Si te trae tan buenos recuerdos, tendré que pedirle al señor van Dam que me visite más a menudo.
Por cierto, ese disco se llama Mélodies vol.2, y también tengo Mélodies vol.1 ¿sabéis si existen más volúmenes, porque yo nunca los he visto en ninguna tienda )

noup, ni idea

pero cualquiera de las dos melodías que te visiten a tu casa, serán apeciadas
ajjaajajjaa

beshos

simon

Satie: La diva de l'Empire
Esta canción, junto con Tendrement y Je te veux, es de las más conocidas de Satie. Éste las escribió cuando trabajaba como pianista en un cabaret de Montmartre. Entonces estaba de moda que las chicas se vistiesen con vestiditos de niñas. Satie utiliza el ritmo sincopado del Cakewalk que se bailaba utilizando esa mímica infantil. Era un baile grotesco de origen estadounidense que bailaban los esclavos para burlarse de sus amos. Hacían competiciones y la mejor parodia se premiaba con un pastel.

Utilizando un tempo moderado, la música describe una diva de la época napoleónica. El pianista mantiene un ritmo estricto, mientras la voz canta con un “rubato de diva”. La canción es animada, alegre y cínica.

Schubert and the Classics (Thomas Hampson & Graham Johnson)
En el pasado el estudio del Latín y el Griego eran dos pilares básicos de la educación, más aún en los países católicos, como la Austria en que nació Schubert. Fue Friedrich Schlegel el que predijo que la literatura clásica iba a ser una fuerza rejuvenecedora de la literatura de su época, mediante la reinterpretación de la mitología. Grecia se convertirá en la patria ideal del poeta. La obra de Johann Mayrhofer (el poeta más representado en este disco) va a ser un ejemplo de ello. En las canciones de este disco la música tiene una especial pureza y profundidad, es una música que infunde vida a los personajes que pueblan los poemas.
El disco se abre con Die Götter Griechelands D677. Schubert tan sólo utiliza la estrofa duodécima del poema de Schiller, que es una invocación para que los dioses y héroes se reunan en el Olimpo que le sirve a Schiller para hacer una confrontación entre la Edad de la Razón y la decadencia del Romanticismo. La primera parte de la canción que está en modo mayor, describe un mundo ilusorio, cuando cambia al modo menor, se descubre la auténtica realidad. La música tiene un ritmo como de baile griego o popular, se entremezclan las melodías del piano y de la voz, ornamentada con melismas ondulantes.
Amphiaraos D166 es la primera canción que Schubert compuso sobre un poema de tema clásico. Amphiaraos era un guerrero que contaba con la protección de Zeus y Apolo. Obligado por las circunstancias, emprende una campaña contra Tebas de la que sabe que no saldrá bien parado (esto fue el tema de una obra de Esquilo: “Siete contra Tebas”). La balada empieza con una introducción en el piano que consiste en una serie de acordes con un ritmo punteado. La voz entra en forma de recitativo y después se vuelve a escuchar la introducción. En las dos siguientes estrofas la música sugiere la profundidad de las emociones de Amphiaraos. Luego sigue un recitativo que describe la incredulidad y la premonición de su futuro. La siguiente sección se abre con un interludio pianístico, la música va a ser de carácter bélico, para describir la batalla. En la última parte hay una invocación a Zeus, descrita con una música tranquila que se interrumpe repentinamente con un regreso al motivo guerrero.
Gruppe aus dem Tartarus D583 es una de las mejores composiciones de Schubert sobre un poema de Schiller. Es un Lied de gran modernidad, en el que no se nota la falta de una melodía en un sentido convencional, la línea vocal consiste una sucesión de recitativos quasi parlando. En la primera parte, una introducción del piano hace una descripción de los infiernos. Cuando entra la voz se repite siete veces la misma nota lo que produce un efecto de horror hipnótico. La música es una especie de barcarola siniestra, mientras se atraviesa la laguna Estigia. Schiller dice que los chillidos de los condenados suenan como el mar, y Schubert compone olas de sonido para ilustrarlo. El piano comienza entonces una escala en los graves que ascienden de un modo inexorable, que provoca un efecto de pánico y claustrofobia. Se crea un suspense musical que se convierte en el “Ach!” en un gemido desesperado. La siguiente estrofa es un Allegro, con un ritmo punteado parecido al de la canción anterior, y el mismo sentido marcial. “Hohl sind ihre Augen” hace aparecer armonías guturales. En “folgen tränend” se produce una modulación a modo menor que sugiere compasión ante los sufrimientos de los condenados. La última estrofa se construye en un crescendo de gran intensidad, en una reelaboración de las escalas cromáticas ascendentes que se han oído a lo largo de la canción. En el postludio final del piano, las escalas serán descendentes, para simbolizar el regreso a las profundidades de los horrores descritos.
La historia de Memnon puede leerse en el Libro XIII de las Metamorfosis (que ya sabréis que es uno de mis libros de cabecera ). Memnon, hijo de Aurora (la de rosados dedos – siguiendo las enseñanzas de los señores Bouvard y Pécuchet ) y Titón, luchó en la guerra de Troya, y después de matar a Antíloco fue asesinado por Aquiles. Su madre le pidió a Zeus que lo resucitase, y éste aceptó hacerlo una vez al día. Cada mañana la Aurora lo despierta con sus rayos y él responde con un gemido desconsolado. (Os pongo un fragmento del poema en el Rincón de la Poesía) La canción está en re bemol, que Schubert utiliza para las canciones más mágicas y arrebatadas. La introducción en el piano es suntuosa y cavernosa. Poco a poco la estatua revive y esto se ve reflejado en la línea vocal, que se va ampliando poco a poco hasta la exclamación en que aspira a los cielos “Purpurstrahlen liebend brechen”. La ternura del agudo en “liebend” es la respuesta a la caricia de la Aurora. Luego se repite la introducción. Los dos primeros versos de la segunda estrofa son hermosísimos. Un cambio en la tonalidad describe la sensibilidad y amabilidad de Memnon. En la tercera estrofa el gigante está despierto por completo, lo que se refleja en una línea vocal poderosa. En la última estrofa, una música de una belleza indescriptible refleja la resignación del protagonista cuando se da cuenta de que su sueño no tiene esperanza.
Lied eines Schiffers an die Dioskuren D360. Los Dioscuros a que se refiere el poema son Cástor y Póllux, considerados protectores de los marineros. La primera vez que escuché este bellísimo Lied fue cantado por Wunderlich. Es una canción estrófica modificada, con una melodía hermosísima, milagrosa, conmovedora. La canción está construída sobre una línea resonante en los graves del piano, para simbolizar el contacto con las corrientes marinas. El tratamiento de las palabras “eure Milde” es magistral, un acorde de gran belleza y suavidad. En la segunda estrofa parece como si los ojos del marinero y su voz miraen al cielo, aparece una melodía en la bemol (que es la tonalidad que Schubert utiliza para evocar las maravillas de la naturaleza) completamente celestial. El piano en esta estrofa dobla la voz. En la tercera estrofa, la voz tiene la misma melodía que la primera, pero en el piano aparece una melodía grandiosa y profunda.
En Der zürnenden Diana D707 se cuenta la historia de Acteon, que también aparece en las Metamorfosis (en el libro 3). Acteon ve accidentalmente a Diana desnuda, y ésta como castigo lo convierte en ciervo y termina siendo devorado por sus perros. Diana aparece aquí como una diosa enfadada y destructora (acorde con esto el tempo de la canción va a ser Feurig, con ferocidad). La canción tiene una intensidad sinfónica. Repite los pasajes para describir los estados del cuerpo y de la mente de Acteon: obsesionado por la belleza de Diana, luego herido y delirando mientras la vida se le escapa. La segunda estrofa empieza con una modulación y una nota anhelante repetida en el piano, como si el tiempo se hubiese detenido por un momento para que Acteon entone su canto de cisne. Las pausas y gemidos del final representan la debilidad y la paulatina pérdida de la consciencia y de la vida del joven.
Freiwilliges Versinken D700 trata la historia de Helios. Es un Lied de gran majestuosidad, la música va a describir los momentos del ocaso y la salida de la luna con un lenguaje de una gran modernidad. La canción empieza con dos acordes portentosos, que repite la voz calladamente. La segunda repetición de “Wohin” es misteriosa y cósmica. Los trinos y la ornamentación describen el ocaso. La Luna va a aparecer como el doble fantasmal del Sol. La voz parece descender como lo hace el Sol. En “Scheiden” y “herrlich” hay unos saltos sorprendentes. La salida de la Luna y las estrellas se describe en un interludio bellísimo.
La canción An die Leier D737 empieza con gran intensidad en do menor, como si el cantor ensayase acordes para después cantar su canción sobre las hazañas troyanas. Sin embargo, cambia a un amoroso y melodioso mi bemol, como si su lira tuviese vida propia y le impidiese cantar sobre una guerra. El cantante lucha con su instrumento y termina regresando a la tonalidad amorosa y se declara vencido porque de su lira solo salen canciones de amor. (Esta canción la canta la Bartoli en italiano en el disco L’amante impaziente-Italian Songs con el título Io vuo’ cantar di Cadmo)

Bellini: Torna vezzosa Fillide
Esta canción es una descripción dramática de un escenario bucólico. Está compuesta en tres movimientos.
Se inicia con una introducción muy operática en el piano, que en lugar de describir el escenario, lo que hace es presentar la canción como si fuese un aria de una ópera, dando indicios de la música que va a sonar a continuación.
La interacción entre la voz y el piano que sigue está llena de energía, y reutiliza material de la introducción.
Cuando el texto habla de que el corazón no tiene paz, la música se vuelve inestable e intensa. Los versos cantan el sufrimiento de Fillide, y el sufrimiento de su amante. El acompañamiento está lleno de agitación y drama. La línea vocal de la sección central es muy ornamentada.
Finalmente, llega el angustiado finale. Con un mar agitado y tormentoso como escenario, la voz se desespera sobre la posibilidad de ver de nuevo a su amada. Ella seguro que se ha ahogado, y el amante canta enloquecido.

Torna, vezzosa Fillide
Torna, vezzosa Fillide
al caro tuo pastore;
lungi da tue pupille
pace non trova il cor.

Al caro tuo soggiorno
io sempre volgo il piè
e grido notte e giorno:
Fillide mia dov'è?

Domando a quella sponda:
Fillide mia che fa?
E par che mi risponda:
piange lontan da te!

Domando a quello rio:
Fillide mia dov'è?
Con rauco mormorio
dice: piangendo sta.

Il caro tuo sembiante,
fonte d'ogni piacere,
il miro ad ogni istante
impresso nel pensier.

Ma rimirando allora
ch'egli non è con me,
grido, piangendo ognora:
Fillide mia dov'è?

Son fatte le mie pene
un tempestoso mare:
non trovo amato bene,
chi le potrà calmar.

Che fa la morte, oh Dio,
ché non mi chiama a sé?
Gridar più non poss'io:
Fillide mia dov'è?

Tres Canciones de Don Quijote a Dulcinea
Maurice Ravel

Chanson romanesque

Si vous me disiez que la terre
A tant tourner vous offensa,
Je lui dépêcherais Pança:
Vous la verriez fixe et se taire.

Si vous me disiez que l’ennui
Vous vient du ciel trop fleuri d’astres,
Déchirant les divins cadastres,
Je faucherais d’un coup la nuit.

Si vous me disiez que l’espace
Ainsi vidé ne vous plaît point,
Chevalier dieu, la lance au poing,
J’étoilerais le vent qui passe.

Mais si vous disiez que mon sang
Est plus à moi qu’à vous, ma Dame,
Je blêmirais dessous le blâme
Et je mourrais, vous bénissant.

O Dulcinée.


Chanson épique

Bon Saint Michel qui me donnez loisir
De voir ma Dame et de l’entendre,
Bon Saint Michel qui me daignez choisir
Pour lui complaire et la défendre,
Bon Saint Michel veuillez descendre
Avec Saint Georges sur l’autel
De la Madone au bleu mantel.

D’un rayon du ciel bénissez ma lame
Et son égale en pureté
Et son égale en piété
Comme en pudeur et chasteté:
Ma Dame.

O grands Saint Georges et Saint Michel,
L’ange qui veille sur ma veille,
Ma douce Dame si pareille
A Vous, Madone au bleu mantel!
Amen.


Chanson à boire

Foin du bâtard, illustre Dame,
Qui pour me perdre à vos doux yeux
Dit que l'amour et le vin vieux
Mettent en deuil mon cœur, mon âme!

Je bois à la joie!
La joie est le seul but
Où je vais droit...
Lorsque j'ai bu!

Foin du jaloux, brune maîtresse,
Qui geind, qui pleure et fait serment
D’être toujours ce pâle amant
Qui met de l’eau dans son ivresse!

Je bois à la joie!
La joie est le seul but
Où je vais droit...
Lorsque j'ai bu!


Están en la "Liederhaus", en interpretación de José van Dam

Estas canciones de Ravel me gustan más que las de Ibert que finalmente Pabst utilizó en su película Don Quijote (la que protagoniza Chaliapin).

Acabo de encontrar esto en Youtube:
http://youtube.com/results?search=wesendonck
Jessye Norman canta los Wesendonk Lieder

Sobre las Canciones de Don Quijote parece que no sólo rechazaron las que compuso Ravel, sino también a Falla y Milhaud. Parece que los productores de la película les pidieron en secreto a cada uno de ellos que compusiesen canciones para la película, y que cuando Ibert se enteró de esto se sintió molesto por haber sido elegido frente a Ravel, al que admiraba. Y más molesto se debió de sentir Ravel, que incluso estuvo a punto de demandar a los productores
Ibert compuso cuatro canciones, sobre poemas franceses del siglo XVI de Ronsard y Alexandre Arnoux. En su versión orquestal consigue un colorido “español” mediante ritmos asimétricos y la utilización de guitarras. La primera y la última canción del grupo “Chanson du départ” y “Chanson de la mort” tienen un estilo de recitativo. En la primera se nos presenta la visión del mundo de Don Quijote: su dama vive en un gran castillo, protegida del vicio y al que sólo se puede entrar si se es digno de ello. La última es la tierna despedida de Don Quijote y Sancho. Aunque muera, Don Quijote va a un lugar puro y sincero. Las otras dos canciones “Chanson à Dulcinée” y “Chanson du Duc” son más vigorosas y rítmicas. La segunda es una queja de amor impaciente, cada hora es un día, cada minuto una hora si no puede ver a su Dulcinea. La tercera es una oda a los efectos del amor, que eleva y purifica a quien lo siente.
Las canciones de Ravel, como dije, me gustan más. Son mucho más frescas, con un sabor mucho más español. Forman un tríptico perfecto y de tono variado: la primera canción es fervorosa, la segunda rebosa pureza y la tercera es exaltada y alegre. Los poemas son de Paul Morand.
La primera canción “Chanson Romanesque” es la declaración de amor de Don Quijote a Dulcinea, con una melodía encantadora (creo que es una guajira) y un acompañamiento en el piano que imita la guitarra.
La “Chanson Epique” es una oración humilde del caballero, para que la Virgen lo bendiga y lo proteja. El piano imita al órgano de una iglesia y el ritmo se deriva del zortzico (no sé si se escribe así ). El canto es austero, y la canción termina con un pacífico “Amén”.
La “Chanson á boire” es una jota. La canción es animada y está llena de exageraciones y ornamentos.

Los poemas de las canciones de Ibert
Chanson du départ de Don Quichotte
Ce château neuf, ce nouvel édifice
Tout enrichi de marbre et de porphyre
Qu’amour bâtit château de son empire
Où tout le ciel a mis son artifice,
Est un rempart, un fort contre le vice,
Où la vertueuse maîtresse se retire,
Que l’oeil regarde et que l’esprit admire
Forçant les coeurs à lui faire service.
C’est un château, fait de telle sorte
Que nul ne peut approcher de la porte
Si des grands rois il n’a sauvé sa race
Victorieux, vaillant et amoureux.
Nul chevalier tant soit aventureux
Sans être tel ne peut gagner la place.
Chanson à Dulcinée
Un an me dure la journée
Si je ne vois ma Dulcinée.
Mais, amour a peint son visage,
Afin d’adoucir ma langueur,
Dans la fontaine et le nuage,
Dans chaque aurore et chaque fleur.
Un an me dure la journée
Si je ne vois ma Dulcinée.
Toujours proche et toujours lointaine,
Etoile de mes longs chemins,
Le vent m’apporte son haleine
Quand il passe sur les jasmins.
Un an me dure la journée
Si je ne vois ma Dulcinée.
Chanson du Duc
Je veux chanter ici la dame de mes songes
Qui m’exalte au-dessus de ce siècle de boue.
Son coeur de diamant est vierge de mensonges
La rose s’obscurcit au regard de sa joue.
Pour elle j’ai tenté les hautes aventures:
Mon bras a délivré la princesse en servage,
J’ai vaincu l’enchanteur, confondu lees parjures
Et ployé l’univers à lui rendre l’hommage.
Dame par qui je vais, seul dessus cette terre
Qui ne soit prisonnier de la fausse apparence.
Je soutiens contre tout chevalier téméraire
Votre éclat non parcil et votre précellence.
Chanson de la mort de Don Quichotte
Ne pleure pas Sancho, ne pleure pas mon bon
Ton maître n’est pas mort, il n’est pas loin de toi
Il vit dans une île heureuse
Où tout est pur et sans mensonges
Dans l’île enfin trouvée où tu viendras un jour,
Dans l’île désirée, O mon ami Sancho!
Les livres sont brûlés et font un tas de cendres
Si tous les livres m’ont tué il suffit d’un
Il suffit d’un pour que je vive
Fantôme dans la vie, et réel dans la mort
Tel est l’étrange sort du pauvre Don Quichotte

Mahler: Ich atmet einen linden Duft
Es otro de los Rückert Lieder de Mahler.
La orquestación de este Lied es transparente y brillante, consiste en vientos, trompa y arpa, violines, violas y celesta.
El poema utiliza el tilo como metáfora. El tilo, con sus olorosas hojas en forma de corazón, es una de las imágenes más potentes del amor dentro de la literatura alemana. El tilo es el árbol bajo el que se reúnen los enamorados y son protegidos por la naturaleza.
La música evoca ese olor, la delicada fragancia del tilo que el poeta asocia con su amor. El movimiento continuo de las cuerdas sugiere el tranquilo vuelo del olor a través del aire.
Las dos estrofas de la canción comparten melodías, pero el Lied no es estrófico. Por ejemplo, la primera línea vocal de la segunda estrofa retoma la segunda frase de la primera estrofa, pero Mahler reutiliza la desarrolla de otro modo. La introduce y luego continúa en un bellísimo diálogo con el oboe que regresa en el postludio instrumental de la canción.

Ich atmet’ einen linden Duft! Friedrich Rückert
Ich atmet’ einen linden Duft!
Im Zimmer stand
ein Zweig der Linde,
ein Angebinde
von lieber Hand.
Wie lieblich war der Lindenduft!

Wie lieblich ist der Lindenduft!
Das Lindenreis
brachst du gelinde!
Ich atme leis
im Duft der Linde
der Liebe linden Duft

Respiré un dulce perfume
¡Respiré un dulce perfume!
En mi habitación hay
una rama de tilo,
un regalo
de una mano querida.
¡Qué maravillosa era la fragancia del tilo!

¡Qué maravillosa es la fragancia del tilo!
La rama de tilo
que tú dulcemente recogiste.
Yo respiro suavemente
el aroma del tilo,
el aroma del amor.

Ginastera: Canción del árbol del olvido
Esta canción se apoya en un ritmo repetido de manera hipnótica en el piano. El ritmo es el de una forma tradicional llamada “vidalitá” (del quechua “lla” y de “vida”, significa “pequeña vida mía”), escrita en un compás de 6/8.

Canción del árbol del olvido
Fernán Silva Valdés
En mis pagos hay un árbol
que del olvido le llaman
donde va a despenarse, vidalitá
los moribundos del alma.

Para no pensar en vos,
bajo el árbol del olvido,
me acosté una nochecita, vidalitá
y me quedé bien dormido.

Al despertar de aquel sueño
pensaba en vos otra vez,
pues me olvidé de olvidarte, vidalitá
en cuantito me acosté.

Schubert and the Nocturne III (Price & Johnson)
An die Untergehende Sonne D 457 es una canción estrófica modificada en forma de rondó: las tres primeras líneas de la invocación que introducen el tema en mi bemol (A); un arioso lento en la bemol (B); se repite el tema (A); otro arioso pero esta vez más rápido (C); regreso al tema en mi bemol en la invocación final (A). El Lied es un himno de gratitud por la belleza del mundo.
Gondelfahrer D 808 es un nocturno en góndola por Venecia. La introducción tiene un gran sabor italiano en sus modulaciones de do mayor a la bemol. La melodía es una encantadora danza en 6/8. La línea grave del piano que dobla la voz en varios pasajes parece describir los misterios de la antigüedad de las piedras de Venecia. Doce acordes en la bemol describen las campanas de San Marcos. Después la música regresa de nuevo al do mayor para describir los sueños del gondolero.
En la introducción de Winterabend D 938 se describe maravillosamente la comodidad del hogar en un anochecer de invierno. El acompañamiento a lo largo de toda la canción va a sugerir la lluvia que golpea el tejado suavemente. Tiene también un efecto de tranquilidad hipnótica. La canción provoca esa sensación tan característica de la música de Schubert de melancolía y consuelo. Cuando el protagonista empieza a evadirse del mundo real, del ruido y de la gente, se produce una modulación de si bemol a sol mayor (“Wie tut mir so wohl”). El narrador está en la oscuridad hasta que aparece la luna (“nur der Mondenschein kommt”) y entonces hay otro cambio ahora a re mayor. La música lentamente regresa a la tonalidad original con lo que parece una recapitulación del tema inicial en “Ich sitze dann stumm”, pero en lugar de esto, en “denke züruck” hay un cambio de armonía. La repetición del inicio se produce en los dos últimos versos, cuando el protagonista recupera el recuerdo de su amada esposa, siempre viva en su memoria. Las palabras finales son repetidas en una octava más aguda, bajando en la palabra “sie” en una apoggiatura de un efecto conmovedor. La voz repite con gran elocuencia “und sinne”. En el posludio, el piano regresa finalmente al si bemol inicial.
Der Wanderer an den Mond D 870 tiene una melodía tan pura, sencilla y memorable que parece una canción tradicional que haya estado desde siempre en el acervo común. La voz empieza en la parte baja de la voz “Ich auf der Erd”, cuando dice “am Himmel du” es como si mirase al cielo y la melodía da un salto de una octava. En la tercera línea este contraste de tesitura sirve para diferenciar entre el vagabundo (“ernst und trüb”) y la Luna (“mild und rein”). La melodía de la segunda estrofa es igual a la de la primera, excepto las últimas tres notas, que resumen amargamente el destino del caminante (“Doch bin ich nirgend, ach! zu Haus”. En la tercera estrofa se produce un maravilloso cambio a sol mayor. Hasta ahora el acompañamiento ha consistido en acordes fuertemente acentuados, al principio de esta estrofa (“Du aber wanderst”) todo cambia cuando se produce esa modulación, que llena de suavidad a la canción. La envidia, la amargura y la infelicidad del caminante desaparecen ante su admiración de la Luna. La última estrofa es una mezcla entre la atmósfera terrenal del principio y la soñadora de la estrofa anterior.
Am Fenster D 878 trata sobre alguien encerrado entre los muros de un monasterio, que le sirven al mismo tiempo de prisión y protección. La canción está en fa mayor y la melodía tiene algunos momentos maravillosos: después de “wenn droben Vollmond ist” hay un interludio de gran belleza que sugiere la trasparencia de la luz; el cambio en la segunda estrofa a fa menor para describir el presente feliz; el esplendor del acompañamiento en la palabra “Lebensheiligtum”, que sugiere el toque de una campana; el comienzo de la estrofa final, que recuerda a Die junge Nonne por su fervor...
Der blinde Knabe D 833 es una muestra de que Schubert puede componer un Lied magnífico hasta basándose en el poema más mediocre. La música sugiere el orgullo, la fuerza y la independencia del niño, más que un lamento por su ceguera. La canción empieza con un preludio con un motivo de cuatro notas que se van a repetir después en el acompañamiento con el añadido de dos notas graves en staccato. La voz entra como dubitativa, intenta definir un concepto, la luz, y cuando lo nombra, se produce una modulación a mi bemol como si la palabra brillase misteriosamente. En la segunda estrofa, el sol se describe con una línea monótona, para describir que para el chico no existe. En la siguiente estrofa las analogías tradicionales para luz y oscuridad se revierten, la noche se canta en una nota más aguda y larga que el día. En la última estrofa, el cambio de ritmo en “so glücklich” revela el orgullo y autonomía del niño.
Die junge Nonne D 828 es una balada concentrada, de gran expresividad y poderoso dramatismo, en el que una joven monja lucha con la duda y la tentación y finalmente encuentra su refugio en el cielo. La melodía inicial en fa menor, ominosa, describe con precisión la tormenta. El viento y el toque de campana son descritos por un motivo que se repite a lo largo de la canción de distintas formas (incluyendo una variante en la línea vocal). La música sigue describiendo la tormenta, pero la tensión va creciendo continuamente. El acompañamiento en “un finster der Nacht” empuja la línea vocal y hace que crezca la excitación. Luego la voz desciende en semitonos con un efecto escalofriante en “wie das Grab”. En la tercera estrofa se produce una modulación a fa mayor, la súplica de la monja ha sido escuchada, y aunque la tormenta continúa fuera, desaparece su miedo (tanto de la tormentas de la naturaleza como de las de la vida). Escuchamos su éxtasis visionario, subrayado con el ritmo hipnótico de la música final que describe el sonido de la campana, grandiosa y conmovedora. El motivo de la tormenta continúa, pero ha perdido su poder intimidatorio.

Ich bin der Welt...

El tema de ese lied le sirvió a Mahler para su archi-famoso adagietto de su quinta sinfonía, la música de Muerte en Venecia, vaya.

Gabriel Fauré: “Après un rêve”
Esta canción fue compuesta sobre un poema anónimo italiano (“Levati sol que la luna è levata) traducido por Romain Bussine. Muchos críticos opinan que la canción es de estilo italiano, aunque las mayores influencias en la composición de canciones las recibió de sus maestros Niedermeyer y Saint-Saëns.
El texto describe un sueño en el que el narrador y su amada tienen un encuentro casi de otro mundo, y el deseo de regresar a ese sueño después de haberse despertado.
La canción está escrita en tono menor. Aunque ligero, el acompañamiento del piano impulsa en cierto modo a la canción. La línea vocal es ensoñadora y lánguida. El clímax, en la palabra “Hélas” es deslumbrante. La última palabra “mystérieuse” cierra de un modo introvertido la canción, con la voz en la nota más grave y en piano.

Après un rêve op.7/1
Dans un sommeil que charmait ton image
Je rêvais le bonheur, ardent mirage,
Tes yeux étaient plus doux, ta voix pure et sonore,
Tu rayonnais comme un ciel éclairé par l'aurore;

Tu m'appelais et je quittais la terre
Pour m'enfuir avec toi vers la lumière,
Les cieux pour nous entr'ouvraient leurs nues,
Splendeurs inconnues, lueurs divines entrevues,

Hélas! Hélas! triste réveil des songes
Je t'appelle, ô nuit, rends moi tes mensonges,
Reviens, reviens radieuse,
Reviens ô nuit mystérieuse!

Benjamin Britten: Serenade for tenor, horn and strings
En 1942 Britten conoce al trompista Dennis Brain, que le encarga una obra. El resultado fue esta Serenade, en la que envuelve una antología de seis poemas sobre el ocaso, la luz de la luna y el sueño con un preludio y un epílogo en los que la trompa toca armónicos naturales. Los textos de los poemas son de Cotton, Tennyson, Blake, Jonson, Keats y un terrorífico “Lyke-Wake Dirge” de autor anónimo. La atmósfera de las canciones es distinta de unas a otras: una, Hymn, es cómica, dos son escalofriantes y horribles, Elegy y Dirge, las restantes reflexivas. El tema principal de los poemas, además de la noche, es la muerte (salvo el de Jonson).
El Prologue en el que se escucha la trompa es delicado y apasionado, pero también sugiere cierta soledad, al escucharse ese instrumento sin ningún acompañamiento. El instrumento a veces da la impresión de sonar desafinado, con un efecto ligeramente escalofriante.
Pastoral (Cotton) es una canción con una melodía tierna, la voz y la trompa, en un dulce dueto, son acompañados por las cuerdas. La canción describe el anochecer, cae la noche y el mundo va a descansar. La canción está dividida en cuatro estrofas, y cada una es una variación de las otras. La atmósfera de la canción es melancólica y triste, y las referencias a que el mundo “is lead the way to rest” sugieren la muerte.
El tema de Nocturne (Tennyson) es de nuevo el ocaso, y también la muerte. La atmósfera tranquila y reflexiva de la canción es muy expresiva, y sugiere que la muerte no es trágica, sino que el sentimiento es más bien de una alegría melancólica. En esta canción la función de las cuerdas es proporcionar una base rítmica a la voz y la trompa. El momento en que la voz dice “dying, dying, dying” como en trance, seguido del solo de trompa es inolvidable y hermoso.
En Elegy (Blake) aparece por vez primera el horror y el peligro. La canción es fascinante y sombría: un gusano invisible vuela en la noche y destruye la belleza en un loco y apasionado amor. La música habla de heridas incurables, la trompa suena como un lamento. La canción está llena de disonancias y el tono es demoníaco y oscuro.
Dirge (anónimo) Es un canto fúnebre, una mezcla de admonición, para aquellos que todavía están entre los vivos, y de esperanza, para el alma de los muertos. La canción hace una continua variación del tema cantado por el tenor, salvo en la última estrofa, que es igual que la primera. El tono de la canción es terrible, la muerte es descrita con un ritmo implacable que no cesa nunca. Todo es peligro y terror. La frase “And Christ receive thy saule” suena como una amenaza más que como una promesa. La trompa tiene un sonido infernal, como las trompetas del Apocalipsis.
Hymn (Jonson) rompe con el tono tétrico de las dos canciones anteriores. Es una canción cómica y ligera, con la voz llena de coloraturas y la trompa con una melodía alegre.
Sonnet (Keats) es una oda al sueño. El poema habla de que estar consciente es desagradable, y suplica por la maravillosa inconsciencia, desea un sueño que es como la muerte, que libera de las cargas del mundo.
En el Epilogue vuelve a escucharse a la trompa en solitario.
Aquí podéis leer los textos en inglés
Pastoral Charles Cotton (1630-1687)
El día se hace viejo, al sol palideciente
no le queda sino un corto camino que recorrer,
y todavía sus corceles, con todo su arte
tiran apenas de su carro bajo la colina.

Las sombras ahora han crecido tanto,
que las zarzas parecen altos cedros;
las colinas parecen montañas, y la hormiga
parece un monstruoso elefante.

Un muy pequeño, pequeño rebaño
cubre con su sombra tres veces el suelo que ocupa,
en tanto que el pastor que los sigue
parece un poderoso Polifemo.

Y ahora todos se sientan en los bancos,
para estar sentados y charlar al fresco,
hasta que Febo, zambulléndose en el Oeste,
indique al mundo el camino al reposo.

Nocturne Alfred Lord Tennyson (1809-1892)
El esplendor caes sobre los muros del castillo
y las antiguas cimas nevadas:
la larga noche se agita a través de los lagos,
y la salvaje cascada salta a la gloria:
suena, corneta, suena, libera tus ecos salvajes,
corneta, suena; responded, ecos, responded, muriendo, muriendo, muriendo.

¡Escucha! ¡Escucha cuán fino y claro,
y más fino, más claro, llendo más lejos!
¡O dulces y lejanas, desde el acantilado y el barranco
suenan apagadamente las trompas de la tierra de los Elfos!
Suena, escuchemos a los valles púrpuras responder:
corneta, suena, responded, ecos, responded, muriendo, muriendo, muriendo.

Oh amor, ellos mueren allí bajo el rico cielo,
se desmayan en el monte, el campo o el río:
nuestros ecos ruedan de alma a alma
y crecen para siempre y para siempre.
Suena, corneta, suena, libera tus ecos salvajes,
corneta, suena; responded, ecos, responded, muriendo, muriendo, muriendo.

Elegy William Blake (1757-1827)
¡Oh rosa, estás enferma!
El invisible gusano
que vuela de noche,
en la furiosa tempestad,

ha encontrado tu lecho
de encarnada alegría:
y su oscuro y secreto amor
destruye la vida.

Dirge Anónimo (s.XV)
Esta misma noche, esta misma noche,
cada noche y todas,
el fuego y el agua y la luz de las velas,
y Cristo recibe tu alma.

Cuando de aquí hayas partido,
cada noche y todas,
a la tierra de tojos llegas al final,
y Cristo recibe tu alma.

Si nunca donaste calzas o zapatos,
cada noche y todas,
siéntate y póntelas,
y Cristo recibe tu alma.

Si ni calzas ni zapatos jamás donaste a nadie,
cada noche y todas,
los tojos te pincharán en el hueso desnudo,
y Cristo recibe tu alma.

Si de la tierra de los tojos te puedes marchar,
cada noche y todas,
al Puente del pavor llegas al fin,
y Cristo recibe tu alma.

Si del Puente del pavor te puedes marchar,
cada noche y todas,
al fuego del Purgatorio llegas al fin,
y Cristo recibe tu alma.

Si jamás diste carne o bebida,
cada noche y todas,
el fuego jamás te consumirá,
y Cristo recibe tu alma.

Si ni carne ni bebida jamás diste a nadie,
cada noche y todas,
el fuego te quemará hasta el hueso desnudo,
y Cristo recibe tu alma.

Esta misma noche, esta misma noche,
cada noche y todas,
el fuego y el agua y la luz de las velas,
y Cristo recibe tu alma.

Hymn Ben Jonson (1572-1637)
Reina y cazadora, pura y bella,
ahora el sol se tiende a dormir,
sentada en tu silla plateada,
trono mantenido como tú quieres:
Hespero suplica tu luz,
diosa excelentemente brillante.

Tierra, no dejes que tu sombra envidiosa
ose interponerse;
el orbe brillante de Cintia fue hecho
para iluminar el cielo cuando el día se acaba,
alegrémonos entonces con tu vista deseada,
diosa excelentemente brillante.

Deja a un lado tu arco de perlas,
y tu carcaj de brillante cristal,
deja al fugitivo ciervo
tiempo para respirar, aunque sea corto,
Tú que haces día de la noche,
diosa excelentemente brillante.

Sonnet John Keats (1795-1821)
O dulce embalsamador de la tranquila medianoche,
que cierras con cuidadosos y benignos dedos,
nuestros ojos amablemente a las tinieblas, preservados de la luz,
ensombrecidos en un olvido divino
¡O el más tranquilizador sueño! si tal es tu deseo, cierra
en medio de este fino himno mis deseosos ojos,
o espera el “Amén” antes de que tu amapola eche
sobre mi lecho su adormecedora caridad.
Entonces sálvame, o el día pasado brillará
sobre mi almohada, alimentando muchas penas,
sálvame de la curiosa consciencia, que aún ejerce
su fuerza en la oscuridad, horadando como un topo;
gira la llave hábilmente en las salas aceitosas,
y sella el silencioso cofre de mi alma.