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POR FIN UNA COMPOSITORA MUJER :aplauso: :aplauso: :aplauso:


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Steve Reich (*1936) He was born in New York. When he was one year old his parents divorced, and Reich divided his time between New York and California. He was given piano lessons as a child and describes growing up with the "middle-class favorites", having no exposure to music written before 1750 or after 1900. At the age of 14 he began to study music in earnest, after hearing music from the Baroque period and earlier, as well as music of the 20th century, and he began studying drums with Roland Kohloff in order to play jazz. He attended Cornell University; he took some music courses there, but graduated in 1957 with a B.A. in philosophy. Reich's B.A. thesis was on Ludwig Wittgenstein; later he would set texts by that philosopher to music in Proverb (1995) and You Are (2004).

For a year following graduation he studied composition privately with Hall Overton before he enrolled at Juilliard to work with William Bergsma and Vincent Persichetti (1958 to 1961). Subsequently he attended Mills College in Oakland where he studied with Luciano Berio (Reich composed a student piece for string orchestra) and Darius Milhaud (1961–63) and earned a master's degree in composition. Reich worked with the San Francisco Tape Music Center along with Pauline Oliveros, Ramon Sender, Morton Subotnick and Terry Riley (he was involved with the premiere of Riley's In C and suggested the use of the eighth note pulse which is now standard in performance of the piece). During the summer of 1970, with the help of a grant from the Institute for International Education, Mr. Reich studied drumming at the Institute for African Studies at the University of Ghana in Accra. In 1973 and 1974 he studied Balinese Gamelan Semar Pegulingan and Gamelan Gambang at the American Society for Eastern Arts in Seattle and Berkeley, California. From 1976 to 1977 he studied the traditional forms of cantillation (chanting) of the Hebrew scriptures in New York and Jerusalem. In 1966 Steve Reich founded his own ensemble of three musicians, which rapidly grew to 18 members or more.

His music is characterized by a strong, steady pulse and strictly diatonic and tonal harmonies. He is typically grouped together with other "first generation" minimalist composers such as Phillip Glass and La Monte Young, and more recently with younger composers such as John Adams. The music is deeply "American" in its roots, with an unrelenting pulse and short, repeating melodic figures often compared to rock-and-roll and be-bop. However, like other minimalist composers, Reich’s music is also largely influenced by extra-European forms and techniques, generally viewed as a response to the largely academic, elitist climate of new music in the 1950's and 60's.

Reich’s early works were created in the early 1960’s at the San Francisco Tape Music Center. These tape pieces, such as It’s Gonna Rain (1965) and Come Out (1966), are the earliest examples of "phasing," one of Reich’s most used and most well known techniques. In this process, two tape loops are set into motion at two slightly different speeds, so that the tapes begin in unison and slowly shift "out of phase," creating a new set of harmonies and rhythms. This process was later incorporated into several pieces for traditional acoustic instruments (or instruments and tape), such as in Piano Phase (1967) and Violin Phase (1967). In addition to the initial process of phasing, Reich also introduces into Violin Phase the notion of "found" or "resulting" patterns (new melodic figures created from the overlapping voices of the original "theme"). This technique was further explored in the largely popular and influential Drumming of 1971. In 1970, Reich set out on an intensive study of Ghanaian drumming that, either directly or indirectly, led to many of the procedures used not only in Drumming but also throughout the remainder of his career. This piece is an enormous, hour-long elaboration of a single rhythmic cell, developed and re-orchestrated through four distinct sections. The piece begins with a slow, additive process of introducing the initial rhythmic pattern. Through phasing procedures and further "build-up and reduction," new melodic and harmonic patterns are created – these are brought to the fore by doublings, first by female voice, then by whistling, and finally by piccolo.

Reich’s later music is characterized by a considerably faster harmonic rate of change, and by a more diverse (though still strictly diatonic) harmonic language. In the mid to late 1970’s, a series of commissions from ensembles other than his own (up until this point, Reich’s ensemble was the sole performing group for his music) led to several non-percussion works; Music for 18 Musicians (1976), Music for a Large Ensemble (1978) and Octet (1979) all came in this period. Recently, Reich has returned to the ideas first seen in Violin Phase in a series of pieces for solo instruments and tape. Vermont Counterpoint, for flute, New York Counterpoint, for clarinet, and Electric Counterpoint for electric guitar, build upon the original processes of the early phasing music. The complexity, however, is far deeper than the early phasing pieces: In Vermont Counterpoint, for example, a total of 10 layers are prerecorded, with the final 11th flute layer played live.

Reich has also recently returned to the voice, as in Tehillim (1981), a setting of Psalm texts in Hebrew, Different Trains (1988) for string quartet and tape, and in Reich’s hugely successful venture into the theater, The Cave (1990-3). Each of these works explores the pitch of taped and sequenced voices, and then uses those pitches as melodic material in the accompanying instrumental ensemble. Reich’s combination of repetition and process creates a music full of vitality and energy. His strict, tonal melodic style has brought Reich much critical acclaim, even in a general public that often is distrustful of "new music." As such, Reich has, in many ways, led a charge toward establishing the accessible and almost "anti-academic" diatribe of the newest developments in contemporary music.

Wikipedia/Boosey/Aaron M. Cassidy

The Cave a multimedia opera for four voices, ensemble and video in three acts (1990-1993). Fragmento del acto primero.

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net/music/comp


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Francesco Provenzale (c.1626 - 1704) Before the year 1658, there is virtually no record of Francesco Provenzale's existence, although it's thought that he studied at the Conservatorio della Pietà dei Turchini. The year of his entry into history is 1654, the year his opera Theseo was performed in Naples. In his life, he mainly focused his energies on teaching, but he has a place in history as the first Neapolitan composer to embrace opera. Before Theseo, he seems to have composed at least two other operas. That same year, an opera called Il Ciro, no doubt by Provenzale, was performed in Venice at the Teatro di SS Giovaninni e Paolo. What was remarkable about the opera was that part of the music was by Pietro Cavalli; no other collaborative opera is known of in Venice before this date and Provenzale's Xerse and Artemisia may both have been arrangements of original works by Cavalli.

Between composing opera and teaching, Provenzale managed to live a comfortable life. In 1660, he was married to Chiara Basile and by spring 1663, he became maestro of the Conservatorio di S Maria di Loreto, where he'd been working for at least two years. From this point on, until age began to take a toll, his life was a fairly enviable success story. His works were frequently performed in Naples. As his reputation grew, commissions began to pour in and his body of students grew. And although he served as maestro in numerous institutions, the top position of chief maestro at any of these eluded him. Late in life, when removed from some of his posts due to his age, he became deputy to Alessandro Scarlatti. In 1704, he was at last made chief maestro at the royal chapel, but it was only days before his death. The post was inherited by Gaetano Veneziano, his star student. Provenzale's surviving works, only a fraction of what he composed, are the operas Lo schiava di sua moglie and La Stellidaura vendicante, the sacred melodrama La colomba ferita (considered his best piece), and numerous sacred works.

Donato Mancini, All Music Guide

La Colomba Ferita, ópera Sacra di Santa Rosalia en tres actos (1670). Escena séptima del acto primero. Escena segunda del acto segundo.

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Jacques Ibert (1890-1962) He was born in Paris, France. His earliest studies were in violin and piano, inspired by his father, an amateur violinist, and his mother, a fine pianist who had studied with Marmontel. He studied at the Paris Conservatory (1910-1914) under Émile Pessard, André Gédalge, and Paul Vidal, during which time he developed a close friendship with Arthur Honegger and Darius Milhaud, two lifelong friends. Ibert served in various capacities during World War I, eventually reaching the rank of naval officer. At the end of the war he entered and won the 1919 Prix de Rome competition and began a three-year residency in the Italian capital the following year, a period which led to the creation of many of his best-known works, including the opera Persée et Andromède and Escales for orchestra. He returned to Paris in 1923 and continued composing while teaching and conducting.

In 1937, Ibert began a twenty-three year directorship of the French Academy in Rome, and was welcomed at the Villa Médicis as the first musician to hold this post since the Academy's founding in 1666. Upon his retirement from the Academy in 1960, he returned to Paris where he died two years. Among the many French composers living in Paris during the early Twentieth Century, the music of Jacques Ibert occupies a unique place apart from all others. His compositions span a sixty year period and mix compositional elements from Nineteenth-Century Romanticism, Impressionism, Neo-Classicism, and touches of Expressionism. His use of many musical styles led to a blending of compositional techniques coupled with an intense love for drama and a fondness for sudden shifts of character to yield a distinctive style uniquely his own. Although he achieved his greatest fame as a composer of orchestra works, operas, ballets, and film, he wrote many lighter pieces for piano and chamber ensembles. His love for life and all artistic forms was vividly recreated throughout his career in musical settings ranging from the most somber to the most exuberant.

Persée et Andromède ou Le Plus Hereux des Trois, ópera en dos actos (1921). Comienzo.

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Angélique, farsa en un acto (1926). Final.

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Ignaz Jakob Holzbauer (1711-1783) He was born in Vienna. Against the wishes of his father, who wanted him to study law, he took instruction in singing, violin, clavier, and in Fux's Gradus from members of the St. Stephen's choir in Vienna. Fux reportedly examined his counterpoint exercises and recommended that Holzbauer study further in Italy. Around 1730 he traveled to Venice, but returned to Vienna after a short time, He received a post as Kapellmeisterfor Count Rottal of Holesov in Moravia. Little is known of his activities during the late 1730s; apparently he was engaged at the Viennese Imperial Theater around 1740. then traveled briefly to Milan and Venice. In 1751 he was appointed Kapellmeister in Stuttgart. Two years later, after the successful performance of his opera Il figlio delle selve (Schwetzingen, 1753), he was called to the Mannheim court as Kapellmeister to Karl Theodor, in whose service he remained for twenty-five years. There his operas, oratorios, and symphonies exerted a substantial influence on that court's already flourishing musical life, When the court moved to Munich in 1778, Holzbauer, nearly 70, remained in Mannheim, where he continued teaching and composing until his death. Among his stage works is the German opera Günther von Schwarzburg (Mannheim, 1777); others included Don Chisciotte, "opera semi-ridicola" (Schwetzingen, 1755); La clemenza di Tito (Mannheim, 1757); and Alessandro nell'Indie (Milan, 1759). Other works include sacred oratorios (La Betulia liberata, 1760); Masses and motets; ballet scores; some 70 symphonies; chamber and instrumental music (string quartets, notturni, sonate da camera, etc.).

Günther von Schwarzburg, Singspiel en tres actos (1777) . Aria del primer acto, Schönster Sohn des Himmels!. Dueto del tercer acto, O König, deine Hand.

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Burkhard Paul Stangl (*1960) He was born in Eggenburg, Austria. He studied classical guitar, later mostly electric guitar; cultural anthropology, musicology (thesis about the effects of the phonograph on cultural anthropology); founder of the advanced jazz-ensemble Ton.Art (1985-1995) and the new music chamber ensemble Maxixe (1991). He had performed and recorded with Sam Bennett, John Butcher, Tom Cora, Thomas Chapin, Eugene Chadbourne, Tony Coe, Gene Coleman, Werner Dafeldecker, Dieb 13, Kevin Drumm, Oswald Egger, Seppo Gruendler, Boris Hauf, Franz Hautzinger, Franz Koglmann, Christof Kurzmann, Steve Lacy, Radu Malfatti, Walter Malli, Ernesto Molinari, Donna Wagner-Molinari, Michael Moser, Max Nagl, Sainkho Namtchylak, Helmut Neugebauer, Olga Neuwirth, Josef Novotny, Polwechsel, Ned Rothenberg, Jim O'Rourke, Gunter Schneider, Martin Siewert, Taku Sugimoto, Tom Varner, Andrew Watts and many others. Compositions for choir, chamber music, orchestra and for Ton.Art, Franz Koglmann's Monoblue Quartet, Maxixe, Klangforum Wien etc. At the end of the '90s, Stangl was living in Vienna and performing as a member of the groups Polwechsel and Plus-Minus.

Venusmond, ópera withouth location [work in progress] (1997- ). Parte III.

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Generalmente no pongo comentarios a las obras presentadas en las vignetas, pero creo que esta lo amerita :wink:

Venusmond is a join project, a cooperation of music and speech, by Oswald Egger (text) and Burkhard Stangl (composition). Originally conceived as a puppet (or an "extraplanetary") opera, the project has developed into a multi-part piece of music and theater, whose parts are to be joined after some years to create a formally concluded opera. Every part takes place in another city. 1st part: New York (Aug. 97), Empire State Building (observatory deck); 2nd part: Kunsthalle Krems/Austria (Nov. 97); 3rd part: Renaissance Society at the University of Chicago (May 2000); 4th part: Kopenhagen (June 2003); 5th part: Berlin (July 2002) [work in progress] During this time, the indivudual parts and phases of the "opera withouth location" will be performed in various cities.


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NotaPublicado: 22 Abr 2007 6:59 
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¿Como conseguis tanto material? :shock:

Fantástico :aplauso:


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Son grabaciones de mi discoteca particular :roll:


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NotaPublicado: 25 Abr 2007 20:08 
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Achille-Claude Debussy (1862-1918) Nació en St. Germain-en-Laye, Francia. Estudió en el Conservatorio de París entre 1872 y 1884, luego pasó dos años en Italia gracias al Premio de Roma y retornó en 1887 a su país. Recién entonces comenzó a trabajar libremente en todos los géneros y reveló los primeros signos de su nuevo estilo en obras como el Cuarteto en sol menor, el Preludio a la siesta de un fauno y Pelleas y Melisande. Ciertos conflictos de índole personal mermaron su capacidad creativa, sobre todo después de contraer matrimonio en 1899, pero al separarse de su esposa para convivir con la cantante Emma Bardac en 1904, su producción adquirió un renovado aire. Al poco tiempo logró completar El Mar y aquellos trabajos para piano que traspasaron al teclado ese mundo ya descubierto en otros medios.

Para la primera década del nuevo siglo, Debussy había escapado definitivamente de la tradición austro-germana, oponiéndose incluso a aquellos compositores de dicha tendencia que, siguiendo un extenso desarrollo de ideas, buscaban dar un efecto narrativo a sus obras. El propio artista afirmaba que la música debe evocar por sí sola el deseo de mundos improbables, el universo incuestionable y quimérico que secretamente se nutre de la misteriosa poesía de la noche, los cientos de anónimos sonidos que surgen acariciados por los rayos de la luna. Tal analogía con el mundo de los sueños y las asociaciones espontáneas de la mente es mucho mejor que la acostumbrada comparación de su arte con la pintura impresionista. Más que querer pintar con los sonidos, Debussy quería entablar una misteriosa correspondencia entre naturaleza e imaginación.

Con su ambigüedad entre lo visible y lo invisible, con su mezcla de elementos sensoriales y espirituales, los poemas de los simbolistas Mallarmé, Rimbaud, Verlaine, Baudelaire o Maeterlinck se adaptaron perfectamente a los ideales expresivos de Debussy. Obras tan trascendentales como el Preludio a la siesta de un fauno o Pelleas y Melisande evocaron los textos de tales autores con la originalidad típica de Debussy, la misma encontrada en partituras como El Mar, los Nocturnos o las Imágenes. Con precisión, exotismo, sugestión, sensualidad y transparencia, estas y muchas otras de sus creaciones revelaron al naciente modernismo del mundo occidental un colorido nunca antes visto, un infalible instinto del cromatismo y una sensibilidad poco habitual.

También fue en la primera década del nuevo siglo que Debussy comenzó a sufrir el cáncer que lo llevaría a la muerte, pero su labor siguió dando frutos de la importancia de las Imágenes, los Preludios para piano y Juegos, una partitura tan trascendente que apunta hacia Boulez y Stockhausen, como El Martirio de San Sebastián anticipa a Messiaen. En sus últimos años son el piano y la música de cámara los ámbitos en los que intensifica su identidad francesa, a propósito de la Primera Guerra Mundial, pero no todos los proyectos pueden concretarse y una serie de sonatas queda inconclusa con su muerte en 1918.

Radio Beethoven

L'enfant prodigue, scène lyrique (1884). Comienzo.

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Rodrigue et Chimène, ópera en tres actos (1890-1892). Comienzo.

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La Chute de la Maison Usher, drame lyrique (1908-1917). Comienzo.

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Carlos Antonio de Padua Chávez y Ramírez (1899-1978) Nació en Popotla en las cercanías de la ciudad de México. Recibió sus primeras lecciones de piano de su hermano Manuel. Posteriormente estudió piano con Asunción Parra, Manuel M. Ponce y Pedro Luis Ozagón, armonía con Juan Fuentes y de manera autodidacta: fuga contrapunto y composición, analizando las obras de los grandes maestros y la música india y mestiza. Su familia pasaba las vacaciones en lugares como Tlaxcala, Michoacán, Guanajuato, Oaxaca, y otros lugares donde la herencia cultural prehispanica era muy fuerte. En 1916, Chávez y sus amigos fundaron un periódico cultural, Gladios, lo cual condujo a Chávez hasta el diario El Universal de la Ciudad de México en 1924 para el que escribió diversoso artículos sobre temas musicales. A finales de los años 20s Chávez se convirtió en uno de los primeros exponentes de la música nacionalista mexicana, especialmente con suites de ballet con temas aztecas.

En 1921 presentó un primer concierto público con sus composiciones, entre ellas el Sexteto para piano y cuerdas (1919) y obras para piano y canto. Su producción hasta entonces es francamente romántica, y sus arreglos de música mexicana están inspirados en los de Ponce. A partir de los Madrigales (1921) y los Nocturnos (1922) abrazó el impresionismo. En 1922, Chávez se casa con la pianista Otilia Ortiz y marchan de luna de miel a Europa, donde Chávez conoce a Paul Dukas. En Berlín, la casa Bote und Bocke publicó su Deuxième Sonate para piano (1921). Su estancia en Europa lo convenció de que había que realizar lo nuestro, construir nuestra escena y actuar en ella, realizar lo que se pudiera, mucho o poco, bueno o malo, pero propio y un poco diferente: A su regreso organizó y dirigió la serie de Conciertos de Música Nueva, en la que por tres años consecutivos dio a conocer las novedades europeas. De 1926 a 1928 vive en Estados Unidos escribiendo música y dirigiendo orquestas. En Nueva York conoció a Varése y a Copland, con quienes compartía la idea de crear una estética americana. La International Composers' Guild que Varése animaba presentó los Tres exágonos (1923) y la Danza de los hombres y la máquinas del ballet HP (1926). Nuevamente en México en 1928 el Sindicato de Músicos le confió la Orquesta Sinfónica Mexicana, que cambió su nombre por el de Sinfónica de México al año siguiente, organizada como cooperativa. Chávez logró que la orquesta hiciera una gira por las zonas rurales del país y que presentara el estreno de innumerables obras de compositores de diferentes épocas y nacionalidades, aunque poniendo especial énfasis en la difusión de la música mexicana moderna. Para asegurar su sobrevivencia, Chávez consiguió en 1940 el patrocinio oficial y privado y la convirtió en una asociación civil. Este conjunto hizo las veces de una orquesta nacional, y Chávez, en lo sucesivo, dirigió las principales orquestas de Estados Unidos y Europa. De 1928 a 1935 estuvo también al frente del Conservatorio Nacional y atendió la cátedra de creación musical, a la que asistieron Galindo, Moncayo, Ayala y Contreras. Luego de que Arturo Toscanini dejara la Orquesta Sinfónica de la Radio NBC en 1938, Chávez la dirigió en una serie de conciertos. En 1940 produjo algunos conciertos en el Museo de Arte Moderno de New York, incluyendo nueva música de compositores de México, América del Sur, Estados Unidos y Europa.

En 1946 fundó Nuestra Música sociedad promotora de conciertos, de la cual surgieron una revista y la casa Ediciones Mexicanas de Música. Redactó el proyecto para crear el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) y fue su primer director (1947-1952). Gracias a sus gestiones, la Sinfónica de México pasó a ser la Orquesta Sinfónica Nacional. En 1958 desempeñó la cátedra de poética en la Universidad de Harvard, impartida anteriormente por Stravinsky, Hindermith y Copland. Las lecciones de Chávez se recogieron en Musical Thought (1961). En 1973 fue nombrado jefe del Departamento de Música del INBA pero renuncio un mes después. La música que compuso tiene el signo de una constante evolución. A partir de las Sonatinas (1924), adoptó un estilo rigorista y esquemático que concentra la carga emocional en una expresión repetitiva, descarnada y esencial. A esta época pertenecen Energía (1925) el ballet HP (1926), la Sinfonía de Antígona (1932), los Preludios para piano (1937) el Concierto para piano (1938) y La hija de Cólquide (1943). Se observa luego un viraje hacia las formas clásicas en el Concierto para violín (1948) y la III y VI Sinfonía (1961). En la Invención (1958), para piano, abandona el principio repetitivo e inaugura lo que llamó la "no repetición", que comprende la melodía, la armonía, el ritmo y el timbre. Esto le permitió ejercer la libertad manifiesta en Resonancias (1964), Elatio (1967), Discovery (1969) e Initium (1971). Chávez es autor de seis sinfonías, cinco ballets, una ópera, cuatro conciertos e innumerables obras sinfónicas y de cámara.

Manuel Álvarez Bravo/Wikipedia

The Visitors, ópera en tres actos (1953-1956). Final del acto primero.

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NotaPublicado: 08 May 2007 20:08 
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Antonio de Literes (1673- 1749) Nació en Artá, Mallorca. En 1688 ingresa en el Colegio de Niños Cantores de la Real Capilla de Madrid donde estudia violoncello y composición. En 1693 forma parte de la orquesta de la Real Capilla como intérprete de violoncello; pronto se convertirá en el primer violoncello y trece años después en director de la entidad, cargo que ocupará hasta el día de su muerte. A partir de 1697 abandona la escritura estrictamente religiosa, insertándose de lleno en el emergente espacio teatral barroco. La llegada al trono de Felipe V y la imposición de nuevos músicos extranjeros en la corte obligarán a Literes a aumentar su producción lírica. Existe muy poca información sobre los últimos años de su vida. Sabemos que estuvo estuvo activo en la orquesta de la Real Capilla como primer violoncellista y compositor hasta por lo menos 1743, sin embargo a partir de 1725 su actividad como compositor disminuye considerablemente.

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Los Elementos, ópera armónica al estilo ytaliano (1704?). Fragmento.

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Acis y Galatea, zarzuela en dos jornadas (1708). Comienzo.

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Jupiter y Semele o El estrago en la fineza, zarzuela en dos jornadas (1718). Final.

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El Comienzo de Acis y Galatea me encantó :wink:
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NotaPublicado: 09 May 2007 11:43 
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He escuchado Montezuma, de Roger Sessions y me ha gustado mucho.

Como no tengo documentación (solo tengo los CD's de Montezuma), ni se expresarme suficientemente bien, me gustaría que alguien con mas experiencia y capacidad para el enrolle, haga una semblanza sobre Sessions.

Gracias


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