Todavía tengo pendiente escuchar esta obra entera Por algún sitio había una cassette (¡¡!!) con fragmentos de una versión con la Olivero, que ande andará...

Sobre las propuestas, descartaría la versión argentina, porque la orquesta no juega en la misma división, y la de Levine, por mastodóntica y ampulosa. La milanesa "antigua" tiene su gracia, suena incluso más scalígera que la del propio Gavazzeni, pero dudo que Cilea sea eso. El Gavazzeni del 88 da una sensación de equilibrio y profundidad que lo convierte en mi primera opción si finalmente decidiera hincarle el diente a la Adriana. Sorpresa agradable el Pietraroia y su Metropolitan: ¿alguien sabe algo de esta gente?

Tú es que sabes mucho, amigo. Yo, por ejemplo, no había notado nada de la ampulosidad de Levine, y de hecho, es mi preferida. Junto con la de Gavazzeni, que procede de una representación en directo con Freni, Dvorsky y Cosotto.

Ahora, lo de no haber oído nunca entera esta espléndida obra lo tienes que solucionar cuanto antes. (Si quieres, te puedo echar una mano en eso)

Lo que tengo es mucho cuajo. ¡Anda que ponerme a comentar versiones de una obra que no conozco! Lo que ocurre es que ese pasaje me lo aprendí demasiado ligero y acelerado: Levine se va al otro extremo y, aunque suena de miedo, da la impresión de que te está echando la orquesta encima. Además me resulta demasiado alejado del Poveri fiori; Gavazzeni, por ejemplo, tiene muy clara esa conexión.

Dicho lo cual, tu criterio es casi siempre más fiable que el mío y sobre todo en este repertorio, así que me gustaría saber por qué te quedas con la versión Levine.

Y por lo demás...

Será broma, ¿no?


Prácticamente lo has dicho tú: yo soy de los que conceden importancia al sonido. Además, no me importa que me echen la orquesta encima: me encanta la orquesta, cuanto más grande mejor, y los pasajes orquestales (no sé si se había notado). Finalmente, ese pasaje se interpreta mientras en el escenario está Adriana durmiendo, así que, en esta ocasión, me parece adecuado que sea lento.
Como ves, no es muy técnica mi respuesta. Sólo se trata de que es la que más me impresiona.

Respecto a lo demás, hablamos por mp.

Lo curioso es que Adriana consiga dormir con esa orquesta al lado...

Menotti. Obertura de “Amelia goes to the Ball”

Menotti comenzó su carrera con esta ópera grotesca en un acto. A Amelia le gusta disfrutar de la vida y quiere ir a bailar. Pero su marido ha descubierto una carta de amor dirigida a ella y quiere saber a toda costa el nombre del remitente. Amelia se enfada muchísimo, no por el descubrimiento, sino a causa de la ridícula situación: estar vestida para ir a bailar y tener que soportar un molesto y quién sabe si largo interrogatorio. Por lo tanto, confiesa que el autor de la carta es el vecino de arriba. Quiere advertir a su amante, pero la soga con la que el hombre se descuelga al piso de abajo se corta. El marido encuentra al hombre oculto y le amenaza con su revólver, pero éste no funciona. Mientras Amelia trata de zanjar rápidamente la cuestión para no perderse el baile, los dos hombres creen conveniente una conversación entre caballeros. Amelia pierde la paciencia y, furiosa, rompe un florero en la cabeza de su marido. Al agente de policía que llega corriendo le cuenta una historia acerca de un extraño que ha entrado en la casa y ha golpeado a su esposo. El caso es que tienen que llevar al marido al hospital, pues continúa inconsciente, y el amante es detenido bajo sospecha de ser el agresor. Pero Amelia se sale con la suya, pues es el policía quien, finalmente, la lleva al deseado baile

Menotti recupera la ligereza de la antigua ópera bufa y la oculta tras un ropaje moderno. No obstante, el desarrollo tiene la misma forma vertiginosa, el mismo humor y la misma falta de verosimilitud que en cualquier autor del siglo XVIII. La obra fue estrenada el 1 de abril de abril de 1937 en Filadelfia.

Joplin. Obertura de ”Treemonisha”

Treemonisha es una bonita ópera en tres actos, con música y libreto del compositor norteamericano Scott Joplin, autor más conocido por alguno de sus numerosos ragtimes. Joplin, que era hijo de esclavos, quiso con esta obra concienciar a los miembros de su raza de la importancia de recibir una educación para progresar y liberarse no sólo legalmente (la esclavitud había sido abolida oficialmente cinco años antes de su nacimiento) sino también socialmente. El libreto es bastante ingenuo y las situaciones casi infantiles, pero, si la intención es lo que cuenta, ésta fue bastante buena.

La historia tiene lugar en Arkansas, en una plantación de maíz rodeada por un denso bosque. Toda la acción sucede en un día de 1884, pero en un prefacio al libreto Joplin nos cuenta los antecedentes. Ned y su esposa Monisha eran dos negros que no tenían hijos, pero una mañana, ella encontró a una niña con dos días de vida bajo un árbol y la adoptaron. Como nombre, le pusieron el de la madre, precedido por la palabra árbol, y así, “Treemonisha” vendría a significar “Arbol-Monisha” o “Monisha, la del árbol”. Mediante una estratagema, los padres adoptivos hicieron creer a todos que eran los padres reales de la niña. A ésta la enviaron a servir en casa de una dama blanca, quien le proporcionó una educación.

Cuando empieza la ópera, Treemonisha tiene dieciocho años. Es la única que sabe leer y escribir en la plantación, pero está enseñando a un amigo, Remus. Por la plantación pulula un trío de hechiceros, una pequeña mafia de la ignorancia y la superstición. Uno de ellos se presenta vendiendo amuletos, pero Treemonisha le acusa de hacer mucho daño a la comunidad negra al fomentar la superstición y el embaucador se tiene que ir viendo su negocio truncado. En la siguiente escena, la joven está con unas amigas en el campo y se propone arrancar las hojas de un árbol para hacerse una corona. Entonces, su madre le cuenta la verdad sobre su origen: fue bajo ese árbol donde la encontró, así que es sagrado y debe respetar sus hojas. Treemonisha se muestra de acuerdo y decide ir con una amiga al bosque, a buscar hojas de otro árbol. Al cabo de un rato regresa la amiga sola: los hechiceros han raptado a Treemonisha y se la han llevado a lo más profundo del bosque. Remus se disfraza con las ropas del espantapájaros y sale corriendo al rescate.

En el segundo acto, los raptores de Treemonisha acuden con su presa a una reunión de brujas y hechiceros que hay en el bosque. Estos proponen diferentes formas de matarla, pero el tiempo que pierden en discusiones permite a Remus llegar al lugar y espantar a los malvados aprovechándose de sus propias supersticiones, pues con su estrafalaria ropa le creen el diablo.

En el último acto, los jóvenes han llegado sanos y salvos a casa. Los desgranadores de maíz traen presos a los hechiceros. Su intención es hacerles pagar por el secuestro pero Treemonisha los perdona. Tras un pequeño sermón de Remus (“Nunca trates a tu prójimo con violencia”), los campesinos eligen a Treemonisha como su líder pues “ella es sabia y nos guiará por el sendero correcto”.

“Treemonisha” fue terminada en 1910, estrenada en Harlem sin éxito en versión de concierto con piano en 1915, olvidada por completo, redescubierta en 1970, y finalmente orquestada (lo que se encontró fue la partitura para piano) y representada en 1972 en el Morehouse College de Atlanta. Sería al año siguiente cuando el nombre de Scott Joplin saltaría a la fama, al aparecer su ragtime “The entertainer” como tema principal de la banda sonora de “El golpe”. En 1976 se le concedió el Premio Pulitzer a título póstumo por su “contribución a la música americana”

En la música de "Treemonisha" podemos detectar elementos del folklore afroamericano, cantos espirituales, ragtimes, danzas, coros y, en ocasiones, un estilo que anticipa el blues que no tardaría en llegar.

Ballet de “Europa riconosciuta”, Salieri

Cuando el público milanés, tras dos años de destierro al Teatro degli Arcimboldi, volvió a ocupar los asientos de la Scala, el 7 de diciembre de 2004, se encontró con que Riccardo Muti, Diana Damrau, Genia Kühmeier, Désirée Rancatore, Daniela Barcellona y Giuseppe Sabatini les habían preparado la “Europa riconosciuta” de Salieri. Extraño autor y extraña obra, en principio, para una ocasión tan señalada. Pero no tanto (al contrario, una elección muy atinada por motivos sentimentales) si tenemos en cuenta que con esa ópera se había inaugurado, en 1778, el Nuevo Teatro alla Scala, tras el incendio del primero. Y por cierto, no había vuelto a interpretarse desde entonces.

Por su tema, “Europa riconosciuta” se adscribe dentro de los parámetros de la ópera seria, pues cuenta una de esas historias de amores entrecruzados, traiciones, héroes y luchas por el poder en el marco de la Antigüedad clásica, que tanto les gustaba a los cultivadores del género. Sin embargo, hay algunos detalles diferenciadores, como el hecho de que se presencie un asesinato en escena, o que se utilice el llamado “final extendido” en los dos actos, práctica más típica de la opera buffa que de la seria.

Por lo demás, es una delicia escucharla, con unas cuantas arias dificilísimas que requieren una gran habilidad y amplias tesituras, especialmente para Europa y Semele.

Mientras desgranamos el argumento, podemos escuchar el ballet que cierra el Acto I:

Ballet, 1ª parte
http://www.youtube.com/watch?v=ukPVIqas ... AF15B9076D

Ballet, 2ª parte
http://www.youtube.com/watch?v=yAcFt8Ee ... playnext=2


Tras un naufragio, el rey Asterio de Creta arriba a la costa de Tiro junto con su esposa Europa y su hijo. En el diálogo de la primera escena somos informados de hechos que han sucedido antes: Europa de Tiro, hija del rey Agenor, estaba prometida en matrimonio al príncipe Isseo, pero Asterio la secuestró, le obligó a casarse con él y se la llevó a Creta. Perdido el rastro de la hederera, Agenor, al morir, dejó el trono a su sobrina Semele pero con una vengativa condición: que se case con el hombre que mate al primer extranjero que pise Tiro. Enterado de la muerte de Agenor, Asterio acude a Tiro junto con Europa para reclamar el trono, pero la tempestad destroza su flota y sólo llegan a tierra los tres citados.

Ya en el presente, la familia cretense es capturada por el general tirio Egisto, del que sólo por el nombre ya nos figuramos que es el traidor. Mientras tanto, en el palacio real se celebra la última victoria del príncipe Isseo. La reina Semele pretende casarse con él, y ordena convocar al Gran Consejo para anunciarlo. Pero Isseo sigue amando a Europa y rechaza la tentadora oferta de conseguir reina y reino de una tacada. Por si eso no bastase para estropear los planes de Semele, Egisto se presenta en el Consejo y le recuerda que debe casarse con quien mate al primer extranjero. El propio Egisto espera ser ese hombre y el extranjero, obviamente, Asterio, a quien trae encadenado. Pero también trae a Europa, quien deja asombrada a la concurrencia al presentarse como la princesa perdida de Tiro y heredera legítima al trono. Isseo, turbado por la reaparición de su prometida, provoca un estallido de celos en Semele.

El acto II comienza en una prisión, donde Asterio espera la muerte. En un diálogo entre Europa e Isseo, la primera ofrece renunciar al trono a cambio de que Semele salve a su marido y a su hijo. Por otra parte, destroza las ilusiones de Isseo declarándose fiel a su esposo (aunque éste la conquistase a la fuerza) y negándose a fugarse con el príncipe tirio. Este acude ante la reina, le traslada la oferta de abdicación de Europa, y desvela la traición de Egisto, que había intentado apañar la unión y fuga de los antiguos amantes. Semele ordena que se detenga la ejecución y que Egisto sea detenido.

A punto está Asterio de ser ejecutado cuando aparecen las tropas cretenses a las que suponíamos en el fondo del mar, y que ahora llegan como por ensalmo en auxilio de su rey. La lucha con la guardia de Egisto es indecisa, pero mientras tanto llega Isseo con su escuadrón y la balanza se inclina definitivamente. Egisto no se rinde y muere luchando. El pueblo de Tiro proclama reina a Europa, pero ésta, fiel a su promesa, traspasa el trono a Semele, quien acaba casándose con Isseo. Europa se vuelve a Creta con Asterio, que después de tener la vida pendiendo de un hilo para nada, debería irse mascullando “Pues para este viaje...”. Pero no: todos terminan muy contentos diciendo que quien olvida los ultrajes se asemeja en felicidad a los dioses.

¡BRAVO! ¡Qué ballet tan bello,cuánto tiempo sin escucharlo! Algo se aportará mañana...

Desde el hilo de la abyección nos llega hoy el Intermezzo de la ópera más conocida de Alberto Franchetti: "Germania". Recordemos, tirando del resumen que hizo el Marqués en el hilo citado, la situación en que estamos cuando empieza a sonar este intermezzo: los protagonistas, Federico Loewe (tenor) y Carlo Worms (barítono) encabezan un movimiento de resistencia alemán contra la invasión napoleónica. Pero, al tiempo que luchan contra el francés, también lo hacen entre sí por el amor de Ricke. A punto de enzarzarse en un duelo, llega la noticia de que se prepara la Batalla de las Naciones, a la que corren para no perdérsela, dejando en el aire la resolución de su pleito particular.

Pues bien, el Intermezzo, que tiene lugar antes del último acto, y que incorpora un breve coro, representa la batalla, en la que, por cierto, caen muertos ambos, el tenor y el barítono.

Franchetti. Intermezzo de ”Germania”

¡Qué interesante músico Salieri y a qué alturas se movía el mundo musical vienés de aquel momento!

Intermezzo de “Madama Butterfly”

Madama Butterfly, uno de los hitos en la historia de la ópera, no empezó con buen pie la larga y feliz trayectoria de que ha disfrutado después, en su siglo y pico de existencia, durante el cual se ha convertido en una de las óperas más representadas de todos los tiempos. El día de su estreno, 17 de febrero de 1904, cosechó en La Scala un fracaso de los que hacen época. Según unos, porque el tiempo de ensayo había sido escaso; según otros, porque el segundo acto era demasiado largo; una “tercera vía” dice que se debió al desagrado del público al encontrar en el primer acto reminiscencias de “La bohème”, lo que estaba muy mal visto; también se habla de hostilidad previa de la prensa por no haberse permitido a los periodistas asistir a los ensayos; y todavía quedan quienes dicen que todo fue un boicot orquestado (nunca mejor dicho) por los abyectos Mascagni y Giordano, a los que se supone un poco hartos del éxito y la fama de su rival Puccini.

La cosa no fue nunca aclarada, pero los hechos posteriores parecen dar la razón a quienes sostienen la segunda explicación, pues Puccini puso manos a la obra, convirtió ese segundo acto, tan largo que impedía la concentración del público, en dos actos, con lo que la ópera quedó en tres, y ya en mayo de ese mismo año volvía a presentar su obra en Brescia, con éxito arrollador.

Todavía entre 1906 y 1907 Puccini la revisaría tres veces más, de manera que hay cinco versiones de esta ópera. La última es la que se conoce como “versión standar” y es la que se representa casi siempre. Aparte de ésta, sólo la primera se representa también alguna vez.

Madama Butterfly proporcionó a Puccini tales ingresos que ya en 1912 pudo comprarse un yate con las ganancias. Agradecido a su criatura, le puso al barco el nombre de Cio-cio-san..

Os dejo el intermezzo en tres versiones:

Karajan. Filarmónica de Viena

Lorenzo Molajoli. Scala, 1929

Tulio Serafin, Orquesta de la Academia de Santa Cecilia de Roma

Una selección de lo más interesante, con tres lecturas bien distintas. La de Molajoli tiene su aquello, con esa ligereza, esa claridad y esa voluntad de dar relevancia a los mínimos detalles, muy alla Toscanini; Serafin suena a "así me lo aprendí yo" para todos los que tenemos la Butterfly entre nuestros primeros recuerdos de aficionado; Karajan es el otro extremo, la interpretación sinfónica, empastadísima y vibrante, acompañada por el mejor sonido, que siempre ayuda. Objetivamente -si hay objetividades en esto- será la mejor, pero aquí me costaría mucho decidirme.

Por cierto, supongo que conoces la anécdota -una más- del estreno. El productor tuvo la desdichada idea de acompañar el amanecer de esta escena con una serie de reclamos de pajaritos emitidos desde diversos lugares de la sala, que fueron respondidos por el público con una amplia variedad de sonidos animales algo más... destemplados.

Gracias por tus siempre estupendos comentarios.

Sí, había leído lo de los silbidos. Debió de ser una especie de "San François" con instrumentos naturales. Y menudo via crucis pasó Puccini la noche de ese estreno. Esta ópera fue su preferida, y seguro que algo tuvo que ver en ello la satisfacción de poder decir, sólo tres meses después: "Yo tenía razón". Lo del yate puede que también influyera.

Otra anécdota que he leído, pero me da que hay más de falso que de cierto en ella, es que no a todo el mundo desagradó el estreno, y que hubo un señor al que le gustó tanto, que pocos días después trató de bautizar a su hija con el nombre de "Butterfly", y tuvo problemas con el Registro Civil porque ese nombre, como era de suponer, no estaba autorizado. Enterado Puccini de que tenía ese admirador, se ofreció a ser el padrino de la niña. Pero no sé cómo acabó todo; dudo que consiguieran vencer a la burocracia (aunque todo es posible: un amigo mío tiene una hermana que se llama Damaris, y aunque tampoco ese nombre estaba aceptado hace cuarenta años, lo cierto es que acabaron poniéndoselo.)

Hoy podremos escuchar la Obertura y la música del Carnaval de “Violanta”, la segunda ópera de Korngold, escrita a los 19 años, que es ya una pequeña obra maestra, un breve anticipo de las dotes operísticas que harán su aparición en óperas posteriores, señaladamente en “Die Tote Stadt”.

“Violanta” es la historia de una venganza frustrada. Sucede en Venecia, en el siglo XV. Violanta, esposa del comandante veneciano Simone Trovai, ha planeado vengar a su hermana Nerina, que se suicidó tras ser seducida por Alfonso, príncipe de Nápoles. Es la noche del gran Carnaval, y Violanta ha citado a Alfonso en su habitación. Cuando lo tenga desarmado, ella cantará la canción del Carnaval como señal para que Simone (que también está en el ajo) entre y mate al príncipe. Pero éste es irrestible. Tanto, que la propia Violanta se enamora de él y, llegado el momento en que Simone se dispone a asestar el golpe, ella se interpone y cae mortalmente herida.

Disfrutemos, pues, con la hipermelódica música de Erich Wolfgang Korngold.

Korngold. Obertura y Música de Carnaval de ”Violanta”