima, porque creo que hubiese merecido mejor suerte.

Quien sabe. A lo mejor si El Trovatore lo hubiesen estrenado con el reparto de la temporada pasada en el Real quizas nunca mas se hubiera repetido :twisted:


Arriba
 Perfil  
 
 Asunto:
NotaPublicado: 05 May 2008 21:39 
Desconectado
Div@
Div@
Avatar de Usuario

Registrado: 05 Oct 2005 20:42
Mensajes: 2899
Imagen

Kurt Julian Weill (1900—1950) Nació en Dessau en una familia judía muy religiosa (su padre era cantor en una sinagoga), y mostró talento musical desde temprana edad. Estudió composición en el Conservatorio de Berlín con Ferruccio Busoni y compuso su Primera sinfonía, influida por el ampuloso estilo expresionista de moda por entonces en Berlín. Aunque tuvo cierto éxito con sus primeras obras, Weill tendía cada vez más hacia la música vocal y el teatro musical. En 1926, hizo su estreno teatral en Dresde con su primera ópera, Der Protagonist, en un sólo acto y con libreto de Georg Kaiser. Weill consideraba que su Der Neue Orpheus (1925), una cantata para soprano, violín, y orquesta basada en un poema de Iwan Goll, marcó un momento crucial en su carrera; prefiguraría la variedad estilística y la ambigüedad provocativa típicas de su estilo compositivo. La estética moderna se hizo más evidente en la ópera surrealista de un sólo acto Royal Palace (1926) sobre un libreto de Iwan Goll (excepcional por su incorporación de danza y proyección cinematográfica), y en la ópera bufa Der Zar lässt sich photographieren (1927) con un libreto de Georg Kaiser.

Weill obtuvo el éxito definitivo con Die Dreigroschenoper (1928), escrita en colaboración con el dramaturgo Bertolt Brecht. Se trata de una versión actualizada de una ópera inglesa del siglo XVIII (The Beggar's Opera), en la que la feroz crítica social que la obra contiene se expresa por medio de una música compuesta para una orquestina de cabaret y cantada por actores que no son cantantes profesionales. Dos años después desarrolló aún más este estilo en Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny, otra ácida sátira social de Brecht, con el que Weill también colaboró en Happy End (1929). Cada vez más incómodo con las restricciones que imponía Brecht al papel de la música en su teatro político, Weill buscó otros colaboradores; el escenógrafo Caspar Neher escribió el libreto de su ópera épica en tres actos Die Bürgschaft (1931), y volvió a colaborar con Georg Kaiser en la audaz comedia musical Der Silbersee (1932). La música de Weill no era del gusto de los nazis, que la catalogaron de "decadente". Provocaron alborotos durante sus representaciones y organizaron campañas de boicot para disuadir el montaje de sus obras. Esta situación obligó a Weill y a su esposa la cantante Lotte Lenya a abandonar Alemania en 1933, para establecerse en París. Aquí reanudó Weill brevemente la colaboración con Brecht para Die sieben Todsünden, para la compañía de George Balanchine. También escribió la música para la obra de Jacques Deval Marie galante y concluyó su Segunda sinfonía, cuya claridad al estilo de Haydn y su economía de medios contrastan con la Primera sinfonía.

En 1935, Weill viajó a Estados Unidos para supervisar el montaje de Max Reinhardt de la obra épica de Franz Werfel Der Weg der Verheissung, para la que Weill había escrito la música. Tras muchos retrasos, la obra se representó, parcialmente truncada, en 1937. Entre tanto, el Group Theatre reclutó a Weill para colaborar con el libretista Paul Green en el musical Johnny Johnson, basado libremente en la novela El buen soldado Schweik, del autor checo Jaroslav Hašek. Su música, aunque todavía reconociblemente "europea", fue un éxito y consolidó a Weill en el panorama musical norteamericano. Animado por su triunfo, y convencido de que el teatro comercial ofrecía más posibilidades que la ópera tradicional, Weill y Lenya decidieron quedarse en los Estados Unidos, y solicitar la nacionalidad norteamericana, que obtuvieron en 1943. Durante los años siguientes, Weill compuso musicales de la importancia de Knickerbocker Holiday (1938, que fue un éxito relativo, pero que consagró su famosa September Song), Lady in the Dark (1941), con letra de Ira Gershwin, One Touch of Venus (1943), Street Scene (1947), Love Life (1948) y Lost in the Stars (1949). Weill estaba trabajando en una versión musical de Huckleberry Finn de Mark Twain cuando sufrió un ataque al corazón. Murío un mes después de cumplir los cincuenta años.

Wikipedia

Der Protagonist, ópera en un acto (1924-1925). Seid ihr --- uns gefolgt.

Imagen

Royal Palace, ópera en un acto (1925-26). Armer Werber! Traurige Liebhaber!.

Imagen

Mahagonny Songspiel, ópera en tres partes (1927). Benares song.

Imagen

Der Zar lässt sich photographieren, ópera bufa en un acto (1927). Vom Polizeipräfekten neue Nachricht.

Imagen

Die Dreigroschenoper, teatro musical (1928). Moritat von Mackie Messer.

Imagen

Happy End, comedia musical en tres actos (1929). Der Matrosen song.

Imagen

Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny, ópera en tres actos (1930). Alabama song.

Imagen

Der Jasager, ópera escolar en dos actos (1930). Ich bin noch einmal zurückgekommen.

Imagen

Die Bürgschaft, ópera en tres actos (1931). Seit diesen Ereignissen sind sechs Jahre vergangen.

Imagen

Der Silbersee, ein Wintermärchen, ópera en tres actos (1932-1933). Im Hintergrund ein schmiedeeisernes Parktor.

Imagen

Der Kuhhandel, opereta en dos actos (1934). Ich wohne auf der anderen Seite des Flusses.

Imagen

Marie Galante, play with music en dos actos (1934). Le grand Lustucru.

Imagen

Johnny Johnson, musical en tres actos (1936). Final.

Imagen

Davy Crockett, musical play (incompleto) (1938). Dary and Sahra's marriage.

Imagen

Lady in the Dark, musical en dos actos (1940). Girl of the moment.

Imagen

One Touch of Venus, musical en dos actos (1943). Speak low.

Imagen

The Firebrand of Florence, ópereta en dos actos (1944). Come to Florence.

Imagen

Street Scene, ópera en dos actos (1946). Catch me if you can.

Imagen

Down in the Valley, ópera folklórica en un acto (1948). Brack, I can hear you.

Imagen

Lost in the Stars, tragedia musical en dos actos (1949). Who'll buy.

Imagen


Última edición por Zelenka el 25 Dic 2014 16:54, editado 3 veces en total

Arriba
 Perfil  
 
Mostrar mensajes previos:  Ordenar por  
Nuevo tema Responder al tema  [ 1462 mensajes ]  Ir a página Anterior  1 ... 19, 20, 21, 22, 23, 24, 25 ... 98  Siguiente

Todos los horarios son UTC + 1 hora [ DST ]


¿Quién está conectado?

Usuarios navegando por este Foro: No hay usuarios registrados visitando el Foro y 35 invitados


No puede abrir nuevos temas en este Foro
No puede responder a temas en este Foro
No puede editar sus mensajes en este Foro
No puede borrar sus mensajes en este Foro

   
     
Powered by phpBB © 2000, 2002, 2005, 2007 phpBB Group
Traducción al español por Huan Manwë para phpbb-es.com