Mozart: Als Luise die Briefe K 520
Esta canción está en un turbulento do menor. Es una canción de gran dramatismo en el que se describe perfectamente la intensa lucha que tiene lugar en la mente de la protagonista y su desesperación porque sus esfuerzos para olvidar a su amante son inútiles. La música tiene una pasión y un romanticismo que anticipan a Schubert. Se trata de un Lied durchkomponiert, es decir, la música es específica para cada una de las estrofas.
En la primera estrofa se nos presentan las intenciones vengativas de Luisa, con los dos acordes que abren la canción se describe la decepción amorosa.
En la segunda estrofa, cuando Luisa habla a la llama, pidiéndole que destruya las cartas y las canciones que le escribió su amante, se escuchan arpeggios nerviosos en el piano mientras la voz se expresa con un ritmo furioso y con agitación y hay una modulación en la música a mi bemol mayor.
El frenesí continúa hasta que Luisa expresa impotente su deseo de borrar también su amor, entonces se regresa a la tonalidad inicial de do menor.

Als Luise die Briefe ihres ungetreuen Liebhabers verbrannte (Gabriele von Baumberg)
Erzeugt von heißer Phantasie,
In einer schwärmerischen Stunde
Zur Welt gebrachte, geht zu Grunde,
Ihr Kinder der Melancholie!

Ihr danket Flammen euer Sein,
Ich geb' euch nun den Flammen wieder,
Und all' die schwärmerischen Lieder,
Denn ach! er sang nicht mir allein.

Ihr brennet nun, und bald, ihr Lieben,
Ist keine Spur von euch mehr hier.
Doch ach! der Mann, der euch geschrieben,
Brennt lange noch vielleicht in mir.

Cuando Luisa quemó las cartas de su amante infiel
Creadas por una fantasía ardiente,
en una hora arrebatadora
traídas a este mundo, ¡pereced
hijas de la melancolía!

Debéis a las llamas vuestra existencia,
así que os devuelvo al fuego,
con todas vuestras canciones arrebatadas,
porque ¡ay! él no me las cantaba a mí sola.

Os quemo ahora, y pronto, queridas
no quedará ni rastro vuestro aquí.
pero ¡ay! el hombre que os escribió,
quizás aún arda durante largo tiempo en mí.

Margaret Price canta los Ruckert-Lieder

Vistas mis intervenciones en este hilo se habrá podido comprobar que el Lied no es lo mío... no es que no me guste, es que lo desconozco por completo. Vamos, que apenas tengo algo de Schubert (fragmentos del Canto de cisne con F-D).
Pero en el Licu de Barna me compré un CD de Melchior y Flagstad, en el que vienen dos Wesendonck lieder: el nº 4 (Schmerzen) y el nº 5 (Träume). Yo pensaba que los Wesendonk los solían cantar sopranos (no me digais por qué...), así que cual fue mi sorpresa al escuchar la voz del siempre enorme Melchior cantándolos de forma impresionante. Pregunto: Es habitual que los canten también hombres, o suele ser más frecuente que lo canten mujeres.
Y ya puestos, aunque habeis hablado alfgo de ellos, no habeis puesto la letra. Y el Schmerzen me ha gustado muchísimo, así que me gustaría incorporarlo a mi repertorio. Alguien podría hacerme el favor de poner la letra?

Republico aquí lo que puse en el foro provisional:
DICHTERLIEBE
Schumann compuso este ciclo en el prolífico 1840, año en que compuso nada menos que ciento treinta Lieder. Dichterliebe utiliza dieciséis poemas del "Lyrisches Intermezzo", una parte del Buch der Lieder de Heine. Originalmente el ciclo incluía veinte canciones, pero cuatro se omitieron cuando se publicó la obra en 1844. Heine fue un poeta que se llamó a sí mismo el último romántico y el primer poeta moderno, que utilizó con maestría la imaginería y la simbología románticas, entrelazándolas con su carácter irónico y amargo.
El tema del ciclo no es tanto el amor no correspondido como la incapacidad de amar del poeta. Los poemas de Heine siguen un camino psicológico de creciente ironía. Así, los dos pirmeros poemas expresarían esperanza, del 3-6, felicidad, el 7 y el 8 desilusión, del 9-11 desesperación, del 12-15 recuerdo y el último resignación.
La parte del piano va a ser tan importante como la de la voz, en muchas de las canciones el piano lleva la melodía, y la unión entre la voz y el piano es magistral. La interconexión entre ambas partes hace que muchas veces el piano complete la línea vocal. Otras veces, el piano desvela la verdad que se esconde bajo la superficie del poema.
El poema inicial expresa una esperanza inocente del poeta de que su amor sea correspondido. Los dos primeros poemas: Im wunderschönen Monat Mai y Aus meinen Tränen spriessen utilizan una simbología optimista de capullos florecientes y cantos de pájaros. Sin embargo desde el principio la música de Schumann va a tener un sentido más ambiguo, al acabar las canciones con una nota disonante en la voz. Por ejemplo la primera canción termina en un acorde sin resolver, con lo que sugiere que el amor del poeta no será correspondido. El piano aquí es especialmente prominente, con un preludio y un interludio entre las dos estrofas, y un motivo hipnótico que se repite una y otra vez.
La melodía de Aus meinen Tränen spriessen está muy relacionada con la de la canción anterior. Ambas canciones están en mi. En el poema se evoca al ruiseñor, cuyo canto es símbolo de la llamada de la muerte.
En Die Rose, die Lilie, se cambia a re mayor. La canción es ligera, rápida, alegre. La línea vocal comienza antes que el piano, y éste tiene un bello posludio.
Wenn ich deine Augen seh está en sol mayor, la melodía recuerda levemente a las dos primeras canciones. En las frases finales de esta canción el piano empieza a reflejar la diferencia entre el deseo del poeta y su propia incredulidad en que ese deseo se cumpla.
Al llegar a la quinta canción (Ich will meine Seele tauchen), el poeta habla ya de su amada en tiempo pasado. En esta canción, así como en las dos siguientes, continúa la tensión entre un optimismo forzado y una creciente duda, que culmina en las imágenes de Ich grolle nicht, donde el tono es ya completamente irónico. En esta canción el acompañamiento consiste en un acorde repetido mientras la voz tiene un tono casi heroico. El texto es aparentemente duro, para ocultar el sufrimiento: "Te vi en un sueño y vi la oscuridad de tu alma y vi la serpiente que roe tu corazón. Vi, mi amor cuán miserable eres". La música de Schumann deja claro que es el poeta, no la amada, quien es miserable.
En los tres siguientes Lieder el poeta trata de hacer desaparecer la pesadilla de la traición de su amada. En Und wüssten's die Blumen, busca la simpatía y el consuelo de la naturaleza, en Da ist ein Flöten und Geigen se describen angustiosamente unos esponsales y finalmente en Hör ich' das Liedchen klingen el poeta encuentra en las lágrimas el desahogo.
De la rabia y el sufrimiento de estas canciones se pasa a la amargura. En Ein Jüngling liebt ein Mädchen asocia la visión de la boda a una cínica historia de un joven al que dejan plantado. El poeta hace suyo el destino del cuento y lo convierte en realidad, siendo él la víctima.
En Am leuchtenden Sommermorgen el poeta alucinando se imagina que la naturaleza lo conforta en su angustia y desesperación.
El poeta se da cuenta de la naturaleza ilusoria de su amor, y su fantasía trae sueños atormentados en Ich hab'im Traum geweinet y en Allnächtlich im Traume, donde mientras la voz canta su miseria, el piano trata de encontrar un consuelo.
En las dos últimas canciones Schumann y Heine rechazan la fantasía por una brutal honestidad. En Aus alten Märchen winkt es explora el encanto de los cuentos de hadas, para llegar a la triste conclusión de que los sueños casi siempre desaparecen como la niebla.
Al final en Die alten bösen Lieder, toda farsa, todo fingimiento, desaparecen, y el tono es de hastío. La música también tiene un ritmo más arrastrado e implacable, y también es implacable la negra parodia (el poeta pone sus obras en un féretro y lo hunde en el Rhin). Los arpeggios ascienden triunfalmente y de un modo fugaz se modula a modo mayor, para volver de nuevo a un amargo menor. El ciclo termina con un agridulce posludio, de hermosos y lentos arpeggios, que es una recreación del posludio de Am leuchtenden Sommermorgen y con el que sugiere la reconciliación y redención que hacen desaparecer el sufrimiento.

Textos: http://www.recmusic.org/lieder/assemble ... CycleId=15

Claude Debussy / Gabriel Fauré: Clair de lune
Es interesante comparar las composiciones tan distintas que Debussy y Fauré crearon sobre el mismo poema de Paul Verlaine.
En el poema "Votre âme est un paysage choisi", Verlaine invita a observar a un grupo de actores de la Commedia de l'arte, que intentan convencernos de que la ilusión es de hecho la realidad, con el argumento de que el alma es la mejor prueba de esto. Es un poema agridulce, melancólico.
Debussy compuso dos mélodies sobre este mismo poema, la segunda no es una revisión de la inicial, sino una canción completamente nueva. Si la primera es optimista y luminosa, la segunda es oscura, sombría y brumosa, está dominada por el modo menor y el acompañamiento va a evocar la naturaleza a través de notas largas, que se extienden como si se pudiese volar por el espacio natural que describen. El aspecto impreciso del poema se refleja en dos notas que se mezclan con un efecto disonante. Esta segunda versión es la más conocida, y se incluye en el primer libro de "Fêtes galantes".
La versión de Fauré es muy diferente, y su punto de partida son las canciones de los enmascarados, la línea vocal es inmutable, el acompañamiento tiene un estilo de minueto, salvo en el momento en que la voz exclama "Au calme clair de lune, triste e beau", en que se convierte en arpeggios, y luego regresa de nuevo al minueto.
Ambas versiones capturan la atmósfera enigmática y fugaz del poema.

Votre âme est un paysage choisi
Que vont charmants masques et bergamasques,
Jouant du luth et dansant, et quasi
Tristes sous leurs déguisements fantasques!

Tout en chantant sur le mode mineur
L'amour vainqueur et la vie opportune.
Ils n'ont pas l'air de croire à leur bonheur,
Et leur chanson se mêle au clair de lune,

Au calme clair de lune triste et beau,
Qui fait rêver, les oiseaux dans les arbres,
Et sangloter d'extase les jets d'eau,
Les grands jets d'eau sveltes parmi les marbres.

Vincenzo Bellini “Ma rendi pur contento”
para M
Esta es una canción melancólica escrita en la bemol mayor en la que se mezclan sencillez y lirismo. La melodía es la de la bella cavatina “Se Romeo t’uccise un figlio” de I Capuleti e i Montecchi. Empieza con unos acordes apagados en tono menor, que se transforman en arpeggios cuando empieza la línea vocal. La línea vocal se va volviendo cada vez más enfática y expansiva antes de volver a la sencillez del principio en los últimos acordes.

Ma rendi pur contento
della mia bella il core
e ti perdono, amore,
se lieto il mio non è.

Gli affanni suoi pavento,
più degli affanni miei,
perché più vivo in lei
di quel ch’io vivo in me.

http://www.youtube.com/watch?v=p-f9yIp3zCo

Mussorgsky: Canciones y Danzas de la Muerte
Este sombrío ciclo fue compuesto por Mussorgsky en 1877 para voz y piano. Los textos son obra del poeta y dramaturgo aficionado Conde Arseny Golenishchev-Kutuzov (1848-1913). En todos los poemas tiene lugar una conversación entre la Muerte y sus víctimas: un bebé, una joven mujer, un borracho y los soldados en el campo de batalla. El ciclo nació de la propia obsesión del compositor con la muerte. En 1962 Shostakovich orquestó estas canciones para Galina Vishnevskaya, que dijo “Me sorprendieron el alcance de las pasiones y la gran tragedia de todo el ciclo, las tremendas posibilidades para la metamorfosis del actor de un rol en otro”. Cada canción es casi una ópera, trágica, humana, con personajes vivos.

“Canción de cuna” retrata la vigilia de una madre temerosa por su hijo moribundo. Su diálogo con la muerte es conmovedor, pero de gran simplicidad. Escuchamos el insidioso refrán de la Muerte “bayushki, bayu, bayu” cuatro veces, mientras el piano sugiere el mecerse de una cuna. La Muerte anuncia “Yo insuflaré un sueño placentero al niño”, pero es una falsa confianza que oculta su verdadera intención, con su canción de cuna la Muerte atrae al niño hacia sí, con las palabras “Mira ahora, él duerme gracias a mi dulce canción”. El tema me recuerda un poco a Erlkönig.
La hipnótica “Serenade” describe a una mujer enferma a quien la Muerte se le aparece como un pretendiente. El caballero siniestro empieza un breve y horrible cortejo, sus halagos son un velo que solo se levantará al final, cuando la melodía se difumina en silencio, la Muerte se despoja de su disfraz con un grito triunfante y escalofriante “¡Quieta! ¡Eres mía”
El acompañamiento de “Trepak” se deriva del antiguo canto llano del Dies irae, que se puede escuchar en la Totentaz de Liszt, en la Sinfonía fantástica de Berlioz o en el Till Eulenspiegel de Strauss. El acompañamiento se convierte en el tema del baile tradicional “trepak” que baila la Muerte. En un bosque nevado, la Muerte se encuentra con un campesino borracho, al que le canta una canción hermosa y amable y baila con él hasta agotarlo y cubrirlo de nieve.
“El mariscal de campo” describe a la Muerte como un comandante fantasmal, orgulloso de sus victorias, cabalgando a través de escenas de muerte y devastación en el campo de batalla. Reune a sus víctimas leales para desfilar y para pasar revista. El tema marcial cita la canción patriótica polaca “Z dymen pozarow”.

Textos: http://www.recmusic.org/lieder/assemble ... ycleId=147

Los textos de los Wesendonck con traducción al inglés:
http://www.recmusic.org/lieder/assemble ... ycleId=287

Es más frecuente que lo canten mujeres, pero, p. ej., Richard Tauber tiene una grabación fantástica...

Yo se los oí cantar a Matthias Goerne

Schubert. Canciones sobre textos de Friedrich von Schiller
Schiller nació diez años después que Goethe en 1759, el año en que Voltaire escribió Cándido, en una época en que la Ilustración iba a dejar paso al romanticismo por la vía del Sturm und Drang. Los artistas nacidos en esta época estaban atrapados entre dos siglos con distintas prioridades y características: estaban capturados entre ser niños del viejo orden o jóvenes hombres del nuevo. Su primera obra significativa Die Räuber (Los bandidos), trató sobre el uso y el abuso de poder (como reacción ante la rígida deisciplina militar en la que fue educado) y apareció en el momento justo para impresionar a un público que ya podía sentir el cambio político en el aire y que ya estaba harto de las tiranías de los príncipes alemanes. Después de ser encarcelado tuvo que buscar refugio en Manheim y después en Turingia, donde trabajó en su siguiente obra Kabale und Liebe (sobre la que Verdi compuso Luisa Miller, igual que había basado I masnadieri en Die Räuber) En 1783 volvió a Manheim y publicó los tres primeros actos de Don Carlos, que fue inmediatamente uno de sus mayores éxitos. Esta obra tiene ya las que serán las principales características de las obras de Schiller a partir de entonces: una investigación histórica cada vez más detallada y la energía del verso. En 1787 visitó el epicentro literario de Alemania, la ciudadd de Weimar, donde fue recibido por Herder y Wieland. Entonces Goethe estaba ausente, en su famoso viaje italiano. Desde 1790 sus problemas de salud se intensificaron por su determinación a trabajar ignorándolos. Desde 1793 a 1801 trabajó en un estudio sobre la filosofía de Kant que encontró mucha oposición (del mismo Goethe) pero probó que era sin duda el igual intelectual de Goethe. En 1794 se produjo el milagro del encuentro entre los dos genios, que no podían ser más opuestos pero que se sintieron atraidos el uno por el otro desde el primer momento. En 1829 Goethe escribió “No sé lo que habría sido de mí sin el estímulo de Schiller”. La determinación de Schiller, su habilidad para desarrollar proyectos llevado por su ardiente idealismo, sus ánimos para que continuase el Fausto, rejuvenecieron al viejo Goethe. A cambio, Schiller se benefició de la perspectiva de Goethe, de su cosmopolitismo, su perspicacia y su ánimo. En los últimos años del s.XVIII se intercambiaron cartas que supusieron un coloquio inigualable entre dos grandes artistas. Espoleado el uno por el otro, escribieron una serie de baladas que serían musicadas por los más grandes compositores. Juntos escribieron Xenien, una de sus más famosas colaboraciones, epigramas satíricos que atacaban a los críticos y a las mediocridades de la época, que causaron furor. En esta última época Schiller escribió Wallenstein, Maria Stuarda, Die Jungfrau von Orleans y Wilhelm Tell. Cuando murió estaba trabajando en una obra sobre Dmitri y en otra sobre Perkin Warbeck, pretendiente al trono de Henry VII.
La primera versión de Die Entzückung an Laura (Encantado por Laura) D 390 tiene una melodía hermosa que fluye en largas líneas de lánguida sensualidad en un estilo belcantista que recuerda a Bellini.
En la segunda versión D 577, trata de describir y diferenciar con la música entre los distintos impulsos y afectos descritos en el texto. El acompañamiento inicial sugiere un galopar elevándose hacia el cielo, y la eufórica línea vocal se eleva aún más con este acompañamiento. La segunda mitad de la estrofa es completamente distinta, con un juego entre la voz y el piano sugerido por la mención de un espejo en el texto. Al principio de la segunda estrofa, unos arpeggios describen las liras y arpas del texto. De la segunda parte de esta estrofa se ha perdido el manuscrito de Schubert, y la música fue completada por Reinhard van Hoorickx. La tercera estrofa empieza con un motivo similar a la primera, pero cambiando la tonalidad del la menor original a re bemol. La segunda mitad de esta estrofa tiene un ritmo de baile frenético, que se extingue al principio de la cuarta estrofa con una nueva modulación a mi mayor y una línea vocal en forma de recitativo.
Das Geheimnis (El secreto) D 793 es la segunda versión que Schubert hizo de este texto. Se trata de una canción estrófica modificada. La melodía está inspirada en esa primera versión, pero la madurez del compositor la transforma en algo más exuberante. Los melismas que enriquecen la línea vocal sugieren un estilo italiano. El acompañamiento utilizado en la primera versión se mantiene al principio, corcheas alternando con silencios que sugieren un tímido acercamiento. Esta música se introduce en un preludio susurrante, que va a acompañar a la voz en las cuatro primeras líneas del poema. En la segunda parte de la estrofa tiene lugar la cita entre los amantes, y a la vegetación descrita por el poeta Schubert responde con un nuevo tipo de acompañamiento: tríadas y arpeggios que sugieren las hojas y las ramas de los árboles. La melodía es espléndida y crea la sensación de que el tiempo se ha detenido para los amantes. Entonces hay un interludio de gran belleza y romanticismo. En la segunda estrofa la música va a describir el golpear de los martillos, el ruido de la gente... En “So sauer” se va a producir una modulación a menor y la línea vocal se va a modificar ligeramente con respecto a la primera estrofa, para ajustarse con precisión a las palabras de Schiller. La segunda mitad de la tercera estrofa también va a estar en tono menor, para describir el contraste entre la felicidad de los amantes y la infelicidad del resto del mundo. En la estrofa cuarta, se modifica ligeramente el acompañamiento, transformando el motivo que describía las plantas en un motivo que describe el agua.
Die Bürgschaft D246 debe de ser la balada más conocida de Schiller (yo conozco a más de uno que se la sabe de memoria). Trata sobre un hombre que arriesga su vida para asesinar a un tirano, pero falla. En lugar de ser condenado y ejecutado inmediatamente por el tirano, se le permite acudir a una boda, dejando en su lugar a un amigo como fiador. La historia está llena de intriga y suspense. A Schubert le gustó tanto la historia que incluso la utilizó para componer una ópera (inacabada). La balada tiene una estructura ajustadísima y un sentido del ritmo genial, como si el cantante recitase excitado la historia, con lo que consigue que los oyentes por momentos no seamos conscientes de la música, pero continuemos enganchados con la historia que se nos está relatando.
Der Jüngling am Bache (El joven junto al arroyo) D 638 trata sobre un hombre melancólico que contemplando el regreso de la primavera, desea recuperar y volver a vivir la frescura y el dolor de la juventud. Este es el tercer intento de Schubert sobre este texto. La melodía está teñida de melancolía para reflejar la tristeza del poeta, pero tiene la suficiente energía como para sugerir la frescura de la juventud, por ejemplo en una línea vocal llena de melismas. La introducción es suavemente doliente. En “treiben in der Wellen Tanz” se produce una modulación fascinante, y también es muy hermoso el pasaje final de cada estrofa.
Der Pilgrim D 794 comparte similitudes con Die schöne Müllerin (además de haber sido compuestas en la misma época). Comparten el tema del viaje en busca de un nuevo destino; la música acuática; y a pesar de tener un inicio feliz, el idealismo y la esperanza desaparecen tanto al final de la canción como del ciclo. La primera sección (estrofas 1-4) presenta el optimismo del peregrino y su historia. La música de esta sección está inspirada por la coral de San Antonio (la misma que Brahms inmortalizó). Las estrofas 1 y 2 son idénticas, igual que las 3 y 4. Esta sección es lenta y contemplativa. La segunda parte (5,6) introduce obstáculos en el camino del peregrino, que está guiado por una búsqueda sin esperanza de la puerta dorada que une cielo y tierra. En la sexta estrofa se encadenan una serie de modulaciones que simbolizan el peligro del camino emprendido por el viajero. Las dos siguientes estrofas (7,8) introducen la música acuática. En la estrofa octava, la música refleja el sentido del texto, que todo el viaje ha sido en vano. En la última estrofa, cambia el tempo y la tonalidad de la canción, con lo que aumenta la intensidad. En la última frase “ist niemals hier!” hay una modulación a mayor, y el efecto es de una declaración triunfante, refleja la violenta alegría, casi locura, al encarar la cruda realidad.

1000 gracias.

Mahler: Lieder eines fahrenden Gesellen
El texto de estos Lieder es del propio Gustav Mahler, salvo el del primero, que es una mezcla de dos Lieder des Knaben Wunderhorn. Este ciclo fue el resultado de la relación infeliz entre el joven Mahler y una cantante Johanna Richter.
El “fahrender Gesell” que se traduce como caminante, se trata en realidad de un artesano que ha completado su aprendizaje y entonces comienza su viaje como trabajador itinerante, y se refiere al propio Mahler.
La obra fue terminada en 1885, en un principio con acompañamiento de piano, y aunque Mahler tenía intención de orquestarlos, no lo hizo hasta una década más tarde. Entre otras cosas porque estuvo ocupado con su Primera Sinfonía. Más tarde el propio Mahler dijo que su Primera Sinfonía también había tenido su génesis en ese affaire con Richter, y en ella el compositor tomó prestado material de los Lieder. La versión de piano y la orquestal tienen diferencias en los ritmos y en la parte vocal.
Mahler escribió sobre esta obra “La idea de las canciones como un todo es que un caminante, que ha sido golpeado por el destino, se marcha por el mundo adelante, viajando donde quiera que el camino lo lleve...”. Ese camino no es recto, y no conduce necesariamente al hogar. Esto se expresa de un modo brillante en la estructura de la obra, con las peregrinaciones del héroe reflejadas en las tortuosas tonalidades de las canciones. La primera pasa de re menor a sol menor, la segunda de re mayor a fa bemol mayor, la tercera de re menor a mi sostenido menor y la cuarta de mi menor a fa mayor. Al caminante se le deniegan tanto en la música como en el texto, la satisfacción y la comodidad del pasado.
El aprendiz del título es un arquetipo, el héroe engañado, víctima inocente del destino, que vaga sin destino buscando olvidar sus penas (Wanderlied), y cuya historia de amor no correspondido recuerda a los ciclos de Schubert (como en las referencias a los ojos azules de su amada o al tilo bajo cuyas ramas finalmente encuentra la paz) El contraste entre la belleza de la naturaleza y la desesperación del corazón humano es otro de los temas del ciclo.
En la primera canción “Wenn mein Schatz Hochzeit macht”, el decorado rústico es audible inmediatamente en la música de baile nupcial y en el trino de los pájaros, que se diferencian claramente de los lamentos del héroe, que empieza encerrado en sí mismo, pero no puede evitar abrirse de nuevo con frases cada vez más amplias que expresan su dolor. La canción es un ejemplo de la influencia del folklore de su país natal en la música del compositor. El motivo principal es una melodía bohemia que se encuentra también en las obras de Dvorak y Janacek. Es un grupetto que se repite una y otra vez a lo largo de la canción.
En “Ging heut morgen übers Feld” (que Mahler reutilizó en la Primera Sinfonía), la maravillosa mañana de verano consigue que el héroe olvide su tristeza. El motivo del Lied anterior se escucha de nuevo, pero esta vez se recuerda de un modo alegre en “Guten Tag”. El acompañamiento es una explosión de sonidos de la naturaleza y brillantes fanfarrias de pájaros, sólo al final el contraste de su infelicidad con tanta belleza se hace insoportable, y la música refleja esto con una coda de gran belleza.
“Ich hab’ ein glühend Messer” es el clímax emocional, la agitación se expresa por medio del registro de la voz, de un re grave a un sol agudo, con el cromatismo desolador y punzante de los graves y con frases breves puntuadas por pausas. Después de un interludio, la estrofa central es más tranquila (“Wenn ich in dem Himmel seh”), y en la versión orquestal dos trompas representan la visión de los ojos azules. La canción termina con un sepulcral posludio en mi sostenido menor.
La última canción “Die zwei blauen Augen von meinem Schatz” , en la que utiliza también música popular, empieza como una marcha fúnebre, pero termina con una liberación emocional, con una mágica melodía final en fa mayor. Al final, la marcha fúnebre se convierte en un eco distante. Esta canción, igual que todo el ciclo, tiene una atmósfera de resignación serena, como toda la obra de Mahler, que está presidida por la idea de que existe un mundo mejor que será un refugio y un consuelo para los afligidos.

Versión de Fischer-Dieskau
http://youtube.com/results?search_query ... rch=Search

B_alonsoes, no sé si conoce la faceta liderista de
Alexander von Zemlinsky, pero le recomiendo el siguiente cd:



Zemlinsky, A., Lieder aus dem Nachlass (Posthumus Songs)

Ruth Ziesak, Sopran
Iris Vermillion, Mezzo-Sopran
Hasns-Peter Blochwitz, Tenor
Andreas Schmidt, Bariton
Cord Garben, Klavier

Si le interesa puedo pasar por su casa , seguro que encontrará
en´él algún motivo de satisfacción.

URLICHT -"Des Knaben Wunderhorn"

Hace mucho tiempo que no paso por este lugar y me alegra saber que todo está tal y como lo recuerdo. Gracias a todos.
Al grano.
Este verano he estado revisando todas las composiciones de Mahler que han ido cayendo en mis manos y he descubierto una maravilla en un tema del ciclo "Das Knaben Wunderhorn" (El muchacho del cuerno mágico) que no suele interpretarse junto con el ciclo... no sé si por ser el tema de la segunda sinfonía (Resurrección) del compositor bohemio; la titulada "Urlicht" (Luz primera, primordial o luz pristina, según las traducciones). Es un hermoso poema que comienza con un canto soñador y evocador iniciado por las trompetas y que la voz junto a las cuerdas, eleva hacia un triste, pero esperanzado recuerdo al sufrimiento del hombre. Las maderas se encargan de serenar y llevar ese canto hacia el climax de la primera estrofa (momento muy delicado y que pone el vello de punta).
La ultima estrofa (precedida por un motivo repetido por el oboe) rechaza la idea de estar sin Dios y provoca una ascensión iniciada por el violín que no es más que la busqueda de una luz divina que concede la gloria eterna.
Si alguna vez, Mahler fué delicado y anhelante, pudo ser en esta breve pero intensa pieza.
He buscado en el famoso ciclo de Schwarzkopf (recordada)/Dieskau/Szell para Emi; pero no aparece (lástima). Tan sólo en la integral Bernstein con la siempre genial (otra lástima) Popp, aparece esta pieza y naturalmente en todas las versiones de la segunda sinfonía. Ludwig/Bernstein, Rossl-Majdan/Klemperer, Baker/Barbirolli, etc.

El texto es:

Urlicht

O Röschen rot!
Der Mensch liegt in größter Not!
Der Mensch liegt in größter Pein!
Je lieber möcht ich im Himmel sein.
Da kam ich auf einen breiten Weg;
da kam ein Engelein und wollt' mich abweisen.
Ach nein! Ich ließ mich nicht abweisen!
Ich bin von Gott und will wieder zu Gott!
Der liebe Gott wird mir ein Lichten geben,
wird leuchten mir bis an das ewig selig Leben!

La traducción:

Luz Primordial

¡Oh, pequeña rosa roja!
¡Los hombres sufren gran necesidad!
¡Los hombres sufren con gran pena!
He estado alejado del cielo.
Venía por un ancho camino,
cuando un angelito intentó hacerme retroceder.
¡Oh, no! ¡Rechacé regresar!
¡Provengo de Dios y regresaré a Dios!
El misericordioso Dios me dará una lucecita,
¡para iluminar mi camino hacia la eterna gloria!

PD:Edito, porque he puesto a las sopranos en las citas discograficas.