Estimado bonisolliano, para empezar y sin que sirva de precedente, no estoy de acuerdo con... Verdi. Al menos, en su forma de expresarse en esta ocasión. ¿Nos está pidiendo el León de Busseto una voz "fea"? ¿O una soprano que utilice su voz para hacer honor al terrible personaje? Porque lo primero es difícil, excepto en casos muy concretos; lo segundo es, dentro de su enorme dificultad, más asequible. Y, no, la Souliotis no puede servir de ejemplo de nada, porque es una simple nota a pie de página en la lista de las sopranos que pudieron pero no llegaron a ser verdaderas estrellas.

Cuando era adolescente, la vi anunciada y deseé tenerla, sin embargo pasarían años hasta que finalmente he podido escucharla. Esta vez se trata de una escucha más profunda. Consciente de que aun esperándolo con mucha ilusión, posiblemente el Ocaso que nos espera a los madrileños no depare muchas alegrías, he decidido a ponerme versiones para entrar en ambiente y disfrutar de versiones de la espectacular jornada final del Anillo.

Empezando por esta vieja grabación del Metropolitan Opera House que nos ocupa, retransmitida en 1936, he de decir que tras escucharla, creo que se trata del mejor Ocaso pre-Nuevo Bayreuth, con un elenco vocal de auténtico lujo. Me parece haber leído una vez en la revista RITMO que era un ejemplo de canto a la antigua, es decir con gritos. Si es así, ¡gloriosos gritos! En muchos aspectos, quizá con la salvedad del director de orquesta, supera de largo al completo Ocaso nazi de 1942 en Bayreuth, sin quitarle mérito alguno.

Bodanzky, kapellmeister del Met durante 24 años, es conocido por sus tempi rápidos y cortes en sus grabaciones existentes, sin embargo, no quiere decir que sea tan pedestre. En una época donde estaban Reiner, Kna, Krauss o Furtwängler, incluso Elmendorff y Leinsdorf, Bodanzky dirige con una rapidez que a veces conviene y resulta teatral, especialmente en el segundo acto, donde está memorable, y donde se alcanza la cima de la representación, con una orquesta reflejando la tensión en la segunda escena, así como lo siniestro en el preludio y el dúo de Alberich y Hagen. Quizá se le puede reprochar demasiada pomposidad en el final, aunque eso era algo que muchos directores, como Toscanini, hacían. En cualquier caso, se puede decir que es una dirección mucho más que competente y que no resulta insignificante de ninguna manera, sino que quizá sea más víctima de una época donde se hacían cortes en todos sitios salvo en Alemania y Austria.

El reparto es de campanillas: Lauritz Melchior, en plenitud de facultades, con unos agudos tremendos en el acto tercero, y una interpretación apasionada y teatral en el acto segundo. Ludwig Hofmann un Hagen de raza, con una voz oscura, perversa, a la que el sonido añejo le da un toque más grotesco todavía. Marjorie Lawrence es una gran artista (se dice que además en esta ocasión se subió a un caballo DE VERDAD en la inmolación),y desde luego una gran cantante, pero a veces se pasa de nasal para mi gusto, o quizá sea el sonido, sin negarle que como intérprete es sublime y además el grave es grandioso. Friedrich Schorr es aquí Gunther, una voz quizá demasiado autoritaria para tan flojo personaje, pero de innegable belleza y elegancia. Eduard Habich es aquí un Alberich que aunque la voz no suene tan grave y tan malvada como el timbre de Neidlinger, da una lección de interpretación con su caracterización, pues Habich siempre fue un gran actor. El resto del reparto es de la compañía, cantantes estadounidenses que en su día eran de reparto, pero que hoy en día serían superestrellas y los teatros pagarían fortunas por tenerlas. Dorothee Manski es una Gutrune juvenil, dulce, a la altura de una Grümmer o Watson, compañeras más conocidas en el rol. Kathryn Meisle es una Waltraute de la vieja escuela, con un grave estupendo y una dicción a la altura también de otras grandes como Branzell o Thorborg. Las Nornas son posiblemente las mejores que se hayan grabado, unas voces trágicas, potentes y con una proyección y claridad que contribuyen a hacerlo todo más epico. Igualmente excelentes las hijas del Rin.

Un Ocaso imprescindible, sin lugar a dudas.

En televisión, concierto en directo desde La Fenice con Pretty Yende y el tenor ( muy brutote) Brian Jagde.

¿ que tal la Pretty ?

Bastante bien en Je veux vivre y Una voce poco fa.

El tenor cantó Vesti la giubba y Nessun dorma. Yo no le dejaría cantar ni "la cucaracha".

En el Liceo creo que cantó un Enzo Grimaldo hace unos 2 años, muy gritón

Me imagino que fue el que le hizo una bonificación de honorarios al teatro y no dudaron en contratarlo.

Viene de cantar en el MET Tosca junto a la Sondra Radvanovsky, hace cosa de días.

Pero sabemos que en ese teatro no se han vuelto muy exigentes.

Anoche por ejemplo, la función de cierre de año con Rigoletto, para mi gusto estuvo muy floja.

A destacar únicamente que la partitura se tocó completa, alternando curiosamente agudos tradición, con respeto a la partitura en otros momentos.

El señor Beczala, muy apurado, ya no está para el Duca y aún le quedan funciones por delante, incluida la transmisión por cines, el 29 de enero.

La Gilda de Rosa Feola no me ofreció mayor novedad, sorprendiéndome el entusiasmo que generaba en el público y en comentarios en la red.

Del Orco Quinn Kelsey, ya sabemos qué esperar y qué no.

La dirección de Daniele Rustioni, alternando matices filológicos con lecturas de tradición.

[quote="Rubini"]Me imagino que fue el que le hizo una bonificación de honorarios al teatro y no dudaron en contratarlo.

Viene de cantar en el MET Tosca junto a la Sondra Radvanovsky, hace cosa de días.

Pero sabemos que en ese teatro no se han vuelto muy exigentes.

Anoche por ejemplo, la función de cierre de año con Rigoletto, para mi gusto estuvo muy floja.

A destacar únicamente que la partitura se tocó completa, alternando curiosamente agudos tradición, con respeto a la partitura en otros momentos.

El señor Beczala, muy apurado, ya no está para el Duca y aún le quedan funciones por delante, incluida la transmisión por cines, el 29 de enero.]

Piotr Beczala, se está cargando la voz poco a poco, por ensanchar artificialmente el centro para cantar roles que le superan vocalmente . Su registro agudo es ahora oscilante y hasta forzado

Sigo explorando versiones del Ocaso, ahora le toca a esta versión en DVD, la última producción del Anillo del Met, la de la famosa "máquina" de Robert Lepage.

Con el anuncio del nuevo Anillo del Met, que se verá a partir de 2025, coproducido con la English National Opera, a cargo de Robert Jones, el Met ha dejado de ser, posiblemente para siempre, el único gran teatro que producía una versión más tradicional del Anillo. Ya bastante llorada fue la baja del tradicional, clásico Anillo de Otto Schenk, conocido por todos por el DVD de aquél ciclo por James Levine y una larga lista de estrellas, que reproducía unos fantásticos e idílicos paisajes, basados en la tradición romántica. El cartón piedra de Schenk, tan amado, dio paso a una modernidad de Lepage que no estuvo exenta de muchas críticas.

Toda la ambientación tradicional, naturalista, romántica, pictórica de Otto Schenk fue sustituída por una inmensa máquina, con un subliminal aspecto de piano, cuyas teclas se pliegan creando diferentes formas, diferentes ambientaciones, ayudadas por la iluminación y proyección. Si hubo algo que el anterior Anillo no tenía, era la creación de efectos especiales, la posibilidad de caminar por los aires o flotar suspendidos en el agua, algo que Wagner, en su búsqueda de realismo, siempre soñó. En el Ocaso la cosa es igual, aunque da la impresión de ser más espectacular. La "máquina" crea infraestructuras impresionantes, como en el prólogo, donde cuelgan las cuerdas de las nornas con un bello fondo de iluminación anaranjada. El palacio de los Guibichungos viene sugerido por una proyección de una fotografía anaranjada de un tronco de madera, que se eleva y proyecta sobre sí el Rin para ver a Sigfrido llegar desde arriba, con Grane, que en este caso es la armadura de un caballo perfectamente sincronizada, tanto que uno cree ver un equino. En la roca de las valquirias, aparece proyectada la vegetación, aunque es poco romántico ver a Waltraute dejar su casco y escudo en uno de lo pliegos de la máquina, ya que con los primeros planos se ven hasta los tornillos y engranajes. Muy inteligente la idea de crear en el preludio del segundo acto, el palacio con soldados reales haciendo vigía, y Gutrune caminando inquieta, antes de que aparezcan Hagen y Alberich. En la gran escena, aparecen esculturas de los dioses, con la apariencia que tenían en el Oro. En el tercer acto, con el Rin proyectado, las hijas del Rin caminan por la plataforma elevada con pasmosa facilidad. Durante la muerte de Sigfrido, se ve cómo Gunther se lava las manos y aparece la sangre proyectada, cayendo hacia el río, con un asombroso realismo, antes de que toda la pantalla se llene de rojo. El final es espectacular, por cuanto se Brunilda enciende la pira, Hagen desaparece con las hijas del Rin, y cuando la máquina se pilega recuperando su forma original, se ven las estatuas de los dioses cayendo, aludiendo a su desaparición. Finalmente, las aguas vuelven a su cauce, la máquina se ilumina de azul marino intenso y recrea las ondulaciones del río, como al principio del ciclo. El Orden ha sido restablecido, el Rin ocupa toda la escena como debió de ser desde el principio. El vestuario es conservador, pero sencillo, comparado con lo hollywoodiense de Schenk. Uno se sorprende de lo modernos de los trajes de los humanos, lo sencillos que son, con pantalones y botas modernos, pero con apariencia clásica, después de todo. Lo mejor, los trajes de Waltraute y las Nornas. El coro parece más bien sacado del siglo XVIII que de la era mitológica nórdica. Una cosa que sí es digna de mención es la dirección de actores: vemos gestos, ademanes, que hacen más humanos a los personajes: Sigfrido es patoso, pero también arrogante, socarrón e inseguro. Brunilda se muestra frágil, como nunca antes cuando le quitan el anillo.

Fabio Luisi tiene sobre sí la enorme sombra de James Levine, quien dirigió el Oro. Luisi, a su vez, venía de tener un enorme éxito en Bayreuth con el Parsifal de Herheim. Aquí cuenta también con una genial orquesta, la del Met, que se confirma una vez más como un conjunto wagneriano de importancia, dado el desempeño y la pasión con la que viven la obra del músico. Dicho esto, la interpretación de Luisi es lenta, acompaña a los músicos y no les pone trabas, pero no parece sobresalir como su antecesor, pese a estar inspirado en momentos tales como el final. El Coro cumple con su cometido, y actúa tan bien como canta.

En cuanto al reparto, las comparaciones sí resultan odiosas. Jay Hunter Morris como Siegfried es un verdadero tormento: una voz de comprimario, cantando, en muchas ocasiones casi hablando, su parte. A su lado Jerusalem es Lauritz Melchior. Los agudos son horribles y no hay ninguna técnica: todo son gritos y muchas veces afectados por la falta de legato, porque si lo intenta, no respira. De acuerdo que como actor y por su físico (rubio y de ojos azules) da el pego, pero no compensa una mediocrísima actuación. Igualmente Deborah Voigt como Brunilda: se dice que tras la cirugía que se hizo la soprano la voz no fue la misma. Ciertamente, me pareció totalmente inexpresiva cuando la vi en 2005 en la Elena Egipcíaca en el Real, pero en 2012 ya no queda nada de la belleza vocal que tenía, por ejemplo, en su Ariadne auf Naxos de Sinopoli. Todo lo que hay es un canto gritado, agudos desangelados, solo un remanente de lo que fue su voz antes, pero en cualquier caso nada atractivo. No queda canto, sino grito. El dúo del prólogo fue horrible. Al menos, se recupera un poco para la Inmolación, pero no satisface.

Hans Peter-König resulta el mejor de una noche en el que el canto es el punto más flojo. Tiene un timbre oscuro que puede resultar agradable, y de hecho el suyo es el canto más firme y mejor proyectado, pero todo el carisma escénico (el de un intrigante con aspecto de bruto, pero que se mueve con astucia) no lo refleja en la voz pese a un primer acto bastante notable, pero no así en su famosa escena del segundo acto. Waltraud Meier es una Waltraute en caída libre. En 2012, la legendaria mezzo ya no está para muchos trotes, y de hecho el agudo se resiente muchísimo. Sin embargo, retiene mucho de su carisma, su forma de interpretar y su temperamento escénico, lo que hace que saque el papel con dignidad. Si bien en su gran narración la voz no es la que era, sí que sigue afrontándola con ese toque de misterio y sensualidad que la caracteriza. Aún mantiene el centro, pero poco más. Y con todo, se come a Voigt en la escena. Eric Owens tampoco es un Alberich a la altura: si en el Oro mostró una gran voz pese a una frialdad vocal, aquí todo son susurros, y ese material (que lo tiene pero que no vale para Wagner) tan potente se queda en una descafeinada interpretación. Este Alberich no impresiona, solo musita. Iain Paterson como Gunther es correcto, mejor actor que cantante. En cambio Wendy Bryn Hammer sí que es una dulce Gutrune, con una bellísima y juvenil voz, además de ser una mujer muy atractiva y de tener una buena caracterización del personaje, mostrándola tan volátil como seductora.

En cuanto a las nornas, aquí aparece la trágicamente desaparecida Maria Radner, aunque con una interpretación más bien correcta, con buenos graves pero no muy imponente como la primera norna. Heidi Melton como la tercera ya es otra cosa: una estupenda voz dramática. En cuanto a las hijas del Rin, con el habitual buen nivel de los comprimarios de la casa, la bellísima Tamara Mumford como una gran Flosshilde, bien cantada, y una aún principiante Erin Morley como Woglinde, aunque su papel sea aquí poco relevante.

Quizá vea en algún momento el resto del Anillo para tener una mejor idea, pero pese a lo prometedor que parece, realmente no es demasiado alto el nivel de este Ocaso. Si bien resulta muy agradable de ver debido a su puesta en escena, parece ser que debió de ganar mucho más en vivo. Quizá sea el espectáculo escénico y la música de Wagner lo que hagan que merezca la pena verlo. El reparto no pasa del aprobado raspado.

Remasterización de 2015 a cargo de The Art of Singing (desconocida para mí y encontrada en Spotify).

Feliz año a todos.

Don Abdallo, duras son sus palabras. La carrera de Suluotis fue una nota a pie de página, cierto, pero en la grabaciones que ha dejado, esta de Macbeth la encuentro por color muy adecuada al papel, aunque es cierto que presenta defectos , como que no hay buena impostación y los agudos le cuesta llegar a ellos, alcanzándolos con ayudita de portamentos o apoyaturas....pero para mi, funciona. Tiene cosas interesantes, y en este papel, parece que están mas disculpadas...Recuerdo la Lady de la Gencer del 1968 o 1975 con Muti y los sonidos abiertos, y los fallos vocales son evidentes, pero construye personaje. Creo que igual pasa aquí.´Repito: no la pongo como modelo, sino que veo cosas en su personaje interesantes.


Con esta Norma pasa lo mismo. Una soprano con una formación y técnica deficiente, con un material vocal impresionante y que logra emocionarme por la sinceridad de los acentos. Los defectos de fábrica, ciertamente están ahí, pero está entre las Normas más emocionantes junto con la de Gencer y Callas...para mí.

Desconocida la remasterización o la grabación?

Fueron un paquete de grabaciones de Sir John Pritchard efectuadas entre 1961 y 1962 para la Decca junto a doña Joan.

A ella sumamos el Rigoletto, donde repitieron además Cioni y Siepi, con la Orquesta de la Academia de Santa Cecilia y luego La Traviata, donde el tenor fue Bergonzi, repitiendo Roberto Merrill y la orquesta cambió por la del Maggio Musicale Fiorentino.

Es una verdadera pena que la asunción incapaz de James McCracken, incomprensible e inviable hoy (voz desagradable, emisión durísima, técnica horrenda y, sobre todo, una carencia total de idea del personaje, casi reducido a una especie de disminuido que gime -lo que ocurre en el Dio, mi potevi scagliar es indescriptible-), estigmatice y hunda un disco en el que, por lo demás, ocurren tantas cosas tan interesantes.

Ante todo, la dirección de Barbirolli (y la espléndida respuesta de la New Philharmonia y los Ambrosian). Lentísima, sí, pero muy descriptiva y analítica, arquitectónica en la explicación del concertante del acto III y capaz de dar un sentido inusitado a números tan difíciles de relatar en música como la escena con los niños y las guitarras o el singular cuarteto del acto II. En segundo lugar, el endemoniado (en el mejor sentido) trabajo de Dietrich Fischer-Dieskau sobre el texto, en especial en un acto segundo de verdadera maestría (un Credo personalísimo y perturbador, un Sogno irreal, y sobre todo, una capacidad conversacional que manipula a Otello como casi ningún Yago, dando la puntilla con un Divina grazia, difendimi!, en la que se lava las manos sobre la zozobra que acaba de crear, verdaderamente inolvidable). Y finalmente, además de los espléndidos comprimarios (Andreolli, di Stasio y un Piero de Palma que sigue demostrando que es el único poseedor del secreto del esquivo papel de Cassio), una joven Gwyneth Jones de voz bella y expresividad contenida y emocionante.

En suma, un disco en que, a pesar de todo, hay mucho que conocer (y que lamentar).

Señalar, que el moro para esa grabación EMI/ANGEL debía ser Franco Corelli, pero declinó y llamaron al gringo, quien era el Otello a la mano.

Tanto se ha escrito al respecto.

En un reciente libro estadístico y anecdótico de Corelli escrito por su pariente Graziano Corelli, éste reseña en alguna entrevista incluida que el tenor se lamentaba, pero no se arrepentía, pues le hubiese afectado el desempeño de papeles líricos franceses que tenía en ese momento como el Romeo et Juliette y la Carmen; al igual que los italianos como La Boheme que tanto frecuentaba, que lo generaban mayores satisfacciones.

De pasada indicaba la parte psicológica, pero en lo vocal, entiéndase las notas, en entrevistas también ratificó que no le hubiera representado problema alguno.

También don James, en una entrevista que circula por ahí, también se deja decir, que si tuviese la oportunidad de hacerlo, hubiese hecho algunas cosas de manera distinta en esa grabación.