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NotaPublicado: 06 Sep 2007 0:41 
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faroliclass

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Gracias zoquete, interesante leyenda y página! :wink:
Huapango para escuchar este mes?, el mes Patrio!.


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NotaPublicado: 10 Sep 2007 19:52 
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Antonio Maria Mazzoni (1717-1785) Nació en Bologna, Italia. En su ciudad natal estudió violín bajo la dirección de Luca Antonio Predieri y canto. En 1736 fue aceptado en la Accademia Filarmonica di Bologna. Unos años mas tarde se establece en Fano, donde en 1746 fue representada su primera ópera, Siroe, rè di Persia. Pronto logra hacerse un nombre como compositor de ópera por lo que retorna a Bologna en 1748. En 1751 fue nombrado maestro di cappella de la Basilica di San Giovanni in Monte, lo que no le impidió viajar al extranjero, tanto en su condición de compositor como de cantante, donde sus óperas tuvieron gran éxito. En 1755 viaja a la corte de Lisboa donde en el Teatro do Tejo fueron representadas Antigono y La clemenza di Tito. Huyendo del terremoto que asoló la capital portuguesa llega a Madrid donde Carlo Broschi le encarga la composición de Aminta. Mas tarde acepta un contrato para ir a San Petersburgo para retornar finalmente a Bologna donde permanecerá hasta su muerte.

Aminta il rè pastore, ópera seria en tres actos (1756). Aria del primer acto, Si spande al sole. Aria del segundo acto, Se vincendo vi rendo felici.

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Última edición por Zelenka el 24 May 2014 8:48, editado 2 veces en total

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NotaPublicado: 11 Sep 2007 0:58 
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Se me cortan y no logro oirlas :cry:


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NotaPublicado: 18 Sep 2007 0:18 
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Vítězslav Novák (1870-1949) nació en Kamenice nad Lipou, en Bohemia del Sur, en una familia amante de la música. Su padre, médico, cantaba en el coro, mientras que su madre tocaba el piano. El primer encuentro del pequeño Viktor con el piano - el nombre de Vítezslav lo adoptó el futuro artista más tarde - acabó con un brazo fracturado. El niño jugaba sentado en el piano y cayó infelizmente al suelo. A los 20 años de edad, terminados los estudios secundarios, partió para Praga, centro de la vida cultural, donde empezó a desarrollar su talento. Sus dotes musicales ya eran notorios y Novák tuvo la suerte de poder estudiar en la clase de Antonín Dvorák. En cuanto a la música, Novák era un romántico. El primer período de su creación se caracterizó por el sentimentalismo y la melancolía, aunque ya se dejaba notar la personalidad del compositor. Pero luego se produjo un viraje inesperado. El jóven compositor en sus viajes llegó a Moravia y Eslovaquia, donde conoció el folklor de esas regiones en su ámbito original, que le entuasiamó hasta tal punto de que durante toda su vida regresaría a esas regiones para hallar inspiración para sus obras. Moravia del sur, llamada también Moravia Eslovaca, fue y hasta cierto punto sigue siendo una rica fuente del arte folklórico. Novák se dió cuenta de su autenticidad y empezó a estudiarlo detalladamente. Muchas de sus composiciones no son sino loas a la naturaleza y a la población de esa tierra. En esta relación cabe mencionar - entre otras composiciones - su poema sinfónico denominado En los Tatras o la Suite de Moravia Eslovaca.

Aunque la música de Novák está estrechadamente vinculada a la cultura checa, el artista seguía con atención las corrientes más modernas de Europa y logró orientarse bien en ellas. Los años más fructíferos desde el punto de vista artístico de Novák fueron los que precedieron a la primera guerra mundial. Posteriormente la vida conllevó otros problemas y estímulos. Novák siguió componiendo, aunque más bien recapitulando su vida que buscando nuevos caminos, y se desempeño como profesor del conservatorio de Praga donde educó toda una generacion de compositores. Con amargura y pesar vivió la ocupación hitleriana y el fin de la segunda guerra mundial le llevó a saludar la libertad con sus nuevas composiciones, entre las que figuran De Profundis, obra consagrada a las víctimas del fascismo , la llamada Sinfonía de Mayo, y la Suite de Bohemia del sur, tal vez su composición más conocida en la que Novák rinde homenaje a su tierra natal y su pasado.

Radio Praga

Lucerna, ópera en cuatro actos (1919-1922). Comienzo.

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Última edición por Zelenka el 24 May 2014 8:53, editado 2 veces en total

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NotaPublicado: 26 Sep 2007 18:56 
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Joseph Schuster (1748-1812) He was born in Dresden, Germany. Schuster was the son of a bass singer, who had sung under Johann Adolf Hasse in Dresden. He was sent to Italy by the Elector of Saxony, accompanying his countryman Naumann. He became a church composer at the Dresden court in 1772 and presented his first Italian opera there in 1773. Returning to Italy in 1774-7 and 1778-81, he studied with Padre Martini and wrote operas for Naples and elsewhere. Notable among his German successes was the singspiel Der Alchymist (1778). From 1781 he conducted in the Dresden court church and theatre, and in 1787 he became joint Kapellmeister with Seydelmann. A popular composer, he wrote c 20 operas (mostly comic) up to 1802, as well as oratorios, sacred music, cantatas and instrumental works; Mozart was influenced, in matters of texture and form, by his divertimento of c 1777 for keyboard and violin. Some of his output, including Der Alchymist, shows a Viennese influence.

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Demofoonte, ópera seria en tres actos (1776). Aria, Risorgerà più bella. Aria, Vanne: da questo istante.

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Última edición por Zelenka el 24 May 2014 8:56, editado 2 veces en total

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NotaPublicado: 26 Sep 2007 18:57 
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La otra ópera cumple un agno :wink:

:tuba: :-({|= :coro: :pianista: :trompeta:


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NotaPublicado: 01 Oct 2007 18:51 
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Felicidades por el aniversario. Para mí, sin duda, éste es el principal candidato a llevarse el premio al mejor hilo del año.

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Ernst Krenek (Viena, 1900 – Palm Springs, 1991) fue uno de los músicos más destacados del siglo XX. A la edad de 16 años se convirtió en discípulo de Schreker en Viena y le siguió a Berlín, continuando sus estudios hasta el año 1923.

Influido por su maestro empezó su producción operística bajo el estilo expresionista de boga en Alemania, con dos obras de desigual inspiración: Der Sprung über den Schatten y Orpheus und Eurydike (ópera en tres actos).

Esta última obra se presenta en la temporada del Teatro Real de Madrid, en versión de concierto. Se basa en un drama homónimo de Oskar Kokoschka y se estrenó en Kassel en 1926. Los enamorados Orpheus(tenor) y Eurydike(soprano) se ven separados por los dioses y ella queda preñada por el espíritu de Hades (que aparece como varios personajes: loco, borracho, soldado y marinero, cada uno con distinta vocalidad) en el inframundo. Los celos de Orpheus provocan la pérdida definitiva de Eurydike y le hacen perder sus capacidades creativas. La redención no llega a través del amor, sino de la locura.

Krenek experimenta con el atonalismo, al mismo tiempo que hace uso de motivos relacionados con ideas y acontecimientos del drama de Kokoschka, y otros elementos típicos de la época (disonancias, dinámicas extremas,…). La obra no salió del círculo de entendidos de la 'avant-garde' alemana.

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Escuchamos el comienzo de la ópera, y el principio del tercer acto.


Un viaje a París y la influencia de Milhaud, cambian el rumbo de Krenek. Su nueva ópera en dos actos, Jonny spielt auf (1927), constituyó el mayor éxito de taquilla de toda la época de Weimar. La historia de amor a tres entre el compositor Max (tenor), la cantante Anita (soprano) y el malvado violinista Daniello (barítono), en la que interviene como salvador el músico negro de jazz Jonny (barítono), cautivó a las audiencias de toda Centroeuropa, desde Lemberg y Könisberg hasta Zürich y Amberes, y tenía ya más de 400 representaciones un año después de su estreno. Aunque se la encuadra como una “jazz opera”, en realidad esos elementos de jazz aparecen superpuestos, en ningún momento forman parte de la estructura de la obra, que está cercana a modelos de Milhaud o Stravinsky.


Escuchamos Oh, das ist mein Jonny! del primer acto, y Wer ruft,Wer ruft del segundo.

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En la cumbre del mundo operístico, Krenel produce a continuación tres piezas satíricas en un acto, encuadradas también junto a Jonny como “Zeitoper”, que tuvieron un éxito efímero. Sus dos siguientes obras: Leben des Orest y Kehraus und St Stephan constituyeron sendos fracasos. Pensando seriamente si debía abandonar su carrera como compositor, Krenek recibe el encargo de Clemens Krauss, director de la Opera de Viena, para escribir la que será su obra maestra: Karl V.

En esta obra, en la superficie una revisión de la figura del Emperador Carlos, Krenek alude también a la situación política en Austria durante los años 30. Y propone la universalidad del catolicismo como contrapunto a las tendencias nacionalistas y xenófobas procedentes del nazismo. La obra no se pudo estrenar en Viena y acabó representándose en Praga, el año 1938. Krenek adopta para esta obra el sistema dodecafónico y presenta a Carlos (barítono), hablando con Dios y un joven monje en sprechstimme, mientras repasa los acontecimientos de su vida con personajes como su madre Juana (contralto), su hermana Leonora (soprano), su hermano Fernando (bajo), su mujer Isabel (soprano), Lutero (barítono), el sultán Solimán (barítono), Francisco I (tenor),el papa Clemente (sprechstimme)….

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Esta es una de las óperas fundamentales del siglo XX. Escuchamos el espléndido comienzo y el no menos excelente final.


Enfrentado al nazismo, Krenek emigra a los Estados Unidos donde pasará el resto de su vida. Experimentador tenaz, produce obras en casi todos los estilos que aparecen en el siglo, siendo muy criticado por su eclecticismo. La calidad de su producción americana, muy alta en su vertiente instrumental, no lo es tanto en su faceta lírica, donde sólo cabe destacar la ópera de cámara Sardakai y The Bell Tower.


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NotaPublicado: 01 Oct 2007 19:35 
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Ubicación: Mirando al cielo
Enhorabuena!!! También tiene mi voto a mejor hilo, el más instructivo, me pongo las botas cada semana :wink:


Que chula el aria "da questo istante" :nw: aunque la cantante...


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NotaPublicado: 02 Oct 2007 12:49 
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Un hilo imprescindible. A por el segundo año.


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NotaPublicado: 11 Oct 2007 22:33 
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Modest Petrovich Musorgski (1839-1881) He was born in Karevo in the province of Pskov, 400 kilometres south-south-east of St Petersburg. His wealthy and land-owning family, the noble family of Mussorgsky, is reputedly descended from the first Ruthenian ruler, Rurik, through the sovereign princes of Smolensk. At the age of six, Modest began receiving piano lessons from his mother; his progress was sufficiently rapid that he was able to perform a John Field concerto for family and friends just three years later. At ten, he and his brother were taken to St Petersburg to study at the elite Peterschule. While there, Modest studied the piano with the noted Anton Herke. Mussorgsky's intended career was as a military officer; and at thirteen, he entered the Cadet School of the Guards. Music remained important to him however, and at his father's expense a short (and utterly uncharacteristic) piano piece called the Porte-enseigne Polka was published in 1852, and the following year Alexander Borodin described the 17-year-old boy as an "elegant piano-playing dilettante". In 1856 Mussorgsky – who had developed a strong interest in history and studied German philosophy – successfully graduated from the Cadet School and received a commission with the Preobrazhensky Regiment of Guards, which was the foremost regiment of the Russian Imperial Guard. That year he started to socialize with the composers Dargomizhsky and Cui, and through them Balakirev, with whom he began composition lessons. During this period he wrote small piano pieces and songs, and after an emotional crisis in 1858 resigned his commission with the intention of composing full-time. He began to go his own way as a composer in 1861, but was preoccupied helping to manage his family's estate. The decline in his family's fortunes led him to accept low-level civil service positions. He joined a commune with other intellectuals and became a proponent of musical Realism, applying the style to his songs. He had difficulty finishing works in larger formats, but his music circulated widely enough that by the late 1860s he was cast with Balakirev, Cui, Rimsky-Korsakov, and Borodin as part of Russia's "Mighty Handful."

Mussorgsky toiled many years at his masterpiece, Boris Godunov, which reflected in music the inflections of Russian speech and met with great success in 1874. That year he also produced his innovative piano suite Pictures at an Exhibition. In the years that followed, Mussorgsky's decline became increasingly steep. Although now part of a new circle of eminent personages that included singers, medical men and actors, he was increasingly unable to resist drinking, and a succession of deaths among his closest associates caused him great pain. At times, however, his alcoholism would seem to be in check, and among the most powerful works composed during his last 6 years are the four Songs and Dances of Death. His civil service career was made more precarious by his frequent 'illnesses' and absences, and he was fortunate to obtain a transfer to a post (in the Office of Government Control) where his music-loving superior treated him with great leniency – in 1879 even allowing him to spend 3 months touring 12 cities as a singer's accompanist. The decline could not be halted, however. In 1880 he was finally dismissed from government service. Aware of his destitution, one group of friends organised a stipend designed to support the completion of Khovanschina; another group organised a similar fund to pay him to complete Sorochintsy Fair. Sadly, however, neither work was completed (although Khovanschina, in piano score with only two numbers uncomposed, came close to being finished). In early 1881 a desperate Mussorgsky declared to a friend that there was 'nothing left but begging', and suffered four seizures in rapid succession. Though he was found a comfortable room in a good hospital – and for several weeks even appeared to be rallying – the situation was hopeless. Repin painted the famous portrait in what were to be the last days of the composer's life: a week after his 42nd birthday, he was dead.

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El Matrimonio, ópera cómica (1868). Solo se compuso el primer acto. Final.

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La Feria de Sorochinsky, ópera cómica en tres actos (completada por Vissarion Shebalin) (1881). Final.

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NotaPublicado: 16 Oct 2007 21:52 
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Theo Loevendie (*1930) He was born in Amsterdam, Holand, He was a professional jazz musician for over fifteen years. Before dedicating himself more and more to the composition of New Music at the end of the 60s, he performed at all of the most important European jazz festivals as an alto and soprano saxophonist and combo and big band leader. Today he is one of the Netherlands' most notable composers; he has received numerous important awards and has been a guest at the most well-known New Music festivals. His chamber opera, Gassir (1990), was debuted in Boston (USA), the opera Esmée has been performed in Amsterdam, Berlin and Bielefeld. His fairy tale, The Nightingale, has received international acclaim. Loevendie has been teaching composition since 1970, and is currently at the Conservatory of Amsterdam.

Loevendie associates far more with the French and Russian tradition of modern classical music (Debussy, Ravel, Mussorgsky, Stravinsky) than to Darmstadt's serialism. From the very beginning he developed a directly recognizable, unique style, in which New Music (bright ostinate sound patches as in The Nightingale) enters into a dynamic synthesis with jazz influences (Strides, 1976 and Laps, 1995) and free improvisation (Bons, 1991), non-European music (Six Turkish Folkpoems, 1977) and style quotes (e.g. in the operas Naima, 1985 and Esmée). For Loevendie music primarily means communication, which is associated with his experience as a jazz musician and improviser. This conviction is the basis of, for example, the clearly constructed and intuitively understandable form of his works.

Moreover, one of his most remarkable qualities is his ability to compose virtually palpable sounds that immediately impress themselves on one's memory upon his colorful orchestral and ensemble palettes. Rhythm and melody are the decisive elements in Loevendie's music: monodic melodies are masterly embellished and then dissolved in a richly colored overall sound (heterophony). The "curve technique", which Loevendie has continued to develop since composing the orchestral piece Flexio (1979, Koussevitzky Award 1984), is based on melodic forms, the intervals of which can be increased or decreased as the need may be, while their direction (and as such the characteristic "curve") is simultaneously maintained. As such, the "curve technique" allows Loevendie a large degree of compositional freedom. It also enables him to integrate diatonic and tonal elements into his music, for example as in Music for Flute and Piano (1979), Naima or in his Piano Concerto (1995).

The early impression made by Bach's organ fugues, which Loevendie heard as a child and which he immediately began to imitate, is still decisive for his works - whether in the numerous Canons (from the horn fanfares and choirs in Naima to the miniature for a music box Roncanon, 1994), in the complex combinations of rhythms and melodic "patterns" of various lengths in the Six Turkish Folkpoems or in the stratification of Flexio, in which various sound surfaces, each with its own movement and tonal color, move against each other, thus creating continually varying acoustic levels. Even the "kaleidoscopic" (Loevendie) combination of various style, as especially in Naima and Esmée, can be understood on a formal level a contrapuntal thought: the various stylistic elements are only of symbolic character and are integrated into Loevendie's musical language.

Besides the operas, chamber music has also been a focal point of Loevendie's work in the 90s: Cycles (1992), the Lerchen-Trio (in memory of Olivier Messiaen, 1992) and the piano trio, Ackermusik, which was composed for the Summer Music Days Hitzacker 1997. Commissioned by the Rheinland-Pfalz State Philharmonic Orchestra, Theo Loevendie composed in 1999 a Violin Concerto for Isabelle van Keulen. During the Holland Festival 2001 was his chamber opera Johnny & Jones premiered. Among his recent compositions are a Clarinet Concerto (2002) and the Flute Concerto Per quanti? 3 (2002).

Peermusic

Esmée, ópera en dos actos (1995). Comienzo.

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NotaPublicado: 16 Oct 2007 22:46 
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Moreover, one of his most remarkable qualities is his ability to compose virtually palpable sounds that immediately impress themselves on one's memory upon his colorful orchestral and ensemble palettes


Esto promete :shock: . Muchísimas gracias, Zelenka. :aplauso:


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NotaPublicado: 23 Oct 2007 22:45 
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Marco da Gagliano (1582–1643) He was born in Florence and lived most of his life there. After early study both with a religious confraternity and with Luca Bati, he was employed beginning in 1602 at the church of San Lorenzo for six years as a singing instructor. In 1607 he went to Mantua, where he wrote music for the Gonzaga family, including his impressive operatic setting of Dafne (1608) which was praised as the best setting of the libretto by Rinuccini — even by Jacopo Peri, the first to write an opera on the text. Peri indicated that Gagliano's way of setting text to music came closer to actual speech than any other, therefore accomplishing the aim of the Florentine Camerata of decades before, who sought to recapture that (supposed) aspect of ancient Greek music. In 1609 returned to Florence to become maestro di cappella at the Compagnia dell'Arcangelo Raffaello, a fraternity of laity responsible for numerous compositions which they performed both in public and private, the organisation at which he had received his boyhood musical training. Later that same year the Medici made him maestro di cappella of their court, a position he held for 35 years.

He was also the founder of the Accademia degli Elevati specifically for music. Many of the original members were also members of the Compagnia dell'Arcangelo Raffaello. Some of the more prominent members of the fraternity were Peri, Jacopo, Turco and Bardi and the accademy included the aforementioned as well as Fontanelli, Cavaccio, Benedetti, Caccini, Orlandi, Bonini and Allegri. As stated, Gagliano's best known work was the opera Dafne. It was an opera in the truest sense of the term; he did not think the music itself was outstanding but, it was a combined, synthetic effort of writing, composing, instrumentalism and theatrics. In the direction of such performances, Gagliano was sure to seat the orchestra in such a manner so that they could see the faces of the performers. This was a practical directive so that the singers and instrumentalists could stay together. The qualities of his compositions were almost as diverse as the genres for which he composed. He employed the use of traditional types, composed a variety of airs interspersed throughout his operas, wrote madrigals homophonically, but empoyed polyphony for three/four voice pieces upto and including ensemble work. Imitation was used simply but effectively in the opening intervals of a particular phrase only.

Music was written predominantly syllabically but Gagliano employed melisma to accentuate important parts of the text. His Musiche of 1615 was perhaps the most noteworthy collection of secular duets and trios as it stands as the most important and illustrative text of its kind for the period. The sacred music was often scored for four to six voices, quite often six, and extended to double choirs in scope. The texture of his sacred music was sombre when necessary, and required skilled singers for the elaborate lines. Gagliano's Responsoriae hebdomadae, responsorials for Thursday, Friday and Saturday of Holy week were the most cherished works after his death. This mix of progressive and conservative trends can be seen throughout his music: some of his sacred music is a cappella, again in the prima prattica style of the previous century, while other pieces show influence of the Venetian School. Gagliano was extremely influential in his time, as could be expected of the Medici's own appointed head of all musical activities at their court; however his popularity waned after his death, and his music has since been overshadowed by contemporaries such as Monteverdi.

Keith Johnson

La Dafne, ópera en seis escenas, un prólogo y una sinfonía (1608). Escena primera.

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Zelenka escribió:
Modest Petrovich Musorgski


¡Por fin has hablado de un buen compositor, Zelenka! :twisted: :twisted: :twisted:

Era una broma :D :D :D . Ya sabes que te la hago como sorna por la cantidad de gentes que afirman que algunas cosas son sólo ruido.


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Samuel Osborne Barber II (1910-1981) Nació en West Chester, Pennsylvania. Hijo de un famoso doctor, Barber estudió piano a los seis años, comenzó a componer a los siete y trabajó como organista en su adolescencia, desarrollando además una interesante voz de barítono que le hizo pensar en dedicarse al canto de manera profesional. Se matriculó en el Curtis Institute a los catorce y estudió piano con Isabelle Vengerova, composición con Rosario Scalero, canto con Emilio de Gogorza y dirección con Fritz Reiner. También inició una duradera amistad con Giancarlo Menotti, a quien conoció en 1928 en Filadelfia. Dos años de aprendizaje en Europa después de ganar el Prix de Rome en 1935 y numerosos recorridos por el viejo continente, ayudaron al emergente compositor a dejar de lado las influencias conservadoras de Scalero y dar forma a su propio lenguaje musical.

Barber compuso un amplio rango de obras vocales, corales, escénicas, orquestales, de cámara y para piano. Su disciplina y empleo de formas tradicionales le dieron la reputación de ser un clasicista, aún cuando tenía un lirismo, un sentido dramático y una inclinación hacia el romanticismo. Aspectos característicos de su madurez son la rica sutileza de sus melodías, la suntuosidad polifónica y las complejas texturas musicales. Esto es evidente en obras orquestales como Music for Scene from Shelly (1933), la Sinfonía N°1 (1936), el Adagio para cuerdas (1936) y el Concierto para cello Op.22 (1945). Al terreno escénico Barber aportó con Medea, un ballet para Martha Graham, la ópera de cámara A Hand of Bridge y las óperas Vanesa (1958) y Antony and Cleopatra (1966).

A pesar del hecho de que la obra de Shakespeare, que inauguró el nuevo Metropolitan Opera en el Lincoln Center, fue objeto de críticas desfavorables, su fracaso se debió más que nada a problemas técnicos surgidos del trabajo escénico de Franco Zeffirelli. Aunque una versión revisada se presentó en la Juilliard School en 1975 y una posterior producción de la Opera Lírica de Chicago ayudaron a reconsiderar dicha partitura, el compositor nunca se recuperó de la depresión que siguió al fracasado estreno. Otro medio en el que Barber demostró un particular talento fue para el piano y la voz. Obras como la Sonata para piano Op.26, llena de virtuosismo y pasión, o el Concierto para Piano Op.38, ganador del premio Pulitzer mención música, son solamente una parte del aporte que Barber dejó en el repertorio pianístico. Entretanto, sus composiciones para voz se beneficiaron de su propia experiencia como barítono, su conocimiento de la voz humana y su amor por la poesía.

Es precisamente en las canciones de Barber donde aparece su lado más romántico y apasionado. Para ellas siempre eligió el texto preciso, sobretodo de escritores contemporáneos, los simbolistas franceses, los bardos irlandeses o la escuela georgiana. Las partituras para voz y piano, unidas a las dos obras para voz con orquesta, Dover Beach y Knoxville Summer 1915, ubican a Barber entre los grandes escritores de canciones del Siglo XX. Tras el desastre de Antony and Cleopatra, la composición se hizo cada vez más difícil para Barber y solamente un puñado de obras siguieron al estreno de la ópera. La Balada para piano, The Lovers para barítono, coro y orquesta, Third Essay for orchestra y las canciones de los Ops.41 y 45. Lamentablemente no sobrevivió para apreciar el renovado interés de los jóvenes compositores en la tonalidad y el lirismo, así como el creciente público que se acerca a su música más allá del merecidamente popular Adagio para cuerdas.

Radio Beeeeethoven

A Hand of Bridge, ópera de cámara en un acto (1959).

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