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 Asunto: Re: La otra ópera
NotaPublicado: 18 Feb 2012 13:46 
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Michael Jarrell (*1958) Nació en Ginebra, Suiza. Jarrell estudió composición en la clase de Eric Gaudibert en el Conservatorio de Ginebra, además de varias estancias en los Estados Unidos (Tanglewood, 1979). Completó su formación en la «Staatliche Hochschule für Musik» de Freiburg im Brisgau, con Klaus Huber. Desde 1982, su obra ha recibido numerosos premios: «Prix Acanthes» (1983), «Beethovenpreis» de la Ville de Bonn (1986), «Prix Marescotti» (1986), «Gaudeamus» y «Henriette Renié» (1988), Siemens-Förderungspreis (1990). Entre 1986 y 1988, residió en la «Cité des Arts» de Paris y participó en el stage de informática musical del IRCAM . Fue luego pensionario de la Villa Médicis de Roma en 1988/89, después miembro del «Istituto Svizzero» de Roma en 1989/90. De octubre de 1991 a junio de 1993, fue compositor residente de la Orchestre de Lyon. Desde 1993, es profesor de composición en la «Hochschule für Musik» de Viena. En 1996, fue acogido como «compositeur en résidence» en el Festival de Lucerna, más tarde fue celebrado en el festival «Musica Nova Helsinki», que le fue dedicado en marzo de 2000. En 2001, el Festival de Salzburgo le encargó un concierto para piano y orquesta, intitulado Abschied. Ese mismo año fue nombrado Chevalier des Arts et des Lettres. En 2004, fue nombrado profesor de composición en el Conservatorio de Ginebra. Su ópera Galiléi, según «La Vie de Galilée» de Brecht, encargo del «Grand Théâtre de Genève», fue estrenada en enero de 2006. En marzo de 2007, su nueva creación Un temps pour un silence fue presentada en Ginebra, con Emmanuel Pahud a la flauta y Heinz Holliger dirigiendo la OSR.

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Cassandre, ópera hablada (1994). Comienzo.

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 Asunto: Re: La otra ópera
NotaPublicado: 25 Feb 2012 0:04 
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John Eccles (1668–1735) Born in London, eldest son of professional musician Solomon Eccles, John Eccles was appointed to the King's Private Musick in 1694, and in 1700 became Master of the King's Musick. Also in 1700 he finished second in a competition to write music for William Congreve's masque The Judgement of Paris (John Weldon won). Eccles was very active as a composer for the theatre, and from the 1690s wrote a large amount of incidental music including music for William Congreve's Love for Love, John Dryden's The Spanish Friar and William Shakespeare's Macbeth. Jointly with Henry Purcell he wrote incidental music for Thomas d'Urfey's Don Quixote. He became a composer to Drury Lane theatre in 1693 and when some of the actors broke off to form their own company at Lincoln's Inn Fields in 1695, he composed music for them as well.

Eccles also wrote music for the coronation of Queen Anne and a number of songs. Many of his most famous songs, such as I burn, I burn were composed for actress-singer Anne Bracegirdle to perform. Eccles also wrote an all-sung English opera Semele with text by Congreve, but it was not staged until the 20th century. Congreve's libretto would later serve as the basis for George Frideric Handel's Semele (1744). For much of the later part of his life, Eccles lived in Kingston upon Thames and wrote additional incidental music (though not as frequently as he had for Lincoln's Inn Fields) as well as the occasional court ode. He is reported to have spent much of his time fishing. He was the only Master of the King's Musick in the history of the post to serve four monarchs (King William III, Queen Anne, King George I and King George II).

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The Judgment of Paris or The Prize of Music, masque (1701). Duo Happy thou of Human race. Sinfonía de Juno.

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 Asunto: Re: La otra ópera
NotaPublicado: 02 Mar 2012 23:11 
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Julián Carrillo Trujillo (1875-1965) Nació en Ahualulco, San Luis Potosí, México, siendo el último de los 19 hijos de Nabor Carrillo y Antonia Trujillo, pareja de ascendencia indígena. Perteneció al coro del templo local cuyo director lo alentó para trasladarse a la ciudad de San Luis Potosí, capital del estado, para estudiar música con Flavio F. Carlos, quien fuera su maestro de 1885 a 1895. Allí, las dificultades económicas le obligaron a abandonar sus estudios primarios (que no los musicales). Comenzó como timbalero en la orquesta de su maestro, más tarde, se pasó a violinista. Durante esa época, por las mañanas ejecutaba responsos fúnebres y por las noches tocaba en fiestas particulares. A esta temprana edad realiza sus primeras composiciones, incluyendo una Misa. En el año de 1895 se va a estudiar a la Ciudad de México ingresando al Conservatorio Nacional de Música gracias a una carta de recomendación del gobierno estatal. Entre sus maestros estuvieron Pedro Manzano (violín), Melesio Morales (composición) y Francisco Ortega y Fonseca (física, acústica y matemáticas). También formó una pequeña orquesta con otros alumnos del conservatorio.

El 13 de julio de 1895 inició su trabajo sobre la música microtonal. Al estar en su clase de acústica con el maestro Ortega, a Carrillo le fue mostrada la "Ley de Divisiones de Cuerdas" la cual sostiene que si se divide en dos segmentos una cuerda, sonará la octava; si en tres, la quinta, etc. Se sorprendió mucho al estudiar las leyes de producción de los intervalos fundamentales. Todo ello le llevó a experimentar por su propia cuenta. Ese mismo día Carrillo realizó en su pequeño departamento un experimento: utilizando el filo de una navaja para presionar la cuerda en el punto exacto de entre las notas sol y la de su cuerda de violín, obtuvo dieciséis tonos nítidamente diferentes. En todo su trabajo posterior siguió sobre esta misma línea, estudiando cada vez más profundamente las bases física y matemática de la música. Llamó inicialmente Sonido 13 al intervalo de un dieciseisavo de tono. Más tarde utilizó el término para denominar así a su sistema microtonal en su totalidad. Durante una presentación que realiza como solista en una entrega de premios de nivel superior en 1899, el presidente de la república, general Porfirio Díaz, lo escucha y decide concederle una beca para estudiar en el Real Conservatorio de Leipzig. Algunos de sus maestros fueron: Hans Becker, quien fuera discípulo de Joachim Nikolas Eggert (violín), Johan Merkel (piano) y Salomon Jedassohn (composición, armonía y contrapunto).

Es entonces cuando compone su Primera Sinfonía, la cual fue estrenada por la Real Orquesta del Conservatorio de Leipzig en 1901, bajo su dirección. Fue también violín primero en la Orquesta del Conservatorio y en la Orquesta de Gewandhaus. En el Congreso Internacional de Música de 1900 en la ciudad de París, propuso nombrar todas las notas nuevas con monosílabos para facilitar el solfeo. La propuesta se aceptó y publicó. Terminados sus estudios en Leipzig, se trasladó a Bélgica e ingresó al Real Conservatorio de Gante, donde ganó el primer lugar en un concurso internacional de violín, en 1904. Ese año regresa a México donde el presidente Díaz reconoce su buen desempeño en Europa regalándole un violín Amati en nombre de la nación. Es nombrado profesor de composición, contrapunto, fuga e instrumentación en el Conservatorio Nacional y promovido a director en 1913, año en que es admitido como miembro de la Sociedad de Geografía y Estadística de México. Organizó la Orquesta Sinfónica Beethoven y el Cuarteto de Cuerdas Beethoven. Como director del Conservatorio, reformó los programas de estudio, haciendo énfasis no sólo en la rigurosa preparación técnica, sino también en materias como literatura, o español. En 1914, al caer el gobierno de Victoriano Huerta, Carrillo huye a Estados Unidos y se exilia en la ciudad de Nueva York, donde organiza y dirige la Orquesta Sinfónica América. El debut de esta orquesta se realiza con la presentación de su Primera Sinfonía. Es en Nueva York donde escribe y publica la Teoría del Sonido 13 por primera vez. Esta teoría se publicaría en el segundo tomo de Pláticas musicales. También escribió Pre-Sonido 13: Rectificación básica al sistema musical clásico.

De regreso a México, en 1918, es nombrado director de la Orquesta Sinfónica Nacional (1918-1924) y del Conservatorio Nacional (1920-1921).Bajo su batuta, la Orquesta Sinfónica alcanza un nivel de excelencia, al grado de ser considerada mejor que la Orquesta Filarmónica de Nueva York por el pianista Leopold Godowsky. Este éxito permite que la orquesta sea capaz de sostenerse con sus propios recursos. En su repertorio se incluían composiciones de todas las épocas musicales, desde el barroco hasta el atonalismo y el serialismo. Carrillo dio importancia a la promoción de música de compositores mexicanos como Manuel M. Ponce, Antonio Gomezanda y Juan León Mariscal. El 15 de febrero de 1925 se presenta una función con la totalidad de las obras microtonales en cuartos, octavos y dieciseisavos de tono. Este sería el inicio de la divulgación del Sonido 13 por toda la república en una gira que le llevaría a Cuba y a Nueva York, donde conoce a Leopold Stokowski, quien se convertiría en gran amigo y apoyo en su carrera.

Durante esa gira, escribe Leyes de Metamorfosis Musicales, una guía para transformar a cualquier fracción de tono cualquier obra. En 1928, el Congreso del Estado de San Luis Potosí declaró el 13 de julio como día de fiesta estatal, en recuerdo del experimento de 1895 (coincidiendo con su aniversario). El pueblo de Ahualulco cambia oficialmente su nombre a Ahualulco del Sonido 13 en 1933. Carrillo organiza la Sinfónica del Sonido 13, conjunto en que todos los instrumentos estaban afinados microtonalmente. Es entonces que entiende la necesidad de construir instrumentos especiales para interpretar sus composiciones. En 1934, publica Revolución musical del Sonido 13. No tuvo apoyo gubernamental para llevar a cabo su revolución, de hecho, toda su investigación y difusión fue autofinanciada. Aplicando sus conocimientos de física y matemáticas, en 1940 patenta 15 pianos metamorfoseados para cada intervalo de tono, desde tonos enteros hasta dieciseisavos de tono; pero no será hasta 1949 que se construya el primero piano de tercios de tono con la Casa Sauter de Alemania. Para 1958 ya tiene los 15 pianos y los presenta en la Exposición Mundial de Bruselas, donde es galardonado con la medalla de oro. Construyó 16 pianos, arpas, flautas, guitarras y cellos capaces de generar cuartos, octavos y hasta dieciseisavos de tono. Estuvo nominado para el Premio Nobel de Física en 1950.

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Matilde ó México en 1810, ópera en cuatro actos (1909). Del acto primero, Celebración del Corpus en la Catedral. Del acto tercero, Aria de Matilde.

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 Asunto: Re: La otra ópera
NotaPublicado: 10 Mar 2012 0:45 
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François-Joseph Gossec (su verdadero apellido era Gossé) (1734-1829) Nació en Vergnies, un pueblo francés enclavado en el Condado de Henao (condado que entonces estaba bajo dominio austriaco y actualmente es una provincia belga). Estudió en Walcourt antes de entrar como cantor del coro de la catedral de Amberes, donde completó sus estudios musicales. Después residió en Bruselas y Lieja. Gossec se instaló en París donde fue violinista de la orquesta de Alexandre de La Pouplinière. Entre 1762 y 1770, en calidad de maestro de música, dirigió el teatro de Louis Joseph de Bourbon-Condé, Príncipe de Condé, en Chantilly. Después, sirvió como intendente de música del príncipe de Conti, Louis François Joseph de Bourbon-Conti. Fundó el Concert des amateurs en 1769, que dirigirá hasta 1773. Entre 1773 y 1777, fue director del Concert Spirituel (una sociedad parisina, organizadora de conciertos). En 1780, fue nombrado subdirector de la Ópera de París y, tras la dimisión de Antoine Dauvergne en 1782, ocupó el cargo de director general, aunque sus poderes estaban muy limitados por la pugna entre el secretario de Estado y el comité de artistas. En 1784, dejó estas responsabilidades para dirigir la nueva Real Escuela de Canto. Durante la Revolución francesa se hizo muy popular y llegó a ser conocido como el músico oficial de la Revolución: se le consideró el inventor de la música democrática y del arte coral popular. Por esta razón, cayó en desgracia con la Restauración borbónica. Fue amigo de Wolfgang Amadeus Mozart y fundó con el músico valón Grétry el Conservatorio de París, donde trabajó como inspector y también como profesor de Composición (de 1795 a 1814).

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Le triomphe de la République, ou Le camp de Grandpré, divertissement-lyrique en un acto (1794). Fragmento de la primera escena. Fragmento de la segunda escena.

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 Asunto: Re: La otra ópera
NotaPublicado: 16 Mar 2012 22:20 
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Pietro Antonio Stefano Mascagni (1863-1945) He was born in Livorno, Italy, the son of a baker. When Mascagni was ten, his mother died, and three years later, against his father’s wishes, he began studying music under the tutelage of Alfredo Soffredini, a composer, teacher, and musical reviewer. In 1881 he composed his first cantata, In Filanda. The composition was entered in a contest in Milan and won a handsome sum from Count Florestano de Larderel, a prize which made it financially possible for him to study at the Milan Conservatory. At the school he studied alongside Boito, Ponchielli, and Saladino and roomed with the famous Puccini. In 1883 Mascagni derived Pinotta from the previously composed In Filanda, and attempted to enter it into the Conservatory’s musical contest, but his registration was too late.

In April 1885, after losing interest in the routine of his daily studies, Mascagni left the Conservatory. He found a position immediately with the company of Dario Acconci, and soon after toured the country as a conductor in the operette companies of Vittorio Forli, Alfonso and Ciro Scognamiglio, and Luigi Arnaldo Vassallo. In 1886 Mascagni met Luigi Maresca and his future wife, Lina. He accompanied them to Cerignola, where he accepted a position as master of music and singing at the local philharmonic society. By the following year, he and Lina were married and expecting their first child, Domenico. In 1882, Mascagni discontinued work on his opera Guglielmo Ratcliff so that he could focus his attention on the composition of Cavalleria Rusticana for the Sonzogno music competition. The opera triumphed over the other 72 entries by composers like Bossi and Giordano to win first place. In 1890, the Cavalleria premiered at the Costanzi Theater in Rome. Its success was unparalleled, and soon it was playing at theaters in Florence, Palermo, Venice, Hamburg, Petersburg, Dresden, Buenos Aires, and Vienna. But the rest of Mascagni’s career, though long, diverse, and fruitful, would never again reach the level of success that Cavalleria achieved.

Mascagni followed his massive success with the 1891 opera L’amico Fritz, a lyrical composition yielding such popular numbers as Cherry Duet. The comedy premiered at the Costanzie Theater in Rome, successful because its melodic strength, though here combined with more refined harmony, was not unlike that in Cavalleria. In an attempt to increase his audience, Mascagni began conducting outside Italy, where he earned a strong reputation in Vienna, Paris, and London. In 1892, Mascagni premiered I Rantzau at the La Pergola Theater in Florence. The incestuous love story was received quite favorably by audience and critics alike, touted for its orchestration and the performances of its singers. Three years later Mascagni premiered the finally-finished Guglielmo Ratcliffon and Silvano, a rushed opera written to fulfill a contract with Sonzogno at the Teatro alla Scala in Milan. Guglielmo achieved moderate success, but Silvano was a terrible critical and popular failure. Beginning in 1895, Mascagni worked as director of Liceo Musicale of Pesaro for several years. His one-act opera Zanetto was performed there in 1896. Two years later, Iris premiered, a collaboration with Luigi Illica, at the Constanzi Theater in Rome. The composition was another moderate success, initiating the popularity of fin-de-siecle exotic opera. In 1901, Le maschere premiered at six Italian theaters and was unsuccessful at all of them. By 1902 Mascagni chose to resign his position at Liceo Musicale so he could tour the United States, where he performed in New York, Philadelphia, Boston, and San Francisco.

Amica premiered with a libretto by Choudens in MonteCarlo in 1905. It was better received than Le maschere, but still not widely popular, a point of tension between Mascagni and Puccini that led to their dispute the same year. In 1910 the two temporarily rekindled their friendship, and the following year Mascagni’s career was on an upswing with the premiere of the romantic opera Isabeau, received warmly by Italians in Buenos Aires and similarly embraced in Milan and Venice. However, critics noted that the romantic style of the opera lacked originality and suggested Mascagni might have lost his creativity. This idea was only reaffirmed by the resounding failure of Parisina, a collaboration with D’Annunzio. In 1910 Mascagni began an affair with Anna Lolli, and by 1913 his wife remarried the musician Guido Farinelli. This change in his personal life was perhaps mirrored in his professional life with the premiere of Lodoletta in Rome in 1917. The composition was a marked return to the lyrical genre that attempted to rival Puccini’s La rondine. Two years later, Mascagni premiered his operette Si in Rome. Finding success with a balance of lyricism and drama gave Mascagni confidence to compose II piccolo Marat, which premiered in 1921 but failed in comparison to the two previous compositions.

Around 1927 Mascagni began to realize that his career was languishing and he went into seclusion, moving to the Albergo Plaza in Rome, where he would remain until his death. His brief public appearances thereafter were politically attached to the fascist party in Italy, signified by the 1932 premiere of Pinotta in San Remo. Three years later Mascagni premiered Nerone in Milan, his last work, written with Mussolini in mind, as a final attempt to battle the inevitable modernism surrounding him. Mascagni made his final appearance in 1943 at the La Scala Theater for a performance of L’Amico Fritz. His fascist associations left him friendless and poor at the time of his death in 1945.

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Zanetto, ópera en un acto (1896). Cuore, come un fiore.

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Parisina, tragédia lírica en cuatro actos (1913). Del acto tercero, Ascolta l'usignuolo!

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, opereta en tres actos (1919). Del acto tercero, Che squallore, che tristezza nel cuore di Si.

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 Asunto: Re: La otra ópera
NotaPublicado: 16 Mar 2012 22:56 
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No me esperaba yo a este compositor aquí. Aunque las obras desde luego no son las típicas.

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El acento verdiano está en la a.


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 Asunto: Re: La otra ópera
NotaPublicado: 16 Mar 2012 23:02 
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Creo que fuera de Cavalleria nada de él es típico. :roll:

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 Asunto: Re: La otra ópera
NotaPublicado: 23 Mar 2012 21:58 
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Gustav Albert Lortzing (1801-1851) He was born in Berlin to Johann Gottlieb Lortzing and Charlotte Sophie. They had abandoned their leather shop and travelled through Germany as itinerant actors, founding the Berlin theatre company Urania, and turning their amateur passion into a profession. The young Lortzing's first stage appearance was at the age of 12, entertaining the audience with comic poems during the interval in the Kornhaus at the Freiburg Münster. From 1817, the Lortzing family were part of Josef Derossi ensemble in the Rhineland, treading the boards at Bonn, Düsseldorf, Barmen and Aachen. Albert Lortzing became an audience favourite, playing the roles of a youthful lover, a country boy and bon vivant, sometimes also singing in small tenor or baritone parts. He married an actress, Rosina Regine Ahles in 1824, with whom he subsequently had 11 children. The couple belonged to the Hoftheater in Detmold from late 1826, which toured to Münster and Osnabrück. Lortzing joined the Freemasons, a popular refuge for artists in Metternich's police state. Lortzing composed an oratorio in Detmold, Die Himmelfahrt Christi, which premiered in Münster, and predictably earned a rebuke for the young composer from the Münster regional governor, who claimed that Lortzing would never become famous as a composer.

Lortzing composed the music for Christian Dietrich Grabbe's Don Juan und Faust, playing the role of Don Juan himself, with his wife as Donna Anna. Lortzing received a glowing report from an anonymous reviewer in a Frankfurt paper, who also mistakenly praised Lortzing for the text by this brilliant poet. Grabbe, the real poet, was outraged, although the review did bring good publicity for the piece. In 1833, the young Lortzings gave their debut at the Leipziger Stadttheater. Lortzing's parents had been members of this ensemble since 1832, under Friedrich Sebald Ringelhardt. Here, Lortzing became a member of the artists' club "Tunnel unter der Pleisse" and in 1834 he became a member of the Leipzig Freemasons lodge "Balduin zur Linde". Lortzing was much loved in the Leipzig ensemble, particularly when acting in Johann Nestroy's comedies. However, his tendency to improvise and to deviate from the script attracted the attention of the theatrical police. His first comic opera, Zar und Zimmermann, had a tough time with the Leipzig censors. It premiered in Leipzig in 1837. Lortzing himself sang the role of Peter Iwanow, but it did not make a major breakthrough until its Berlin performances in 1839, where it was much praised.

In 1844, Lortzing became Kapellmeister of the Leipzig Stadttheater, but was dismissed in 1845 due to his "rheumatic troubles". The repeated protests of the public were to no effect. In an open letter, signed by almost everyone in the ensemble, he made a plea against the measures taken by the city government. Between 1846 and 1848, Lortzing worked as Kapellmeister at the Theater an der Wien in Vienna. At the behest of the Freedom Movement, he wrote text and music in 1848 for his political opera Regina, named after his wife. This work concerned both labour struggles and fear of suicide. His last full-length opera was an 1849 fairy-tale satire of the Prussian military state called Rolands Knappen, featuring the repeated line Und das soll eine Weltordnung sein? In 1848 he lost his appointment and had to return to work as a touring actor to support his large family. He worked at Gera and Lüneburg, among other cities. Finally in 1850, he became the Kapellmeister in Berlin at the newly-opened Friedrich-Wilhelmstädtisches Theater. In 1851, Albert Lortzing died, under huge stress and deeply in debt. A number of luminaries from the musical world were present at his funeral, including Giacomo Meyerbeer, Heinrich Dorn, Wilhelm Taubert and Carl Friedrich Rungenhagen. Lortzing's theatrical colleagues decorated his coffin with black, red and gold, a combination forbidden after 1848.

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Ali Pascha von Janina oder Die Franzosen in Albanien, Singspiel en un acto (1828). Duett, Chor der Sklaven und Wervandlungsmusik.

Szenen aus Mozarts Leben, Singspiel en un acto (1832). Aria Wohl! Wohl! Wohl!.

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Zar und Zimmermann, ópera cómica en tres actos (1837). O sancta justitia! Ich möchte rasen,

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Der Wildschütz, ópera cómica en tres actos (1842). Del acto segundo, Ich habe Numero eins.

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Undine, ópera magico-romántica en cuatro actos (1845). Fragmento del acto primero.

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Der Waffenschmied, ópera cómica en tres actos (1846). Del acto segundo, Ihr wißt, daß er euch liebt?.

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Die Opernprobe oder Die vornehmen Dilettanten, ópera cómica en un acto (1851). Diesen Takt stark angeschlagen.

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 Asunto: Re: La otra ópera
NotaPublicado: 23 Mar 2012 22:24 
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Viene de perlas para completar La ópera del mes, porque es una de las influencias reconocidas de Engelbert Humperdinck.

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Para saber mucho: vivir muchos años, caminar muchas tierras, leer buenos libros o conversar con amigos sabios y discretos. (Baltasar Gracián)


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 Asunto: Re: La otra ópera
NotaPublicado: 30 Mar 2012 19:30 
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Jaromír Weinberger (1896-1967) He was born in Prague, from a family of Jewish origin. He heard Czech folksongs from time spent at his grandparents' farm as a youth. He started to play the piano at age 5, and was composing and conducting by age 10. After studying composition with Jaroslav Křička, Václav Talich and Rudolf Karel, he became a pupil of Vítězslav Novák and Karel Hoffmeister at the Prague Conservatory; he went on to study at the Leipzig Conservatory, where his teachers included Reger. His style, deeply rooted in the nationalistic traditions of Smetana and Dvořák, displays a solid contrapuntal technique, an adroit blend of polyphonic textures and colouristic orchestration, and a post-Romantic harmonic language. Works such as Une cantilene jalouse (1920), Colloque sentimental (1920) and Scherzo giocoso (1920) were critically acclaimed. In 1926 Weinberger completed Švanda dudák, his most successful work. Between 1927 and 1931 the opera received over 2000 performances. Its earthy tunefulness is best illustrated by the ‘Polka’, which, played on bagpipes by the devil in hell, is a polytonal parody. Other folk-influenced works followed in quick succession; these include Christmas (1929), an orchestral work based on traditional Czech carols that was performed before the Christmas address of the Czech president every year until the Nazi occupation.

Among his other major works are the Passacaglia for Orchestra and Organ (1931) and the operas Milovaný hlas (‘Die geliebte Stimme’, 1930), Lidé z Pokerflatu (1932) and Valdštejn (1937). The latter three of these reveal a movement towards realistic spoken dialogue and leitmotivic associations. By 1938, when Weinberger and his wife emigrated to the USA, the composer’s manic depression had grown increasingly problematic and had begun to affect his creative work. A widely divergent group of compositions ensued, among them Ten Characteristic Solos for drum and piano (1939), Mississippi Rhapsody (1940), Prelude to the Festival for symphonic band (1941) and The Way to Emmaus, a cantata for high voice and organ (1940). Prelude and Fugue on a Southern Folktune (1940), the Lincoln Symphony (1941) and Czech Rhapsody (1941) reflect his continued interest in nationalistic material. During the late 1940s and 50s several sacred compositions occupied the composer’s attention. These included Ecclesiastes (1946), Six Religious Preludes (1946) and Préludes réligieux et profanes (1954). In 1949 Weinberger settled in St Petersburg, Florida, where he slowly descended into a state of deep depression. After living in relative seclusion for most of his remaining years, he committed suicide. An enigmatic and tragic figure, he longed for the return of a culture that, after the height of his career, had ceased to exist.

Óperas

Švanda dudák, ópera en dos actos, cicno escenas (1926). Comienzo del acto primero.

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 Asunto: Re: La otra ópera
NotaPublicado: 07 Abr 2012 19:45 
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Nicola Vaccaj (1790-1848). He was born in Tolentino, province of Macerata, Italy. Though he was born into a family of doctors, his first inclination was towards poetry; by the age of 17 he had written four verse tragedies in the style of Alfieri, one of which was performed by a professional company in Pesaro. Not until he left for Rome in 1807 to read law did he become aware of his true vocation: he began to take regular music lessons from Giuseppe Janacconi, later maestro di cappella of S Pietro, and by 1811 had been awarded the diploma di maestro of the Accademia di S Cecilia. He then went to Naples, where he studied dramatic composition with Paisiello, gaining his first practical experience by writing church music and insert arias for opera revivals in Neapolitan theatres. Encouraged by his début at the Teatro Nuovo with I solitari di Scozia (1815), Vaccaj left for Venice in search of opera commissions. But there success eluded him; Malvina (1816) was removed after one night, while Il lupo di Ostenda (1818) was criticized as imitation Rossini. Four ballets, written for La Fenice between 1817 and 1821, fared better. Meanwhile, his literary training bore fruit in an Italian translation of the libretto of Méhul’s Joseph. During this period Vaccaj was much in demand in Venetian high society as a singing teacher. In this capacity he went to Trieste in 1821, spending three months in 1822 at Frohsdorf, near Wiener Neustadt, in the establishment of Murat’s widow. Still hoping for operatic fame in Italy, he turned down an offer to be Kapellmeister at Stuttgart.

After leaving Trieste for good in 1823 he secured a commission for the Teatro Ducale, Parma, resulting in Pietro il grande (1824), in which Vaccaj himself substituted for one of the singers; this inaugurated a brief period of theatrical glory for him, to which belong Zadig e Astartea (1825, Naples) and his masterpiece Giulietta e Romeo (1825, Milan), the only one of his operas to achieve frequent performance outside Italy.Saladino e Clotilda (1828, Milan) was received so badly that his commission to compose an opera for the opening of the Teatro Carlo Felice in Genoa was revoked in Bellini’s favour. A quarrel with Felice Romani - Vaccaj had failed to ensure full payment to him for the libretto of Saul - undoubtedly played its part in the decision by Romani and Bellini to recoup their losses over Zaira with the hastily written I Capuleti e i Montecchi, which inevitably eclipsed Vaccaj’s slighter opera on the Romeo and Juliet story. But the older composer was avenged at a Paris performance in 1832 when Malibran, at Rossini’s suggestion, interpolated the penultimate scene of Vaccaj’s opera into Bellini’s. From then on this became a regular option for contraltos such as Marietta Alboni who essayed the role of Bellini’s Romeo, originally written for the soprano Giuditta Grisi; hence its inclusion as an appendix in all later printed editions of I Capuleti e i Montecchi.

In 1830 Vaccaj renounced the stage for the second time and went to Paris as a teacher. A visit to England in that year was unexpectedly prolonged until 1833, while he enjoyed a highly successful career as a teacher and composer of salon pieces. During that time he published his Metodo pratico di canto italiano per camera (London, 1832), still a standard work. On the death of his father in 1833 he returned to Italy to settle down, marry and raise a family. Once again the lure of the theatre proved strong. But in spite of the presence of Malibran in the title role, his Giovanna Gray (1836, Milan) was a failure. Compensation came in the offer of a post at the Milan Conservatory. After succeeding Basili as censore in 1838, he reorganized the study of singing, inaugurated opera performances among his students on the Neapolitan model and set up a new choir school. He also enlarged the repertory to include the German classics. However, the reversal in 1843 of his decision to include Handel’s Messiah in the conservatory’s celebration of Holy Week determined him to resign the following year and he returned to manage his family estates at Pesaro. In 1845 his operatic activity came to an end with Virginia, performed at Rome. Even in retirement he continued teaching and composing with an industry that is thought to have hastened his death.

In a famous letter of 1851 Rossini paid tribute to Vaccaj as a teacher and a composer ‘in whom sentiment was allied to philosophy’. Yet as a theatre composer he was an honourable failure. Very few of his operas were ever printed in their entirety. Zadig e Astartea and Giulietta e Romeo owed their success to a delicate, personal inflection of the current Rossinian style, but they were not proof against the much higher emotional charge of Bellini’s music. Two of the later works achieved a certain succès d’estime: Marco Visconti (1838, Turin) shows an attempt to come to terms with the dramatic style of Donizetti, but the best of it is to be found in isolated, often purely episodic pieces of a refined charm and workmanship; Virginia is a full-blown Risorgimento opera with plentiful choruses and two stage bands, whose intermittent grandeur recalls Spontini rather than Vaccaj’s contemporaries. Both operas show a regard for academic values unusual at the time. More successful are the many songs and ariette per camera, in which Vaccaj exploited his slight but genuine melodic gift and his keen feeling for words. The religious compositions are distinguished by the skill of their part-writing and sure sense of effect. It is, however, as a singing teacher that Vaccaj left his chief mark. His Metodo pratico is not only an excellent primer for the amateur but also a valuable document for the study of 19th-century performing practice.

Óperas

Giulietta e Romeo, ópera en dos actos (1825). Dueto del acto primero, Sei pur tu che ancor rivedo?

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La sposa di Messina, melodrama en dos actos (1839). Fragmento del acto primero.

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Última edición por Zelenka el 25 May 2014 16:54, editado 1 vez en total

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 Asunto: Re: La otra ópera
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Tsézar Antónovich Kiuí (Це́зарь Анто́нович Кюи́), más conocido como César Cuí (1835-1918). Nació en Vilna, Lituania, hijo de una mujer noble lituana y un ofical francés que se quedó en Rusia tras la retirada del ejército de Napoleón. Ninguno tenía interés por la música y Cuí aprendió por sí solo notación musical y piano. En 1849 recibió algunas lecciones de armonía y contrapunto del compositor polaco Stanisław Moniuszko, quien vivía por entonces en Vilnius. Al año siguiente fue enviado a San Petersburgo e ingresó en la Escuela de Ingeniería. Más tarde asistió a la Academia de Ingeniería Militar y se graduó en 1857, llegando a ser topógrafo y un reconocido experto en fortificaciones militares. Cuí trabajó toda su vida como ingeniero llegando a ser Teniente General de Ingenieros. En 1878 fue nombrado profesor en la Escuela de Ingeniería y por un tiempo fue el tutor privado del Zar Nicolás II en fortificaciones. En 1864 comenzó a escribir críticas musicales para los periódicos y se hizo conocido en los círculos musicales por su oposición a la música occidental, sobre todo la de Max Reger y la de Richard Strauss.

Esto condujo a su asociación con el pequeño grupo de compositores rusos que intentaba crear un estilo musical verdaderamente ruso basado en las ideas nacionalistas de Mikhail Glinka. Cuí conoció a Mily Balakirev en 1856 y poco después se hizo amigo de Borodin, Mussorgsky y Rimsky-Korsakov. Desde entonces mantuvo una cercana relación con el grupo, conocido como el Grupo de los cinco, cumpliendo sobre todo el rol de propagandista y teórico en los esfuerzos por establecer un idioma musical nacional. Cuí fue la primera persona en publicar un ilustrativo libro sobre música rusa y siguió escribiendo como crítico hasta 1900. En sus composiciones Cuí fue influido por Balákirev. Mostró mejor talento como miniaturista que como compositor de grandes partituras. Aunque escribió varias óperas, entre ellas El prisionero del Cáucaso (1857), El hijo del mandarín (1859) o La hija del capitán (1911), ninguna fue tan exitosa como otras partituras suyas. La mayor parte de su producción consiste en canciones y pequeñas piezas para piano, pero también compuso música orquestal.

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Пир во время чумы, ópera en un acto (1901). Fragmento.

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Última edición por Zelenka el 25 May 2014 16:58, editado 1 vez en total

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 Asunto: Re: La otra ópera
NotaPublicado: 20 Abr 2012 20:30 
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François-Adrien Boïeldieu (1775-1834) Nacido en el Antiguo Régimen, Boïeldieu fue iniciado en la música por el maestro de capilla y posteriormente por el organista de la Catedral de su ciudad natal, Rouen. La Revolución francesa no frenó la actividad musical del teatro de Rouen, que continuaría representando las obras de jóvenes autores como Étienne Nicolas Méhul. Durante el periodo de la revolución conocido como el Reinado del Terror, Rouen fue una de las pocas ciudades que siguió conservando una actividad musical importante y, en 1793 se organizaron varios conciertos con el célebre violinista Pierre Rode y el tenor Pierre-Jean Garat. Boïeldieu compuso durante esa época sus primeras obras basándose en textos escritos por su padre, La Fille coupable en 1793, a la que siguió Rosalie et Myrza en 1795, que le aportaron un éxito inmediato.

Durante el periodo revolucionario, Boïeldieu se trasladó a París, donde prudentemente se estableció como afinador de pianos. Sus obras, cercanas a la ópera clásica, pero que incluyen fragmentos de diálogos hablados, sólo encuentran escaparate en la ópera cómica. La obra más representativa de este género es Médée de Luigi Cherubini que data de 1797. La ópera cómica, tradicionalmente representada en la sala Favart, también fue interpretada en el Théâtre de Monsieur desde 1789 y en 1791 se instaló en un edificio nuevo, el Théâtre Feydeau, que anteriormente había estado reservado a las compañías de la ópera buffa. Durante aproximadamente una década, las compañías del Favart y del Feydau competían entre sí. Favart ofrecía múltiples espectáculos patrióticos y representaba obras más ligeras de Étienne Nicolas Méhul, mientras que Feydeau solía representar dramas heroicos de Luigi Cherubini o de Jean-François Lesueur. En 1797, Boïeldieu representa en el Feydeau sus obras La Famille suisse y L'Heureuse Nouvelle. En 1798, será en el Favart donde se representa Zoraime et Zulmare. El éxito fue arrollador.

Hijo espiritual de André Grétry, Boïeldieu privilegiaba las melodías sin adornos superfluos y las revalorizaba con una instrumentación ligera pero cuidada y con diálogos espirituales. Hector Berlioz le atribuyó a su música una «elegancia parisina de buen gusto que agrada». En 1800, logra un auténtico triunfo con Le Calife de Bagdad. En 1804, se traslada a San Petersburgo para ocupar el puesto de compositor de la corte del Zar en el que permanecería hasta 1810. Compondría nueve óperas entre ellas Aline, reine de Golconde (1804) y Les voitures versées (1808). De regreso a Francia, reconquista al público parisino con La jeune femme en colère (1811), Jean de Paris (1812), Le Nouveau Seigneur du village (1813) y una decena más de obras. En 1825, publica su obra maestra, La Dame Blanche. Basada en una novela de Walter Scott —algo inhabitual en aquella época—, el libreto está construido sobre el tema del niño perdido y posteriormente felizmente reencontrado in extremis. El estilo de esta ópera fue retomado en Lucia di Lammermoor, I Puritani y La jolie fille de Perth. Reconocida como una de las primeras tentativas de la introducción de la temática fantástica en la ópera, La Dame blanche sirvió igualmente de modelo para las óperas Robert le diable o Fausto.

Boïeldieu se convirtió en profesor de composición en el Conservatorio de París y en 1817, sucede a Étienne Nicolas Méhul en el Instituto de Francia. Recibe la Legión de Honor en 1820. Su siguiente ópera, Les Deux Nuits (1829) fue admirada por el mismísimo Richard Wagner quien tomaría prestada «la vivacidad y la gracia natural del espíritu francés» y se inspiraría en uno de los coros para la «marcha de los prometidos» de Lohengrin. Boïeldieu perdió progresivamente la voz, sin duda a causa de un cáncer de laringe. La decadencia de la ópera cómica y la revolución de 1830 se añadieron a su desgracia. Para evitar que se viera en la miseria, Adolphe Thiers le asegura una pensión del estado de 6.000 francos. En 1834, hizo su última aparición pública en el estreno de Chalet de Adolphe Adam. Poco antes de su fallecimiento, tuvo así la elegancia de pasarle el testigo a su brillante alumno.

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La Dame blanche, ópera cómica en tres actos (1825). Fragmento del acto primero.

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Última edición por Zelenka el 25 May 2014 16:59, editado 1 vez en total

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 Asunto: Re: La otra ópera
NotaPublicado: 21 Abr 2012 9:44 
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Sin darme cuenta, me había saltado la entrada de Trujillo. Ahora que lo he visto, he subsanado el error y... ¡qué preciosa el aria de Matilde! Muchas gracias, Zelenka.


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 Asunto: Re: La otra ópera
NotaPublicado: 21 Abr 2012 11:54 
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