Función del 6 de abril de 2024.

En el Teatro Real hemos vivido un invierno memorable, con tres producciones de óperas del siglo XX que han encandilado al público y crítica. Ahora es el Teatro de la Zarzuela quien recoge el testigo del Real, con una reposición de una ópera contemporánea: Juan José, la ópera que el maestro Pablo Sorozábal no pudo estrenar en vida, y cuyo estreno escénico (aunque había sido estrenado en concierto en 2009 en San Sebastián) fue en este mismo teatro y con esta misma producción, en 2016.

Sorozábal se había interesado por la clásica obra teatral de Joaquín Dicenta, estrenada con éxito en 1895, una obra de denuncia ambientada en un mísero barrio de Madrid, donde se narra la tragedia de Juan José, un obrero huérfano al que nadie ha querido nunca, y de Rosa, la única persona que le ha querido,y que sufrirá los celos tóxicos de este hombre, que le llevan a controlarla a cada momento y finalmente a maltratarla. En una época donde este trato a la mujer era común, este patrón también se repite en la pareja formada por Andrés y Toñuela, los únicos amigos de Juan José. La única salida de Rosa es el joven Paco, quien se interesa por ella sinceramente, aunque necesite la ayuda de la siniestra alcahueta Isidra. En este ambiente sin esperanza, de miseria cíclica, los personajes, sin recursos ni educación, luchan por sobrevivir. Esta historia escrita hace casi 130 años mantiene, por desgracia su vigencia en la actualidad. Incluso en una época como la nuestra, cuando se concientiza lo máximo posible sobre la violencia de género, hay muchos Juan Josés y Rosas en todo el mundo, incluso en este Madrid que hoy es capital de un país desarrollado.

Sorozábal tardó once años en componer la música de esta obra, finalizándola en 1968, pero como ya se ha dicho antes, tras un estreno previsto para 1979 que se frustró, solo pudo estrenarse en concierto en 2009 en San Sebastián, y no fue hasta 2016 cuando pudo escenificarse. El Sorozábal tan alegre de La del Manojo de Rosas y La Tabernera del Puerto, no se reconoce en esta música, que oscila entre lo expresionista, con trazos atonales, en el primer acto, verista en el segundo y lírico en el último cuadro del tercero, especialmente en la bella introducción orquestal que lo precede. Aun así, es una obra que no renuncia a lo español, con ritmos que resultan familiares y que relajan la tensión, como el chotis en el dúo de Rosa y Paco o la Habanera en el aria de Andrés. La soledad y el trágico destino de los protagonistas, junto a la por momentos lúgubre y complicada música, podrían hacer pensar, salvando las distancias, en el tremendo Wozzeck de Alban Berg. Ambos trágicos protagonistas obreros son barítonos, sus parejas y víctimas femeninas son sopranos, y los terceros en discordia, ambos mejor posicionados, son tenores. Ambos tienen un amigo llamado Andrés, aunque el de Berg es un tenor y el de esta obra un bajo, Wozzeck y Juan José no tienen esperanza, aunque el español tiene peor genio que el alemán.

La puesta en escena de José Carlos Plaza intensifica, con ayuda de la escenografía e iluminación de Paco Leal, las pinturas expresionistas en blanco y negro de Enrique Marty, el movimiento escénico de Denise Perdikidis que muestra a los amigos de Paco como desarrapados que reptan por el escenario, y el colorido pero necesariamente feo vestuario de Pedro Moreno; el ambiente de miseria, oscuridad y desesperanza donde transcurre la trama. Esta ambientación llega a sumergir al espectador en el mundo asfixiante y paupérrimo de Juan José, haciendo que la decoración expresionista termine por ser, paradójicamente, un realismo agobiante, algo que casa con la historia. El primer acto es una lóbrega taberna, con las botellas pintadas al fondo, pero con poco más decorado que la barra y unas mesas, todo lo demás es un negro intenso. El segundo acto es la buhardilla donde viven los protagonistas, donde se ven pintadas las ventanas de la habitación y al fondo, los tejados de la ciudad, en tonos grises que recuerdan a las escuelas pictóricas de la época de Dicenta y de la juventud de Sorozábal. El tercer acto es curiosamente el más iluminado: la cárcel tiene una curiosa iluminación azul, aunque en las paredes aparecen pintada una fila de prisioneros, que parecen más bien fantasmas. En la última escena, aparece la pintura de un candelabro, esta vez colorido, y unos muebles, que representan la más cómoda vivienda de Paco.

El veterano maestro Miguel Ángel Gómez Martínez se pone a la batuta de la Orquesta del Teatro de la Zarzuela, que si bien parece que por momentos se pasa de volumen, la potente música se presta tanto a ello que permite hacer pasar por alto algún exceso, viéndose compensada por la brillantez de las cuerdas en el comienzo del acto segundo o en el bello interludio del tercer acto, pero en términos generales ha sido impactante.

Juan Jesús Rodríguez impresiona en el rol protagonista con su potente voz de barítono y su porte, recreando al violento, inseguro protagonista, deslumbrando especialmente en el tercer acto, en su desgarradora escena al leer la carta de Andrés.

La gran soprano Saioa Hernández en el rol de Rosa vuelve a ganarse al público con su bella voz, tan rica en tonalidades, dando una interpretación conmovedora en el segundo acto, en la línea de las grandes heroínas veristas que suele interpretar.

Alejandro del Cerro interpreta a Paco, con su voz caudalosa de tenor, desenvolviéndose bien en la música, e incluso sorprendiendo al prolongar durante largo rato su última nota al final del dúo de Rosa y Paco (Entre primero la gracia de Dios).

Simón Orfila está excelente como Andrés, tanto a nivel de voz como interpretación, siendo capaz de resultar hasta gracioso en su romanza del segundo acto, imitando la voz femenina en tono burlón, dentro de lo que le permite su agresivo personaje. Vanessa Goikoetxea igualmente deslumbra como Toñuela, una deliciosa voz de soprano, que además muestra excelentes agudos en el acto segundo. María Luisa Corbacho interpreta a Isidra, la alcahueta, con una voz potente pero bastante nasal en varios momentos. Notable Luis López Navarro como el prisionero Cano.

No es esta la más popular obra de Sorozábal, algo en lo que pudieron confluir diversas causas, como la época en la que fue compuesta, las dificultades para estrenarla, o la dureza de música y argumento, que además en el primer acto tiene guiños a la denuncia política. Pero la impresión que uno se lleva tras escucharla es que esta ópera tiene potencial no solo para formar parte del repertorio lírico español, sino también el internacional, pese a sus características eminentemente madrileñas, que no la hacen fácilmente interpretable para cantantes no hispanohablantes, debido a su poderosa trama y su poderosa música. Esperamos que al menos el público, que aunque no llena el aforo, esté disfrutando y reconociendo la maestría de la obra, a la que el Teatro de la Zarzuela hace justicia con esta reposición.

Encuentro inexplicable la reposición de este título tan árido que, diga la leyenda negra lo que diga, está lejos de contarse entre lo mejor de Sorozabal: pinchó en su recuperación en concierto, no causó especial revuelo en su estreno escénico hace ocho años; y, ahora, aunque con gran elenco, no parece que vaya a ser el hit de la temporada.
Cuando se estrenó me pareció una obra aburridísima, lejos del genio de su compositor. Y la verdad no me quedó demasiada curiosidad por volver a adentrarme en ella. Sin ir muy lejos, Adiós a la Bohemia en mi opinión la supera con creces, bajo cualquier punto de vista: cuenta algo semejante pero con música más lírica e inspirada, y en un formidable ejercicio de concisión que, ni por asomo, se encuentra aquí.
Celebro el buen nivel de estas funciones, llenas de gente estupenda en sus repartos.

Pues yo celebro esta reposición y lo que encuentro inexplicable, desde mi punto de vista, es que Juan José no se represente en todos los Teatros españoles.
Estupendas funciones de ambos repartos con dos ejemplos de exuberancia vocal comandando el primero

Brutal representación, en todos los sentidos. Supongo que no es la música preferida del público habitual de la Zarzuela, por lo que siendo generosos había unos dos tercios de entrada; que sin embargo aplaudieron generosamente la representación. Es todo tan sórdido, duro y emocional que al final se te hace hasta difícil aplaudir. Entiendo que es lo que se pretende. Muy buen nivel de voces en general.

Si esta obra fuese de un tal Solorhausen, se titulase "Johannes Joseph" y estuviese cantada en tedesco, alguno estaría criticando no su representación sino su imperdonable olvido.

Joaquín Dicenta fue un personaje de lo que entonces se llamaba “la vida bohemia”. Mujeriego, noctámbulo, gran bebedor, aventurero, ateo confeso, y concejal del Ayuntamiento de Madrid por el partido republicano. Periodista y escritor, su mejor obra es Juan José, un drama de denuncia social estrenado en 1895. Se inscribe en el movimiento literario del naturalismo (su equivalente en ópera sería el verismo) y anticipa lo que en 1904 será ese gran monumento literario que entregará Pío Baroja en su trilogía La lucha por la vida.

En cuanto a Pablo Sorozábal, un gran músico a todas luces, compuso su ópera homónima a partir del drama de Dicenta y estuvo a punto de estrenarla en 1979. Fracasó en su empeño y la pregunta pertinente es ¿por qué fracasó su Juan José?

Primera razón.- En España en 1979 la ópera y la zarzuela estaban postergadas y mal vistas. Subsistían apenas dos reductos de aficionados. En Barcelona los socios del Liceu, que tenían un palco heredado del abuelito; en Madrid ni siquiera había una casa de ópera y los pocos aficionados hacían cola nocturna para pillar una entrada en el Teatro de la Zarzuela. Ningún personaje de la vida política, social o cultural de entonces se hubiera dejado ver en una ópera o en una zarzuela. Eran los años de la transición, y sus líderes pensaban que la zarzuela era una cosa casposa y sobre la ópera pensaban lo mismo que pensaba el capitán Haddock sobre Bianca Castafiore: ¡menudo rollo!

Quienes marcaban las nuevas tendencias culturales (los críticos, escritores y musicólogos nucleados en torno al periódico El País) no tenían a la ópera y la zarzuela entre sus prioridades. Más bien todo lo contrario. Hubo que esperar a que aparecieran dos grandes artistas, Luciano Pavarotti y Plácido Domingo, para que la ópera volviera a conectar con el gran público y se salvara de su extinción como género artístico, hasta entonces tachado de decadente y socialmente nocivo. Nunca agradeceremos bastante a los tres tenores lo que hicieron por la ópera, cantando en estadios de futbol y en las Termas de Caracalla.

Domingo, el gran tenor de la democracia, consiguió que el gran público se aficionara a la ópera, cosa que al aristocrático Kraus nunca le interesó. A partir de ahí la cosa cambió. El Teatro Real reabrió sus puertas en 1997 como casa de ópera, y ahora no hay famoso ni famosa que no desee asistir al estreno de cualquier título y posar en el photocall.

Sorozábal llegó demasiado pronto, con unos veinte años de adelanto, esa es la realidad.

Segunda razón.- En España en 1979 un drama como Juan José no interesaba en absoluto a quienes dirigían la política cultural desde las instancias oficiales, Ministerio de Cultura, etc.

Eran años ilusionantes. Se había alcanzado la democracia, se había estrenado una nueva Constitución. El objetivo era entrar en la Unión Europea y ser un país moderno. Juan José no era políticamente correcto. Un dramón sórdido de obreros depauperados y capataces que abusan de sus empleadas no era de recibo en un país en el que Marcelino Camacho, liberado de la prisión, era Diputado del Congreso, firmaba los Pactos de La Moncloa y era recibido por el Rey.

La sórdida España de finales del S. XIX no interesaba nada a la alegre España de 1979. A Sorozábal (que tenía ya 82 años) le acompañaron hasta la puerta del despacho y le dijeron que su obra era muy interesante pero que no se estrenaría.

Saludos

Juan José acaba de componerse en 1969 y Pablo Sorozabal no encontrará en aquella España de finales del franquismo ninguna posibilidad de dar salida a una ópera proletaria y que bebía directamente de una obra que se había convertido en símbolo del socialismo en los primeros años del siglo XX. Y eso a pesar de que Pablo Sorozabal, autor del libreto, da mucho más realce al drama personal que al político.

He de reconocer, pese al sesgo político de la referencia a El País, que son interesantes las observaciones del señor Lord Cacahuete al respecto de las posibles circunstancias que impidieron el estreno de Juan José en 1979. Una pena, porque Sorozábal la consideraba su mejor obra, desde luego tiene todo el potencial, como ya he dicho, para ponerse al mismo nivel de las grandes óperas de la segunda mitad del siglo XX, donde escasean los títulos en nuestro idioma.

Tampoco creo que una obra con un primer acto plagado de referencias a la crítica a lo político, y una ópera donde explícitamente se trata el tema del maltrato a la mujer, cuando era aún en 1968, y 1979 algo que "se trataba en casa" hubiese convencido a la élite española del desarrollismo y la Transición, sobre todo está última época donde no faltaba la violencia.

Durante el acto segundo, de hecho, lo pasé mal viendo la miseria de unos personajes incapaces de buscar trabajo, ya que pertenezco a una generación que durante su plena juventud, los últimos 2000, no encontraba empleo. De ahí que esta obra no haya perdido un ápice de su vigencia aunque nuestro nivel de vida sea superior que en la época de Dicenta.

Está claro que no es una obra como las que el público del TZ, creo, quiere ver.

A mí lo que me ha sorprendido de la música es lo moderna que resulta, y el primer acto me ha parecido demasiado moderno para lo que solemos asociar con este género, una música que podría acompañar a una película dramática, pero que tampoco desentonaría en una programación con música de Berg, a quien a veces me recordaba en dicho acto. El segundo ya se acerca a un lenguaje que nos es más familiar, y de hecho pensaba mucho en la música verista, tan bonita e injustamente denostada por muchos aficionados y eruditos. Y es el más intenso dramáticamente.

Lo que me llamó la atención fue que pese a la dureza de Juan José y Andrés, en algunos momentos resultaban graciosos, pero esta también es una obra donde se saca como pocas, el tema del maltrato a la mujer, hoy conocido como violencia de género. La amiga con la que iba, muy sensibilizada y que conoce del tema, me comentó algo cierto: se ven todas las "red flags" (hoy la juventud habla así) que deja un maltratador. Como Wozzeck, Juan José despierta la justa compasión por sus circunstancias, pero para el espectador moderno no puede generar una total empatía debido al trato que le da a Rosa, que era nocivo hasta para esa época, pese a que Toñuela, quien también sufre violencia por parte de Andrés, le aconseja quedarse con ese hombre que la ama. Hay amores que matan. Toñuela sería esa víctima que habría aceptado esa situación y la justifica, perpetuándola. Rosa quiere librarse de esas ataduras, y lo paga con su vida.

De hecho, entre Toñuela y la Alcahueta, al menos yo, estoy más de acuerdo con la alcahueta. Aún interesada, aconseja mejor a Rosa porque sabe lo que le espera con Juan José. Ella también está fuera de la sociedad por querer ser libre. Otra cosa espeluznante para un espectador contemporáneo, es cómo, pese a ser un buen amigo, Andrés también es un maltratador. Tan común era tratar a la mujer en esta época cuando "se portaba mal". Toñuela y Andrés son los que perpetúan ese tóxico patriarcado de principios del siglo XX en Occidente.

Es una obra incómoda porque todos esos patrones se siguen viendo en nuestra sociedad aunque los disimulemos mejor. Juan José es más oscuro que Wozzeck, quien ya está desequilibrado desde el inicio. Rosa está más atada a él que Marie a Wozzeck y tiene más protagonismo y es más interesante psicológicamente que la alemana. Al menos Sorozábal quiere dar una esperanza a Rosa, con Paco, quien ama sinceramente a Rosa y parece buena persona. El Tambor Mayor sólo quiere a Marie para sexo y pasar el rato. El Madrid de 1900 es igual que la Alemania de 1830, un pozo sin fondo de miseria. Al no tener mucho que envidiar a Wozzeck, y al ser más asequible para el gran público que este, una de las más grandes óperas del siglo XX, de ahí que crea en su potencial.

La codicia, el favoritismo y la ceguera a la realidad en Lear.
La soledad y el abandono en La Voz Humana y Erwartung.
La mayor tragedia de la historia europea en La Pasajera.
Y la violencia que emerge de la pobreza en Juan José.

El público de Madrid está de enhorabuena. Nunca habíamos tenido tanta calidad seguida en repertorio del siglo XX, durante tanto tiempo y creo que hasta el público más tradicional no había disfrutado tanto de óperas "modernas" y tan seguido.

De enero a abril, Madrid ha sido una fiesta.

Don Angel Parsifal, me alegro mucho de que mis modestas observaciones le parezcan interesantes. Gracias.

Voy a discrepar amablemente de lo que usted llama "sesgo político" de mi referencia al diario "El País".
No hay sesgo político alguno, sino mera descripción de hechos históricos. La ópera es cultura y los grandes medios de comunicación influyen mucho en el gusto del público porque tienen una línea editorial cultural, lo mismo que tienen una línea editorial política o una línea editorial económica, etc.

Sobre la influencia y la hegemonía cultural de El País en la España de la transición y en las décadas posteriores hay escritas muchas tesis doctorales. Fíjese que el actual presidente del Teatro Real figura entre los fundadores del periódico. No se trata de visiones simplistas de "periódicos de izquierdas" y "periódicos de derechas", sino de líneas editoriales culturales, que son más complejas. Fíjese que el periódico del que hablamos hace unas décadas defendía y publicitaba la fiesta de los toros con verdadera energía. Ahora los toros han desaparecido... La vida cambia.

Le sugiero que lea las memorias de Adolfo Marsillach y lo que tuvo que penar para poner en marcha la Compañía Nacional de Teatro Clásico. A los críticos teatrales del periódico (al frente de los cuales estaba Haro Tecglen) no les gustaba que se invirtieran esfuerzos en reflotar a Calderón y a Tirso. Pensaban que la nueva España no debía mirar a su pasado, sino al futuro y apostar por los nuevos autores. El País publicó un editorial durísimo contra la iniciativa de reflotar el teatro clásico y cuenta Marsillach que el ministro de Cultura le llamó a su despacho, aterrorizado por el editorial. Al final ganó Marsillach, y gracias a él tenemos una Compañía de Teatro Clásico que da gloria verla.


Saludos

¿"Sesgo político" en una referencia a uno de los diarios más importantes de este país? De traca, las estupideces que hay que leer.
Un nuevo patinazo político de angelparsifal en el foro. Y van unos cuantos este mes... Relájese, don angelparsifal. Aquí venimos a hablar e una cosa banal como es la ópera. Para apreciaciones políticas hay otros lugares; pero este no es uno.
Y comparar una obra maestra universal como Woyzzeck, una de las diez óperas más notables del siglo XX, con Juan José creo que sencillamente no tiene mucho sentido. Woyzzeck (me permito corregir la errata de Berg al editar el título y recuperar el de la obra original) es superior bajo cualquier punto de vista.
A ver si empezamos a asumir de una vez que no hay una corriente potente de ópera española, nunca la ha habido aunque algunos se empeñen en afirmar lo contrario. Y no pasa nada.