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 Asunto: Re: La otra ópera
NotaPublicado: 13 Feb 2015 23:46 
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César-Auguste-Jean-Guillaume-Hubert Franck (1822-1890) Nació en Lieja, Bélgica. El padre del músico se había casado en 1820 con una joven de Aquisgrán, Maria Christine Barbe; de la unión nacieron dos varones: César (1822) y Joseph (1825). Modesto empleado de banca, Nicolas Joseph Franck intentó por todos los medios convertir a sus hijos en artistas de renombre. Desde muy pronto impuso el aprendizaje del piano al mayor de ellos y del violín al menor, sometiéndolos a largas horas de práctica. César entró a temprana edad en el Conservatorio de Lieja, asistiendo a las clases de piano de Jahleau y a las de solfeo de Duguet. Sus progresos eran rápidos gracias a su sorprendente memoria, a un oído muy fino y a unos dedos largos y afilados que abarcaban sin dificultad los acordes más amplios. En 1833, inició estudios de armonía con Daussoigne. Al año siguiente, su obstinado padre logró que tocara (teniendo sólo doce años de edad) ante el rey Leopoldo I de Bélgica. Sólo sería el primer paso. Ambicionando para su hijo la fama alcanzada por virtuosos como Paganini o Liszt, Nicolas Joseph abandonó Valonia con toda su familia y, a comienzos de 1835, se instaló en París.

El conservatorio de esta ciudad no permitía el acceso de extranjeros, por lo que tuvo que solicitar la nacionalidad francesa. Durante la espera, César estuvo bajo la tutela de dos excelentes profesores, Zimmermann y Reicha, los cuales le auguraron un gran futuro. Obtenida la nacionalidad, César ingresó en el Conservatorio de París el 4 de octubre de 1837, a los catorce años. Concienzudo y minucioso, supo obtener un galardón cada año. Los éxitos le abrieron nuevos horizontes, permitiéndole dar nuevos conciertos. A partir de ese momento, su padre se convirtió en su empresario, obligándole a componer una obra tras otra que le permitiesen actuar en público. De 1837 a 1844 la historia de César Franck es la de las decisiones tomadas por su progenitor, quien logró introducirlo en los salones de los constructores de pianos Pape y Erard y en diversos círculos privados. Nicolas Joseph llegaría al extremo de sacar a sus hijos del conservatorio, donde, en su opinión, perdían el tiempo.

En 1846, y con 24 años, César Franck, que hasta entonces se había sometido sin oposición alguna a los deseos de su padre, se rebela de pronto contra él. Desde hacía dos meses el joven compositor daba clases en un pensionado de París. Entre sus alumnas había una que atraía visiblemente su interés: Eugénie-Félicité Jaillot-Desmousseaux, hija de unos actores de la Comédie Française. César discute violentamente con su padre y abandona el hogar familiar para instalarse en la rue Blanche, muy cerca de los Desmousseaux. Contra la voluntad paterna, el 22 de febrero de 1848 César Franck contrae matrimonio con Félicité; para llegar a la iglesia, los novios tienen que sortear las barricadas que la revolución había levantado en París.

Comienzan así los años oscuros. Durante veinte años, el músico llevaría una vida de pequeño burgués en la que los problemas del vivir cotidiano eran los únicos acontecimientos. Cada año, cinco o seis conciertos en Orleans como «pianista acompañante» servían para apuntalar su precaria economía. Era una existencia ahogada entre el peso de la lucha incesante por sobrevivir y la dedicación a la familia: cuatro hijos nacidos entre 1848 y 1853, dos de los cuales morirían a temprana edad. Fue la de César Franck durante esos años una vida apagada y sin brillo, en la que compuso muy pocas obras y, prácticamente, ninguna de especial importancia.

Un inesperado acontecimiento iba a transfigurar esa vida gris. En 1853, su amigo el abbé Dancel le ofrece el puesto de organista en su iglesia de Saint-Jean y Saint-François du Marais y pone a su disposición un excelente y moderno órgano, uno de los primeros instrumento construidos por Aristide Cavaillé-Coll. Franck se sentaría ante este instrumento excepcional hasta el fin de sus días. En él interpretaría, el 17 de noviembre de 1864, su compendio de Seis piezas para órgano, obra que significó el despertar de la música organística en Francia. Poco a poco, el nombre de César Franck comienza a renacer, abriéndose para él las puertas de las salas de conciertos y las de las iglesias en las inauguraciones de órganos nuevos. El notable cambio culmina en 1872, fecha en que es nombrado profesor de órgano en el Conservatorio. Una acontecimiento que, al fin, le asegura un salario digno y le permite recobrarse de los malos momentos de la guerra franco-prusiana, en los que había perdido a la mayor parte de sus alumnos.

Se inicia entonces el período en que ven la luz sus grandes obras maestras. Si su oratorio Les béatitudes le había ocupado diez años (1868-1878), en esta nueva época logra concluir cada verano una composición magistral. Animado de verdadera fiebre creadora, Franck parece querer recuperar el tiempo perdido. Un estado de ánimo que es, sin duda, estimulado por el contacto constante con sus alumnos –Vincent d'Indy, Henri Duparc, Ernest Chausson, Pierre de Bréville…–, miembros de lo que algunos llamaron despectivamente la «banda de Franck». Los componentes del grupo desarrollaron importantes programas de conciertos públicos, propiciados por la creación de la célebre Société Nationale de Musique, fundada apenas concluyó la guerra de 1870 y a la que Franck se asoció desde el primer momento. En las salas de la Société se estrenaría la mayor parte de las obras que Franck compuso en los años siguientes: en 1882, El cazador maldito; en 1884, el Preludio, coral y fuga y Los Djinns; en 1885, las Variaciones sinfónicas; en 1886, la Sonata para violín y piano; en 1887, Preludio, aria y final; en 1888, Psyché y la Sinfonía en re menor; en 1889, el Cuarteto de cuerdas.

A los 68 años, César Franck era aún un músico lleno de inspiración y proyectos. En el verano boreal de 1890 compuso en Nemours una excepcional trilogía: los Tres corales para órgano, que constituirían su auténtico testamento musical y espiritual. Hasta el momento había gozado de buena salud, pero desde esa fecha comenzó a sentirse fatigado. En mayo de 1890 había sufrido un accidente de tráfico: el simón en el que viajaba fue embestido por un ómnibus. En el choque, el músico se había desvanecido, pero su fuerte constitución le permitió un rápido restablecimiento. El verano en Nemours le hizo recobrar las fuerzas, por lo que, a pesar de las advertencias de la familia y de su médico, el 4 de octubre decidió reemprender las clases. El 18 de ese mes dio la que sería su última lección. Un resfriado le obligó a guardar cama y pronto se le declaró una pleuresía, que se complicó con una pericarditis. En noviembre su salud empeoró. El día 7 le rondó por la cabeza la idea de componer una fuga, llenando de desasosiego su ánimo. El sábado día 8, a las 5 de la mañana, la vida de César Franck se extinguía, mientras repetía una y otra vez: «Mis hijos, mis pobres hijos.»

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Stradella, ópera en tres actos (1841). Fragmento del acto primero.

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 Asunto: Re: La otra ópera
NotaPublicado: 21 Feb 2015 0:24 
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Giuseppe Antonio Brescianello [Bressonelli] (ca. 1690-1758) He was born in Bologna. He first appears in documents when in 1715 the Elector of Bavaria brought him from Venice to Munich as a violinist. In October 1716, after the death of his predecessor Pez, he became musique directeur, maître des concerts de la chambre at the Württemberg court in Stuttgart, and in 1717 chief Kapellmeister. Between 1717 and 1718 he wrote the pastoral opera La Tisbe, which he dedicated to his employer Archduke Eberhard Ludwig. Hoping this opera would be produced at the Stuttgart Opera, Brescianello wrote in his Präparationen that he had suited its melodies to the theatre taste: but that did not gain him a performance. From 1719 to 1721 he had to face heated battles with his rival Reinhard Keiser, who sought unsuccessfully for Brescianello’s position. In 1731 Brescianello became Rath und Oberkapellmeister. When the court’s finances collapsed in 1737, the Stuttgart opera troupe was dissolved and Brescianello lost his post, which spurred him on to increased activity as a composer. In 1738 (according to EitnerQ) he wrote 12 concerti e sinphonie op.1 and other works, and somewhat later 18 Piecen fürs Gallichone.

When the regency of the generous artistic patron Duke Carl Eugen began in 1744, Brescianello was reinstated as Oberkapellmeister ‘on account of his particular knowledge of music and excellent competence’, and until his retirement he brought the opera and court music to renewed fame. He was pensioned off on 29 November 1751 according to Sittard, on St James’s Day 1755 according to other sources. His successor was Ignaz Holzbauer, then Jommelli. In his two decades as Kapellmeister, Brescianello helped to put his stamp on the musical life of Stuttgart and Ludwigsburg. His importance lies in his compositions, which mainly follow the conventions of his time (sequences and imitations, influences of the galant style, generally in loosened suite form). Apart from Tisbe, two cantatas and a mass (occasional and commissioned works), Brescianello wrote mainly chamber music using the violin, with which he was most acquainted through his training as a violinist: these works are thus among his most successful.

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La Tisbe, ópera en tres actos (1718). Aria del acto primero, Non sempre l'audace. Aria del acto segundo, Come al nido la rondinella.

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 Asunto: Re: La otra ópera
NotaPublicado: 27 Feb 2015 23:43 
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Javier Torres Maldonado (*1968) Nació en Chetumal, México. Estudió en el Conservatorio Nacional de Música de la Ciudad de México, teniendo como maestros principalmente a José Suárez (Armonía, Contrapunto, Formas Musicales) e Icillio Bredo (violín y viola). En 1999 obtuvo la licenciatura en composición en el Conservatorio "Giusepe Verdi" de Milán, Italia, bajo la guía de Sandro Gorli y Alessandro Solbiati. En esos mismos años se perfeccionó en composición con Franco Donatoni, Azio Corghi (Accademia Nazionale di Santa Cecilia, Accademia Chigiana, Roma) e Ivan Fedele (Conservatorio de Estrasburgo, Francia), desempeñándose en cada una de estas instituciones como uno de los alumnos más destacados. En 2003 concluyó sus estudios en música electro-acústica y en 2004 fue seleccionado para participar al curso de composición y nuevas tecnologías del IRCAM, en París.

Torres Maldonado ha recibido muchos de los más importantes premios y distinciones en materia de composición musical, entre los que se cuentan "Da Capo" (Bienal de Brandenburgo y Orquesta Sinfónica de Brandemburgo, 2012), la Commande d'Etat (Comisión del Estado Francés por tres veces consecutivas: 2007, 2009 y 2011) otorgada por el Ministerio de la Cultura y Comunicación de Francia, el premio internacional de composición para ensemble y sistema electro-acústico del GRAME (Centre National de Création Musicale) de Lyon, Francia (2006), “Reine Elisabeth” de Bruselas, Bélgica (2004), “Alfredo Casella” de Siena, Italia (2002), “Reine Maria José" de Ginebra, Suiza (2000), “Ad Referendum II” de Montréal (1998), "Città di Barletta" (Italia), “Prix des Musiciens” (1998), otorgado por el Nouvel Ensemble Moderne, la “Medalla Mozart” otorgada por el gobierno mexicano y la embajada de Austria en México, y ha sido galardonado por dos veces consecutivas con el segundo lugar en el premio internacional de composición “Mozart” de Salzburgo, Austria (1999 y 2001).

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Un posible día, quasi un radio dramma (2010-2011). Abime I.

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 Asunto: Re: La otra ópera
NotaPublicado: 07 Mar 2015 0:12 
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Johann Joseph Abert (1832-1915) He was born in Kochowitz, Bohemia, now Kochovice, Hoštka, Czech Republic. Abert studied double bass at the Prague Conservatory with Josef Hrabě and also received lessons in theory from Johann Friedrich Kittl and August Wilhelm Ambros. In 1853, Peter Josef von Lindpaintner selected him as a double bassist for the Court Orchestra at Stuttgart, the royal capital of Württemberg. He became the Court Kapellmeister in 1867 and remained in this office, previously occupied by Lindpainter, Friedrich Wilhelm Kücken, and Carl Anton Eckerts, until 1888. Abert composed chamber music and lieder, as well as several successful operas. Of his seven symphonies, the Frühlingssinfonie (Spring Symphony, No. 7) in C, the program symphony Columbus (No. 4), and the Symphony in C minor (No. 2) are generally considered to be the best. The Württembergische Landesbibliothek in Stuttgart and the Deutsches Literaturarchiv Marbach currently share responsibility for the preservation of his manuscripts and other personal papers. Abert's son, Hermann, became a noted music historian.

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Ekkehard, ópera en cinco actos (1878). Fragmento del acto tercero.

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 Asunto: Re: La otra ópera
NotaPublicado: 13 Mar 2015 23:54 
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Louis Dietsch (1808-1865) He was born Pierre-Louis-Philippe Dietsch in Dijon. Fétis has reported that Dietsch was a choirboy at the Dijon Cathedral, and beginning in 1822 studied at Choron's Institution Royale de Musique Classique et Religieuse in Paris. Later, after 1853, Dietsch was a teacher at the Ecole Niedermeyer (successor of Choron's Institution), a position he held up until his death. In 1830 Dietsch entered the Paris conservatory and studied with Anton Reicha. His subjects included double bass and counterpoint (with Reicha).

Dietsch composed church music as well as an opera Le vaisseau fantôme, ou Le maudit des mers ("The Phantom Ship, or The Accursed of the Sea"), which was first performed on 9 November 1842 at the Paris Opera. The libretto by Paul Foucher and H. Révoil was based on Walter Scott's The Pirate as well as Captain Marryat's The Phantom Ship and other sources, although Wagner thought it was based on his scenario for Der fliegende Holländer, which he had just sold to the Opera. The similarity of Dietsch's opera to Wagner's is slight, although Wagner's assertion is often repeated. Berlioz thought Le vaisseau fantôme too solemn, but other reviewers were more favourable.

In 1840 Dietsch had become chorus master at the Paris Opera on Rossini's recommendation. He took over from Girard as conductor in 1860, but nonetheless could not avoid run-ins with the greatest composers of his day: Wagner blamed the fiasco of the Paris Opera premiere of Tannhäuser (1861) on the conductor (perhaps unjustly, as Wagner had been closely involved in the opera's 164 rehearsals), and in 1863 Dietsch resigned over a dispute with Verdi in the midst of rehearsals for Verdi's Les vêpres siciliennes.

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Le vaisseau fantôme, ou Le maudit des mers, ópera fantástica en dos actos (1842). Fragmento del acto primero.

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 Asunto: Re: La otra ópera
NotaPublicado: 20 Mar 2015 23:15 
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Josef Mysliveček (1737-1781) Nació en Praga y sus comienzos no hacían pensar que pudiera llegar a ser un importante compositor. Hijo de molinero, fue junto con su hermano al liceo jesuita donde estudió ciencias técnicas y humanitarias. Su padre deseaba que continuaran el oficio y ambos obtuvieron el título de maestro molinero. Los dos hermanos aprenden la lectura, el cálculo, canto y música, en particular el violín. Josef se revelará como un violinista notable. Sin embargo, las inquietudes de Josef le encaminaron hacia otros derroteros. La entusiasta acogida en su ciudad natal de una serie de seis sinfonías que estrenó en 1762 le animó a dedicarse a la música. Se trasladó a Venecia después de recibir una beca del conde Vincent von Waldstein para estudiar con Giovanni Pescetti. Posteriormente decidió instalarse definitivamente en Italia, donde obtuvo un sonado reconocimiento y donde llegó a ser conocido como "El divino bohemio". Su nombre fue incluso traducido al italiano como Giuseppe Venatorini.

Estrenó su primera ópera, Il Bellerofonte, en Bérgamo hacia 1765 y tuvo gran éxito, especialmente teniendo en cuenta el alto nivel de exigencia del público italiano con los compositores extranjeros. En 1767 estrenó en Turín una ópera seria titulada Il trionfo di Clelia con libreto de Metastasio, y en 1769 en Venecia otra titulada Demofoonte, del mismo libretista. En 1770 tuvo un encuentro con Wolfgang Amadeus Mozart en Bolonia, donde Mysliveček era miembro de la Academia Filarmónica. "Rebosa vida, fuego y espíritu", escribió Mozart en una de sus cartas. Son frecuentes las comparaciones entre el estilo musical del checo y los trabajos tempranos de Mozart. En 1773 estrenó en Pavía la ópera seria Demetrio; en 1774 Artaserse y en 1775 Ezio, ambas es Nápoles. En 1776 estrenó en Florencia su ópera Adriano in Siria; y en 1778 en Nápoles, L'Olimpiade, ambas con libreto de Metastasio.

La fama de Mysliveček se extendió más allá de las fronteras de Italia. Fue ampliamente representado en Múnich y también en la corte de Portugal donde sus operas fueron cuidadosamente copiadas a mano y conservadas, disfrutando hoy día de una de las colecciones más extensas de partituras del autor. Sin embargo, sus últimas obras fueron un fracaso. Muere en Roma en 1781; pobre y afectado por la sífilis, (si bien ciertas investigaciones afirman que contrajo gangrena debido a un accidente en el viaje a Munich invitado por el Príncipe-Elector del Palatinado Maximiliano I) su rostro quedó desfigurado, llegandando al límite de extirparle la nariz.

Sir Brady, su amigo y alumno inglés, fue quien sufragó los gastos finacieros tras la muerte del compositor, ya que decidió inhumarlo en la iglesia de San Lorenzo in Lucina en Roma, dónde le erigió un monumento conmemorativo, en la actualidad desaparecido. En total escribió cerca de veinte óperas, incluyendo Idomeneo y La clemencia de Tito (con los mismos temas que las homónimas de Mozart), Abramo et Isacco, Nitteti y la ya mencionada Il Bellerofonte. Entre el resto de piezas encontramos oratorios, sinfonías, conciertos y música de cámara. A menudo se le considera como el padre de la ópera checa, aunque realmente sus características están más fuertemente emparentadas con la ópera italiana.

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Medonte, ópera en tres actos (1780). Aria del acto primero, Pensa che sol per poco. Aria del acto segundo, Perfidi, io sciolgo il freno.

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 Asunto: Re: La otra ópera
NotaPublicado: 28 Mar 2015 1:27 
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Alessandro Nini (1805-1880) He was born in Fano near Pesaro. His first teacher was Ripini, maestro di cappella of his native town. He was appointed maestro di cappella and organist at Montenovo, near Ancona, in 1826 and the following year at Ancona itself. In 1827 he entered the Liceo Musicale in Bologna, where he studied with Luigi Palmerini and Benedetto Donelli. At the end of 1830 he accepted the post of director of the school of singing at St Petersburg, where he stayed until 1837. He then returned to Italy and staged his first opera Ida della Torre (Venice, 1837), followed by another six, which were given at the leading houses in northern Italy. His most popular work was his second opera, La marescialla d'Ancre (1839, Padua). His only failure was Odalisa (1842, Milan); none of the operas, however, achieved lasting success, and in the 1840s Nini turned his attention to sacred music. In 1843 he was appointed maestro di cappella at Novara Cathedral and in 1847 moved to Bergamo, where he remained for the rest of his life. There he directed the cappella of S Maria Maggiore and the Istituto Musicale, retiring in 1877. He was an excellent contrapuntist and composer of church music, and as such was greatly appreciated by Rossini. His dramatic works, though well written and estimable, do not stand out from those of other minor composers of the time. He also wrote chamber music, cantatas and symphonies.

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La marescialla d'Ancre, tragedia lírica en dos actos (1839). Fragmento del acto segundo.

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 Asunto: Re: La otra ópera
NotaPublicado: 03 Abr 2015 23:44 
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Antonio Rosales (c1740-1801) He was born in Madrid. Rosales was chiefly a composer of tonadillas, of which he wrote at least 150, the first dating from 1762, the last from 1791. His first success as a zarzuela composer came on 28 November 1767, when the one-act burlesca El tío y la tía was staged in Madrid at the Teatro de la Cruz. In 1769 he was made músico secundario by the Madrid theatre company manager Manuel Martínez, and on 1 July 1776 his one-act zarzuela El licenciado Farfulla, also to a libretto by Cruz, had its première at the Teatro del Príncipe. This popular work, which was sung everywhere in Spain until 1813, mixed Spanish folk airs with dances such as the jácara, folía, seguidilla and coplas de caballo. About 1787 he succeeded Rodríguez de Hita as maestro de capilla of the Convento Real de la Encarnación at Madrid. 149 tonadillas by him are at the Biblioteca Municipal in Madrid; one, El recitado (c1775), lampooning Italian recitative, was edited by Subirá (Madrid, 1930). Parts for his solo tonadilla El Escarmentado (first performance at Lima Coliseo dated 1764) were loaned to the Peruvian national library in 1959. According to Ramón de la Cruz, Rosales composed with extreme speed and captured the public by incorporating street songs of the day in his stage works. The topical subject matter of his tonadillas was kept fresh by the dialogue being constantly changed to stay abreast of the latest news. Rosales also composed entremeses and sainetes; 13 of the latter survive, the earliest dated 1763.

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El Vizcaino, tonadilla escenica (17??).

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 Asunto: Re: La otra ópera
NotaPublicado: 10 Abr 2015 22:53 
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Ignacy Feliks Dobrzyński (1807-1867) He was born in Romanów, in Volhynia, now Romaniv, Ukraine. Dobrzyński studied with his father, a musician at the court of Count Józef Iliński, and with Józef Elsner at the Warsaw Conservatory, where Chopin was a fellow student. Unlike Chopin, he remained in Poland following the 1830 insurrection, earning his living principally as a performer and teacher, and playing a valuable (but not lucrative) role in the promotion of concert life in Warsaw. There were short-lived periods of more permanent employment, at the Instytut Wychowania Panień (1841–1843) and as director of the Wielki Theatre (1852–1853). He was dismissed from the latter post, apparently unable to accept the constraints imposed on his role as director. In 1835 his Second Symphony was awarded a prize at a Viennese competition, ensuring a measure of wider recognition that was consolidated by a major tour of German cities between 1845 and 1847. This was devoted to concerts, negotiations with publishers and (unsuccessful) attempts to arrange a staging of his opera Monbar, czyli Flibustierowie (‘Monbar, or The Freebooters’); it was eventually staged in Warsaw in 1863.

While Dobrzyński undoubtedly regarded Monbar as his magnum opus, posterity has favoured the instrumental music – symphonies, orchestral concert pieces and chamber works in a post-Classical rather than a Romantic idiom, and salon piano pieces which at times aspire towards a Polish national style. Like Moniuszko, Dobrzyński greatly admired Chopin's achievement, but he tailored his own music to the modest needs of a musical public whose tastes were necessarily insular and conservative. Only in some of his later piano works, from the Rhapsody op.51 and the Nocturne op.52 onwards, are there signs of a more sophisticated idiom which, had it been developed, might have transcended the provincial tone of most of his music. His principal works were frequently performed in Warsaw right through to the early 20th century, but have since been consigned to relative obscurity.

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Monbar, czyli Flibustierowie, ópera en tres actos (1838). Fragmento.

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 Asunto: Re: La otra ópera
NotaPublicado: 17 Abr 2015 23:33 
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Éric Alfred Leslie Satie (1866-1925) He was born in Honfleur to a French father and a Scottish mother. Because he showed musical talent, he was sent to the conservatory, but his real interest lay in the cafés of Montmartre, where he played the piano and for which he composed sentimental ballads. From the beginning Satie had a flair for novel musical ideas, and his first serious compositions reveal this originality. The Gymnopédies for piano (1888) avoid all the clichés of the time and strike a note of chasteness, quite different from the feverish and sentimental music of the day. His Three Sarabandes for piano (1887) include some very interesting parallel ninth chords that later became an important feature of the styles of Claude Debussy and Maurice Ravel. In some of his compositions of the next few years Satie used Gregorian modes as well as chords built in fourths, again anticipating musical idioms that would be extensively developed in the next 25 years.

In 1898 Satie "withdrew" to Arcueil, a suburb of Paris, where he spent the rest of his life. He lived quietly, spending a day each week with Debussy, writing café music, and studying counterpoint. He gave the piano pieces he wrote at this time ridiculous, almost surrealistically humorous titles, such as Three Pieces in the Shape of a Pear, Three Flabby Preludes for a Dog, and Desicated Embryos - perhaps parodying the elaborately evocative titles Debussy sometimes gave his compositions. Satie also included in his scores such puzzling directions as "play like a nightingale with a toothache," "with astonishment," "from the top of the teeth," and "sheepishly." Satie's tendency to underplay the importance of his compositions reached its climax in the music he wrote in 1920 for the opening of an art gallery. The score, for piano, three clarinets, and a trombone, consists of fragments of well-known tunes and isolated phrases repeated over and over, like the pattern of wallpaper. In the program he stated, "We beg you to take no notice of the music and behave as if it did not exist. This music … claims to make its contribution to life in the same way as a private conversation, a picture, or the chair on which you may or may not be seated."

This violently antiromantic attitude toward music attracted the attention of the group of young French composers who were to become known as "Les Six" and of Jean Cocteau, their poet-artist-publicity agent. Another group acclaimed Satie as the leader of the "School of Arcueil." Serge Diaghilev commissioned Satie to write the music for a surrealist ballet, Parade (1917). Cocteau wrote the libretto, and Pablo Picasso designed the cubist sets and costumes. Satie's Mercure (1924) and Rélâche (1924), again with the collaboration of Picasso, anticipated surrealism with their noticeable lack of connection between the action on the stage and the mood of the music. A surrealist movie, part of the ballet, is accompanied by music that alternates between two neutral, "wallpaper" compositions. Socrate (1919), for four solo sopranos and chamber orchestra, is a serious work. The words are fragments from three Platonic dialogues, one having to do with the death of Socrates. Socrate is distinguished by its atmosphere of calm and gentle repose. It is completely nondramatic, for one of the sopranos sings Socrates's words. The music consists of simple melodic lines and repetitive accompaniment figures. It is this simplicity, this avoidance of the big gesture that made Satie's music important and prophetic of an important branch of 20th-century musical developments.

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Geneviève de Brabant, ópera de marionetas (1899–1900). Fragmento.

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 Asunto: Re: La otra ópera
NotaPublicado: 24 Abr 2015 21:48 
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Francesco (Giuseppe Baldassare) Morlacchi (1784-1841) Born in Perugia, Morlacchi composed from a very young age, first studying with his uncle Giovanni Mazzetti and later with Luigi Caruso. He later studied at Loreto with Zingarelli. Finally, he ended up in Bologna at the school of Stanislao Mattei where he met Gioacchino Rossini. Morlacchi's first operatic works were written in 1807, and were a farce and a comic opera. His first truly effective theatre work was the opera seria Corradino (Parma, 1808), and lead to commissions from opera houses in Rome and Milan. In 1810 he was brought to Dresden by contralto Marietta Marcolini, and in 1811 Morlacchi was made Kapellmeister of the Italian Opera in Dresden. While in Dresden, he had to work to establish himself in the eyes of critics. By this time, German opera was well established, and Morlacchi and his compositions were seen to represent the old order both of composers and the aristocracy. In 1815 Morlacchi set Il barbiere di Siviglia with a libretto of Giuseppe Petrosellini and one year later Rossini presented his own with a newer libretto by Cesare Sterbini. One of Morlacchi's most successful works was Tebaldo e Isolina (La Fenice, Venice, 1822). Giovanni Battista Velluti premiered the work, and made the role his own. The opera was performed in 40 cities over the next ten years, largely thanks to Velluti's skillful performance.

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Il barbiere di Siviglia, dramma giocoso per musica en cuatro actos (1816). Quinteto del acto tercero, Giusto Cielo.

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 Asunto: Re: La otra ópera
NotaPublicado: 01 May 2015 22:39 
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Manuel Palau Boix (1893-1967) Nació en Alfara del Patriarca. Estudió en el Conservatorio de Valencia, del que fue después profesor de composición e instrumentación y finalmente, a partir de 1951, director. Había recibido en París lecciones de Ravel y Charles Koechlin y en la mayor parte de su obra se acusa esta influencia de los impresionistas franceses, que compensó con una inclinación por la lírica popular de la Comunidad Valenciana, que inspiró muchas de sus partituras. Su labor de compositor fue extraordinariamente activa habiendo escrito un elevado número de obras de cámara, más de cien canciones, un concierto para guitarra y orquesta y dos para piano y orquesta; tres sinfonías y otras partituras corales, para el ballet y el teatro lírico como la ópera Maror. Obtuvo a lo largo de su vida innumerables distinciones, siendo por dos veces ganador del Premio Nacional de Música (en 1927 y 1945) y de otros muchos concursos. En toda su producción gravita tanto la sensibilidad de un músico que buscó la belleza en los cánones de los clásicos mediterráneos, como la preparación del musicólogo perfectamente enterado de la historia evolutiva de su arte.

Aunque parte de sus composiciones no son conocidas, algunas de ellas, como el Concierto Levantino para guitarra, la Marcha burlesca y Danses valencianes para orquesta; la Sonatina valenciana y los Breves preludios para piano, le definen como un compositor mediterráneo y universal al mismo tiempo. La labor de Palau en el campo del ensayo y la investigación musical fue importante, siendo director del Instituto Valenciano de Musicología y del Instituto Alfonso el Magnánimo de Valencia, habiendo exhumado numerosas partituras, obras polifónicas del siglo XVII y más de 1.500 motivos folklóricos, entre ellos la música completa del Misteri d'Elx, escribiendo numerosos ensayos y análisis sobre el tema. Esta actividad no le impidió dedicarse a un constante estudio del fenómeno musical contemporáneo, atento a sus últimas realidades. Además de publicar muchos escritos sobre música antigua y actual, se ocupó de su problemática, pronunciando conferencias, dirigiendo a la orquesta la interpretación de las obras y publicando constantemente artículos periodísticos.

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Maror, ópera en tres actos (1956). Fragmento del acto segundo.

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NotaPublicado: 08 May 2015 22:44 
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Johannes Schenck (1660-1712) He was born in Amsterdam and baptized in a Catholic hidden church. With the support of wealthy Amsterdam citizens he was able to publish his music in fine editions, which established him as perhaps the most important Dutch composer of the second half of the 17th century. His viol playing was extolled in numerous poems, one claiming that ‘personne n'a touché a cet instrument avec plus de delicatesse que lui’. In about 1696 his fame secured him a post at the Düsseldorf court of the Elector Palatine Johann Wilhelm II, himself an amateur viol player. Schenck's career developed there as a court official too, culminating in 1710 in an appointment as chamber councillor. He was thus present at the coronation in 1711 of Emperor Charles VI at Frankfurt. He may have remained in the service of Johann Wilhelm until the latter's death in 1716.

Schenck's viol music constitutes one of the most important repertories composed for the instrument. It faithfully reflects the important stylistic changes taking place in northern Europe at the time, which may not always have worked to Schenck's advantage as a composer. His first published collection, the Tyd en konst-oeffeningen (1688), contains technically demanding sonatas, most of them followed by a suite. Their virtuosity seems to reflect the influence of English viol players (such as William Young and Henry Butler), the German violin school (J.J. Walther and H.I.F. von Biber) and indigenous polyphonic string music (David Petersen and Carolus Hacquart). Schenck's best-known work, the Scherzi musicali published a decade later, shows French influence in its emphasis on dance movements and its more elegant, though still demanding, writing for the viol.

Schenck's viol music culminated in Le nymphe di Rheno and L'echo du Danube. The former consists of duets for two equal viols, in which the relatively modest technical demands may reflect the level of the dedicatee, Schenck's employer Johann Wilhelm. In the six ambitious sonatas of L'echo du Danube the influence of modern Italian string sonatas is prominent. The solo bass viol reigns supreme, while the basso continuo diminishes in importance and is omitted altogether from the last two sonatas. Unfortunately, the principal part of Schenck's last published work, which contained 12 sonatas for viol and continuo, is lost. Two publications include the violin. One of these, Il giardino armonico, is lost; the other, Suonate a violino e violone o cimbalo, although published in 1699, is much earlier and contains a miscellany of pieces (suites, sonatas, fantasias and variations) for violin and continuo, showing the composer at the crossroads of various national influences and avoiding the extreme virtuosity of the viol music.

Schenck published three books of songs to Dutch texts. His compositional début of 1687 contains the vocal pieces written for the opera Bacchus, Ceres en Venus, with words by Govert Bidloo; the rather ambitious Koninklyke harpliederen (of which the parts for two viols and continuo are lost) and the more modest continuo songs published as Zang-wyze both contain settings of religious poems. With these songs Schenck made an important contribution to the brief flowering of Dutch art song, as well as of Dutch opera, at the end of the 17th century.

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Bacchus, Ceres en Venus, Singspiel en un acto (1686). Fragmento.

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 Asunto: Re: La otra ópera
NotaPublicado: 15 May 2015 23:31 
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Georges Bizet (1838-1875) He was born in Paris. He was trained by his parents, who were musical, and admitted to the Paris Conservatoire just before his tenth birthday. There he studied counterpoint with Zimmerman and Gounod and composition with Halévy, and under Marmontel's tuition he became a brilliant pianist. Bizet's exceptional powers as a composer are already apparent in the products of his Conservatoire years, notably the Symphony in C, a work of precocious genius dating from 1855 (but not performed until 1935). In 1857 Bizet shared with Lecocq a prize offered by Offenbach for a setting of the one-act operetta Le Docteur Miracle; later that year he set out for Italy as holder of the coveted Prix de Rome. During his three years in Rome Bizet began or projected many compositions; only four survive, including the opera buffa, Don Procopio (not performed until 1906). Shortly after his return to Paris, in September 1861, his mother died; the composer consoled himself with his parents maid, by whom he had a son in June 1862. He rejected teaching at the Conservatoire and the temptation to become a concert pianist, and completed his obligations under the terms of the Prix de Rome. The last of these, a one-act opéra comique, La guzla de l′emir, was rehearsed at the Opéra-Comique in 1863 but withdrawn when the Théâtre-Lyrique director, who had been offered 100 000 francs to produce annually an opera by a Prix de Rome winner who had not had a work staged, invited Bizet to compose Les pêcheurs de perles.

Bizet completed it in four months. It was produced in September 1863, but met with a generally cool reception: an uneven work, with stiff characterization, it is notable for the skilful scoring of its exotic numbers. In the ensuing years Bizet earned a living arranging other composers music and giving piano lessons. Not until December 1867 was another opera staged - La jolie fille de Perth, which shows a surer dramatic mastery than Les pêcheurs despite an inept libretto. It received a good press but had only 18 performances. 1868 was a year of crisis for Bizet, with more abortive works, attacks of quinsy and a re-examination of his religious stance; and his attitude to music grew deeper. In June 1869 he married Geneviève, daughter of his former teacher, Halévy, and the next year they suffered the privations caused by the Franco-Prussian war (Bizet enlisted in the National Guard). Bizet found little time for sustained composition, but in 1871 he produced the delightful suite for piano duet, Jeux d′enfants (some of it scored for orchestra as the Petite Suite), and he worked on a one-act opera, Djamileh. Both the opera and Daudet's play L′arlésienne, for which Bizet wrote incidental music, failed when produced in 1872, but in neither case did this have anything to do with the music.

Bizel was convinced that in Djamileh he had found his true path, one which he followed in composing his operatic masterpiece, Carmen. Here Bizet reaches new levels in the depiction of atmosphere and character. The characterization of José, his gradual decline from a simple soldier's peasant honesty through insurbordination, desertion and smuggling to murder is masterly; the colour and vitality of Carmen herself are remarkable, involving the use of the harmonic, rhythmic instrumental procedures of Spanish dance music, to which also the fate-laden augmented 2nds of the Carmen motif may owe their origin. The music of Micaela and Escamillo may be less original, but the charm of the former and the coarseness of the latter are intentional attributes of the characters. The opera is the supreme achievement of Bizet and of opéra comique, a genre it has transformed in that Bizet extended it to embrace passionate emotion and a tragic end, purging it of artificial elements and embuing it with a vivid expression of the torments inflicted by sexual passion and jealousy. The work, however, was condemned for its ‘obscene’ libretto, and the music was criticized as erudite, obscure, colourless, undistinguished and unromantic. Only after Bizet's death was its true stature appreciated, and then at first only in the revised version by Guiraud in which recitatives replace the original spoken dialogue (it is only recently that the original version has been revived). The reception of Carmen left Bizet acutely depressed; he fell victim to another attack of quinsy and, in June 1875, to the two heart attacks from which he died.

Answers

Don Procopio, ópera bufa en dos actos (1858-1859). Final del acto primero.

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Ivan IV, ópera en cinco actos (1862-1865). Fragmento.

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La jolie fille de Perth, ópera en cuatro actos (1866). Fragmento del acto primero.

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Djamileh, ópera cómica en un acto (1872). Comienzo.

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 Asunto: Re: La otra ópera
NotaPublicado: 22 May 2015 22:31 
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Jesús Romo Raventós (1906-1995) Nació en Haro, Logroño. Estudió en San Sebastián y en el Conservatorio de Madrid con Joaquín Larregla y Conrado del Campo. Compuso zarzuela y música para el cine. Entre las primeras se encuentran obras como La bien ganada (1934), El mesón del plato rojo (1938), Los cachorros (1945), Un día de primavera (1947), así como En el balcón de palacio y El gaitero de Gijón (1953). Jesús Romo desempeño también una importante labor en el campo de la música polifónica y coral y fue Catedrático de Armonía en el Conservatorio de Madrid.

Un día de primavera, sainete lírico en dos actos (1947). Las campanas de Madrid.

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