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 Asunto: Re: CRÓNICAS DE CONCIERTOS
NotaPublicado: 18 Nov 2021 23:38 
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angelparsifal escribió:
Termina el ciclo Rossini en España, que la fundación Juan March ha llevado a cabo este último mes, con una rareza: la primera versión de su famoso Stabat Mater, la que se estrenó en Madrid en 1833. Dos años antes, en 1831, Gioacchino Rossini visitó Madrid. En nuestra ciudad dirigió una representación de su Barbero de Sevilla, en presencia del mismísimo Rey Fernando VII, y de la élite de la ciudad. Entre los asistentes se encontraba el prelado Francisco Varela, protector de intelectuales como José de Larra, y amigo del protector español de Rossini, el banquero Alejandro Aguado.

Varela persuadió a Rossini, quien llevaba solo dos años retirado desde el Guillaume Tell en 1829, para escribir un Stabat Mater. Rossini, tras dudarlo al principio, aceptó, y compuso siete de los trece números de la pieza. Sin embargo, los números 2 a 7 y el final, no fueron completados por Rossini sino por un colaborador suyo, Giovanni Tadolini. Con todo, terminó estrenándose el Stabat Mater de dos autores en la extinta iglesia de San Felipe del Real, el 5 de abril de 1833. Rossini solo autorizó que la música se representara de forma privada, pero al fallecer Varela, sus herederos vendieron en París la partitura, que rápidamente fue editada. Rossini, enfadado pero también preocupado de que se diera a conocer una obra que no era completamente suya, rehízo la obra y la presentó en París el 7 de enero de 1842, convirtiéndose en un clásico de la música sacra desde entonces.

Rara vez se ha dado a conocer la versión madrileña. Solo se había conservado una edición de piano y canto y solo hace 10 años que se orquestó. De ahí que el escuchar este clásico en su versión primigenia, en el concierto de esta tarde, es toda una curiosidad irresistible que solo la Juan March podía ofrecer en el marco de sus interesantes ciclos. A pesar de que en su día se estrenó con una orquesta de 80 músicos, en el concierto de hoy se ha escuchado la versión de canto y piano. El programa de mano, en un genial y didáctico artículo de Gian Giacomo Stiffoni, comenta y señala las partes de uno y otro autor. Y es aquí, donde dentro de una línea general, contrasta fuertemente el evolucionado, dramático, bastante moderno y enérgico estilo musical del Rossini con el más bien dieciochesco, si bien muy operístico, más convencional de Tadolini. La fuerza creadora frente a la simple belleza.

El Coro de RTVE (Radio Televisión Española) ha dado una genial y viva interpretación bajo la dirección de Josep Vila i Casañas. Las piezas compuestas por Rossini tienen un vigor romántico y al mismo tiempo un misticismo propio de las polifonías del siglo XVI, que tienen alguna influencia, pero por otro lado hay momentos en que ese vigor antes mencionado parece anunciar otra pieza célebre que vendría tres décadas más tarde: el Réquiem de Verdi. Curiosamente, el cuarteto a cappella "Quando corpus morietur" fue asumido por el coro, quien dio la mejor de sus interpretaciones, dando un ambiente místico, angelical en la sala. Igualmente impresionante estuvo en el aria con el bajo "Fac ut ardeat cor meum" y en el final, aquí compuesto por Tadolini.

En cuanto a los solistas, la mejor de la noche fue la mezzosoprano Carol García, con una bellísima, etérea y memorable interpretación de "Fac ut portem Christi mortem", una Cavatina cantada con dulzura, en la que la solista debe sonar angelical, algo que García logró. La soprano Carmen Romeu cantó con energía, si bien suena nasal, especialmente por arriba. No obstante en "Inflammatus et accensus" fue capaz de emitir unos agudos realmente penetrantes. Igualmente es capaz de hacer unos buenos pianissimi. El tenor Alejandro del Cerro tiene una voz lírica y potente, como ya se ha dicho antes, si bien aquí su canto intentó ir un poco más acorde con la sobriedad y espiritualidad de la obra, incluso sonando a veces un poco brusco en algún número conjunto. Aun así, el "Cujus Animam" de Tadolini le permite explorar todo su lirismo, más contenido en el resto de la obra. Vicente Martínez, bajo-barítono y miembro del Coro de RTVE, impresionó con su voz de auténtica ultratumba, capaz de unos graves profundísimos, exhibiendo sus poderosos medios en su aria con el coro.

En el piano estuvo Jorge Otero, quien tuvo la titánica labor de reemplazar a la orquesta. Cumplió con su cometido brillantemente, especialmente en las partes de Tadolini, donde pudo lucirse dado el virtuosismo de la partitura.

El público, que como siempre en estos casos, llenaba la sala, aplaudió a los artistas con entusiasmo. Y de hecho, dieron un bis, repitiendo el "Amen, in sempiterna saecula" final. Una auténtica rareza rossiniana cierra una etapa musical dedicada al gran músico, y lo hace con una obra de gran envergadura espiritual en su versión primigenia. Porque uando uno escucha esta línea de coro uno se hace esta pregunta: ¿De qué habría sido capaz el genio de Pesaro de haber compuesto óperas hasta su muerte?


Gracias por la crónica.

Confiemos en que aparezca por ahí una grabación del acontecimiento o que se animen a una grabación oficial.


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 Asunto: Re: CRÓNICAS DE CONCIERTOS
NotaPublicado: 09 Mar 2022 12:50 
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Espléndido recital ayer tarde en la sala de cámara del auditorio tinerfeño por parte del joven (nació en 1985) pianista Rafal Blechacz, que fuera ganador en 2005 del Concurso Chopin de Varsovia y se convirtiera así en el segundo polaco en ganarlo tras Kristian Zimmerman en 1975. Primero, la Partita número 2 de J.S. Bach, a la que siguieron dos obras de Beethoven: la sonata número 5 y las 32 Variaciones en Do menor. La segunda parte consistió en una pieza de César Franck (Preludio, Fuga y Variación op.18) para terminar con la celebérrima sonata número 3 de Chopin. El entusiasmo del respetable obligó a un Estudio del mismo compositor. Chopin nunca falla.

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 Asunto: Re: CRÓNICAS DE CONCIERTOS
NotaPublicado: 19 Mar 2022 11:25 
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Madrid, 18 de marzo de 2022.

Mi primer contacto en vivo con una obra de Mahler tuvo lugar en 2016, cuando vi La Canción de la Tierra en el Auditorio Nacional, con la gran Waltraud Meier y su habitual compañero en escena, el tenor Robert Dean Smith. En ese entonces no tenía mucho interés por Mahler. Mi interés era la gran diva alemana. Seis años más tarde, por fin me siento capaz de apreciar la belleza de la obra mahleriana. Y es que el compositor austrohúngaro era un mago de la música. Su obra es capaz de cautivar a primera vista, con su fuerza orquestal, su espectacularidad, su riqueza melódica, al mismo tiempo que supone siempre un reto, ya que siempre requiere de una gran orquesta.

Mahler explota al máximo las posibilidades de una orquesta. Pero más allá de su belleza y espectacularidad, si algo caracteriza a sus sinfonías es el patetismo, muchas veces el pesimismo, otras tantas la búsqueda de lo espiritual, de redención y también esperanza, así como una obsesión con la muerte. La búsqueda de un Dios al que un colega famoso como Bruckner no solo encontró sino que le dedicó su música. Mahler estrenó su primera sinfonía en Budapest en 1888. En un principio tenía cinco movimientos, pero desde su reestreno en 1896 se quedó en cuatro, y aún tuvo alguna revisión hasya 1906. La tradición la ha llamado "Titán", y es una obra en la que el compositor austrohúngaro demuestra su capacidad para componer una gran música, uno de los más populares momentos del posromanticismo. En esta obra tan descriptiva como fabulosa, Mahler recrea como nadie, la belleza de los paisajes rurales austríacos, el amanecer, los animales, los seres fantásticos y melodías populares

Ya desde el inicio del primer movimiento, Mahler recrea el amanecer de una forma muy moderna, con la flauta y la cuerda en una melodía larga, de la que van emergiendo el clarinete, los fagotes, como criaturas que dan la bienvenida a un nuevo día. El segundo movimiento es una danza típica austríaca, con elementos del yodel y del vals, este último marcando la primera y la tercera partes del movimiento. El tercero es una marcha fúnebre, en la que los animales acompañan al cazador en su cortejo fúnebre, sobre la base del Frère Jacques (Bruder Martin en alemán), que se convierte poco a poco en una apesadumbrada danza con ritmos más bien bohemios. El cuarto es una torrente musical, en el que las emociones afloran alternando momentos épicos con otros de absoluta y celestial calma, para acabar en una apoteosis final con una explosión de sonido.

La Orquesta Nacional de España ha programado esta sinfonía en el marcó de un triple programa, dirigido por Pablo González, dedicado a música "viandante": la primera obra ha sido Unvollendete Wege (Caminos Inconclusos) de Nuria Núñez Hierro, que recibía su estreno absoluto. Una pieza de 10 minutos en la que hay una interesante sección de viento, cajas musicales y también una interpretación destacable de bandejas de aluminio descartables. La segunda pieza fue el Concierto para violín y orquesta número 2 de Henryk Wieniawski, un virtuoso violinista que también fue un destacado compositor. Esta obra es completamente romántica, y se notan las influencias de un Brahms y un Beethoven. Aquí contó con la intervención de la violinista Ana María Valderrama, quien dio una apasionada y aplaudidísima versión del tercer movimiento, alla Zingara.

Tras el segundo descanso vino el Mahler, ya con la gran orquesta reunida en el escenario. Aquí he de decir que me voy a ir a lo personal: lejano ya el recuerdo de aquella Canción de la Tierra con la diva Meier, he recordado, o mejor dicho, vuelto a disfrutar por primera vez, de lo impactante que es escuchar a Mahler en vivo: toda una fuerza de la naturaleza musical, con una explosión de melodías, sonidos, volumen, una exuberancia orquestal que electriza, que hace que uno salga atónito, impactado, alucinando con esta experiencia sobrenatural. Y eso que se trata del joven Mahler, aun tendrían que venir la Segunda, la Quinta con su Adagietto, o la Canción de la Tierra.

Aquí hay que decir, que aunque ya entrada en calor, la orquesta fue de menos a más, aun dentro de un sonido notable. En el primer movimiento el viento madera sonó un un brillo especial, haciendo ver el amanecer. Espectacular el clarinete, tanto en el primero como en el tercer movimiento. El metal empezó algo discreto, pero ya en el segundo movimiento estaba en plenitud. Precisamente en esta pieza la orquesta sonó viva, con una cuerda ya entregada. En el tercero, González sacó de la orquesta una versión estupenda, una marcha fúnebre en la que se destacó el aspecto de danza macabra, y ahí la cuerda tuvo un papel relevante. Aunque no como el que tendría en el movimiento final, donde realmente estuvo excelente, y la orquesta sonó en plenitud. Impactante el tutti orquestal final, con una verdadera explosión de la percusión, que resonaba en la sala envolviendo al espectador en el triunfo final.

El concierto fue recibido con un enorme entusiasmo del público, como no puede ser de otra forma tras un Mahler. Como muestra de solidaridad con Ucrania, antes de que empezara el concierto la orquesta interpretó la famosa Aria de la Suite número 3 de Bach, una música celestial, que llama a la calma, a la paz, tan necesitada ahora por el pueblo ucraniano.

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 Asunto: Re: CRÓNICAS DE CONCIERTOS
NotaPublicado: 21 Mar 2022 10:31 
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Afortunadamente el Mahler genuino y no el "afeitado" con versiones de cámara y demás "apaños" está regresando a los auditorios. En Madrid lo hico hace poco con la Quinta que ofreció Jonathan Nott en Ibermúsica con la Orquesta de la Suisse Romande.

En cuanto a este concierto de la ONE que comenta Angelparsifal me acerqué el Domingo por la mañana atraído por la estupenda violinista Ana María Valderrama que ofreció una fabulosa interpretación del segundo concierto de Wieniawski que, desgraciadamente, se ofrece muy poco. La tirria hacia el virtuosismo y los virtuosos-compositores ha hecho mucho daño. La Valderrama, racial, apasionada, comunicativa y además, con una gran técnica y sonido calibrado. Magnífica violinista.
Interesante el estreno de la compositora española María Múñez, más, desde luego que el de de la alemana Hannah Eisendle, Heliosis, interpretado el otro día por Marin Alsop y la orquesta de la Radio de Viena en Ibermúsica.

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 Asunto: Re: CRÓNICAS DE CONCIERTOS
NotaPublicado: 22 Mar 2022 13:55 
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Por ese motivo no fui a ver la Sinfonía 2 de Mahler el otoño pasado.

Para una persona que se inicia en Mahler como yo sería imposible con una versión reducida. Precisamente en una obra donde reina la desmesura orquestal.

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 Asunto: Re: CRÓNICAS DE CONCIERTOS
NotaPublicado: 29 Abr 2022 15:20 
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Tuve el placer de verlos ayer, en el ciclo "Universo Barroco" del Auditorio Nacional, y confirmo cada observación de estas dos críticas (1) y (2). Un grupo magnífico, y un concierto de lo más agradable y entretenido. Excelentes todos ellos (empezando por la mezzo, claro está).

PD: no sabía si publicar esta noticia aquí (puesto que, en puridad, no se trata de una crónica personal), pero ya que coincido plenamente con lo escrito por los dos críticos, y dado que el repertorio interpretado ha sido idéntico en los tres casos, la subo.

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 Asunto: Re: CRÓNICAS DE CONCIERTOS
NotaPublicado: 29 Ago 2022 20:04 
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Carmina Burana es una de esas obras conocidas y repetidas hasta la saciedad no solo en televisión, sino en salas de conciertos, por múltiples orquestas de diverso renombre, en auditorios de todo el mundo (aunque su estreno fue escenificado). Pero lo que muchos pasan por alto, o directamente ni saben es la época en que esta innegable obra maestra se creó, y que es un inevitable producto de la época más odiada de la era moderna: la Alemania nazi.

Cuando Carl Orff, musicólogo (quien tuvo un papel preponderante en la musicopedadogía moderna) y especialista en música antigua, estrenó su obra magna en 1937, los nazis llevaban cuatro años en el poder, y entre sus criminales políticas estaba la censura de la música, y de esta manera, la eliminación de toda la vanguardia musical, a la que acusaban de "judía, bolchevique" y sobre todo "degenerada", imponiendo una estética de corte conservador, nacionalista, y a la fuerza rimbombante en muchos casos, ya que el fin último era político, y por fuerza la nueva música debía ajustarse al "espíritu alemán", la creación "aria", que ahora era la única permitida. Toda la vanguardia musical había quedado prohibida en Alemania: la Segunda escuela de Viena que era atonal, dodecafónica y serialista, de Schönberg, Berg y Webern, o la modernidad de Bartok, Krenek, Stravinsky, Hindemith o la fuerza de la escuela rusa de Prokofiev, Shostakovich, por no hablar de los judíos como Korngold, Mahler, Schrecker o Weill. Si uno compara esta esta obra y la compara con las de todos los autores anteriores, puede resultar más conservadora, más melódica, incluso limitada comparada con las anteriores, a pesar de su belleza y su fuerza, valores que hoy entendemos de manera distinta que las entendían Hitler, Goebbels y los suyos.

Aun así, esta obra despertó recelos al principio: a los críticos nazis no les gustaba el erotismo que desprendía, pero el régimen terminó aceptándola con entusiasmo. Carmina Burana (o Canciones de Beuron en latín), es una colección de cantos en latín y alemán antiguo que en la Edad Media escribían y cantaban los goliardos, clérigos fugados y vagabundos que al saber escribir, pudieron preservar sus creaciones al escribirlas. Poemas que hablan del amor, de la sensualidad, de placeres tales como la lujuria y la gula, la naturaleza. Estos clérigos vividores celebraban la vida en sus composiciones. Orff las descubrió en la década de los años 20, y de toda la colección hizo una selección de 24 textos a los que puso música, entre ellos la archiconocida "O Fortuna", que abre y cierra la obra. A estos textos les añadió una orquestación rica, exuberante, espectacular, seductora, incluso pegadiza, y muy acorde con la celebración de la vida que hacían sus autores, además de complicadas partes vocales para los tres solistas: falsetes difíciles para el tenor y el barítono, además de una complicadísima tesitura aguda para la soprano. Todas estas cualidades la convierten en una de las obras más populares y celebradas del Siglo XX y desde luego la más importante que jamás se creara en el terrible Tercer Reich , aunque reducirlo a esta época es algo tremendamente injusto, habida cuenta de su belleza y su fama merecida.

Para cerrar el verano, la edición 2022 de los Veranos de la Villa que se celebra cada verano en Madrid, se cierra con un concierto en el que se interpreta esta obra al aire libre, en el Monumento al rey Alfonso XII del Estanque del emblemático y turístico Parque del Retiro, obra del arquitecto Mariano Benlliure, cuyo 75 aniversario de su muerte se celebra este año. No lo hace, sin embargo, con una orquesta completa, sino en una redución para coro, pianos y percusión, a cargo del Coro Nacional de España, y del conjunto de música contemporánea Neopercusión, quien dio un inolvidable concierto dedicado a Stockhausen el pasado diciembre.

El Coro Nacional de España, bajo la dirección de Miguel Ángel García Cañamero, en una interpretación memorable, ha visto más resaltado su protagonismo, más si cabe, en una obra donde el coro es el protagonista, al estar desprovisto de una orquesta completa. Las potentes voces masculinas se hicieron notar a lo largo de toda la obra, tanto en la segunda y no tan conocida Fortune Piango Vulnera, como en los Miser, Miser de la canción del tenor. Las voces femeninas no se quedaron atrás, especialmente en Amor Volat Undique, parte que habitualmente hace un coro infantil, y en el resto de la obra estando a la altura de sus compañeros masculinos.

El barítono Enrique Sánchez Ramos quizá era un poco ligero al principio, pero tampoco se puede pedir una voz demasiado grave cuando tiene que cantar el Dies nox et omnia, donde tiene que alternar el falsete con graves profundos.

El tenor Diego Blázquez Gómez sí logró una gran versión de la estremecedora canción Olim lacus colueram, con un falsete sobrecogedor.

La soprano Margarita Rodríguez Martín tiene un timbre de lirico-ligera. Si bien en su primera intervención, la melancólica Amor Volat Undique, tuvo un inicio un tanto reservado, luego en la bella In Trutina y en la complicada Dulcissime logró sacar su parte adelante, pidiendo con los agudos y sobreagudos, que retumbaban en los altavoces.

El conjunto Neopercusión, al mando de Juanjo Guillén, podría parecer un poco corto comparado con la gran orquesta que esta obra requiere, pero en este arreglo de percusión y dos pianos, ha conseguido dar vida tanto a la pasión y la opulencia de los coros, como el piano, con el estanque y la noche de fondo, transmitir los momentos de mayor ligereza de forma más intimista que una orquesta.


Al acabar la obra, el coro se permitió un bis: un fragmento del Himno a la Alegría de la Novena Sinfonía de Beethoven. Tras lo cual, terminó el concierto, como la edición 2022 de los Veranos de la Villa. Ha habido, como en esta clase de eventos, choques, ruidos, la gente aplaudiendo al final de las canciones, incluso policías y gente del samur desfilando por delante del público en un momento tan indicado como el trágico Veris Lieta Faces. Se dice, yo no estuve en la zona, que mucha gente salió disparada porque a mitad de concierto se dispararon los aspersores de riego. También, que el alcalde de Madrid anunció en su Twitter "un concierto de Carmina Burana", que nadie se podía perder. Mucha gente asumió que aludía a Carmina Burana no como una obra sino como a una persona, lo que la mofa quedó garantizada.

Pero nada ha impedido el disfrute de la obra, gracias a una ampliación buena y equilibrada.

¿Volverán así los grandes eventos al aire libre, donde los madrileños comulgan en masa con la música clásica, cuando antaño Daniel Barenboim y la West Eastern Divan Orchestra congregaban a las masas en la Plaza Mayor como cada verano? Ojalá sea así.

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 Asunto: Re: CRÓNICAS DE CONCIERTOS
NotaPublicado: 07 Oct 2022 0:35 
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Madrid, 6 de octubre de 2022.

Comienza la temporada de la Orquesta y Coro de Radio Televisión Española (ORTVE) en el Teatro Monumental, en un nuevo ciclo llamado "Raíces", con una presencia destacada de las obras de Gustav Mahler. Con una obra precisamente monumental y demandante inicia esta temporada mahleriana, con la Tercera Sinfonía del genio de Kaliste, que fue además su primer gran éxito.

Mahler en sus primeras sinfonías celebra la fuerza de la naturaleza, con su descriptiva música con la que uno se traslada a los bosques centroeuropeos o a la paz de su cabaña en Steinbach, a orillas del lago Attersee. Y no solo eso, sino que también aborda esta alabanza, desde una búsqueda de lo divino, más espiritual que meramente cristiana, como Bruckner.

Es pues la tercera sinfonía la más duradera, y una de las más espectaculares de su catálogo, que requiere además de la orquesta, una contralto solista, un coro femenino y un coro infantil. En esta extensa obra de seis movimientos, a los que en un principio titulaba a cada uno "lo que me cuenta..." encontramos esa naturaleza tan bella como imponente, amenazante, pacífica. El extenso primer movimiento parece emerger de las entrañas de la tierra, para llevarnos a una melodía festiva, algo muy presente en varias obras de Mahler. El segundo movimiento tiene un hermoso lucimiento de la madera, y en el tercero el solo de trompa de postín fuera de escena atrapa con su belleza y melancolía. Es en el cuarto donde entra la voz de la contralto, con un texto de "Así Habló Zaratustra" de Nietzsche, en un aura de misterio en el que parece la misma madre naturaleza llamando al hombre a reflexionar. En el quinto un coro de mujeres y niños nos aviva tras lo místico del movimiento anterior. El último movimiento llamado "lo que me dice el amor" empieza con una introducción bella, etérea, seductora de las cuerdas, creciendo hasta la apoteosis final.

En esta ocasión, la orquesta ha sido dirigida por Pablo González, titular de la Orquesta de Radio Televisión Española, acompañado de su coro y del coro infantil Sinán Kay. Con una formación distinta de la ONE, con la que hizo una apoteósica Primera Sinfonía en marzo, aquí con la ORTVE se encuentra con las limitaciones de la sala, un antiguo cine reconvertido en sala de conciertos. Las cuerdas tardaron en arrancar, y se vieron un poco a la sombra de la cuerda y la percusión en el primer movimiento, pero para el último ya estaban en plena forma, transmitiendo la belleza de esa introducción. El viento madera tuvo, valga la redundancia respecto del párrafo anterior, un momento de lucimiento donde realmente brillaron. Un poco apurada la trompa del tercero, pero igualmente destacó en su precioso solo. Stefanie Iranyi fue la mezzosoprano solista, con una voz más lírica que grave, como muchas que cantan este solo, dando a su parte un toque más etéreo, angelical que profundo y místico. Destacable labor de los coros en su breve pero difícil parte.

Gustav Mahler goza de una gran popularidad entre el público español, dada la enorme variedad de obras de este autor que hay en la cartelera sinfónica. No es para menos, con esa música fascinante, espectacular, y asequible, porque en cierto modo en el lenguaje musical de Mahler, hay momentos en que uno identifica el lenguaje musical de muchas bandas sonoras de cine. Hoy no ha sido la excepción, con un público entregado, aunque no llenara la sala. Una tarde inolvidable para inaugurar la temporada.

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 Asunto: Re: CRÓNICAS DE CONCIERTOS
NotaPublicado: 14 Oct 2022 1:15 
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Madrid, 13 de octubre de 2022.

Raramente puedo asistir a un concierto de música de cámara. Y de hecho hace muchos años que no piso la sala de Cámara del Auditorio Nacional, pero en esta ocasión, y gracias a la generosidad de un amigo, he asistido a un concierto de una de las formaciones más importantes de España en esta materia: el Cuarteto Casals. Con veinticinco años de trayectoria, este cuarteto español se ha afianzado en el panorama internacional de la música de cámara, con una intensa trayectoria tanto musical como discográfica, en diversos auditorios y diferentes sellos. Este cuarteto abre la nueva temporada de Liceo de Cámara del Auditorio. Y en una sala con las localidades agotadas, esta agrupación nos trae tres piezas de grandes autores:
Franz Joseph Haydn (1732-1809)

Cuarteto de cuerda en la mayor, op. 20, nº 6 (1772)

Dmitri Shostakóvich (1906-1975)

Cuarteto de cuerda nº 4 en re mayor, op. 83 (1949)

Johannes Brahms (1833-1897)

Cuarteto de cuerda nº 2 en la menor, op. 51 (1873)

Bis: Danza del Molinero de El Sombrero de Tres Picos, de Manuel de Falla.

En un programa en el cual la luz es un elemento común a las tres obras, según dice el artículo de Luis Suñén en el programa de mano, desde luego lo que no falta en ellas es luminosidad. No me fue posible llegar a tiempo a la de Haydn, así que puedo hablar (muy por encima) de las demás obras. Empezando por la de Shostakovich, donde se nota claramente el estilo moderno de la obra que contrasta con el clasicismo de la anterior. Esta empieza con una brillante introducción que va in crescendo, haciendo que, valga la redundancia, brille el sonido de la cuerda. El movimiento final se basa en temas de la música judía, cuyo folklore se puede reconocer en diversos puntos de la obra. Tras una pausa, comenzó la de Brahms, con un precioso solo de violonchelo al final del segundo movimiento (a mayor gloria del chelista Arnau Tomàs), para luego dar paso a un lirismo muy reconocible en el catálogo brahmsiano en el tercero. Tras una fuerte ovación, la violinista Vera Martínez saludó al público y anunció la propina: un arreglo de la Danza del Molinero de El Sombrero de Tres Picos de Falla. Una obra popular con la que no es imposible no conquistar al público dada su fuerza y su intensidad. Y como no podía ser de otro modo, el cuarteto dio una interpretación entregadísima de esta danza, haciendo creer que había más músicos en la sala.

Y así, queda inaugurada la temporada de cámara del INAEM, la cual se antoja prometedora y un éxito total, en un concierto realmente inolvidable.

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 Asunto: Re: CRÓNICAS DE CONCIERTOS
NotaPublicado: 10 Feb 2023 2:08 
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Prosigue la temporada 2022-2023 de la Orquesta de Radiotelevisión Española, en el ciclo Raíces, con una destacada presencia mahleriana. El flamante nuevo director musical de la formación, el alemán Christoph König, ha dirigido esta noche un programa ecléctico a más no poder, con obras de Luis de Pablo, Sergei Rachmáninov y con el plato fuerte de la noche: la Cuarta Sinfonía de Gustav Mahler.

Empezó la velada con un estreno de Luis de Pablo, "Música sin título", una de sus últimas obras, ya que por voluntad del autor no debía estrenarse hasta después de su muerte. El resultado fue el de una obra breve, de unos diez minutos, y al mismo tiempo interesante, ya que supone una síntesis de los estilos del autor, con bellas reminiscencias a la Segunda Escuela de Viena, además de un coro masculino que recordaba a lo llano del canto religioso. Siguió la velada con las tres canciones rusas op. 41 de Rachmáninov, unas potentes canciones para coro y orquesta, con toda la dureza de la escuela rusa, y donde el Coro de Radiotelevisión Española se lució.

Tras la pausa, la Orquesta se preparó para acometer la Cuarta Sinfonía de Mahler. Con una orquestación más pequeña, es esta quizá la más ligera de las sinfonías mahlerianas, unida por el bucolismo y la celebración de la naturaleza con la primera y la tercera sinfonías, y alejada de las más bombásticas y místicas segunda y octava, o del desgarrador dramatismo de la quinta y la sexta. En esta obra, la música destila ligereza, fantasía, es una recreación romántica, y al mismo tiempo clásica, de la naturaleza, como si fuese este el más animado de los viajes musicales que el maestro nos recrea a través de los bosques centroeuropeos. No tuvo éxito en su estreno, sin embargo hoy día es celebrada como una obra maestra. El primer movimiento, que se abre con los cascabeles, nos recrea una traviesa aventura por los bosques, con un lucimiento para el viento que recrea la caza. El segundo, de lucimiento para el violín, es el más breve. El tercero, el adagio, es el punto álgido de la obra, con una prolongada música, en la que exige de la orquesta primero la recreación de la belleza, para luego pasar por un inesperado y repentino clímax, poco antes de terminar el movimiento. El último incluye canto, y es llamado "Das himmlische leben", "La vida celestial" en español. En una confrontación entre el primer tema, el de los cascabeles, que irrumpe con fuerza, con el calmado, angelical canto de la soprano, que exalta la plenitud del mundo celestial, see cierra la obra.

König logra una interpretación ligera, rápida, apasionada de la orquesta, en contraste con la más lenta y opulenta de Pablo López el pasado octubre con la Tercera. La cuerda goza de buena forma, y hay que mencionar el trabajo de la concertina a este respecto, especialmente en el tercer movimiento. En el primero, el viento pudo lucir su excelente sonido, especialmente flautas y trompetas, si bien los violonchelos y contrabajos también tuvieron lucimiento en el segundo y tercero. El cuarto movimiento contó con la intervención de la soprano Regula Mühlemann, que si bien tiene una ligera y deliciosa voz, esta no es tan abundante en volumen, quedándose sobrepasada por la orquesta en muchas ocasiones, si bien se reconoce que es difícil sonar bien con la orquesta mahleriana detrás.

Al final, fue recibida la obra mahleriana con un fuerte aplauso, que da muestra una vez más de su popularidad en Madrid, en una deliciosa tarde en este teatro en la más castiza zona de la capital. Seguiremos con atención las próximas obras de Mahler en el Monumental.

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 Asunto: Re: CRÓNICAS DE CONCIERTOS
NotaPublicado: 18 Feb 2023 2:55 
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Madrid, 16 de febrero de 2023.

La obra y el legado de Friedrich Nietzsche, no solo supusieron una revolución en la filosofía, sino que contribuyeron, para bien o para mal, en el rumbo político de la primera mitad del conflictivo siglo XX. Su obra magna, Así Habló Zaratustra, publicada entre 1883 y 1890, trata conceptos revolucionarios para el pensamiento: el Übermensch o el superhombre (tan malinterpretado décadas más tarde por el repugnante fascismo), la muerte de Dios, la voluntad de poder, y el eterno retorno.

Así llegó esta obra maestra de la filosofía a un joven Richard Strauss a finales del siglo XIX. Inspirado por la aventura sapiencial de este filósofo místico quien interpela al sol y a la naturaleza, creó un poema sinfónico al que puso el mismo título. Poco imaginaba Strauss que el inicio de su obra, en la que Zaratustra sale de su cueva y mira al sol resplandeciente iba a ser inmortalizado, y repetido ad nauseam en la televisión, después de la película de ciencia ficción "2001, Una odisea en el Espacio". Pero cuando termina la última nota de órgano de esta fanfarria inicial, continúa una potente, poderosa obra que en vivo tiene una espectacularidad, una fuerza que no se aprecia por completo en vídeo o en disco, como si se fuera a introducir por los poros del cuerpo del espectador. Una riqueza orquestal, una sucesión de melodías tan hechizantes como elegíacas, alternándose con momentos electrizantes. Ya dijo Strauss que se trataba, hasta ese momento de su mejor obra, aunque al joven autor aún le quedaban más de cinco décadas de vida por delante para regalar obras igualmente magistrales a la humanidad.

Desde la archiconocida fanfarria inicial, hasta la envolvente, catártica Canción del Caminante Nocturno que cierra la obra, cuando la noche se abre paso, y en la que la humanidad (representada por cuerda y flauta, en una melodía elegíaca de infinita belleza) y la divinidad (representada primero por el metal y luego por el contrabajo) se enfrentan en una lucha final en la que la fuerza de las profundidades, la naturaleza, resulta victoriosa, con ese pizzicato del contrabajo que cierra la obra y se impone a la belleza celestial... esta obra deja al espectador en éxtasis, casi incapaz de articular palabra tras todo ese potente viaje orquestal que refleja el despertar a la naturaleza de la humanidad.

En el concierto de anoche, la Orquesta de Radio Televisión Española bajo la batuta de Pablo González, nos ha ofrecido un programa doble: el Concierto para piano y orquesta nº4 de Ludwig van Beethoven y Así Habló Zaratustra, de Richard Strauss. En la obra beethoveniana, al piano se encontraba ni más ni menos que Javier Perianes, uno de los pianistas españoles con mayor proyección internacional. Ciertamente, Perianes nos regaló una noche de virtuosismo, en una obra novedosa por dejar al piano que comience la obra, exponiendo el tema principal, y no la orquesta como es costumbre. La orquesta en cambio estuvo más bien contenida, y no muy rica en volumen, pese al buen desempeño y a la soltura de la orquesta en este repertorio. Como propina, Perianes interpretó la Arabesca nº2 de Claude Debussy, en una interpretación sensible, llena de encanto, capaz de crear un ambiente acogedor e íntimo en una sala tan grande.

La segunda parte comenzó de forma inusual: Pablo González se dirigió al público, y recitó dramáticamente el comienzo del libro de Niezsche. Lo hizo de una manera tan brillante como un actor. A continuación la orquesta acometió la obra de Strauss, con una intensidad increíble y que no había visto en la orquesta la vez pasada que les vi a las órdenes de González, con la Tercera de Mahler, ni en 2015 cuando vi esta obra interpretada por Carlos Kalmar. Desde los metales que abren la obra hasta las cuerdas transmitieron al público la fuerza de esta obra. Y de eso, el sonido de la orquesta dio fe en una interpretación memorable, desde el solo de violonchelo, a la apoteosis de las cuerdas en la primera mitad de la obra, que tuvieron un sonido electrizante, si bien esa fuerza también hacía que a veces, en los momentos donde atacaba toda la orquesta, ese sonido se empastara. Pero ninguna limitación pequeña puede eclipsar lo que fue una interpretación verdaderamente memorable.

Al acabar el concierto, el público no tuvo más remedio que salirse del aura de la obra, pasando de unos tímidos aplausos a una atronadora ovación en pocos segundos. Se cierra así un concierto que tardaremos en olvidar, que es así como debe ser cada interpretación de esta obra straussiana.

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 Asunto: Re: CRÓNICAS DE CONCIERTOS
NotaPublicado: 19 Mar 2023 22:26 
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Madrid, 19 de marzo de 2023.

Hace exactamente un año, relataba en este foro mi bautizo "oficial" con la música de Gustav Mahler en directo. Tras meses explorando el rico mundo de sus sinfonías, me dejé llevar por la fuerza que cobra el oír en vivo su Primera Sinfonía. Sin embargo, todo empezó cuando en septiembre de 2021 escuché por primera vez la Cuarta Sinfonía de Anton Bruckner, músico con cuya obra he tenido mi "bautizo" oficial, al escuchar por primera vez en vivo una de sus obras.

En septiembre de 2021, la Filarmónica de Viena, junto a Christian Thielemann, visitaron España para interpretar su sinfonía "Romántica", en la Sagrada Familia. Movido por la curiosidad, escuché esta obra que sin embargo no me conquistó a la primera. En mi deseo de ampliar repertorio, empecé a explorar las sinfonías de Mahler y Bruckner, por aquello de que ambos autores tuvieron más o menos influencia de mi predilecto Wagner en su obra. Y precisamente porque los descubrí a ambos a la vez, fue que empecé a establecer comparaciones entre ellos. De hecho, hay una rivalidad entre ambos músicos alentada por los amantes de las sinfonías. Sin embargo, yo los encuentro complementarios.Y en la realidad, ambos se llevaban muy bien.

Mahler me enamoró a la primera. Con Bruckner he tenido que hacer un esfuerzo extra, pero me sentía atraído por ese reto. Oír las sinfonías de Mahler es como atravesar un bosque centroeuropeo, plagado de folclore, de animales, de ninfas. Oír las de Bruckner es contemplar desde la cima de una montaña ese mismo bosque, sentir la brisa de un cielo azul en infinita paz. Oír las sinfonías de Mahler es sentir la fuerza bruta de la naturaleza. Oír las de Bruckner es celebrar la creación divina de esa misma naturaleza. Oír las sinfonías de Mahler es buscar a Dios desde un espiritualismo universal, que viene de las entrañas, de lo íntimo del ser. Oír las de Bruckner es alabar a ese mismo Dios, elevarse a las alturas y sentir la infinita belleza de lo que ha creado y nos ha dado. Mahler es un mago de los sentimientos. Bruckner es un arquitecto que los convierte en una catedral al servicio del creador.

La Orquesta Nacional de España, dirigida por su titular David Afkham, han interpretado en su concierto de este fin de semana la Sexta Sinfonía del maestro de Sankt Florian.

La primera parte del concierto fue un estreno, un encargo al compositor Benet Casablancas, discípulo de Friedrich Cerha, un Concierto para Violín, de inspiración de la Segunda Escuela de Viena, con Leticia Moreno como solista principal.

La segunda parte era la esperada Sexta Sinfonía de Bruckner, de cuya obra Afkham ha logrado grandes interpretaciones. La sexta es quizá de las menos conocidas, y la más corta del maestro, a la que además llamó su sinfonía más atrevida. Aunque conocido es su Adagio, el segundo movimiento de esta sinfonía y este sí uno de los más celebrados del autor. Esta orquesta es la de referencia para interpretar este repertorio. Tras un primer movimiento potente, las cuerdas se arrancaron con una fuerza sobrenatural el segundo movimiento, logrando una interpretación entregada, aunque parte del metal estuvo a veces un tanto perdido. Posteriormente, a partir del tercer movimiento la orquesta logró un sonido más homogéneo, cerrando la obra con una gran apoteosis. Mención para la flauta en el primer movimiento, estando magnífica.

En un Auditorio que estaba más o menos a la mitad de lleno, el público de la mañana ha podido disfrutar de una agradable velada bruckneriana. La próxima cita con Bruckner en Madrid será la Cuarta Sinfonía en mayo, con la orquesta del Teatro de la Zarzuela. Allí estaré.

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 Asunto: Re: CRÓNICAS DE CONCIERTOS
NotaPublicado: 02 May 2023 23:11 
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No os perdáis a partir de mañana en Madrid y Zaragoza, la gira española de la Berliner Philharmoniker y su gran jefe Kyrill Petrenko, con la 25 de Mozart y la 4 de Schumann.
Esta orquesta, orquestó, con la batuta de Petrenko, está por encima del bien y del mal musical.
No soy un gran seguidor de lo sinfónico, pero estas manos y este saber del maestro Petenko, ha hecho que levitara primero con las alternancias del joven Mozart y luego, con el despliegue de todo tipo de brillantez vibrante del romanticismo alemán representado esta noche por Schumann.
Gran concierto, sobre todo en su segunda parte con la 4ª de Schumann


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 Asunto: Re: CRÓNICAS DE CONCIERTOS
NotaPublicado: 04 May 2023 15:22 
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Por los ecos que me llegaron vagamente, en la monumental catedral inacabada de Gaudí debieron ejecutar el mismo programa..

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 Asunto: Re: CRÓNICAS DE CONCIERTOS
NotaPublicado: 04 May 2023 18:10 
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No.
En la Sagrada Familia fue "Misa de la Coronación" de Mozart en vez de Schumann.

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