El hermoso preludio de la sorprendente primera ópera Irmelin de Delius compuesta entre 1890 y 1892 pero cuyo estreno tuvo lugar mucho tiempo después, en 1953.

Siguiendo con las oberturas, podemos escuchar una procedente de La caravane du Caire, opera-ballet compuesta por André Grétry en 1783.

Fue enormemente popular desde su estreno, hasta bien entrado el siglo XIX, para después caer en un relativo olvido.

En su momento, Zelenka nos ofreció en "La otra ópera", otro fragmento de esta obra, y también se incluyo uno procedente de Richard Coeur-de-lion, en el CD perfecto 2011.

Grétry - La Caravane du Caire

De Franz Schreker se subió ya el extraordinario preludio de Die Gezeichneten, la obra de este autor más valorada por el foro. A similar altura cabe poner Der ferne Klang, una historia que funde algunas de las constantes del romanticismo alemán en el neurótico ambiente de la Viena fin de siècle. El “sonido lejano” del título se convierte en hilo conductor de toda la narración musical, que gira en torno a la incapacidad del artista contemporáneo (en este caso, el joven compositor Fritz) por recuperar la armonía entre el arte y la vida. En el fragmento escogido, que introduce el Acto II, el planteamiento se carga de ironía: el amor ideal del protagonista se ha convertido en una prostituta que ejerce en la sensual y decadente Venecia, al tiempo que el evanescente motivo musical se disfraza de bacanal que describe el ambiente de la casa di maschere en la que Grete trata de mantener viva su propia inocencia.

Schreker - Der ferne Klang - Preludio del Acto II

La relación de Félix Mendelssohn con la ópera fue muy breve. Durante su juventud había escrito algunos singspiels, como “Los dos sobrinos” para interpretar en la intimidad, entre familia y amigos. Cuando por fin se animó con el género grande, se inspiró en un episodio del Quijote para componer “Las bodas de Camacho”, estrenada en Berlín en 1827. Cómo sería de mala que el propio Mendelssohn abandonó el teatro antes de acabar la primera representación y las siguientes fueron canceladas. No obstante, se supone que al menos le daría tiempo de escuchar la obertura, y aunque ciertamente no es nada del otro mundo, la traigo aquí, en la versión de Francesco d’Avalos y la Philharmonia Orchestra, en parte como tributo a ese compositor que se ha visto algo relegado en la consideración general por su conservadurismo musical y porque no se sabía muy bien si era un clásico con pioneros matices románticos o un romántico con retrógrados lastres clasicistas, y en parte como ejemplo de que no siempre los genios pueden estar a la altura de su propia genialidad, pues Mendelssohn, que en mi opinión es maravilloso como autor de sinfonías, obras orquestales y lieder, se muestra bastante mediocre en esta obertura.

Mendelssohn. Obertura de Las bodas de Camacho

Se dice que el fracaso de “Las bodas” le hizo alejarse para siempre del género, pero no es del todo cierto. Nunca abandonó la idea de componer otra ópera, y hasta se le pasó por la cabeza tomar “El cantar de los nibelungos” como base para ella. (Adelantándose veinte o treinta años a Wagner, para que luego se dude si era romántico o no). En sus últimos años, el representante Benjamin Lumley intentó convencerle para que escribiera una ópera sobre el libreto de “La tempestad” de Scribe, pero tampoco sobre este tema dejó Mendelssohn más que unas pocas páginas. Finalmente, quedan algunos esbozos de una ópera badasa en la historia de Lorelei, cuya conversión en ópera tiene como autor más famoso al abyecto Catalani.

Tannhauser. El Venusberg

El famoso ballet, enlazando con la obertura, de esa maravillosa ópera que estos días ha sufrido todo tipo de deformaciones

Tannhauser. Ballet del Acto I

Aunque tiene tintes de leyenda urbana, parece cierto que Wagner lo puso a regañadientes, para contentar a los miembros del Jockey Club de París que sólo iban a ver las piernas de las bailarinas. La costumbre era que el ballet cayese alrededor de las diez de la noche, para que los señores del club ya pudieran venir cenados, pero Wagner, en un "chúpate esa" de los suyos, lo puso al principio y así, para cuando llegaron los del Jockey, ya se habían perdido las bailarinas (y la obertura, lo que no tiene perdón de Dios). Cabreados, se dedicaron a abuchear la función hasta que acabó.

Para quienes fueron puntuales y sí lo vieron, tuvo que ser todo un impacto escuchar, a mediados del siglo XIX, esta música tan desenfrenada que llevó a Baudelaire (otro que tal) a decir: «Al escuchar esta música ardiente y despótica parece que se encuentran, pintadas sobre un fondo de tinieblas desgarradas por el sueño, las vertiginosas concepciones del opio».

Rameau. Les Indes galantes

No tuvo muy buena nota esta obra, quizá la más conocida de Rameau, en los hilos de calificaciones que impulsó delaforce a finales del año pasado. La verdad es que el barroco, y aún más el barroco francés, es uno de los mayores desconocidos en el mundo de la ópera. E incluso a muchos de los que lo conocen, les cansa tanto ballet. Porque es a partir del ballet de donde nace la ópera francesa (como dijo El Gran Inquisidor, desde que Luis XIV tuvo que esconder las piernas), y durante mucho tiempo se muestra como un híbrido, un espectáculo en el que se canta, sí, pero también se baila abundantemente.

En cualquier caso, leído el libreto y vista la ópera, a mí me ha caído simpática esta obra, y sobre todo el candor del planteamiento: en el prólogo, los europeos, que empiezan bajo el signo del amor, son reclutados por el dios de la guerra para ir a combatir por esos campos de batalla, tan frecuentemente regados con sangre, por desgracia, en el siglo XVII. El Amor, viendo que en Europa se le desprecia, busca nuevos prosélitos, y para ello apunta sus flechas hacia otros continentes. En consecuencia, vemos enamoramientos y galanteos en Turquía, en Persia, en Perú, etc.

Vemos primeramente un fragmento del Acto II, ”Les Incas du Pérou”, tras la invocación al sol “Brillant soleil”:
Rameau. Les Incas du Pérou

Y ahora, otro del Acto IV, “Les sauvages”
Rameau. Les sauvages

Wolf-Ferrari. Intermezzo de "I quattro rusteghi"

Ermano Wolf-Ferrari, conocido fundamentalmente como autor de “Las joyas de la Madonna” y, gracias a que se está representando estos días por España, también de “El secreto de Susana”, tuvo su éxito más grande en vida con el estreno en Munich, en traducción alemana, el 19 de marzo de 1906, de “I quattro rusteghi”. Es en Alemania donde la obra se ha seguido representando con alguna asiduidad, logrando perdurar después de las dos guerras mundiales.

Se trata de una comedia musical en tres actos, con libreto de Giuseppe Pizzolato, basado en una obra del famoso dramaturgo Carlo Goldoni. Una comedia de enredo que tiene lugar en Venecia, en el siglo XVIII (por tanto, en la ciudad y la época del propio Goldoni), en la que los padres de dos jóvenes, ricos comerciantes que desprecian las modas contemporáneas y se atienen a los usos y costumbres tradicionales, deciden casarlos sin darles la oportunidad de conocerse. Pero interviene el destino, es decir, las mujeres, y confunden de tal manera la situación, en sí sencilla, que finalmente sale lo que debe salir: la pareja de enamorados es casualmente la pareja de novios elegida por los “rústicos” y todo termina de manera satisfactoria, después de inmumerables complicaciones que solamente un maestro como Goldoni pudo inventar y encauzar a voluntad.

Escuchamos el delicado Intermezzo de esta obra, con Gardiner en el podio y un pequeño conjunto de ballet en diversos lugares de la maravillosa ciudad de la laguna:
Wolf-Ferrari. Intermezzo de I quattro rusteghi

Alexander von Zemlinsky
Preludio al Acto III de "El rey Candaules"



La recuperación de la figura y la obra de Alexander von Zemlinsky (1871-1942), iniciada tímidamente hace tres décadas con las primeras versiones discográficas de su Sinfonía Lírica -hasta entonces única de sus obras esporádicamente recordada, más que realmente conocida, por el homenaje tributado por Alban Berg en su Suite Lírica-, alcanza en la actualidad un nivel comparable al de otras grandes figuras de la música centroeuropea de la primera mitad del siglo XX: Schrecker, Korngold, Krenek, Eisler...

Extraordinario pianista y celebrado director, hombre de mundo y dandi seductor pese a su fealdad, es conocida su pasión por su joven alumna Alma Schindler, que repudiaba su apariencia física pero se sentía atraída por él, aunque finalmente le abandonara por Mahler. Su notable carrera en el podio se desarrolló entre Viena (1906-1911), Praga (1911-1927) y Berlín (1927-1930), para regresar a su ciudad natal a la subida al poder de Hitler y terminar emigrando tras el Anchsluss a E.E.U.U., donde falleció olvidado de todos.

“El rey Candaules” es su última ópera, y no fue estrenada hasta el 6 de octubre de 1996, en Hamburgo. Zemlinsky la compuso entre 1935 y 1936, pero a su muerte únicamente habían quedado orquestados 846 compases del primer acto. Antony Beaumont, biógrafo, musicólogo y director de orquesta, fue el encargado de dar fin al trabajo de puesta a punto de un manuscrito abundante en indicaciones de instrumentación y tempi y en acotaciones escénicas, pero en estado poco menos que caótico, y del que faltaban por orquestar otros 2.000 compases.

Sus óperas más conocidas (“Una tragedia florentina” y “El enano”) refrendaban la opinión de Schönberg al calificar a Zemlinsky como "el compositor poswagneriano capaz de satisfacer con mayor sustancia musical las exigencias del teatro", pero, claro, el tratarse de obras breves, de una única situación dramática, facilitaba esa concentración en la expresión que asegura su impacto en la escena y en la audición discográfica. En cambio, “El rey Candaules”, con su extensión a una entera velada, la complejidad de sus personajes, la alternancia de situaciones de extrema tensión dramática y momentos de elevada intensidad erótica, necesita de recursos mucho más ricos y variados si se quiere evitar caer en la monotonía.

Estas exigencias son brillantemente satisfechas por la partitura, cuyo autor, tras abandonar los senderos del neoclasicismo de los años inmediatamente anteriores, esgrime un lenguaje absolutamente libre. La armonía no abandona la tonalidad, pero al mismo tiempo integra naturalmente la disonancia a efectos expresivos. La orquesta es más rica que nunca, tanto desde el punto de vista instrumental y tímbrico, como por los efectos sonoros obtenidos en su manejo, que subraya perfectamente cada momento de la acción y se abre a pasajes de extraordinaria fuerza descriptiva. La escritura vocal presenta gran variedad de medios y acentos: desde la simple palabra hablada hasta inspiradas efusiones melódicas, pasando por el sprechgesang, la interjección y el grito desgarrador.

La historia del rey Candaules de Lidia, asesinado por su sirviente Giges en el siglo VII a. J.C., se remonta a Herodoto y fue reelaborada por Platón, que en “La República” desarrolla el mito del anillo que, al hacer invisible a su poseedor, desencadena su sed de poder y le lleva a abandonar cualquier regla moral. Posteriormente, esta historia ha inspirado a Plutarco, Cicerón, Bocaccio, o Gautier, entre otros, incluidos el teatro y la zarzuela del barroco tardío español, por obra de Cañizares y José de Nebra. Pero la ópera de Zemlinsky recibe su inspiración inmediata del drama de André Gide Le Roi Candaule, estrenado en 1901, quien enriquece el mito desde su perspectiva contemporánea, convirtiéndolo en una extraña historia de absurda y equívoca generosidad, de desprendimiento suicida, de celos, posesión, voyeurismo y venganza.

De esta ópera escuchamos el Preludio al Acto III
Philharmonisches Staatsorchester Hamburg. Director: Gerd Albrecht
Zemlinsky. Preludio al Acto III de El rey Candaules

Ferenc Erkel -o Enkel Ferenc, a la húngara- (1810-1893) es el compositor nacional de Hungría, oficialmente por encima de Liszt, Bartók o Kodály, como autor del himno de su país. Al igual que tantos representantes del romanticismo nacionalista, su interés es, en buena medida, más bien político y, en lo estrictamente musical, depende de lo que nos atraiga el tratamiento sinfónico de temas, melodías y formas folclóricas. Aunque escribió piezas para piano y coro, así como una algo más conocida Festival Ouverture fue, sobre todo, autor de ópera, dirigiendo la Ópera Nacional de Budapest desde que se inauguró en 1884. Escribió al menos nueve títulos completos (se conservan fragmentos de algún otro), sobre temas previsiblemente histórico-legendarios, entre los que destacan Hunyady László y la más conocida fuera de Hungría: Bánk Bán.

De esta última se ofrece el inicio. Basada en la obra del dramaturgo József Katona y convertida en libreto por el poeta Béni Egressey –traductor de Verdi-, narra la historia del asesinato de la malvada reina Gertrud (extranjera) por el patriótico duque Bank, al que le mueven motivos tanto políticos como personales. Lo que se escucha a lo largo de los tres actos suena a belcanto (hay escena de locura sopranil, por supuesto), al Verdi de galeras e incluso a la Grand Opéra en los espectaculares concertantes, todo ello trufado de aires magiares, reservados a los momentos y personajes más positivos de la acción.



Erkel - Bánk Bán - Inicio

Pietro Metastasio fue el rey de los libretistas durante el siglo XVIII. Los teatros de más renombre representaron en este período obras suyas, y los compositores poco menos que se daban de tortas por poner música a alguno de sus libretos. El público, por su parte, los esperaba ansioso. A “Alejandro en la India”, por ejemplo, le pusieron música Leonardo Vinci (estrenada el 26 de diciembre de 1729) y Domenico Cimarosa (estrenada el 11 de febrero de 1781). De la obra de este último escuchamos la obertura a la Toronto Chamber Orchestra, dirigida por Kevin Mallon.

Cimarosa. Obertura de Alessandro nell'Indie

Dividida en tres actos, la historia se basa en la clemencia de Alejandro Magno hacia el derrotado Poro, rey de lo que actualmente sería el territorio hindú del Punjab. Una rivalidad política, complicada por la ambición del general Gandarte, añadiendo el inevitable conflicto del triángulo amoroso con la presencia de la princesa Cleofide, por cuyo corazón compiten aquellos dos monarcas.

Preparando la temporada que viene en el Real, revisé la cinta del Don Quichotte de Massenet que pusieron hace años en LD, cuando aún se estilaban los subtítulos. Recordaba la muerte de Don Quijote como lo mejor de la ópera pero debo añadir el preludio del último acto, -¿un adagio?- que me recuerda al Claro de luna de Werther y que aún no he encontrado en Youtube.

Rectifico: un atento forero y forero atento (es fácil adivinar de quién se trata) lo ha colgado en Youtube:

París 2000, James Conlon

O también.

Muchas gracias.

El bellísimo pasaje seleccionado por Tip me permite establecer una cabeza de puente hacia el fragmento sinfónico que traigo hoy aquí. Pues, aparte del "Quichiotte", Massenet compuso varias óperas más sobre tema español, como "El Cid", "La Navarraise" o "Don César de Bazán". Esta última historia, la de don César de Bazán, es el material en que se basa "Maritana", de William Wallace.

William Vincent Wallace nació en Colbeck Street, Irlanda, en 1812. Wallace viajó mucho. Para empezar, su familia emigró a Australia en 1835, cuando ese país estaba empezando a ser explorado y semejante viaje era más peligroso de lo que es hoy ir a la luna. Tras separarse de su esposa, viejó a Nueva Zelanda, y luego por los mares del sur, visitando Perú, Chile y Argentina. Realiza una exitosa gira por Estados Unidos, donde ayuda a fundar la Sociedad Filarmónica de Nueva York, y dirige óperas italianas en Mexico. En 1845 vuelve a Europa: en noviembre de ese año presenta en Londres, con gran éxito, “Maritana”, su primera ópera de las seis que escribió. Las otras fueron “Matilda of Hungary”, “Lurline”, “The Amber Witch”, “Love’s triumph” y “The Desert Flower”. Murió en Francia, el 12 de octubre de 1865.

Opera en tres actos, con libreto de Edward Fitzball, “Maritana” se basa en la obra “Don César de Bazán”, de Adolphe d’Ennery y Philippe Dumanoir. Se estrenó en el Theatre Royal de Londres el 15 de noviembre de 1845, y tuvo abundantes representaciones en Dublín, Filadelfia, Nueva York, Viena y Londres. Se hizo incluso una versión en italiano y dos versiones para cine en 1922 y 1927. Por estas fechas decayó su popularidad y desapareció de las programaciones. Fue desempolvada por la Royal Dublin Society en formato de concierto en 2006, con una orquesta dirigida por Proinnsias O Duinn, pero esa resurrección no le ha supuesto mucho éxito, pues tampoco desde entonces se ha oído hablar gran cosa de ella.

En esa versión de Proinnsias podemos escuchar el vals del Acto II de “Maritana”


El argumento es el siguiente:

Maritana es una cantante callejera de Madrid. El Rey de España ha quedado prendado de su belleza, y su ministro, Don José, está de acuerdo en ayudarle en sus correrías. En realidad, pretende revelar más adelante la infidelidad del rey para obtener el favor de la reina.

Don César de Bazán es un noble caído en desgracia, arrestado y sentenciado a muerte por batirse en duelo durante la Semana Santa. Antes, Don César había ayudado a un muchacho pobre llamado Lazarillo. El día de la ejecución llega el perdón del rey, pero es interceptado por Don José, quien ofrece a Don César una muerte digna de un soldado si se aviene a casarse, antes de la ejecución, con una mujer cubierta con un velo. Don César accede. Don José lleva a Maritana velada con la intención de convertirla en viuda de un noble. Durante la boda, Lazarillo quita las balas de todas las armas. La ejecución se realiza, aparentemente, y de Bazán finge la muerte.

Maritana cree que se ha casado con el rey, pero cuando Don José la lleva a conocerlo, queda decepcionada pues no es el apuesto galán de la boda. Don César llega a la villa y reclama a su novia. Don José le envía a una vieja Marquesa, y puesto que Don César no ha llegado a ver nunca a su novia, cae en el engaño y cree que es ella. Tan deprimido se queda que se muestra dispuesto a cederle a ella sus derechos. Pero cuando está firmando el documento, oye la voz de Maritana y la reconoce: anuncia que ésa es la mujer con la que se ha casado. Es inmediatamente arrestado.

Don César es llevado ante el Rey, anuncia que es Don César de Bazán y entonces se entera de que había sido perdonado por lo del duelo. Mientras el rey sale durante unos breves momentos, Maritana y Don César descubren su mutuo amor. Don César, dándose cuenta de la traición de Don José, lo mata. Para mostrar su gratitud, el Rey nombra a Don César gobernador de Valencia.

Y ya que ha salido a colación, ¿por qué no escuchar un fragmentito, breve y alegre, del "Don César de Bazán" del propio Massenet?

Massenet. Entreacto (Sevillana) de Don César de Bazán

Sciarrino. Intermezzo I de Luci mie traditrici

Internarme en las óperas posteriores a la II Guerra Mundial, y no digamos las de 20 años a esta parte, me da el mismo pavor que tenían los supersticiosos marinos medievales ante el Océano Atlántico, al que por sus furias y supuestos horrores llamaban “Mar tenebroso”. De la misma forma, yo, cada vez que me planteo oir una ópera de este periodo, imagino que se alzan ante mí colosales olas dodecafónicas y surgen monstruosos seres atonales.

Pero…

De algo tenían que servir quince meses en el foro y el magisterio de tantos lobos de mar como hay en él, en especial de uno, de conocimientos y paciencia bíblicos. Así que, aceptando las recomendaciones que hace hilo si, hilo no, entro alguna que otra vez en ese “mar tenebroso”. Por supuesto, con toda precaución, como cuando me baño en La Coruña: metiendo primero, y muy poco a poco, el dedo gordo del pie para calibrar la temperatura del líquido elemento. Mi última “zambullida” ha sido en “Luci mie traditrici”, de Sciarrino, y el resultado ha sido que he tragado bastante agua salada, pero aun así, he pescado un par de Intermezzos, de los cuales dejo por aquí el primero: