Digo yo que sí. Que los "abyectos finiseculares" hablen.

Yo tampoco conocía I Zingari, ni su infame, degenerado y repugnante final.


Yo creo que una obra como Nerone, si podría entrar en el hilo.

¿Cuál de ellos? ¿Boito, Rubinstein, Mascagni?

Boito

Podría, podría. Su Nerone es una ópera muy bonita.

OK. Supongo que Mefistofele se descarta por demasiado conocido, que es lo que suponía. Del Nerone de Boito no sé nada; sólo conocía la existencia del de Mascagni.

Con este mensaje alcanzo la cifra de 10 000 en el foro. Sí, sólo es una cifra, pero no me negaréis que es redonda, . Y he decidido aprovecharlo para hablar un poco aquí de una ópera verista, notablemente abyecta, estrenada por el gran Miguel Fleta.



Giulietta e Romeo es una ópera en tres actos de Riccardo Zandonai (1883 - 1944) ,con libreto de Arturo Rossato, basado en la obra de Shakespeare y en las novelas anteriores de Luigi Da Porto (1485 – 1529) y de Matteo Bandello (1490 - 1560). Se estrenó en el Teatro Constanzi de Roma el 14 de febrero de 1922. Como hemos indicado más arriba, el tenor Miguel Fleta participó en el estreno mundial (por expreso deseo de Zandonai - “o Fleta o ninguno“-). Es una ópera que hace ya tiempo que ha desaparecido del repertorio. En España no ha llegado a estrenarse.


Riccardo Zandonai, el compositor.


De Riccardo Zandonai se ha hablado ya en el hilo, en concreto de su ópera más conocida, Francesca da Rimini, aquí, aquí y aquí.

Los personajes de Giulietta e Romeo son los siguientes:
Giulietta Capuleto, soprano.
Romeo Montecchi, tenor.
Tebaldo, Capuleto, barítono.
Isabella, criada de Giulietta, soprano.
Un cantante, tenor.
Gregorio, tenor, Sansone, bajo, y Bernabò, bajo, hombres de los Capuleti.
Uno de los Montecchi, tenor.
Un familiar de Romeo, tenor.
Una mujer, soprano.


Giuseppina Cobelli y Angelo Minghetti. Scala 1933

El argumento podemos encontrarlo en el Dizionario dell'opera de Piero Gelli, en italiano, eso sí. Un gran forero y buen amigo nos ofrece la traducción al castellano:

En Verona, las familias de los Montescos y los Capuletos están enfrentadas. Un joven enmascarado intenta mediar para establecer la paz entre ellos, pero Tebaldo, protector de los Capuletos, se opone a ellos. El pregonero avisa de la llegada de una ronda de vigilancia; mientras todos desaparecen, el joven enmascarado permanece en el lugar, bien escondido: se descubre que es Romeo Montesco cuando, asomada Julieta Capuleto desde una ventana, él le declara su amor. No pueden amarse, aunque están enamorados, a causa de la contienda que mantienen sus respectivas familias. Julieta, sin embargo, extendiéndole unas telas a modo de escalera, permite a Romeo subir hasta su apartamento: Romeo saldrá de allí al amanecer. Mientras comienza el baile organizado para celebrar el compromiso de Julieta, llega Tebaldo. Éste conoce el idilio entre Giulietta y Romeo y desaprueba lo sucedido, sabiendo también que Giulietta, por deseo de su padre, debe casarse con el conde de Lodrone, algo que ella rechaza. Lleno de ira, llega Gregorio, con noticias sobre el nuevo enfrentamiento entre los protectores de las dos familias, y declarando haber visto también allí a Romeo. Pero en realidad Romeo no habría podido participar, porque está justamente ahí, en el jardín, muy cerca del baile, todavía escondido. Romeo desafía entonces a Tebaldo a un duelo, hiriéndolo de muerte. Julieta consigue que Romeo escape, aunque olvida su espada manchada de sangre en el lugar del delito. En una posada de Mantua, Romeo espera noticias procedentes de Verona. Un cantante ambulante entona un triste canto: una canción de luto por la desaparición de Julieta. Romeo se precipita sobre él para que desmienta la noticia, para que le diga que es falso aquello que canta. Pero el lacayo al que esperaba regresa entonces desde Verona y confirma la noticia, añadiendo que Julieta murió justo antes de casarse con el conde Lodrone, el esposo que le había designado su padre. Pero Julieta no está muerta: con Romeo al borde de la muerte, Julieta se despierta pasados los efectos de una droga que había tomado para evitar casarse con Lodrone. Quien debía advertir a Romeo de lo planificado por Julieta se ha retrasado con consecuencias fatales: mientras Romeo muere, el dolor se apodera de Julieta.

La clásica situación shakesperiana se ve tratada por Zandonai con la consabida sabiduría orquestal, y con una capacidad lírica tendente a subrayar las situaciones latentes –aquellos momentos que anuncian la tragedia y preparan lo que está por llegar, poniéndonos casi en espera fatal de aquello que el destino ha previsto-, antes que los momentos de acción más directa y evidente. La capacidad de indagar en las grietas y en los pliegues más recónditos de la psicología de las pasiones toma forma en una página musical envolvente, insinuante, al mismo tiempo que patética en su despliegue. Con el apoyo de la voz dúctil y llena de lirismo de las cuerdas, la melodía se fortalece a menudo intercalando, en el conjunto bien empastado, la intervención de las voces, como en un poema sinfónico, y asimismo la dimensión concertante, casi en competencia con las voces y la línea instrumental.




Disponemos tanto del libreto como de la partitura, que se puede seguir en línea, o bien ser descargada.


En el catálogo de operaclass figuran dos grabaciones, una dirigida por Angelo Questa, en el año 1955, con Anna Maria Rovere como Giulietta y Angelo Lo Forese como Romeo . El Tebaldo lo interpreta Renato Capecchi. La otra, una grabación en estudio, con Loris Gavarini dirigiendo la Orquesta Sinfónica de San Remo fechada en 1961 y con mejor sonido. Repite Angelo Lo Forese en el rol del Tenor, y en esta ocasión su Giulietta es Antonia Mazza-Medici. Tebaldo es Mario Zanasi. Ambas disponibles en Spotify: Questa, Gavarini.

Es una obra disfrutablemente abyecta, que puede ser un pelín larga, sí, pero que yo creo que merece, al menos, una escucha, sobre todo para los que sufren de tenoritis, , aunque el papel de la soprano no es moco de pavo tampoco.

De muestra, el fragmento más conocido. El aria que canta el tenor en el tercer acto: Giulietta! son io! Io, non mi vedi? Lo escuchamos en la voz de Miguel Fleta, su primer intérprete. La voz de los sentidos, y a quien va dedicado este mensaje. Bueno, a Fleta y al conjunto de los foreros, .

Enhorabuena por los diez mil, Gerardo. Yo ya me acerco

Enhorabuena a Gerardo Rosvaenge por su mensaje 10000 y por presentar esta ópera tan abyecta. Efectivamente, como Fleta nadie, pero me permito completar con esta versión de Mario del Monaco que cantó el aria "Giulietta son io" con cierta asiduidad en recitales.

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=X7L6ZPHHRcA[/youtube]

A los que llegan a esas cantidades de mensajes les tenían que dar algún bono o tarjeta, como al protagonista de "Up in the air".

Más de dos semanas han transcurrido desde esta afirmación:


Tiempo suficiente para convertirla en obsoleta. Así que...



Dado que Arrigo Boito sólo compuso dos óperas, y una es ésta de la que me voy a ocupar ahora, y la otra no cumple los requisitos para ser aceptada en este hilo, deduzco que poco más se va a hablar en lo sucesivo de este compositor. Por ello, voy a explayarme con su vida.

Arrigo Boito (Padua, 1842 - Milán, 1918) fue uno de esos compositores italianos de ópera que, como Catalani, Leoncavallo o Mercadante, fueron, para bien o para mal, contemporáneos de un gigante de la música como Giuseppe Verdi. Para mal, porque el maestro de Busetto los eclipsó a todos. Para bien, en el caso de Boito, porque al final ha terminado siendo más recordado por haber proporcionado a Verdi los libretos de “Otelo” y “Falstaff” que por sus propias composiciones. (También escribió otros, como el de “La Gioconda” de Ponchieli, “La Falce”, de Catalani, etc.)

Y eso que no pudo empezar con peor pie con el maestro, a quien acusó de “garabatear en la pared del burdel”, es decir, de degradar los templos del arte con música vulgar. ¿Por qué le dedicó semejante joya? Pues porque cuando lo dijo, Arrigo era joven, rompedor, exaltado, ultrarromántico y... “wagnerista”. Sí: como tantos otros de su época, Boito, pese a ser italiano, siguió la senda del otro coloso, el germano, cuyas teorías sobre la obra de arte total le convencían más que las del autor de Rigoletto. Sin embargo, su valía como poeta debió de revelarse pronto, pues con sólo veinte años escribió la letra del Himno de la Nación, y el propio Verdi le puso música para la Exposición Universal de Londres.




Boito fue uno de los cabecillas de la Scapigliatura, que, según parece, significa algo así como “Libertinaje”. Esto fue un movimiento literario y artístico que se desarrolló tras la proclamación del reino de Italia (1861) sobre todo en el norte, y en particular en Milán, capital del mundo editorial y del periodismo. Los scapigliati adoptaron posiciones bastante críticas frente a la literatura y la cultura italianas de su tiempo, admirando sobre todo a autores extranjeros, lo que determinó un positivo efecto de apertura y rejuvenecimiento de la cultura literaria italiana. Como los “Regeneracionistas” españoles, vamos, sólo que treinta y pico años antes.

De las dos óperas que compuso, ambas sobre personajes de nota (“Mefistofele” y “Nerone”), es muy conocida la primera y apenas nada la segunda. “Mefistofele” fue estrenada en 1868 cosechando un sonado fracaso, entre otros motivos por ese supuesto “wagnerismo” (se estrenó en Milán; habría que haber visto si hubiese sido lo mismo en Dresde, por decir algún sitio donde el wagnerismo -¿no suena mejor “wagnerianismo”?- no estuviera considerado delito). Boito hizo varias revisiones y cortes y volvió a presentarla, esta vez en Bolonia, en 1876, ahora con rotundo éxito, del que no se ha bajado hasta la fecha.

En los siguientes años se dedicó principalmente a la poesia y, como he dicho antes, a la escritura de libretos para otros compositores. El acercamiento entre él y Verdi se debió al editor Ricordi, a quien le debemos, por tanto, que Boito crease esa maravilla de libreto que es Otelo, que el propio Verdi consideraba el mejor que había tenido en su carrera.




El caso es que desde hacía tiempo, Boito andaba rumiando otra ópera, “Nerone”. Se dice que “El anillo del nibelungo” es la obra de toda una vida porque su autor invirtió 25 años en ella, pero la gestación de “Nerone” estableció un récord imbatible que hubiera hecho palidecer de envidia al propio Wagner: ¡56 años! Y ni siquiera la terminó. La primera noticia sobre este proyecto ya aparece en una carta suya de 1862; Boito murió en 1918 sin haber acabado la orquestación. Y es que, llevando al extremo lo de la “obra de arte total”, Boito se empleó a fondo con ella, documentándose hasta la obsesión sobre iconografía y vestuario, léxico y métrica, y llegando hasta a concebir un tratado de armonía ad hoc. El libreto lo dio a conocer en 1901, pero de la orquestación hubieron de ocuparse Arturo Toscanini y Vincenzo Tommasini para estrenarla póstumamente en La Scala el 1 de mayo de 1924. Este fue el primer reparto:

Nerón (Tenor) Aureliano Pertile
Simón Mago (Barítono) Marcel Journet
Fanuel (Barítono) Carlo Galeffi
Asteria (Soprano) Rosa Raisa
Rubria (Mezzosoprano) Luisa Bertana


Vamos con el argumento:

ACTO I
Encontramos a Nerón en la Via Apia, quemando las cenizas de su madre Agripina, a la que acaba de asesinar. Aquí tenemos a Pertile, cantando el aria inicial “Queste ad un lido fatal”, en un registro de 1925:

http://www.youtube.com/watch?v=RrU_UttheAo

Nerón se aleja de Roma previendo el rechazo de sus ciudadanos, y busca consuelo en los ritos y artes de Simón Mago. De improviso, aparece Asteria como un espectro, y Nerón, creyéndola una Erinia, se da a la fuga aterrorizado. (Las Erinias eran las personificaciones de la venganza, que perseguían a los culpables de ciertos crímenes) Simón Mago piensa utilizar para sus propio fines a Asteria, que está locamente enamorada de Nerón, contra el propio Emperador.

Poco después, el rezo de la joven Rubria es interrumpido por el apóstol cristiano Fanuel, que la exhorta a confesar el pecado que la oprime. El diálogo es interrumpido por Simón, que intenta comprar algún milagro a Fanuel ofreciéndole oro, pero lo que recibe es una maldición.

Vuelve Nerón y Tigellino le anuncia que todo el pueblo romano ha llegado para devolverlo en triunfo a la capital. Visto que los romanos se lo perdonan todo, el Emperador emprende con ellos el regreso a Roma, y todos terminan este primer acto así de contentos:

http://www.youtube.com/watch?v=09OEthXvuUU

ACTO II
Templo de Simón Mago. Para plegar a Nerón a sus ambiciones, y después de haber recurrido a varias estratagemas, Simón Mago le hace comparecer ante Asteria, a la que previamente ha disfrazado de diosa, para hacerle creer que es una medium entre él y el alma de su madre. Pero cuando la joven se inclina sobre el Emperador para besarlo, éste recuerda haber tenido entre los brazos a una mujer: con furia irrefrenable, devasta el templo, descubriendo los trucos de Simón Mago, que es arrestado por los pretorianos y condenado a morir en el circo.

Aquí tenemos el arioso de Simón, el duetto de Neron y Asteria, y el final del Acto II. Se trata de un registro de 1975, de una representación en vivo con Bruno Prevedi, Alessandro Cassis, Ilva Ligabue y Ruza Baldani, dirigida por Gianandrea Gavazzeni.

http://www.youtube.com/watch?v=LgEzdAP8ARk

http://www.youtube.com/watch?v=1VtLMRlO ... re=related


ACTO III
Los cristianos están reunidos para rezar bajo la guía de Fanuel, cuando llega Asteria, que ha escapado de la fosa de serpientes a la que ha ordenado echarla Nerón. Asteria les advierte que también ellos, los cristianos, han sido condenados por el Emperador. Simón Mago guía a los soldados romanos hasta ellos. Fanuel, arrestado, pide a sus hermanos que recen por él mientras es conducido fuera. Lo escuchamos en la citada versión de 1975:

http://www.youtube.com/watch?v=UJJlZxcD ... re=related

http://www.youtube.com/watch?v=hRPdMKuE ... re=related


ACTO IV
Cuadro Primero.
Circo Maximo. Simón Mago viene advertido del inminente incendio de la ciudad, provocado para favorecer su fuga. También Nerón lo sabe, y está encantado con ello: “Lo que muere, resucita”. Cuando los cristianos son sacados a la fuerza a la arena, una vestal, velada, suplica piedad para ellos, pero Nerón hace que le quiten el velo y reconoce a Rubria, firmando con ello su condena. El anuncio del incendio provoca una estampida generalizada.

Cuadro segundo.
En el spoliarium, subterráneo del circo donde se coloca a los muertos, Fanuel y Asteria rodean a Rubria. La joven, a punto de expirar, confiesa finalmente a Fanuel su pecado: haber servido a un falso dios como vestal. Y al mismo tiempo, le declara su amor. Fanuel le da el perdón cristiano y la declara su esposa. Rubria muere y Fanuel huye con Asteria entre las llamas del spoliarium.

Así termina la ópera:

http://www.youtube.com/watch?v=y4pjG8Y8 ... re=related


He traducido el argumento, de aquellas maneras, de operamanager.com. El artículo de esta web termina con unas palabras de Arrigo Boito, y con una interesante reflexión:

“Para mi desgracia, he estudiado demasiado mi época (...) Puede que termine “Nerón” o puede que no, pero lo que es cierto es que no lo abandonaré nunca por otro trabajo, y si al final no tengo fuerzas para terminarlo, no me quejaré por ello y viviré, ni alegre ni triste, con ese sueño en el pensamiento.”

Con estas palabras, escritas en una carta a Verdi el 1884, el propio Boito bosquejaba con sorprendente lucidez el destino de su segunda y última ópera. El maniático cuidado puesto en el trabajo de documentación, acreditado por miles de fichas y diversos cuadernos, acabó siendo un obstáculo para la labor del compositor. Por otro lado, el enorme lapso de tiempo transcurrido desde el inicio del proyecto hasta la efectiva realización de la música tuvo como consecuencia el que la ópera estuviera desfasada ya antes de su estreno, pues, nacida para ser contemporánea de “Otelo” y de “Cavalleria rusticana”, se acabó encontrando con “Pelleas” y con “Salomé”, y aquí puede radicar una de las razones de su fallida terminación. A pesar de ello, no se puede decir que “Nerone” sea un fracaso desde el punto de vista artístico: si “Mefistofele” ha conservado para siempre un lugar en el repertorio operístico, “Nerone”, ciertamente, habría merecido mejor fortuna.

Muchísimas gracias por descubrirme estas dos magnificas óperas.

A quien pueda interesar: la versión citada de "Nerone" sigue disponible en el Blog del querido Cuervo López.

Gracias, Gerardo y Loge, por las aportaciones.

Impresionante el aria de Zandonai cantada por Fleta; absolutamente abyecta.

¿Consideran que Lodoletta es lo suficiente adyecta para tener cabida en este hilo?