Pues a mí La fiamma me parece un operón. La ví en Berlín en 2024 y fue de las mejores funciones que presencié ese año.
Y el concierto gregoriano para violín me chifla también. Además de sus obras más en repertorio Pinos de Roma, Fuentes de Roma

A mi me parece que Respighi es un compositor infravalorado, o por ser un impresionista italiano o por no ser un melodista nato como Puccini o Verdi, sigue sin calar en el gran público salvo la famosa trilogía. En mi humilde opinión, si uno se toma la molestia de escuchar su música con paciencia y repetidas veces, al final acaba por encontrarle el gusto.

Empiezo mi primer Anillo del año, viendo los streamings del de la Scala que se está ofreciendo completo este mes, alternando con funciones del Ocaso.

Cada vez que se interpreta El Anillo del Nibelungo es un acontecimiento en la ciudad que lo lleva a cabo. Sin embargo, es singular cuando se hace en el mayor templo de la ópera italiana en el mundo: la Scala de Milán. Aunque sea la capital de la ópera italiana, la Scala cuenta con una larga tradición wagneriana, aunque hasta la segunda guerra mundial fuera principalmente en lengua italiana. En 1950, Wilhelm Furtwängler dirigió el primer gran Anillo producido en Europa desde la, por aquél entonces, recién terminada Segunda Guerra Mundial, con un elenco mítico. Y por primera vez en lengua alemana, lo que se convertirá en costumbre desde entonces en el teatro lombardo. En los años 60, André Cluytens tomó el relevo. En los años 70, Wolfgang Sawallisch, pero no llegó a escenificarse el Ocaso. En los 90, lo hizo Riccardo Muti. Y entre 2010 y 2013, año en que se representó completo en una sola temporada con motivo del bicentenario, el maestro argentino Daniel Barenboim tomó la batuta. Ahora con motivo del sesquicentenario del Anillo, se vuelve a representar el ciclo completo, aunque desde 2023 se han representado las jornadas por separado, vuelve la épica wagneriana a la Scala, y lo hace con una producción de David McVicar.

La producción, esperable en McVicar, se antoja más bien clásica. Claro que no clásica al estilo del viejo Met, pero la acción se reconoce y no hay que hacer demasiados esfuerzos para seguir la trama.

El Oro del Rin mezcla una puesta en escena moderna, por momentos minimalista, en la que los personajes van vestidos al estilo isabelino. En la producción importan más las luces, la infraestructura, más que los decorados, los cuales no dejan de impresionar. En el telón se ve proyectada una mano rodeada de un círculo, todo en plata, los cuales al levantarse muestran el fondo del Rin, presidido por tres enormes manos, sobre los que juegan las ondinas. Alberich aparece vestido como un bufón shakespeariano, ¿o incluso Rigoletto?, y el Oro del Rin, iluminado magníficamente en amarillo, es representado por un bailarín con una máscara dorada, la cual Alberich le quita al final de la escena. El segundo cuadro es una enorme escalera, alrededor de la cual, Loge y los dioses aparecen vestidos con nobles y amplios ropajes isabelinos y máscaras. Al menos aquí los gigantes son tales, son enormes y cabezones muñecos, dentro de los cuales están los cantantes. El Nibelheim es una enorme calavera, de la que emerge y desaparece Alberich, quien atormenta a sus nibelungos y a su hermano Mime, también vestido de bufón. De ella aparecen un enorme esqueleto de serpiente y otro de sapo, cuando Alberich usa el yelmo para transformarse. Al final, los dioses suben por la escalera, mientras un hombre ensangrentado, posiblemente el mismo que apareció con la máscara dorada en la primera escena, se arrastra por el escenario.

Simone Young es la primera mujer que ha alcanzado la consagración y la fama absoluta como directora de orquesta wagneriana. A sus 65 años, la maestra australiana se ha labrado una carrera especializada en el repertorio germano en general, y wagneriano en particular. Ha grabado oficialmente el Anillo, para el sello OEHMS, así como una integral de las sinfonías de Anton Bruckner, también ha llevado al vídeo la ópera Palestrina de Hans Pfitzner... y en 2024 debutó con éxito en el Festival de Bayreuth, dirigiendo el Anillo con la mediocre puesta en escena de Valentin Schwarz, levantando el nivel de esa puesta en escena que no será añorada. Esta producción del Anillo de la Scala de Milán, diez años después de que Daniel Barenboim lo dirigiera en este augusto escenario, tendría que haber contado con Christian Thielemann al frente de la orquesta. Sin embargo, el maestro alemán tuvo que abandonar el proyecto debido a problemas de salud. En su lugar, se ha contado tanto en las presentaciones por separado, desde 2023, hasta los ciclos enteros que se harán, con dos maestros wagnerianos experimentados: uno es Alexander Soddy, batuta emergente, y la otra es la propia Young, cuya interpretación ha sido elegida para ser inmortalizada en vídeo.

En el Oro del Rin, la señora Young realiza una versión más bien calmada, el problema es que la toma de sonido no parece buena. La orquesta acompaña a los cantantes, con una interpretación lenta del preludio. A partir de la cuarta escena, es cuando la orquesta brilla al nivel esperado, especialmente las cuerdas. Salvo un momento en el preludio, los metales de la orquesta suenan genialmente. Lo único que no mme gustó mucho es la rapidez justo en la conclusión de la obra: esa marcha con la que los dioses se dirigen a su nueva morada pierde solemnidad y majestuosidad dirigida así.

Michael Volle tiene en el Oro la voz avejentada, pero mejora a mitad de la obra, con una interpretación decente de su aria "Abendlich strahlt der sonne auge". Olafur Sigurdarson como Alberich tiene el problema de su voz ligera, en un rol donde el grave se hace necesario para transmitir mejor la maldad del personaje, pero lo suple con su actuación, creando un personaje repulsivo. Okka von der Damerau es una Fricka bien cantada, esa voz también ligera le da un toque de especialidad feminidad al matronil personaje. Norbert Ernst es un Loge más bien correcto, una voz más bella de lo que suele asociarse al rol, pero me recordaba peligrosamente a la de Vogt, quien cantará el rol en Bayreuth. Sin embargo, su interpretación parece estar más bien centrada en cantar bien, y actuar menos, aunque con el aparatoso traje que lleva no puede hacer mucho. El veterano Wolfgang Abilinger-Sperrhacke sigue siendo un magnífico Mime. Los gigantes son interpretados por Jongmin Park como Fasolt, y Ain Anger como Fafner. El eminente Park está en su mejor momento, y se nota en su impecable canto, con esa voz oscura e imponente de bajo profundo que tiene. Anger no canta tan bien pero actúa convincentemente. En cuanto a los demás dioses, son todos excelentes: Siyabonga Maqungo con un Froh de lírica y bellísima voz, André Schuen como un Donner imponente y Olga Bezsmertna como una Freia deliciosamente cantada. Christa Mayer es una Erda bien cantada, pero adolece del grave necesario para el mítico personaje. En cuanto a las hijas del Rin, a destacar la Wellgunde de Svetlina Stoyanova.


Seguiremos con la Valquiria pronto.

Una versión antigua, que no vieja, producción del Metropolitan, que reúne en los papeles principales a Bidú Sayâo y Richard Tucker, con unos secundarios de lujo como Giuseppe Valdengo, un barítono excelente y ahora olvidado, y Salvatore Baccaloni, un bajo buffo que hizo una carrera estelar en una multitud de papeles del género. Dirige Giuseppe Antonicelli.

Esta e una ópera que me gusta mucho aunque esta versión, quizás la más jazzística que conozco, es la que menos me gusta. Por cierto, esta grabación fue regalo de un miembro de este foro cuando hacíamos lo del amigo invisible.

Tiene el interés añadido de que Smallens dirigió el estreno mundial de la obra, con lo que esta versión "completa" nos puede dar una idea de su visión de la obra.

Dado el nonagésimo nono cumpleaños de la diva ayer, qué menos que este homenaje de un humilde devoto. A pesar de los pesares ( los de de un Pippo gastadísimo y un Corena afectadísimo), la dirección de Karajan en el 1962 de esta grabación es extraordinaria. El Scarpia de Taddei lo cuento entre los mejores de la discografía, vocalmente superior a Gobbi: autoritario, taimado, manipulador y cruel. Ella no necesita explicaciones.

Mi primera y única grabación de esta ópera, cuya discografía es bastante (por no decir muy) escasa (apenas cuatro o cinco), así como el número de representaciones según Operabase; Por casualidad he encontrado en Spotify una grabción en alemán de 1994 dirigida por Wolfgang Gönnenwein. Esta de Lamberto Gardelli de 1974 impone por sí sola con el elenco de cantantes que intervienen en ella.

Esta grabación de 1973 sigue siendo considerada una de las mejores de la discografía. Aquí ha salido una versión remasterizada en 2025, que incluye supuestas mejoras de sonido, disponible en plataformas digitales y de alta resolución, como esta e Spotify que estoy escuchando. Yo, qué quieren que les diga, me crié a la antigua, con discos de vinilo en la gramola de mi casa...

En los últimos meses me había despertado curiosidad este registro, con una pareja muy apetecible: Pilar Lorengar y Jaime Aragall, junto al Germont de Fischer-Dieskau. Los conjuntos de la Deutsche Oper de Berlín son también un aliciente, y quería conocer la dirección de Lorin Maazel. Pues bien, vocalmente muy muy interesante, con una Lorengar cristalina (aún estoy por el segundo acto, a ver cómo termina), un Aragall arrojado y un Fischer-Dieskau venerable.

En cuanto a la batuta, parece que Maazel se dejó llevar al terreno DECCA. Esta grabación es un ejemplo de ese despliegue suntuoso, fílmico y un tanto efectista que guiaba a DECCA en sus producciones de estudio de los años sesenta, comenzando por el Anillo de Solti. La orquesta tiene presencia destacada, trompas prominentes y buena captación de las cuerdas graves. Hay elementos típicos de Maazel, singularmente esa cuerda pulida y un tanto almibarada (nótese el preludio), pero también hay algunos cambios bruscos de tiempo y giros un punto violentos en el primer acto, que parecen dirigidos a crear una atmósfera impactante y teatral. Los ruidos de fondo (murmullos, copas que se rompan...) son otro signo de la DECCA de una época dorada del gramófono.

Tendría que ser la leche verle a Hans Hotter suspirar en la escena final de esta ópera.

https://m.youtube.com/watch?v=om33GTC2J ... IDE5ODQ%3D
Un Turandot donde la protagonista absoluta es una inmensa y vocalmente segura - que no es poco tratándose de esta Grande - Jones.
Lo de Dame Gwyneh Jones con sus incidencias vocales es digno de estudio: ¡cómo consiguió reinventarse! (con alguna ayudita externa de otra insigne soprano): Increíble. Frente a otras que por abuso de una voz que no llegaba tan lejos como las ambiciones y con carreras en caída libre inevitable, la galesa resurgió de sus cenizas y nos regala estas Turandots ochenteras que son un verdadero placer para cualquier aficionado el escucharlas.
Esta que traigo es la que ofreció Colín Davis en Los Ángeles - nombre dado a esta ciudad por monjes cordobeses (grande España) - allá por el 1984.
La Jones hace una Turandot referencial en lo vocal, con un legato admirable estando segura en toda la tesitura de Turandot y sin mostrar ese vibrato lento y acusado que luego aparecería en los noventa. La interpretación es, como siempre en ella, de primer nivel. Un hallazgo en YouTube digno de escucharse.
Como compañero un Domingo corto arriba...muy corto; de emisión musculada, esforzada y parco en matices:
El Eterno Mezzoforte.
No molesta : acompaña bien a la soprano aunque su voz no puede con la titánica voz de la Jones.

La Liu de Yoko Vatanabe, digna Liu. Lejos de las grandes Lius históricas. Abusa del forte en piezas tan claves como "signore ascolta" La veo como la parte más débil del trio de protagonistas. Cumple, repito, sin más.

¡Qué maravilla de ópera, qué maravilla de grabación! Se siente el pálpito de la Alemania de aquella época.

Llevado por el interés que el personaje del vampiro, y más concretamente el de Nosferatu, despiertan en mí —merced a la profunda admiración que siento por el clásico de Murnau (una de las películas más cautivadoras y extraordinarias de la historia, y la mejor de todas las adaptaciones que se han hecho del inmortal clásico literario)— era inevitable que acabará topándome con esta ópera del joven compositor ruso Dmitri Kourliandski. Así es que, ni corto, ni perezoso, y aunque ya había escuchado algún fragmento en Youtube, me lancé a comprar la versión digital de la misma (única disponible, que yo sepa) y a escucharla. ¿Conclusiones? ¡¡Bufffff!! La obra es dura, muuuuuuy dura. Prácticamente ayuna de acción dramática tradicional, se caracteriza por una música en la que, bajo el fondo de elementos electroacústicos y un texto puramente parlato, los solistas añaden todo un conjunto de onomatopeyas, ruidos, vocalizaciones y sonidos variados producidos por la voz humana. El resultado es una composición que, tras cierto tiempo de escucha, acaba por resultar monótona; no desagradable, ni agotadora —e imagino que tampoco especialmente aburrida si se presencia representada escénicamente—, pero sí repetitiva y rutinaria. Dejo, no obstante, que sea el propio Kourliandski quien explique su obra, para que cualquier interesado pueda hacerse una idea al respecto:

«A contemporary rendition of Nosferatu can be interesting only when viewed through the prism of an ontological interpretation of certain dichotomies, such as spirit and body, light and darkness, the masculine and the feminine, the warm and the cold, East and West, life and death. In this sense, blood is a unique embodiment of such dichotomies: when it circulates through our veins, being concealed from our eyes, it symbolizes life, but when we see blood spilled, it stands for death. Nosferatu needs to imbibe blood, in order to go beyond the ordinary and the commonplace, to be in contact with the unknown and the transcendental. In his quest for the unknowable, he is poised between life and death.

»In addition to being an original poetic text, the libretto uses a great many factual enumerations, such as lists of items related to human anatomy, to components of human blood, as well as lists of ailments, of poisonous and medicinal plants and herbs, and of many other things. These lists set in motion the mechanism of generating symbols and meanings. The human circulatory system turns into a symbolical labyrinth. We are presented with a hallucinogenic landscape in which the lofty collides with the lowly, life with death, light with darkness, the past with the future, in the continuous movement toward the otherworldly. This collision engenders a supernatural present that teems with Erinyes, nightmares, life-giving and lethal visions. The labyrinth leads Nosferatu not to heaven but to the nucleus of the other world that conceals a new Hades or, perhaps, a new paradise.

»The opera Nosferatu is an attempt to immerse into the human organism, to reflect the sounds and images produced inside the body. The action of the opera actually takes place entirely inside Nosferatu, and all of its characters are products of his inner world. That world constantly regenerates and reconstructs itself, showing how desperate human civilization is.

»The opera puts a special emphasis on the quality of despair, starting with the mythology of ancient Greece, with Persephone as the first example of the living/dead dichotomy (each year she would spend six months in Hades and six months on earth), through the rich analogies from the Medieval literatures, all the way to the literary themes of the Romantic period, and continuing in the cinematography of the 20th and 21st centuries, which includes over one hundred films on the subject.

»From the standpoint of music, the idea of immersion into the human organism is realized not so much through naturalistic means, but rather through an attempt to recreate the rhythmic and acoustic aura of a functioning organism in the structure of the musical score and in the very material of the sounds: the claustrophobic nature of the human body is depicted as a cage in which the free spirit is doomed to thrash about».

Me consta que Kourliandski, siguiendo la estela de otros prestigiosos compositores que le han precedido, elaboró también una suite a partir de esta ópera.

¡¡¡TIP, esta es la tuya...!!!

Uno de los Strauss más desconocidos, del que apenas tengo noticia de representación alguna. Escuchada por CD no parece una ópera de tal compositor.